Creation 2024 - Anne Teresa De Keersmaeker & Radouan Mriziga|Kunstenfestivaldesarts

Description


********** English **********

Antonio Vivaldi composed The Four Seasons 300 years ago. Can we still talk about four seasons today? Anne Teresa De Keersmaeker and Radouan Mriziga draw inspiration for their new creation from a recording of Vivaldi's iconic piece by violinist and long-time Rosas collaborator Amandine Beyer and her ensemble Gli Incogniti. De Keersmaeker and Mriziga created their first piece together as part of Kunstenfestivaldesarts 2020, for the garden of La Maison des Arts. The choreographers share a keen interest in geometry, embodied abstraction and the observation of nature, while also sharing a concern for our changing and increasingly unsettling relationship with the natural environment. The Four Seasons moves them to further explore patterns, structures and elements found in nature, as well as celestial configurations as possible starting points for choreography. The piece returns to the core structure of the Vivaldi composition, offering a choreographic counterpoint to the many associations and emotions it evokes. As they reflect on the four seasons, the urgency of the impending climate crisis is made painfully clear in a beautiful, contemplative ode to nature in four chapters, presented by five bodies.


********** Nederlands **********

Kunnen we vandaag nog spreken over vier seizoenen? Antonio Vivaldi componeerde De vier jaargetijden exact 300 jaar geleden. Anne Teresa De Keersmaeker en Radouan Mriziga laten zich voor deze nieuwe creatie inspireren door de prachtige opname van dit iconische muziekstuk door violiste Amandine Beyer en haar ensemble Gli Incogniti. De Keersmaeker en Mriziga creëerden voor het eerst samen een stuk in het kader van Kunstenfestivaldesarts 2020, voor de tuin van La Maison des Arts. Beide choreografen delen naast een grote interesse in de observatie van de natuur, geometrie en belichaamde abstractie ook een bezorgdheid om onze veranderende en steeds meer verontrustende relatie met onze natuurlijke omgeving. De vier jaargetijden beweegt hen tot een verdere verkenning van patronen, structuren en elementen uit de natuur en van astronomische configuraties als mogelijke uitgangspunten voor een choreografie. Het stuk grijpt enerzijds terug naar de kern, de structuur van Vivaldi’s compositie en de vele associaties en emoties die het oproept, en geeft anderzijds gestalte aan een choreografisch contrapunt. Stilstaan bij de vier seizoenen maakt ook de urgentie van de klimaatcrisis pijnlijk duidelijk. Een prachtige contemplatieve ode aan de natuur in vier hoofdstukken, gebracht door vijf lichamen.


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Peut-on encore évoquer les quatre saisons aujourd'hui ? Anne Teresa De Keersmaeker et Radouan Mriziga s’inspirent d’un magnifique enregistrement de l’emblématique Les quatre saisons de Vivaldi, composé il y a tout juste 300 ans, interprété par la violoniste Amandine Beyer et son ensemble Gli Incogniti. Les deux chorégraphes avaient déjà collaboré ensemble dans le cadre du Kunstenfestivaldesarts 2020, dans le jardin de la Maison des Arts. Outre leur intérêt commun pour l’observation de la nature, la géométrie et l’incarnation de l’abstraction, iels partagent la même préoccupation pour notre rapport versatile – de plus en plus troublant – avec notre environnement naturel. Les quatre saisons les portent à explorer les schémas, les structures et les éléments que l’on retrouve dans la nature, ainsi que les phénomènes astronomiques, comme sources d’inspiration pour une chorégraphie. Tout en proposant un contrepoint chorégraphique, la pièce revient à l’essence, à la structure de la composition de Vivaldi et aux nombreuses émotions et associations qu’elle évoque. Une réflexion qui met aussi douloureusement en évidence l’urgence de la crise climatique dans une ode à la nature magnifique, contemplative, en quatre chapitres et portée par cinq corps.

Date info

2024-05-11: 20:30:00

2024-05-12: 15:00:00

2024-05-14: 20:30:00

2024-05-15: 20:30:00

2024-05-16: 20:30:00

2024-05-17: 20:30:00

2024-05-22: 20:30:00

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2024-05-28: 20:30:00

2024-05-29: 20:30:00

2024-05-30: 20:30:00

2024-05-31: 20:30:00

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Suggested events

********** English ********** “If I nationed myself / in the shadow / of a colossal wave / If only to hold on / by opening— / by Kingdom come”. This phrase from the Ocean Vuong poem Waterline functions as a mantra for the new creation from Clara Furey. The Canadian artist specialises in existential dance experiments that explore various states of being. Through physical research into water, the choreographer brings the immensity of an inner sea to the stage floor. With UNARMOURED, Furey reunites and reconciles what has previously been separate, the performance emerging from a fluid, carnal chaos whose crashing waves suggest infinity as a transformative emotion. The dancers appear as unsettling sculptures, undertaking an artistic exploration that awakens compelling desires. With a soft-core approach, always in between, always edging, they claim the right to eroticism on their terms. In a garden of resonance, bodies vibrate to rhythmic waves of light and sound, an immersive sound composition created by musician Tomas Furey. Membranes stretch and boundaries blur. Bodies no longer need to be seen for their contours but for the energy that overflows them. They release an erotic power that runs through us and propels us with force, leaving us fundamentally curious and tantalised. ********** Français ********** Partant d’une recherche chorégraphique autour de l’eau, l’artiste canadienne Clara Furey convie sur scène un groupe de danseur·euses et l’immensité d’une mer intérieure qui déferle en elleux. Dans son travail, Furey s’intéresse à l’expérimentation de différents états et sensations. Sa nouvelle création UNARMOURED est née des mouvements fluides et charnels qui peuvent exister entre les corps. Une bande son immersive, composée par le musicien Tomas Furey, progresse sur scène par intervalles d’ondes qui s’écrasent comme des vagues sur des corps qui semblent presque se dématérialiser. Leurs limites s’assouplissent, ils semblent s’évaporer. Les danseur·euses n’ont plus de contours mais s’abandonnent à une énergie qui les submerge, en équilibre entre une sensualité partagée et des moments de synchronicité rythmique qui les rassemblent dans une énergie unique. Présente pour la première fois au festival, Furey affirme une approche charnelle de la chorégraphie et un érotisme qui transcende les limites des corps. Parmi ses inspirations, le poème Waterline d’Ocean Vuong : « Si j'élisais nation / dans l'ombre / d'une vague colossale / Si seulement pour tenir / par l'ouvert— / que Ton règne vienne ». Une chorégraphie à la puissance fluide et incisive de l'une des voix les plus intéressantes de sa génération. ********** Nederlands ********** “If I nationed myself / in the shadow / of a colossal wave / If only to hold on / by opening— / by Kingdom come”. Deze regel uit het gedicht Waterline van Ocean Vuong werkt als een mantra voor de nieuwe creatie van Clara Furey. De Canadese artieste legt zich toe op existentiële dansexperimenten die verschillende staten van bewustzijn verkennen. Na een onderzoek rond de fysieke eigenschappen van water brengt de choreografe de uitgestrektheid van een innerlijke zee op scène. Furey herenigt en verzoent in UNARMOURED wat voorheen gescheiden was. De performance ontstaat uit een vloeiende, vleselijke chaos: de dansers verschijnen als ontregelde sculpturen en ondernemen een artistieke expeditie die dwingende verlangens oproept. Via een soft-core benadering – telkens tussenin, aarzelend op de rand – eisen ze het recht op erotiek volgens hun voorwaarden. Gutsende golven suggereren oneindigheid als een transformatieve emotie. Lichamen vibreren op ritmische golven van licht en geluid, een immersieve soundtrack gecomponeerd door muzikant Tomas Furey. Ze willen niet langer geassocieerd worden met hun omtrekken maar met de energie waarvan ze overlopen. Een overweldigende erotische kracht komt uiteindelijk vrij en laat ons nieuwsgierig en geprikkeld achter.
********** English ********** On 12 July 2022, NASA published images from the James Webb Telescope of galaxies over 10 billion light years away. While our ability to capture the light of ancient galaxies propels us closer to an idea of futurity, it also serves as a reminder that perhaps we are not as far along as we think. Collaborating again for this new creation, South African collective Impilo Mapantsula and Jeremy Nedd dig deeper into topics that navigate entangled avenues of Black diasporic and Afrofuturist experience. They present their exploration through the lens of Pantsula. This powerful dance form, well known for its high-speed virtuosic footwork, gave voice to an entire generation during Apartheid. Focusing on the improvisational potential of Pantsula’s movement vocabulary in response to the cosmic and spiritual jazz of Alice Coltrane and Bheki Mseleku, the performance draws on phenomena found in the cosmos as metaphoric inspiration: from the birth of a galaxy to the death of a star. Connecting the powerful and lyrical jive style of today’s Pantsula while echoing “past” struggles against oppression, the performers contemplate the compression of space and time, and our illusions of progress towards the future. ********** Nederlands ********** Op 12 juli 2022 publiceerde ruimtevaartorganisatie NASA de eerste beelden van de James Webb-telescoop, met sterrenstelsels op meer dan 10 miljard lichtjaar afstand. Hoewel ons vermogen om het licht van eeuwenoude sterrenstelsels vast te leggen ons een idee van toekomst geeft, herinnert het ons er ook aan dat we misschien minder ver staan dan we soms graag denken. Het Zuid-Afrikaanse collectief Impilo Mapantsula en Jeremy Nedd slaan opnieuw de handen in elkaar en verdiepen zich voor deze nieuwe creatie in de zwarte diasporische en Afrofuturistische ervaring. Ze doen dit door middel van Pantsula; een krachtige dansvorm, bekend om zijn razendsnel en virtuoos voetenwerk, die een volledige generatie een stem gaf tijdens de Apartheid. De focus ligt hierbij op het improvisatorisch potentieel van de Pantsula bewegingstaal als een antwoord op de kosmische en spirituele jazz van Alice Coltrane en Bheki Mseleku. De voorstelling haalt inspiratie uit kosmische fenomenen: van de geboorte van een sterrenstelsel tot de dood van een ster. Door de energieke en lyrische jive-stijl van hedendaagse Pantsula te verbinden met echo’s van “vroegere” protesten tegen onderdrukking, staan de performers stil bij de compressie van ruimte en tijd, en onze illusies van vooruitgang richting de toekomst. ********** Français ********** Le 12 juillet 2022, la NASA publiait les images de galaxies situées à plus de 10 milliards d’années-lumière prises par le télescope James Webb. Si notre capacité à capter la lumière d’anciennes galaxies nous donne une impression de futur, elle nous rappelle également que nous ne sommes peut-être pas aussi avancé·es que nous le pensons. Collaborant une nouvelle fois ensemble, le collectif sud-africain Impilo Mapantsula et Jeremy Nedd parcourent les voies sinueuses du vécu diasporique et afrofuturiste noir à travers le prisme du pantsula. Danse puissante connue pour son jeu de jambes d’une vélocité virtuose, le pantsula a permis à toute une génération de s’exprimer sous l’apartheid. La performance s’appuie principalement sur le potentiel d’improvisation chorégraphique du pantsula en réponse au jazz cosmique et spirituel d’Alice Coltrane et Bheki Mseleku. Elle s’inspire de phénomènes cosmiques : de la naissance d’une galaxie à la mort d’une étoile. Les danseur·euses se servent du style puissant et lyrique du pantsula contemporain pour faire écho aux luttes du « passé » contre l’oppression, tout en contemplant la compression de l’espace et du temps, ainsi que celle de nos illusions de progrès pour le futur.
Collaborant une nouvelle fois ensemble, le collectif sud-africain Impilo Mapantsula et Jeremy Nedd parcourent les voies sinueuses du vécu diasporique et afrofuturiste noir à travers le prisme du pantsula. Danse puissante connue pour son jeu de jambes d’une vélocité virtuose, le pantsula a permis à toute une génération de s’exprimer sous l’apartheid. La performance s’appuie principalement sur le potentiel d’improvisation chorégraphique du pantsula en réponse au jazz cosmique et spirituel d’Alice Coltrane et Bheki Mseleku. Elle s’inspire de phénomènes cosmiques : de la naissance d’une galaxie à la mort d’une étoile. Les danseur·euses se servent du style puissant et lyrique du pantsula contemporain pour faire écho aux luttes du « passé » contre l’oppression, tout en contemplant la compression de l’espace et du temps, ainsi que celle de nos illusions de progrès pour le futur. Dans le cadre du Kunstenfestivaldesarts & des Rencontres Danse, Cirque, Théâtre
Préparez-vous pour la dernière édition sensationnelle de la saison ! Rejoignez-nous pour un événement tout-en-un : un workshop captivant de 19h30 à 21h00, suivi d'une jam session à partir de 21h30.
********** English ********** Double bill19:30Osamu Shikichiユアファントムアイ、アワクリスタライズペイン our phantom eyes, our crystalized painsWhen an eye is an eye and loses its gaze, images remain there as a phantom or memory. Pain is not an emotion, but a sensation which is most easily empathised with. When the water flowing from the eyes creates an ocean, you will be reborn once again from its amniotic fluid and will see a new body. 20:30Adem OuhaibiaShaharazadShaharazad deals with movement methods of hip hop in the realm of contemporary dance. Adem Ouhaibia researched together with Marita Schwanke how these methods can be translated and transformed considering people’s different backgrounds and knowledge. The result of this research was the practice Breaking technologies – the five elements of breaking and the performance Shaharazad.Shaharazad talks about creating and leaving traces as recordings of the past but also imagination of the future. It questions how to read dance and share it with a diverse audience. Inspired by Roland Barthes’ idea of "The Death of the Author", we concentrate on different experiences that come together, drift apart or shift around. How far is this accessible to an outsider? Just like the audience, the performers and the creators speak different languages but also have things in common. They have a shared interest in the arts and in dance, guided by a web of knowledge and pathways that had been acquired and lived. We are imagining the future, and this piece is part of it.The friction between the so-called ‘high art’ (contemporary dance) and ‘low art’ (hip hop) is part of the future we will imagine. ********** Français ********** Double bill19:30Osamu Shikichiユアファントムアイ、アワクリスタライズペイン our phantom eyes, our crystalized painsLorsqu'un œil est un œil et qu'il perd son regard, les images demeurent comme un fantôme ou un souvenir. La douleur n'est pas une émotion, mais une sensation avec laquelle on entre le plus facilement en empathie. Lorsque l'eau qui coule des yeux crée un océan, vous renaîtrez à nouveau de son liquide amniotique et verrez un nouveau corps. 20:30Adem OuhaibiaShaharazadShaharazad traite des méthodes de mouvement du hip-hop dans le domaine de la danse contemporaine. Nous avons cherché à savoir comment ces méthodes pouvaient être traduites et transformées en tenant compte des différents contextes et connaissances de chacun·e. Le résultat de cette recherche est la pratique Breaking technologies - the five elements of breaking et la performance Shaharazad.La pièce parle de la création et du fait de laisser des traces en tant qu'enregistrements du passé, mais également des empreintes de l'imagination du futur. Elle questionne la façon de lire la danse et de la partager avec un public diversifié. Inspiré·es par l'idée de Roland Barthes de « La mort de l'auteur », nous nous concentrons sur différentes expériences qui se rejoignent, s'éloignent ou se déplacent. Dans quelle mesure sont-elles accessibles à une personne extérieure ? Tout comme le public, les interprètes et créateur·ices parlent des langues différentes, mais ont également des choses en commun. Iels partagent un intérêt pour les arts et la danse, guidé·es par un réseau de connaissances et de chemins acquis et vécus. Nous imaginons le futur et cette pièce en fait partie.La friction entre ce que l'on appelle le « grand art » (la danse contemporaine) et « l’art mineur » (le hip-hop) fait partie de l'avenir que nous allons imaginer. ********** Nederlands ********** Double bill19:30Osamu Shikichiユアファントムアイ、アワクリスタライズペイン our phantom eyes, our crystalized painsWanneer een oog haar zicht verliest – zoals ogen soms doen – dan behoudt ze de beelden als spoken of herinneringen. Pijn is geen emotie maar een gevoel waarmee je het gemakkelijkst kan meevoelen. Wanneer het water dat uit je ogen stroomt een oceaan vormt, zal je opnieuw geboren worden in haar vruchtwater en zal je een nieuw lichaam zien.  20:30Adem OuhaibiaShaharazadShaharazad vertrekt van de bewegingsmethodes van hiphop binnen de hedendaagse danswereld. Samen met Marita Schwanke onderzoekt Adem Ouhaibia hoe deze methodes vertaald en vervormd kunnen worden met aandacht voor ieders achtergrond en kennis. Uit dit onderzoek komen de praktijk Breaking technologies – the five elements of breaking en de performance Shaharazad voort.Shaharazad gaat over sporen maken en achterlaten, als een opname van het verleden maar ook als verbeelding van de toekomst. Het stelt vragen bij de manier van dans lezen en dans delen met een divers publiek. Geïnspireerd door Roland Barthes’ idee van ‘de dood van de auteur’, concentreert de voorstelling zich op de verschillende ervaringen die samenkomen, uit elkaar drijven en transformeren. In hoeverre is dans toegankelijk voor een buitenstaander? Net als bij het publiek, spreken ook de performers en makers verschillende talen, al hebben zij wel iets gemeen. Ze delen hun interesse in kunst en in dans, en leunen op een web van kennis en trajecten waar ze doorgegaan zijn. Met deze voorstelling willen Marita Schwanke en Adem Ouhaibia bedenken wat de toekomst kan zijn.De wrijving tussen de zogenaamde ‘hoge kunst’ (hedendaagse dans) en ‘lage kunst’ (hiphop) is deel van de toekomst die ze willen verbeelden.
********** English ********** How do we feel the impact of events which are so much larger than us, move through us, and animate and activate our bodies all the time? Ten performers enact a glacially morphing tableau vivant on a mobile raft-like stage. Their voices generate a score that crescendos and resonates as they clutch, careen and cleave in a space too small to contain them, spilling off the edges. The scenes shown reference at times images from classical iconography. Tenderness and violence, sensuality and brute force cohabitate. The audience sits all around as if watching a boxing match, embanking the performers, close enough to smell their sweat and feel the steam of the spiralling scenes. Celebrated American choreographer Faye Driscoll returns to the festival with a multi-sensory flesh and breath sculpture made of bodies, sounds, scents, liquids and objects. She pushes her performers to their limits in this compelling, adventurous work, presented in the impressive Horta Hall, originally an exhibition space for sculptures. Weathering is an ode to the inexhaustible physical power of queer bodies. ********** Nederlands ********** Hoe voelen we de impact van gebeurtenissen die onze lichamen bewegen en bezielen, maar zoveel groter zijn dan onszelf? Tien performers verbeelden een steeds veranderend tableau vivant op een ronddraaiend vlot-achtig platform. Hun stemmen genereren een partituur die crescendo’s en resonanties laat horen terwijl ze elkaar vastgrijpen, wegduwen, en heen en weer slingeren over een oppervlak dat te klein is om hen te bevatten en uit zijn voegen dreigt te barsten. De getoonde scènes refereren bij momenten aan beelden uit de klassieke iconografie. Tederheid en geweld, sensualiteit en brute kracht worden met elkaar verzoend. Het publiek zit rondom rond, als kijkend naar een bokswedstrijd, en kan de performers bijna aanraken, hun zweet ruiken en de stomende scènes proeven. De gevierde Amerikaanse choreografe Faye Driscoll keert terug naar het festival met een multisensoriële levende sculptuur van vlees en adem, van lichamen, geluiden, geuren, sappen en objecten. Ze drijft haar performers tot het uiterste in dit meeslepende, avontuurlijke werk, gepresenteerd in de indrukwekkende Hortahal, oorspronkelijk een tentoonstellingsruimte voor beeldhouwwerken. Weathering is een ode aan de onuitputtelijke fysieke kracht van queer lichamen. ********** Français ********** Comment ressentons-nous l’impact d’événements qui, malgré le fait qu’ils nous dépassent, parviennent à nous traverser, nous animer et activer nos corps ? Sur un plateau rotatif qui ressemble à un radeau, dix performeur·euses, en constante évolution, composent des images qui ressemblent à des tableaux vivants issus d’un univers queer. Leurs voix génèrent une partition qui va crescendo et résonne à mesure qu’iels s’agrippent mutuellement, se balancent et se repoussent sur une surface trop petite pour les contenir, menaçant de déborder. Par moments, des images issues de l’iconographie classique semblent se dessiner. Tendresse, violence, sensualité et force brute cohabitent. Assis autour de la scène comme s’il assistait à un match de boxe, le public peut ressentir la sueur et l’ardeur de scènes étourdissantes. La célèbre chorégraphe états-unienne Faye Driscoll revient au festival avec une sculpture multisensorielle faite de chair et de souffle, de corps, de sons, d’odeurs, de fluides et d’objets. Elle pousse ses performeur·euses jusqu’à leurs limites dans un spectacle fascinant et aventureux, présenté dans l’impressionnant Hall Horta, qui était à l’origine conçu comme une salle d’exposition pour sculptures. Weathering est une ode à l’inépuisable puissance physique des corps queer et à leurs évolutions.
********** English ********** On May 25, 2024, the Fernand Cocqplein and the Oude-Lindesquare will once again transform into a true dance floor. Mark the date in your agenda and get ready for a tour around the world: we'll travel from Italy to Cuba, across the sea to Africa! ********** Français ********** Le 25 mai 2024, la place Fernand Cocq et la place Oude-Lindesquare se transforment à nouveau en véritable piste de danse. Marquez la date dans votre agenda et préparez-vous pour un tour du monde : nous voyagerons de l'Italie à Cuba, à travers la mer jusqu'en Afrique ! ********** Nederlands ********** Op 25 mei 2024 veranderen het Fernand Cocqplein en de Oude-Lindesquare opnieuw in een ware dansvloer. Prik de datum alvast in je agenda en maak je klaar voor een toer rond de wereld: we reizen van Italië naar Cuba, over zee tot in Afrika!
********** English ********** Can a choreography intertwine different movements, like those of a human body and the flow of goods in a globalised world? Artist Kwame Boafo lives and works in Accra, Ghana, where he plans to open an institute of movement and philosophy. Accra is also the port city through which European end-of-life cars enter the West African market, often after being reconditioned in Brussels. With Threshold, Boafo creates a beautiful solo using visually refined images and movements relating to car fragments to unfold a poetic dialogue between choreography and commercial history. He collaborated with artist Percy Nii Nortey, known to use found objects and materials from mechanical workshops in Ghana to tell the stories collected by these end-of-life cars. For this performance, he created a curtain out of Ghanaian fabrics used to clean the vehicles that arrive from Brussels. Now, presented in the monumental atrium of the Arts et Métiers building – located in the canal area from which cars usually depart – Threshold appears as a visceral composition, dancing in the unexpressed spaces between our presence, environmental degradation and consumerism. In this performance, we suddenly feel the human and non-human movements in our global economy. ********** Français ********** Une chorégraphie peut-elle entrelacer différentes échelles de mouvement, comme celles du corps humain et celles des flux de marchandises d’un monde globalisé ? Kwame Boafo vit à Accra, au Ghana, où il travaille à l’ouverture d’un institut de mouvement et philosophie. Accra est aussi la ville portuaire par laquelle les vieilles voitures européennes – souvent réparées à Bruxelles – arrivent sur le marché ouest-africain. Avec Threshold, Boafo crée un magnifique solo aux images et aux mouvements raffinés évoquant des pièces de voitures, déployant un dialogue poétique entre la chorégraphie et l’histoire commerciale. Pour ce projet, Boafo collabore avec l’artiste Percy Nii Nortey, qui recycle des matériaux provenant d’ateliers mécaniques au Ghana pour mettre en lumière les histoires que racontent ces voitures en fin de vie. Nortey a créé un rideau à partir des tissus ghanéens utilisés pour nettoyer les véhicules venus de Bruxelles. Présenté dans l’atrium monumental des Arts et Métiers – une école technique implantée le long du canal, la zone d’où partent les voitures – Threshold apparaît comme une composition viscérale qui explore par la danse les espaces qui se cachent entre notre présence, la dégradation de l’environnement et le consumérisme. Une performance qui rend soudainement visible les mouvements humains et non-humains de notre économie mondialisée. ********** Nederlands ********** Kan een choreografie de bewegingen van een menselijk lichaam met die van de eindeloze goederenstroom in onze geglobaliseerde wereld laten versmelten? Kunstenaar Kwame Boafo woont en werkt in Accra (Ghana) waar hij een instituut voor beweging en filosofie wil openen. Accra is ook de havenstad waarlangs afgedankte auto's uit Europa de West-Afrikaanse markt binnenkomen, vaak na een opknapbeurt in Brussel. Boafo maakt met Threshold een prachtige solo waarin hij visueel verfijnde beelden en bewegingen die verwijzen naar auto-onderdelen inzet om een poëtische dialoog op gang te brengen tussen choreografie en commerciële geschiedenis. Hij werkt hiervoor samen met kunstenaar Percy Nii Nortey die voorwerpen en materialen uit autowerkplaatsen in Ghana gebruikt om de verhalen van de afgedankte wagens te vertellen. Speciaal voor deze voorstelling maakte hij een gordijn van Ghanese stoffen waarmee de voertuigen worden opgepoetst. Threshold – gepresenteerd in het atrium van het Arts et Métiers gebouw, gelegen in de kanaalzone van waaruit auto’s meestal vertrekken – is een rauwe compositie, op het kruispunt tussen onze aanwezigheid, milieuvervuiling en consumentisme. Een performance die de menselijke en niet-menselijke bewegingen van onze wereldeconomie voelbaar maakt.
********** English ********** Fampitaha, fampita, fampitàna – three Malagasy words that mean comparison, transmission and rivalry. In a score of abstract and figurative gestures, dancer and choreographer Soa Ratsifandrihana makes use of her own experience of diaspora and her Madagascan origins to tell us the kind of story she would have liked to have heard or seen as a child. Blending radio, musical and choreographic storytelling, the show plays with orality and movement, reminding us that our bodies, just like our words and sounds, are bearers of stories. Ratsifandrihana – who came to attention as a dancer in Rosas’ new version of Fase – drew inspiration from the words and stories she picked up on a recent trip to Madagascar. Joined by guitarist Joël Rabesolo and performers Audrey Merilus and Stanley Ollivier, she travels towards a form of wandering, exploring how several influences can lead to an unheard-of explosion of cultures like creolisation. Just as the change in accentuation between ‘fampitaha’, ‘fampita’ and ‘fampitàna’ alters the word’s meaning, the dancers glide from one state to another, seemingly following a constantly changing movement – or perhaps a form of creolisation. ********** Français ********** Fampitaha, fampita, fampitàna, trois mots malgaches signifiant comparaison, transmission et rivalité. Dans une partition de gestes abstraits et figuratifs, la danseuse et chorégraphe Soa Ratsifandrihana se nourrit de son récit diasporique et de ses origines malgaches pour nous raconter une histoire qu’elle aurait aimé entendre ou voir enfant. Récits radiophoniques, musicaux et chorégraphiques s’entremêlent dans une performance entre l’oralité et le mouvement pour nous rappeler que les corps, au même titre que les paroles ou les sons, portent nos histoires. Ratsifandrihana – précédemment remarquée en tant que danseuse de Rosas dans la nouvelle version de Fase – s’est inspirée de paroles et récits qu’elle a recueillis lors d’un voyage récent à Madagascar. Entourée du guitariste Joël Rabesolo et des performeur·euses Audrey Merilus et Stanley Ollivier, elle voyage vers une forme d’errance et explore comment, à l’image de la créolisation, plusieurs influences peuvent mener à un éclatement inouï de cultures. Tout comme le changement d’accentuation entre « fampitaha », « fampita » et « fampitàna » fait évoluer le sens du mot, les danseur·euses glissent d’un état à l’autre et semblent suivre un mouvement en perpétuelle métamorphose. ********** Nederlands ********** Fampitaha, fampita, fampitàna, drie Malagassische woorden die vergelijking, overdracht en rivaliteit betekenen. Danseres en choreografe Soa Ratsifandrihana – met wortels in Madagascar – put inspiratie uit haar persoonlijke diasporische verhaal en ontwikkelde een partituur van abstracte en figuratieve gebaren om ons een verhaal te vertellen dat ze als kind graag had willen horen of zien. De voorstelling combineert radiovertelling, muzikale compositie en choreografie, speelt met oraliteit en beweging, en herinnert eraan dat onze lichamen – net als onze woorden – dragers van verhalen zijn. Ratsifandrihana – die zich onder meer liet opmerken in de herneming van Fase van Rosas – trok naar Madagascar en verzamelde er getuigenissen en verhalen. In het gezelschap van gitarist Joël Rabesolo en performers Audrey Merilus en Stanley Ollivier onderzoekt ze hoe verschillende invloeden kunnen leiden tot een ongelooflijke explosie van culturen, naar analogie met het proces van creolisering. Net zoals het verplaatsen van de klemtoon tussen ‘fampitaha’, ‘fampita’ en ‘fampitàna’ telkens andere betekenissen genereert, glijden de dansers van de ene staat naar de andere, in een eindeloze metamorfose.
De Buenos Aires à La Pampa, sur un air de tango théâtralisé Folles d’amour, tel est le nom de cet ensemble composé de quatre jeunes musiciennes désireuses de transmettre leurs émotions au travers du tango. Habituées depuis longtemps des scènes européennes, elles interprètent avec passion et intensité les œuvres de compositeurs d’hier à aujourd’hui qui ont donné au tango ses lettres de noblesse, tels Pablo Vazquez, Emilio Balcarce, Alejandro Schwarz ou encore Astor Piazzolla. En s’associant au metteur en scène Stéphan Druet, ainsi qu’à deux danseur.euse.s, Locas de Amor crée le spectacle Allô ? qui nous fait vivre la magie d’un voyage artistique entre la ville de Buenos Aires et la Pampa argentine au travers des aventures d’un jeune couple confiné cherchant à rompre avec l’ennui. Un dialogue frais et poétique s’amorce entre la musique tango et la danse-théâtre. L’art est ici utilisé comme moyen de transcender et réinventer le quotidien. Ce projet permet d’aborder divers sujets de société, en plus de proposer un spectacle pluridisciplinaire. Une partie des artistes est originaire d’Argentine. Il est dès lors possible d’envisager un partage d’expériences en lien notamment à la musique et à la danse. Une approche chorégraphique permettra l’expression par le corps d’images, d’états, de sentiments…