Lors de l'exposition de Éric Luc MAQUET, Envol onirique, du 29/03 au 4/05 à la galerie Marc Minjauw à Bruxelles, le week-end du 20 et du 21 avril, Éric Luc MAQUET sera présent à la galerie les deux jours de 15H à 18H pour rencontrer les visiteurs et les collectionneurs et partager avec eux, le verre de l’amitié. Chaque visiteur recevra le catalogue édité pour l'exposition.

Éric Luc MAQUET Sculpture "Envol onirique" Solo show

No area of Belgium has undergone such a radical process of transformation as the North Sea coast. This transformation is a story of demolition, construction, reconstruction in an effort to withstand the elements and respond to the challenges of the economy, transport, fishing, and above all tourism. Ecological, economic and industrial challenges meet here with the amazement or admiration of visitors, the carefreeness of tourists, and the nostalgia of old settlers. In the rhythm of the tides, everything is connected by an endless tide, on a unique background where the border between the sea and the sky blurs.

Temporary views

<div>Exposition collective témoignant de la volonté des artistes à se réapproprier le medium photographique lors de leur processus de création.Nicolas Andry (BE), Pepe Atocha (PE), Sylvie Bonnot (FR), Aliki Christoforou (BE), Dana Cojbuc(RO), Antoine De Winter (BE), Gundi Falk (AT), Marina Font (AR), Lior Gal (IL), Audrey Guttman(BE), Romane Iskaria (FR), Morvarid K (IR), Kíra Krász (HU), Douglas Mandry (CH), Alice Pallot(FR), Raphaëlle Peria (FR), Luc Praet (BE), Anys Reimann (DE), St</div>

UNIQUE - Beyond photography

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Works by german artists Doris Schälling and Jörg Enderle
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Expo avec des oeuvres des artistes allemand Doris Schälling and Jörg Enderle
 ********** Nederlands ********** 
Tentoonstelling met werken van de duitse kunstenaars Doris Schälling and Jörg Enderle

Réassurance

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The exhibition group project "Why our bodies should end at the skin ? » brings together several visual artists around the theme of the female body. The title of the exhibition is borrowed from philosopher and professor Donna Haraway and her "Manifeste Ciborg" (Cyborg Manifesto). Some of the project's artworks place the viewer in a situation of discomfort by representing a constrained body that's sometimes disguised, suffocated, hidden or hybridized. These different moments created by the artists all refer to rituals experienced that a female body will experience at different stages of life. They also express the taboos that arise from them. These plastic proposals with their unsettling sensuality materialize the problems of a generation of women who contradict dominant representations.
 ********** Français ********** 
Le projet d’exposition collective « Why our bodies should end at the skin? », rassemble plusieurs artistes plasticiennes autour de la thématique du corps féminin. Le titre de l’exposition est emprunté à la philosophe et professeure Donna Haraway et à son « Manifeste ciborg ». Certaines des œuvres mettent le spectateur dans une situation d’inconfort en représentant un corps contraint, tour à tour déguisé, étouffé, caché, hybridé. Ces différents moments qu’ont choisis les artistes de rendre visibles, renvoient tous à des rituels éprouvés par le corps féminin à différentes étapes de la vie ainsi que les tabous qui en découlent.

Why should our bodies end at the skin?

********** English ********** 
Why…Not! is a quarterly photographic magazine, digital and printed, initiated by the ASBL Cultures & Publics. The magazine engages in co-creation on the subjects of Utopia, the urban landscape, the night, the body... And more generally on the impact of the photographic and literary medium in the construction of aesthetic and social relationships. With the release of No. 1, la Maison Commune presents an exquisite corpse of works around the theme “Siphoning minds”. Come discover the work of our contributors from Monday April 18 at 6 p.m. ! The exhibition, visible until May 7, will end with an evening of artistic and literary performances on from 6 p.m. to 10 p.m.
 ********** Français ********** 
Why…Not! est une revue photographique trimestrielle, numérique et imprimée, initiée par l’ASBL Cultures & Publics.  Projet protéiforme, la revue s’engage dans une co-création sur les sujets de l’Utopie, le paysage urbain, la nuit, le corps… Et plus globalement sur l’impact du médium photographique et littéraire dans la construction du lien esthétique et social. À l’occasion de la sortie du n°1, la Maison Commune, lieu d’occupation de Cultures & Publics, présente un cadavre exquis d’oeuvres autour du thème « Siphonner les esprits ».  Venez découvrir le travail de nos contributeurs à partir du lundi 18 avril à 18h ! L’exposition, visible jusqu’au 7 mai, se terminera sur une soirée de performances artistiques et littéraires de 18h à 22h.

Why...Not! #1 Opening Night and Magazine Launch

********** Nederlands ********** 
Een zintuiglijke, visuele en sonische reis door de ruimte van de kapel van Boondael. Virgile Loiseau en Marie Anne Truffino combineren hun respectieve praktijken om een meeslepende installatie van geluid en beelden te creëren. Marie Anne exposeert vier series monotypes (een graveertechniek) op een metalen apparaat dat in de ruimte in rondingen wordt gemoduleerd, terwijl Virgile een geluidswerk verspreidt via een systeem van luidsprekers. Elk van hun werken ontvouwt zich als een stroom van beelden en geluid, waardoor we de kans krijgen om organische variaties te zien en te horen. 
 ********** Français ********** 
Une promenade sensorielle, visuelle et sonore, à travers l’espace de la chapelle de Boondael. Virgile Loiseau et Marie Anne Truffino associent leurs pratiques respectives pour proposer une installation immersive d’images et de son. Marie Anne expose quatre séries de monotypes (une technique de gravure) sur un dispositif en métal modulé en courbes dans l’espace, tandis que Virgile diffuse un travail sonore réparti dans un système d’enceintes. Leurs œuvres se déroulent chacune comme un flux donnant à voir et à entendre des variations organiques.
 ********** English ********** 
A sensory, visual and sonic journey through the space of the Boondael chapel. Virgile Loiseau and Marie Anne Truffino combine their respective practices to create an immersive installation of sound and images. Marie Anne exhibits four series of monotypes (an engraving technique) on a metal device modulated into curves in the space, while Virgile broadcasts a sound work distributed through a system of loudspeakers. Each of their works unfolds like a flow of images and sound, giving us the chance to see and hear organic variations.

Séquences organiques

********** English ********** 
CIVA is pleased to present the first monographic exhibition honoring the life, work, and legacy of the Chinese-born Belgian architect Simone Guillissen-Hoa (1916–96). A proponent of modernist architecture, Guillissen-Hoa was one of the first women to establish her own architecture firm in Belgium. Her career and personal life constantly defied the barriers and conventions of gender, race, and religion. Her life spanned the major events of the twentieth century, from the early onset of the Chinese Revolution to the resistance in occupied Belgium and through postwar reconstruction. In the 1950s, she was a member of the Soroptimist Association, a women’s-rights advocacy organization, and in the 1970s, she became involved in the creation of the International Union of Women Architects. The exhibition both records her architectural projects and, through a wide array of archival materials, presents her reflections on architecture, her battles and more broadly, her professional and private life. By delving into Guillissen-Hoa’s artistic circle, comprised of figures such as Léon Spilliaert, Alfred Roth, Max Bill, Enrico Castellani, Tapta, Henry and Nele van de Velde, the exhibition explores the influences and collaborations that shaped her artistic and intellectual journey. A newly commissioned film by artists Eva Giolo and Aglaia Konrad is central to the exhibition, showcasing several of Guillissen-Hoa’s buildings and the utilization, adaptation, and translation of modernist forms and concepts. With works by: Max Bill, Enrico Castellani, Pierre Cordier, Jacques Dupuis, Eva Giolo and Aglaia Konrad, Mayou Iserentant, Alfred Roth, Josine Souweine, Léon Spilliaert, and Tapta. An extensive public program on feminism and architecture is being developed in collaboration with Apolline Vranken (researcher in residence at CIVA, 2023–24). With talks by Véronique Boone, Beatriz Colomina, Bianca Felicori, Florencia Fernández Cardoso, Jane Hall, Sol Pérez Martínez, Lucía C. Pérez Moreno, Léa-Catherine Szacka and many more. The exhibition marks the occasion of the donation of the Fonds Simone Guillissen-Hoa to CIVA Collections, Brussels. Curators: Silvia Franceschini and Yaron Pesztat
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Le CIVA a le plaisir de présenter la première exposition monographique consacrée à la vie, à l'œuvre et à l'héritage de l'architecte belge d'origine chinoise Simone Guillissen-Hoa (1916-1996). Promotrice de l'architecture moderniste, elle a été l'une des premières femmes à créer son propre bureau d'architecture en Belgique. Sa carrière et sa vie personnelle ont constamment défié les limites et les conventions liées au genre, aux origines et à la religion. Sa vie a traversé les événements majeurs du XXe siècle, des prémices de la Révolution chinoise à la Reconstruction d'après-guerre, en passant par la Résistance en Belgique occupée. Dans les années 1950, elle a été membre de l'association Soroptimist, une organisation de défense des droits des femmes, et dans les années 1970, elle a participé à la création de l'Union Internationale des Femmes Architectes. L'exposition présente tout à la fois ses projets architecturaux, ses réflexions sur l'architecture, ses combats, ainsi que sa vie professionnelle et privée, et ce, à travers un large éventail de documents d'archives. En pénétrant dans le cercle artistique de Guillissen-Hoa, composé de personnalités telles que Léon Spilliaert, Alfred Roth, Max Bill, Enrico Castellani, Tapta, Henry et Nele van de Velde, l'exposition explore les influences et les collaborations qui ont façonné son parcours artistique et intellectuel. Au centre de l'exposition, un film réalisé spécialement par les artistes Eva Giolo et Aglaia Konrad, présente plusieurs bâtiments de Simone Guillissen-Hoa et met en évidence la manière dont l'architecte utilise, adapte et traduit les éléments du langage moderniste. Avec des œuvres de : Max Bill, Enrico Castellani, Pierre Cordier, Jacques Dupuis, Eva Giolo et Aglaia Konrad, Mayou Iserentant, Alfred Roth, Josine Souweine, Léon Spilliaert et Tapta. Un vaste programme public sur le féminisme et l'architecture est développé en collaboration avec Apolline Vranken (chercheuse en résidence au CIVA, 2023-24). Avec des conférences par Véronique Boone, Beatriz Colomina, Bianca Felicori, Florencia Fernández Cardoso, Jane Hall, Sol Pérez Martínez, Lucía C. Pérez Moreno, Léa-Catherine Szacka et bien plus. L'exposition marque la donation du Fonds Simone Guillissen-Hoa aux Collections du CIVA, Bruxelles. Curateurs : Silvia Franceschini et Yaron Pesztat
 ********** Nederlands ********** 
CIVA is verheugd de eerste solotentoonstelling te presenteren die hulde brengt aan het leven, het werk en de nalatenschap van de in China geboren Belgische architecte Simone Guillissen-Hoa (1916-96). Deze voorvechtster van de modernistische architectuur was een van de eerste vrouwen die in België een eigen architectenbureau oprichtte. In haar carrière en persoonlijke leven daagde ze onophoudelijk de barrières en conventies van gender, ras en religie uit. Haar leven overspande de sleutelgebeurtenissen van de twintigste eeuw, van de eerste aanzetten tot de Chinese Revolutie tot het verzet in bezet België en de naoorlogse wederopbouw. In de jaren 1950 was ze lid van de Soroptimist Association, een organisatie die opkomt voor vrouwenrechten en in de jaren 1970 was ze betrokken bij de oprichting van de International Union of Women Architects. De tentoonstelling belicht haar architecturale projecten en, aan de hand van een brede waaier aan archiefmateriaal, ook haar bespiegelingen over architectuur, de debatten en strijd die ze voerde, en meer in het algemeen haar professionele en private leven. Via een onderdompeling in Guillissen-Hoa’s artistieke kring, waarin we figuren als Léon Spilliaert, Alfred Roth, Max Bill, Enrico Castellani, Tapta, Henry en Nele van de Velde aantreffen, verkent de tentoonstelling de invloeden en samenwerkingen die haar artistieke en intellectuele parcours vorm hebben gegeven. Centraal in de tentoonstelling staat een nieuwe film die de kunstenaressen Eva Giolo en Aglaia Konrad in opdracht maakten; hij toont verschillende realisaties van Guillissen-Hoa en hoe die de modernistische vormen en concepten hanteren, aanpassen en vertalen. Met werk van Max Bill, Enrico Castellani, Pierre Cordier, Jacques Dupuis, Eva Giolo & Aglaia Konrad, Mayou Iserentant, Alfred Roth, Josine Souweine, Léon Spilliaert en Tapta. In samenwerking met Apolline Vranken, onderzoekster in residentie bij CIVA voor 2023-2024, wordt een uitgebreid publieksprogramma over feminisme en architectuur uitgewerkt. Met lezingen door Véronique Boone, Beatriz Colomina, Bianca Felicori, Florencia Fernández Cardoso, Jane Hall, Sol Pérez Martínez, Lucía C. Pérez Moreno, Léa-Catherine Szacka en meer. De schenking van het Fonds Simone Guillissen-Hoa aan de CIVA-collecties in Brussel vormt de aanleiding tot deze tentoonstelling. Ze werd gecureerd door Silvia Franceschini en Yaron Pesztat.

Simone Guillissen-Hoa

Modesti Perdriolle Gallery présente un solo show de Samantha McEwen, artiste anglo-américaine née à Londres en 1960, avec un ensemble d'œuvres des années 1980 à nos jours. A cette occasion sera lancée la première monographie dédiée à la vie et à l'œuvre de Samantha McEwen publiée par 5 Continents Éditions. Samantha McEwen arrive à New York à l’âge de 18 ans. Elle s’inscrit à la School of Visual Arts où elle sympathise avec l’un des étudiants, Keith Haring, puis Kenny Scharf. New York est alors un village où tous les artistes se côtoient. Samantha participe à la vie intense de l’East Village. Elle collabore à de nombreuses expositions aussi bien dans des Clubs qu’à la galerie Tony Schafrazi en 1985 et 1987. La fin des années 1980 est marquée par le Sida. New York devient une ville où l’on ose plus demander des nouvelles de ses proches. Samantha se réinstalle à Londres. Ce ne sont pas des années faciles pour les artistes femmes. Il faudra attendre les années 2010 pour voir à nouveau des peintures de Samantha McEwen dans des lieux renommés, en 2015 à la Pace Gallery de Londres dans une exposition de groupe en hommage au grand marchand anglais Robert Fraser et en 2017 au MoMA dans l’exposition témoignage 'Club 57, Film, Performance, and Art in the East Village, New York, 1978-1983'. Samantha McEwen arrive à New York à l’âge de 18 ans. Elle s’inscrit à la School of Visual Arts où elle sympathise avec l’un des étudiants, Keith Haring, puis Kenny Scharf. New York est alors un village où tous les artistes se côtoient. Samantha participe à la vie intense de l’East Village. Elle collabore à de nombreuses expositions aussi bien dans des Clubs qu’à la galerie Tony Schafrazi en 1985 et 1987. La fin des années 1980 est marquée par le Sida. New York devient une ville où l’on ose plus demander des nouvelles de ses proches. Samantha se réinstalle à Londres. Ce ne sont pas des années faciles pour les artistes femmes. Il faudra attendre les années 2010 pour voir à nouveau des peintures de Samantha McEwen dans des lieux renommés, en 2015 à la Pace Gallery de Londres dans une exposition de groupe en hommage au grand marchand anglais Robert Fraser et en 2017 au MoMA dans l’exposition témoignage 'Club 57, Film, Performance, and Art in the East Village, New York, 1978-1983'.

Samantha McEwen - 'Works from the 1980's to the Present'

********** English ********** 
Together with architect Sébastien Tripod and graphic & floral designer Deborah Robbiano, choreographer and researcher Sara Manente is creating an installation around the fertile ruin, based on fungal imagery. Having previously created architectural fungi columns, they now aim to imagine an entire theatre in collaboration with fungi and molds. The theatre turns into a compost in which process equals products and things are not stable but rather in constant decay and regrowth. A situation creating space for questions, metaphors and images around contamination and finality. Is every encounter a form of contamination? Is every performance a ruin that could bring fruit?Manente invites makers and thinkers at a number of moments to activate the installation in different ways. Clara Lévy's and Victor Guaita's concert takes place on 17 May and further programming will be announced in the spring. Together with Pilar and VUB Crosstalks, Kaaitheater presents this exhibition as part of A Series of More-than-human Encounters. This project highlights different ways of being and alternative forms of knowledge. With the forest, the mountains and the deep sea as our thinking partners, we invite you to come and discover what is hidden behind the horizon of human knowledge.  Towards a Ruined Theater is also part of Pilar's KunstxScience programme and VUB Crosstalks. • Sara Manente studied dance and semiotics before coming to Brussels, where she works as an artist and researcher. Her projects start from the images and matter of living cultures and fungi in relation to performing arts. In different formats, she reflects on the possible contagion/transfer between pedagogy, research, performance and publication.• Deborah Robbiano is a multidisciplinary artist who works with found objects, both natural and man-made, to create vegetal sculptures, sets and installations. In her work, she lets chance encounters and the longevity of plants guide her process. Each element is abstracted from its original form and purpose. This shift allows her to celebrate the ephemerality in the many stages of vegetal transformation.• Sébastien Tripod graduated from the Joint Masters in Architecture of the University of Applied Sciences and Arts of Western Switzerland and the Luca School of Arts in Ghent. He collaborates with various groups for projects in residence, advocating environmental and social ecology. Closely associated with the knowledge of craftsmanship, interested in traditional building techniques and the use of low technology, he works as an independent architect, based in Lausanne since 2018.
 ********** Français ********** 
Avec l'architecte Sébastien Tripod et la designeuse graphique et florale Deborah Robbiano, la chorégraphe et chercheuse Sara Manente crée une installation autour de la fécondité des ruines basée sur des images de moisissures. Après avoir créé des colonnes de champignons architecturales, iels veulent imaginer un théâtre entier avec le concours de champignons et de moisissures. Le théâtre se transforme en un compost dans lequel le processus est égal aux produits et où les choses ne sont pas stables, mais plutôt en constante décomposition et repousse. Cette situation crée un espace propice à susciter des questions, métaphores et images autour de la contamination et de la finitude. Chaque rencontre est-elle une forme de contamination ? Chaque performance est-elle une ruine féconde ? Manente invite les créateur·ices et les penseur·euses à activer l'installation de différentes manières. Le 17 mai, vous pourrez assister au concert Repetition/Erosion de Clara Lévy et Victor Guaita. Le 22 mai, l'expo sera clôturé avec The Performance of Funga, une conversation entre Giuliana Furci, Sara Manente, Augusto Corrieri et Eylül Fidan Akıncı.En collaboration avec Pilar et VUB Crosstalks, le Kaaitheater présente cette exposition dans le cadre de A Series of More-than-human Encounters. Ce programme met en lumière différentes manières d'être et des formes alternatives de connaissance. En utilisant la forêt, les montagnes et les profondeurs de la mer comme partenaires de réflexion, nous vous invitons à venir découvrir ce qui se cache derrière l'horizon de la connaissance humaine. Towards a Ruined Theater fait également partie du programme KunstxScience de Pilar et de VUB Crosstalks. • Sara Manente a étudié la danse et la sémiotique avant de s'installer à Bruxelles, où elle travaille comme artiste et chercheuse. Ses projets partent des images et de la matière des cultures vivantes ainsi que des moisissures, qu’elle met en lien avec les arts de la scène. Sa réflexion porte sur la contagion/ transfert potentielle entre la pédagogie, la recherche, la performance et la publication, et ce sous différents formats. • Deborah Robbiano est une artiste pluridisciplinaire qui travaille avec des objets trouvés, naturels ou fabriqués par l'homme, pour créer des sculptures, des décors et des installations végétales. Dans son travail, elle se laisse guider par le hasard des rencontres et la longévité des plantes. Chaque élément est abstrait de sa forme et de sa fonction d'origine. Ce décalage lui permet de célébrer l'éphémère dans les multiples étapes de la transformation végétale.• Sébastien Tripod est diplômé du Master commun en architecture de la Haute école des sciences appliquées et des arts de Suisse occidentale et de la Luca School of Arts de Gand. Il collabore avec divers groupes pour des projets en résidence, prônant l'écologie environnementale et sociale. Étroitement associé à la connaissance de l'artisanat, intéressé par les techniques de construction traditionnelles et l'utilisation des basses technologies, il travaille en tant qu'architecte indépendant, basé à Lausanne depuis 2018.
 ********** Nederlands ********** 
Samen met architect Sébastien Tripod en grafisch & floral designer Deborah Robbiano maakt choreograaf en onderzoeker Sara Manente een installatie rond de vruchtbare ruïne, op basis van schimmelbeelden. Nadat ze eerder al architecturale zwammenzuilen maakten, willen ze nu een volledig theater verbeelden in samenwerking met zwammen en schimmels. Het theater verandert in een compost waarin het proces gelijk is aan het product en de dingen niet stabiel zijn, maar in voortdurend verval en wedergroei. Deze situatie creëert ruimte voor vragen, metaforen en beelden rond besmetting en eindigheid. Is elke ontmoeting een vorm van besmetting? Is elke performance een vruchtbare ruïne? Manente nodigt op een aantal momenten makers en denkers uit om de installatie op verschillende manieren te activeren. Op 17 mei kan je er het concert Repetition/Erosion van Clara Lévy en Victor Guaita bijwonen. Op 22 mei sluiten we de expo af met The Performance of Funga, een gesprek tussen Giuliana Furci, Sara Manente, Augusto Corrieri en Eylül Fidan Akıncı.Samen met Pilar en VUB Crosstalks presenteert Kaaitheater deze tentoonstelling in het kader van A Series of More-than-human Encounters. Dit programma belicht verschillende manieren van zijn en alternatieve vormen van kennis. Met het bos, de bergen en de diepzee als onze denkgenoten nodigen we je uit om te komen ontdekken wat er achter de horizon van de menselijke kennis verborgen ligt.Towards a Ruined Theater maakt ook deel uit van het KunstxWetenschap-programma van Pilar en VUB Crosstalks. • Sara Manente studeerde dans en semiotiek voor ze naar Brussel kwam, waar ze werkt als kunstenaar en onderzoeker. Haar projecten vertrekken vanuit de beelden en materie van levende culturen en schimmels in relatie met podiumkunsten. In verschillende formats reflecteert ze over de mogelijke besmetting/overdracht tussen pedagogie, onderzoek, performance en publicatie. • Deborah Robbiano is een multidisciplinair kunstenaar die met zowel natuurlijke als door de mens gemaakte gevonden voorwerpen, werkt aan vegetale sculpturen, decors en installaties. In haar werk laat ze toevallige ontmoetingen en de levensduur van planten haar proces leiden. Elk element wordt geabstraheerd van zijn oorspronkelijke vorm en doel. Deze verschuiving maakt het mogelijk om de vluchtigheid in de vele stadia van vegetale transformatie te vieren. • Sébastien Tripod studeerde af aan de Gezamenlijke Master in Architectuur van de Universiteit voor Toegepaste Wetenschappen en Kunsten van West-Zwitserland en de Luca School of Arts in Gent. Hij werkt samen met verschillende groepen voor residentieprojecten, waarbij hij milieu- en sociale ecologie bepleit. Sébastien voelt zich nauw verbonden met de kennis van vakmanschap, is geïnteresseerd in traditionele bouwtechnieken en in het gebruik van lage technologie. Hij werkt als zelfstandig architect en is gevestigd in Lausanne sinds 2018.

Pilar

Towards a Ruined Theater

NL/ Op 25 april 1974 maakte een vreedzame staatsgreep die uitgroeide tot een volksrevolutie een einde aan de dictatuur in Portugal en de koloniale oorlogen in Afrika. Kom de geschiedenis van de Portugese democratische transitie en het einde van de kolonisatie ontdekken via de tentoonstelling De Anjerrevolutie gezien vanuit België. FR/ Le 25 avril 1974 un coup d’état pacifique devenu révolution populaire, a mis fin à la dictature au Portugal et aux guerres coloniales en Afrique. Nous vous invitons à découvrir l’histoire de la transition démocratique du Portugal et de la fin de la colonisation à travers de l’exposition 'La Révolution des illets vue de Belgique'. EXPO 16.04>31.05 (visits weekdays 9:00-20:00) VERNISSAGE do/je 18.04 (19:00-23:00) - gratis/gratuit + 20:30 concert Ensemble 'A alma e o vento' (liederen die de strijd en het verzet van de Portugezen tegen de dictatuur illustreren / des chansons qui illustrent la lutte et la résistance des portugais à la dictature) Org. Federação Associações Portuguesas Bélgica

GC Elzenhof

Expo De Anjerrevolutie I La Révolution des oeillets

********** English ********** 
The animal kingdom has long been a source of inspiration for both the visual arts and jewellery. True to their philosophy of wearable contemporary jewellery, but also driven by a sense of humour and the offbeat, Hectare's gallery owners have selected six artists from near and far to put wildlife in the spotlight. Bestiaire Star ventures into disturbing, surprising and seductive territory, populated by hybrid creatures. The creations of Miriam Arentz, Monika Brugger, Benedikt Fischer, Lore Langendries, Märta Mattsson and Vivienne Varay play on attraction and repulsion, without avoiding the question of the materials used: imitated or real, reinvented or recycled. The bestiary - an educational picture book - becomes a cabinet of curiosities. Where the trivial is adorned with the precious, where the object becomes a story, where the familiar is hijacked and emboldened to the brink of the strange. Hectare's Bestiaire Star exhibition is part of the Be.Tour for the second edition of Brussels Jewellery Week from 25 to 28 April 2024. A festival that highlights contemporary jewellery and brings together 15 Brussels and international galleries.
 ********** Français ********** 
Le règne animal inspire de longue date tant les arts visuels que les éléments de parure. Fidèles à leur philosophie du bijou contemporain portable, mues aussi par un sens certain de l’humour et du décalage, les galeristes d’Hectare ont sélectionné six artistes d’ici et d’ailleurs pour mettre la faune à l’honneur. Bestiaire Star s’aventure dans des territoires inquiétants, surprenants, séduisants, peuplés d’hybrides créatures. Les créations de Miriam Arentz, Monika Brugger, Benedikt Fischer, Lore Langendries, Märta Mattsson et Vivienne Varay mettent en jeu l’attraction et la répulsion, sans esquiver la question des matériaux convoqués: imités ou véritables, réinventés ou recyclés. Le bestiaire – cet imagier à visée éducative – se mue ici en cabinet de curiosités. Où le trivial se pare de précieux, où l’objet devient histoire, où la familiarité détournée s’enhardit jusqu’à tutoyer l’étrange. L’exposition Bestiaire Star d’Hectare s’inscrit dans le Be.Tour de la seconde édition de la Brussels Jewellery Week du 25 au 28 avril 2024. Un festival qui met en lumière le bijou contemporain et qui regroupe 15 galeries bruxelloises et internationales. 
 ********** Nederlands ********** 
Het dierenrijk is al lang een bron van inspiratie voor zowel de beeldende kunst als sieraden. Trouw aan hun filosofie van draagbare hedendaagse sieraden, maar ook gedreven door gevoel voor humor en het onconventionele, hebben de galeriehouders van Hectare zes kunstenaars van heinde en verre geselecteerd om wilde dieren in de schijnwerpers te zetten. Bestiaire Star begeeft zich op verontrustend, verrassend en verleidelijk terrein, bevolkt door hybride wezens. De creaties van Miriam Arentz, Monika Brugger, Benedikt Fischer, Lore Langendries, Märta Mattsson en Vivienne Varay spelen met aantrekking en afstoting, zonder de kwestie van de gebruikte materialen uit de weg te gaan: nagemaakt of echt, opnieuw uitgevonden of gerecycled. Het bestiarium - een educatief prentenboek - wordt een rariteitenkabinet. Waar het triviale wordt opgesierd met het kostbare, waar het object een verhaal wordt, waar het vertrouwde wordt gekaapt en uitvergroot tot het randje van het vreemde. De tentoonstelling Bestiaire Star van Hectare maakt deel uit van de Be.Tour voor de tweede editie van de Brussels Jewellery Week van 25 tot 28 april 2024. Een festival dat hedendaagse juwelen in de kijker zet en 15 Brusselse en internationale galerijen samenbrengt.

Bestiaire star

********** English ********** 
Since 2012, Louidgi Beltrame has been conducting research in Peru which has led him to investigate the Nazca geoglyphs and film the practice of José Levis Picón Saguma, a curandero (traditional healer or shaman). Through films, photographs, ink drawings on canvas, and a sculpture produced for his exhibition at La Loge, the artist explores the liminal figure of the huaquero ('clandestine grave digger'). By maintaining links with the past, huaquería—or clandestine excavation—could be seen as a form of resistance to colonisation and a forced, rational interpretation of the world. Here, traditions, spirits, and ancestors are kept alive by owing to transactional gestures and the transmission of knowledge. The exhibition at La Loge is presented in partnership with le Centre d’art contemporain d’Ivry — le Crédac.
 ********** Français ********** 
Depuis 2012, Louidgi Beltrame développe une recherche au Pérou, laquelle l’a mené à expérimenter les géoglyphes de Nazca, ou à filmer la pratique du curandero (guérisseur traditionnel ou chamane) José Levis Picón Saguma. À travers des films, des photos, des encres sur toile et une sculpture, produits pour l’exposition présentée à La Loge, l’artiste s’intéresse à la figure liminale du huaquero (« fouilleur de tombes clandestin »). La huaquería — c’est-à-dire la fouille clandestine — pourrait être perçue comme une forme de résistance à la colonisation et à l’imposition d’une lecture rationnelle du monde, en permettant d’assurer des liens avec le passé. Ici, entre les gestes de transactions et les transmissions de savoirs, traditions, esprits et ancêtres demeurent vivant·es.
 ********** Nederlands ********** 
Sinds 2012 doet Louidgi Beltrame onderzoek in Peru. Zo onderzocht hij de geogliefen van Nazca en filmde hij de praktijk van de curandero (traditionele genezer of sjamaan) José Levis Picón Saguma. De tentoonstelling in La Loge richt zich aan de hand van films, foto's, inktwerken op doek en een sculptuur, op de liminale figuur van de huaquero, een persoon die illegale opgravingen uitvoert op precolumbiaanse vindplaatsen. Huaquería – of clandestiene opgraving – kan worden gezien als een vorm van verzet tegen de kolonisatie en tegen het opdringen van een rationele kijk op de wereld , omdat het de banden met het verleden behoudt. Hierdoor blijven tradities, geesten en voorouders levend, te midden van het uitvoeren van transacties en het overdragen van kennis.

Louidgi Beltrame - 'La huaca llora'

********** English ********** 
“The recent works (2023-2024) presented here explore the many potentialities of painting, while opening up to other techniques such as drawing, embroidery and ceramics. Her work is ever-changing and multi-faceted. The artist plays with the material components of her works, such as the canvas, the frame and the support for her paintings, which she twists, turns and metamorphoses endlessly. A gradual conquest towards other dimensions, other potential spaces beyond the imposed framework.” – Catherine Henkinet
 ********** Français ********** 
“Les œuvres récentes (2023-2024) ici présentées déclinent les nombreuses potentialités qu’offre la peinture tout en s’ouvrant à d’autres techniques : le dessin, la broderie, la céramique. Son travail est sans cesse changeant, protéiforme car l’artiste joue avec les composantes matérielles de ses œuvres comme la toile, le châssis ou le support de ses peintures qu’elle détourne, retourne et métamorphose à l’envi. Une conquête progressive vers d’autres plans, d’autres espaces possibles hors du cadre imposé. ” – Catherine Henkinet
 ********** Nederlands ********** 
"De recente werken (2023-2024) die hier worden gepresenteerd verkennen de vele mogelijkheden van de schilderkunst, terwijl ze zich ook openstellen voor andere technieken zoals tekenen, borduren en keramiek. Haar werk is steeds veranderend en veelzijdig. De kunstenaar speelt met de materiële componenten van haar werken, zoals het doek, het frame en de drager van haar schilderijen, die ze eindeloos verdraait, draait en metamorfoseert. Een geleidelijke verovering naar andere dimensies, andere potentiële ruimtes buiten het opgelegde kader." - Catherine Henkinet

Nina Tomàs - 'Candy Floss Planet'

NL / De Elsense geologe Marie Anne Maniet toont een reeks foto’s over de Maalbeekvallei. Met haar foto's wil ze de aanwezigheid van dit verdwenen water en de vallei opnieuw laten voelen. FR / La géologue ixelloise Marie Anne Maniet présente une série de photos sur la vallée de Maelbeek. Avec ses photos, elle souhaite faire sentir à nouveau la présence de cette eau évaporée et de la vallée. Vernissage 27.04 18:00 Gratis/Gratuit Expo: 27.04 > 31.05 Visits on weekdays 09:00-20:00

Expo 'Het Antropoceen langs de Maalbeek'

********** English ********** 
Given the tremendous challenge facing us—namely preserving the habitability of the earth for future generations, how do creators, artists and designers, engage in thinking and practices that reinvent our ways of existing in today’s world? Co-curated by Nathalie Guiot and Yann Chateigné Tytelman, the exhibition brings together 37 artists and designers to explore new narratives of transition and new ways of conceiving and producing in the face of depleting planetary resources. In dialogue with works from its collection, the Fondation opens itself to being an experimental and prospective system at the crossroads of art, design and ecology. Each exhibition space of the house–both intimate and conducive to long timelines and events–is organised around a specific theme. It approaches art and design as means of making living matter visible as a field of innovation, and to perpetuate the beauty of knowledge and traditions, the depth of gestures and techniques, in the era of technological hyperconnectivity. Ecoscenography based on natural and bio-sourced materials conceived by Bento Architecture, Bruxelles  ______ Opening week-end Public opening Friday 12 April 2024, 4pm to 9pm in presence of the artists Saturday 13 April 2024 : « Regenerative Assembly », CIVA + Guided tours of the exhibition at 4pm by the curators, artists and scenographers 
 ********** Français ********** 
Face au plus grand défi qui nous traverse – celui de préserver l’habitabilité de la terre pour les générations futures – comment les créateur.rice.s engagent-ils et elles une réflexion et des pratiques à même de réinventer nos façons d’être au monde ? Sous le commissariat de Nathalie Guiot et de Yann Chateigné Tytelman, l’exposition réunit 37 artistes et designers autour de nouveaux récits de la transition et des nouvelles façons de concevoir et produire face à l’épuisement des ressources planétaires. En dialogue avec des œuvres de la collection, la Fondation propose un parcours expérimental et prospectif, au croisement de l’art, du design et de l’écologie. Chacun des espaces de la maison à Bruxelles – lieu à la fois intime et propice au temps long et à la rencontre – s’organise autour d’un thème spécifique et aborde l’art et le design comme autant de moyens de rendre visible la matière vivante comme champs d’innovation, et d’explorer la beauté des savoirs-faire qu’insuffle la répétition des gestes et des techniques à l’ère de l’hyperconnectivité technologique. Écoscénographie conçue en matériaux naturels et biosourcés par Bento Architecture, Bruxelles  _______ Week-end d'ouverture Vernissage public le vendredi 12 avril 2024, 16h-21h en présence des créateur.rices Samedi 13 avril 2024 : « Regenerative Assembly », CIVA + Visites racontées de l’exposition à 16h par les commissaires, les artistes et designers, et les scénographes.

Regenerative Futures : Group show of the 10th Anniversary of the Foundation

********** English ********** 
Vishal Kumar Gupta, Sosa Joseph, Siji Krishnan, Sneh Mehra, Deena Pindoria, Osheen Siva, Raja Babu Sharma, Shine Shivan, Tantra Paintings, Rateesh T., Aji VN, T. Venkanna, Acharya Vyakul…
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Modesti Perdriolle Gallery présente un solo show de Samantha McEwen, artiste anglo-américaine née à Londres en 1960, avec un ensemble d'œuvres des années 1980 à nos jours. A cette occasion sera lancée la première monographie dédiée à la vie et à l'œuvre de Samantha McEwen publiée par 5 Continents Éditions. Samantha McEwen arrive à New York à l’âge de 18 ans. Elle s’inscrit à la School of Visual Arts où elle sympathise avec l’un des étudiants, Keith Haring, puis Kenny Scharf. New York est alors un village où tous les artistes se côtoient. Samantha participe à la vie intense de l’East Village. Elle collabore à de nombreuses expositions aussi bien dans des Clubs qu’à la galerie Tony Schafrazi en 1985 et 1987. La fin des années 1980 est marquée par le Sida. New York devient une ville où l’on ose plus demander des nouvelles de ses proches. Samantha se réinstalle à Londres. Ce ne sont pas des années faciles pour les artistes femmes. Il faudra attendre les années 2010 pour voir à nouveau des peintures de Samantha McEwen dans des lieux renommés, en 2015 à la Pace Gallery de Londres dans une exposition de groupe en hommage au grand marchand anglais Robert Fraser et en 2017 au MoMA dans l’exposition témoignage 'Club 57, Film, Performance, and Art in the East Village, New York, 1978-1983'.

Le Silex s’expose à l’Atelier TiPi ! 
 
Venez découvrir les nouvelles œuvres des talents du Silex du 12 au 27 avril 2024, du mardi au samedi, de 11h à 17h à l’Atelier TiPi. 
 
L’occasion de s’émerveiller devant une sélection de pièces inédites fraîchement sorties de nos ateliers créatifs et de célébrer ensemble l’art brut et la créativité en amateur sous toutes ses formes.

Le Silex asbl

Le Silex s’expose à l’Atelier TiPi

********** Français ********** 
Dans ce carrefour de l’Europe qu’est Bruxelles, Memwa Kréyòl abordera des notions comme la migration, la créolité, la préservation des écosystèmes, des savoirs et de l’identité. En interrogeant la place des plantes médicinales dans l’héritage culturel créole, s’ouvre un pan de d’histoire, où la nature se montre en exemple, résistante. À travers la langue, porteuse d’une histoire, à travers le geste, acte de transmission et par l’intermédiaire des sens, il s’agira de réveiller notre mémoire collective dans la lutte contre l’amnésie écologique et générationnelle. Les Caraïbes deviennent ainsi un point d'ancrage, ouvrant la voie à une réflexion à plus large échelle sur les dynamiques culturelles et sociales dans les territoires postcoloniaux. (RE)CONSTRUCTION, l'exposition collective, nous incite à réexaminer le monde, ses tensions, ses paradoxes afin d’en (ré)équilibrer le récit. RENCONTRES ET ÉCHANGES : La série d'échanges UNE QUESTION DE POINT DE VUE propose d'enrichir notre compréhension de territoires en pointant les divergences entre les environnements urbains et ruraux, les disparités Nord-Sud, et dans les zones circonscrites par les frontières politiques, économiques et écologiques. UNE QUESTION DE POINT VUE constitue une exploration de ces multiples réalités territoriales et cherche à stimuler notre perception en une réflexion éclairée sur les dynamiques sociétales contemporaines, au-delà des limites du perceptible. ATELIERS : Parce que la mémoire nécessite un acte de transmission pour perdurer, les ateliers encouragent à s'engager dans cette démarche et à contribuer à sa préservation. Ils offrent l'opportunité d'acquérir des connaissances sur le créole haïtien et son histoire, d'apprendre à fabriquer du papier ensemencé pour semer, d'écrire pour stimuler la mémoire et l'imagination, ainsi que de découvrir les pigments végétaux, comme l'indigo, originaire des Indes, dont Marie-Galante (Guadeloupe) était le principal exportateur au Moyen Âge. Les ateliers sont respectivement animés par Sergine André, Tiers-Paysage, Ariel Tintar et Lou Cocody-Valentino. MUSIQUE LIVE, DJ SETS La musique accompagne les êtres humains, comme le témoin d’une époque. Influencées par une transculturation forcée, les musiques créoles ont su puiser autant dans les mélodies amérindiennes, les rythmes africains, les tonalités indiennes ou chez l’occupant européen. Elles portent en elles une part de cet héritage culturel métissé. Différents musiciens, groupes et collectifs sont invités à nous partager leur intimité par l’intermédiaire de leurs pratiques musicales. Le festival est en accès libre ou à prix libre. Afin de soutenir l'engagement des artistes et d'Anagram, une participation est encouragée. Avec le soutien du gouvernement de région de Bruxelles-Capitale et du service de soutien à la Création Artistique de la Fédération Wallonie-Bruxelles.
 ********** Nederlands ********** 
Op het Europese kruispunt dat Brussel is, zal Memwa Kréyòl begrippen als migratie, Creoliteit, het behoud van ecosystemen, kennis en identiteit behandelen. Door de plaats van geneeskrachtige planten in het Creoolse culturele erfgoed te onderzoeken, openen we een nieuw hoofdstuk in de geschiedenis, waarin de natuur een voorbeeld van veerkracht blijkt te zijn. Door middel van taal, als drager van de geschiedenis, door gebaren, als een daad van overdracht, en door middel van de zintuigen, is het de bedoeling ons collectieve geheugen wakker te schudden om ecologisch en generationeel geheugenverlies te bestrijden. Op deze manier wordt het Caribisch gebied een ankerpunt dat de weg opent naar een bredere reflectie op de culturele en sociale dynamiek van postkoloniale gebieden. (RE)CONSTRUCTION, de groepstentoonstelling, moedigt ons aan om de wereld, zijn spanningen en paradoxen opnieuw te onderzoeken om het verhaal (opnieuw) in evenwicht te brengen. ONTMOETINGEN EN DISCUSSIES : De uitwisselingsreeks UNE QUESTION DE POINT DE VUE wil ons begrip van territoria verrijken door te wijzen op de verschillen tussen stedelijke en landelijke omgevingen, tussen Noord en Zuid en in gebieden die omgeven zijn door politieke, economische en ecologische grenzen. A QUESTION OF POINT OF VIEW is een verkenning van deze meervoudige territoriale realiteit en wil onze perceptie stimuleren tot een geïnformeerde reflectie over de hedendaagse maatschappelijke dynamiek, voorbij de grenzen van het waarneembare. WORKSHOPS : Omdat de herinnering moet worden doorgegeven om te blijven voortleven, moedigen de workshops mensen aan om betrokken te raken bij dit proces en bij te dragen aan het behoud ervan. Ze bieden de mogelijkheid om het Haïtiaans Creools en zijn geschiedenis te leren kennen, om te leren hoe je papier met zaadjes maakt om zaadjes te zaaien, om te schrijven om het geheugen en de verbeelding te stimuleren, en om plantaardige pigmenten te ontdekken zoals indigo, dat oorspronkelijk uit Indië komt en waarvan Marie-Galante (Guadeloupe) in de Middeleeuwen de belangrijkste exporteur was. De workshops worden geleid door Sergine André, Tiers-Paysage, Ariel Tintar en Lou Cocody-Valentino. LIVE MUZIEK, DJ-SETS Muziek begeleidt mensen, als de getuige van een tijdperk. Onder invloed van gedwongen transculturatie heeft de Creoolse muziek zowel gebruik gemaakt van Amerindiaanse melodieën, Afrikaanse ritmes, Indiaanse tonen als van de muziek van de Europese bezetters. Ze dragen een deel van dit gemengde culturele erfgoed in zich. Verschillende muzikanten, groepen en collectieven worden uitgenodigd om hun intimiteit met ons te delen door middel van hun muzikale praktijken. De toegang tot het festival is gratis of tegen een gereduceerde prijs. Om het engagement van de artiesten en Anagram te ondersteunen, wordt deelname aangemoedigd. Met de steun van de regering van het Brussels Hoofdstedelijk Gewest en de Service de soutien à la Création Artistique van de Fédération Wallonie-Bruxelles.
 ********** English ********** 
In the European crossroads that is Brussels, Memwa Kréyòl will be tackling notions such as migration, creolité, the preservation of ecosystems, knowledge and identity. By questioning the place of medicinal plants in Creole cultural heritage, we open up a new chapter in history, in which nature shows itself to be a resilient example. Through language, the bearer of history, through gesture, the act of transmission, and through the senses, the aim is to awaken our collective memory in the fight against ecological and generational amnesia. The Caribbean thus becomes an anchor point, paving the way for a wider reflection on cultural and social dynamics in post-colonial territories. (RE)CONSTRUCTION, the group exhibition, encourages us to re-examine the world, its tensions, its paradoxes in order to (re)balance its narrative. MEETINGS AND EXCHANGES : The exchange series UNE QUESTION DE POINT DE VUE proposes to enrich our understanding of territories by pointing out the divergences between urban and rural environments, North-South disparities, and in areas circumscribed by political, economic and ecological boundaries. UNE QUESTION DE POINT VUE is an exploration of these multiple territorial realities, and seeks to stimulate our perception into an informed reflection on contemporary societal dynamics, beyond the limits of the perceptible. WORKSHOPS : Because memory needs to be passed on if it is to endure, the workshops encourage us to engage in this process and contribute to its preservation. They offer the opportunity to learn about Haitian Creole and its history, to learn how to make seeded paper to sow seeds, to write to stimulate memory and imagination, and to discover plant pigments such as indigo, native to the Indies, of which Marie-Galante (Guadeloupe) was the main exporter in the Middle Ages. The workshops are led respectively by Sergine André, Tiers-Paysage, Ariel Tintar and Lou Cocody-Valentino. LIVE MUSIC, DJ SETS Music accompanies human beings, bearing witness to an era. Influenced by forced transculturation, Creole music has drawn equally on Amerindian melodies, African rhythms, Indian tones and the music of the European occupiers. They carry within them a part of this mixed cultural heritage. Various musicians, groups and collectives are invited to share their intimacy with us through their musical practices. The festival is open to the public and free of charge. To support the commitment of the artists and Anagram, participation is encouraged. With the support of the government of the Brussels-Capital region and the service de soutien à la Création Artistique de la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Memwa Kréyòl : Le Festival

À l'occasion de son premier anniversaire, Talk C.E.C, nouvel espace de Création d’Expériences Culturelles, célèbre une année de découvertes et d'engagements artistiques ! Niché au sein de l’ancienne manufacture de porcelaine Demeuldre, nous vous donnons rendez-vous du 12 avril au 7 juillet à venir (re)découvrir l’exposition évolutive et immersive Mers & Océans. De nouveaux artistes prennent part à cette aventure, avec une volonté de mettre en valeur le patrimoine architectural de notre lieu afin de créer une symbiose parfaite entre l'exposition et son environnement. En explorant chaque niveau, chaque couloir et chaque salle, vous êtes plongé dans un dialogue constant entre l'art, la science, et l’histoire du lieu, créant ainsi une expérience inédite se déroulant dans 3.500 mètres carrés. Il fallait bien un endroit aussi emblématique que l’ancienne manufacture de porcelaine Maison Demeuldre et ses 3500 m2 pour se mesurer à un thème d’une telle envergure ! L’exposition biennale Mers & Océans a été pensée pour refléter l'évolution constante de notre compréhension de l’environnement et de ses enjeux. Imaginée comme un laboratoire d’idées, au total ce sont 60 artistes et des scientifiques du monde entier qui ont contribué à la réussite de ce projet ambitieux. Chaque pièce offre une expérience unique et immersive. Au programme : fresques murales, expériences visuelles et sonores, installations, événements scéniques et conférences avec le public rythmeront ce véritable voyage dans les profondeurs marines. Sans plus attendre, achète tes billets maintenant pour Mers & Océans à Ixelles !

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