********** Français ********** 
Trois sœurs aspirent à épouser le tsar Saltane. C’est la plus jeune d’entre elles, Militrissa, qui est choisie par le tsar, charmé par sa modestie et sa beauté. Elle est bientôt enceinte de leur premier enfant. Rongées par la jalousie, les deux autres sœurs complotent avec la vieille Babarikha pour se venger de leur cadette. Elles font croire à Saltane, parti à la guerre, que Militrissa a donné naissance à un monstre. Furieux, le tsar ordonne d’enfermer sa femme et son fils dans un tonneau et de les jeter à la mer…        S’inspirant de ce conte, Nikolaï Rimski-Korsakov signe l’une des partitions les plus chatoyantes du répertoire. Sa musique regorge de mélodies imagées, dont l’incomparable « Vol du Bourdon », et bénéficie d’une orchestration qui met en valeur chaque instrument. En 2019, la Monnaie présentait une production bouleversante de cet opéra, mise en scène par Dmitri Tcherniakov. Des séquences animées y dépeignent le monde imaginaire d’un jeune garçon tentant de surmonter le divorce de ses parents. Un spectacle inoubliable qui fait son grand retour en décembre, sous la baguette de Timur Zangiev.  Vous avez moins de 30 ans ? Assistez à cet opéra lors de la soirée « Young Opera » (15.12.2023) et profitez d’une réception gratuite ainsi que d’une introduction exclusive.
 ********** Nederlands ********** 
Drie zussen willen met tsaar Saltan trouwen. Het is de jongste, Militrissa, die hem door haar bescheidenheid en schoonheid weet te charmeren. Het duurt niet lang of ze raakt zwanger van hun eerste kind. Haar twee stikjaloerse zussen en de oude Babarikha voelen hun moment gekomen om zich te wreken: ze laten Saltan, die ten oorlog is getrokken, geloven dat Militrissa is bevallen van een monster. Woedend laat de tsaar zijn vrouw en zoontje in een houten vat opsluiten en in zee gooien... Geïnspireerd door dit volkssprookje componeerde Nikolaj Rimski-Korsakov in 1899 een van zijn meest evocatieve operapartituren, vol onsterfelijke melodieën als de “Vlucht van de hommel” en met een orkestratie die elk instrument laat schitteren. In 2019 presenteerde de Munt een nieuwe productie van deze opera door regisseur Dmitri Tcherniakov. Daarin probeert een jongetje in de geborgenheid van zijn fantasiewereld een plaats te geven aan de scheiding van zijn ouders en de afwezigheid van zijn vader. Deze onvergetelijke voorstelling, bekroond met een International Opera Award voor Beste Productie, wordt nu hernomen onder de muzikale leiding van Timur Zangiev. Jonger dan 30? Woon deze opera dan bij op de 'Young Opera'-avond (15.12.2023) en geniet van een gratis receptie en exclusief event.
 ********** English ********** 
Of the three sisters aspiring to marry Tsar Saltan, it is the youngest, Militrissa, that wins him over with her modesty and beauty. She is soon pregnant with their first child. Green with jealousy, her two sisters devise a plot with the old Babarikha to take their revenge on her. They make Saltan, who has gone to war, believe that Militrissa has given birth to a monster. Furious, the tsar orders his wife and son to be shut up in a barrel and thrown into the sea …    Inspired by this tale, Nikolay Rimsky-Korsakov wrote one of his most colourful opera scores, including timeless melodies such as the ‘Flight of the Bumblebee’. The 2019 La Monnaie production by stage director Dmitri Tcherniakov tells the story of a little boy who, in the security of his own fantasy world, tries to make sense of his parents' separation and his father's absence. This unforgettable performance, crowned Best Production at the International Opera Awards, is now being revived under the musical direction of Timur Zangiev. Are you under 30? Then attend this opera on the 'Young Opera' night (15.12.2023) and enjoy a free reception and exclusive event.

Le conte du Tsar Saltane

********** Français ********** 
CASSE-NOISETTE Chorégraphie de Frédéric Olivieri d'après Lev Ivanovič Ivanov Musique de Pyotr Ilyich Tchaikovsky The Accademia Teatro Alla Scala Ballet Mise en scène de Frédéric Olivieri Décor et costumes de Roberta Guidi di Bagno Production du Teatro alla Scala Les vendredi 1er, samedi 2 et dimanche 3 décembre 2023, pour la première fois, l'école de danse de l'Académie de la Scala, dirigée par Frédéric Olivieri, sera au Cirque Royal de Bruxelles pour interpréter le titre le plus étroitement lié à la période de Noël, Casse-Noisette. Il s'agit d'une production du Teatro alla Scala, signée par Roberta Guidi di Bagno, sur une musique de Pyotr Ilyich Tchaikovsky et une chorégraphie de Lev Ivanov, réalisée par Olivieri lui-même. Au répertoire de l'ACCADEMIA TEATRO ALLA SCALA depuis 2011, Casse-Noisette offre l'enchantement d'une chorégraphie capable de recréer l'atmosphère fantastique et onirique du ballet original d'Ivanov, dont les débuts en 1892 au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg ont couronné les précédents chefs-d'œuvre du compositeur russe, Le Lac des cygnes et La Belle au bois dormant, et l'inspiration de Marius Petipa. Ivanov, qui remplaçait Petipa, avait créé la chorégraphie en s'inspirant de la version atténuée du conte sombre d'Ernst Hoffmann "Casse-Noisette et le roi des souris", écrite par le père de Dumas. Parmi les interprètes figurait Olga Preobrajenska, qui, encouragée par Toscanini, dirigea plus tard l'École de ballet entre 1921 et 1922. La version proposée par Frédéric Olivieri met en scène plus de soixante danseurs pour cinq représentations. Ils devaient faire preuve d'une remarquable maîtrise technique et expressive dans quelques-unes des pièces les plus célèbres du répertoire romantique russe, de la Valse des flocons de neige au pas de deux de la Fée Dragée et du Prince, des danses folkloriques, russes, arabes et chinoises à la Valse des fleurs.
 ********** Nederlands ********** 
THE NUTCRACKER Choreografie van Frédéric Olivieri van Lev Ivanovič Ivanov Muziek van Pjotr Iljitsj Tsjaikovski The Accademia Teatro Alla Scala Ballet Regie: Frédéric Olivieri Decor en kostuums van Roberta Guidi di Bagno Productie door Teatro alla Scala Op vrijdag 1, zaterdag 2 en zondag 3 december 2023 staat de Dansschool van La Scala Academy onder leiding van Frédéric Olivieri voor het eerst in het Cirque Royal in Brussel om de titel op te voeren die het meest aansluit bij de kersttijd, De Notenkraker. De productie is van Teatro alla Scala, getekend door Roberta Guidi di Bagno met muziek van Pjotr Iljitsj Tsjaikovski en een choreografie van Olivieri zelf van Lev Ivanov. In het repertoire van ACCADEMIA TEATRO ALLA SCALA sinds 2011, biedt de Notenkraker de betovering van een choreografie die in staat is de fantastische, droomachtige sfeer van Ivanovs oorspronkelijke ballet te herscheppen, waarvan het debuut in 1892 in het Mariinsky Theater in St. Petersburg de kroon spande op de eerdere meesterwerken van de Russische componist, het Zwanenmeer en Doornroosje, en de inspiratie van Marius Petipa. Ivanov, die Petipa verving, had de choreografie gemaakt op basis van Dumas' vaderversie van Ernst Hoffmanns duistere vertelling 'Notenkraker en de Muizenkoning'. Tot de uitvoerenden behoorde Olga Preobrajenska, die, aangemoedigd door Toscanini, later tussen 1921 en 1922 de Balletschool zou leiden. De door Frédéric Olivieri voorgestelde versie zette meer dan zestig dansers in voor vijf voorstellingen. Zij moesten opmerkelijke technische en expressieve vaardigheden tonen in enkele van de beroemdste stukken van het Russische romantische repertoire, van de wals van de sneeuwvlokken tot de pas de deux van de Sugarplum Fairy en de prins, van de volksdansen, Russische, Arabische en Chinese dansen tot de wals van de bloemen.

Cirque Royal

CASSE-NOISETTE

********** English ********** 
Imagine a concert with a single song performed over and over and where the musicians are also athletes, where the concert hall becomes a theatre, an arena, a gymnasium – all this set to the beat of a compulsive and random metronome.  With ONE SONG, performer and director Miet Warlop dives deeper into her extravagant and visionary world. In this hyper-physical performance, she combines theatre and pop culture (stadium, sports, pop, musicals, etc.). The twelve performers on stage are pushed to extremes: a violinist perched on a beam, a double bass player lying on their back and building up their abs, a drummer jumping up and down, a singer on a treadmill … A hypnotic performance that is performed over and over at an insistent, frenetic pace. The fourth part of the Histoire(s) du théâtre series, this show can be seen as a metaphor for our society that has an invigorating parodic effect. In this amusing and literally haunting experience, spectators will move between amazement, dazzlement and ecstasy. They will emerge transcended from this celebration. Corealisation Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
 ********** Français ********** 
Imaginez un concert avec une seule chanson qui se répète à l’infini, où les musicien·nes sont aussi des sportif·ves, où la salle se fait théâtre, arène, gymnase, le tout rythmé par un métronome compulsif et aléatoire.  Avec ONE SONG, la performeuse et metteuse en scène Miet Warlop creuse le sillon de son univers extravagant et visionnaire. Dans cette performance hyper physique, elle associe le théâtre et la culture populaire (le stade, le sport, la pop, la comédie musicale…). Elle convoque sur le plateau douze interprètes de l’extrême : une violoniste perchée sur une poutre, un contrebassiste allongé se musclant les abdos, un batteur qui sautille, un chanteur sur un tapis de course, etc. Pour un morceau hypnotique qui se répète à un rythme lancinant. Quatrième volet de la série Histoire(s) du théâtre (une idée originale de Milo Rau / NTGent), ce spectacle peut se voir comme une métaphore de notre société, avec un effet parodique énergisant. C’est une expérience drôle, littéralement obsédante, où le public oscille entre stupeur, éblouissement et extase. Il ressort transcendé de cette célébration. Coréalisation Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
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Stel je een concert voor met één lied dat tot in het oneindige wordt herhaald, waarbij de muzikanten ook aan sport doen, waar de concertzaal een theater wordt, een arena, een turnzaal, en waar alles wordt geritmeerd door een dwangmatige en aleatorische metronoom. Met ONE SONG graaft performer en regisseur Miet Warlop dieper in haar extravagante en visionaire wereld. In deze hyperfysieke voorstelling combineert ze theater en populaire cultuur (het stadion, sport, pop, musicals…). Ze brengt twaalf extreme performers op het toneel: een violist die hoog op een balk zit, een liggende contrabassist die buikspieroefeningen doet, een drummer die op en neer springt, een zanger op een loopband… en dit alles voor een hypnotiserend stuk dat zich in een obsederend, razend tempo herhaalt. One Song, het vierde deel van de reeks Histoire(s) du théâtre, is als een metafoor voor onze samenleving en heeft een opzwepend, parodiërend effect. Het is een grappige, letterlijk beklijvende ervaring waarin het publiek heen en weer wordt geslingerd tussen verbazing, verrukking en extase, en na deze viering gelouterd huiswaarts keert. Corealisatie Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles

Théâtre National

ONE SONGHistoire(s) du théâtre IV

Panique au Cabaret. Alice n'est pas là, le spectacle va bientôt commencer et les artistes vont devoir se réinventer pour tenir le public en haleine en attendant l'arrivée d'Alice : Magiciens, chanteurs, acrobates, mimes, même le pianiste y mettra son grain de sel. C'est quand on s'y attend le moins que la magie opère. Alice au Cabaret, un voyage effréné pour dire qu’il faut toujours garder espoir. Cocasserie, magie, rires, frisson, émotion, poésie et une grande dose de bonne humeur. Un conte de fée n’existe pas tant que tu ne l’as pas vécu

Tour & Taxis

Alice au Cabaret !

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Yabba is an encounter with otherness, a process of de- identification and alienation, a clash with the undefined. Yabba is a cosmos with its own order, its own rhythm and its own systems in movement that invites you to enter a new logic. A mutant cell, an organism that constantly changes, a cyborg, a hybrid of different technologies, an amalgam of entities in constant transformation in time, a living scenography, an artificial landscape. A kind of world that is everything and nothing, that is full and empty, that takes all forms but still has none. Yabba is there, changing. It paints its own colors, changes its forms, unfolds its materiality... . This state of constant transformation proposes an attentive gaze; a gaze that pays attention from the inability to name what it looks at.  CREDITS A piece by Maria Jerez with Óscar Bueno, Javier Cruz, Ainhoa Hernández Escudero, Alejandra Pombo and Laura Ramírez Music: Lanoche Sewing and tailoring: Malén Iturri Coproduced by Veranos de la Villa, SZENE (Salzburg), Zürcher Theater Spektakel (Zurich), CA2M and Ayudas a la creación de artes visuales de la Comunidad de Madrid 2018 Project financed by Apap-performing Europe 2020, with the collaboration of «Creative Europe» - European Union Programe.
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Yabba est une rencontre avec l'altérité, un processus de désidentification et d'aliénation, un choc avec l'indéfini.?Yabba est un cosmos possédant son propre ordre, son propre rythme et ses propres systèmes en mouvement, vous invitant à entrer dans une nouvelle logique.?Une cellule mutante, un organisme en évolution constante, un cyborg, un hybride de différentes technologies, un amalgame d'entités en constante transformation dans le temps, une scénographie vivante, un paysage artificiel. Une sorte de monde qui est tout et rien, qui est plein et vide, qui prend toutes les formes sans en avoir aucune. Yabba est là, en évolution. Peignant ses propres couleurs, changeant de forme, déployant sa matérialité... Cet état de transformation constante propose un regard attentif, un regard qui s’attarde sur l'incapacité de nommer ce qu'il observe. CRÉDITS  Une pièce de Maria Jerez avec Óscar Bueno, Javier Cruz, Ainhoa Hernández Escudero, Alejandra Pombo et Laura Ramírez  Musique : Lanoche  Couture et confection : Malén Iturri  Coproduit par Veranos de la Villa, SZENE (Salzbourg), Zürcher Theater Spektakel (Zurich), CA2M et?le programme « Ayudas a la creación de artes visuales de la Comunidad de Madrid 2018 »  Projet financé par le réseau Apap - Performing Europe 2020 avec la collaboration du Programme Europe Créative de l’Union européenne. 
 ********** Nederlands ********** 
Yabba is een ontmoeting met het anders-zijn, een proces van de-identificatie en vervreemding, een botsing met het ongedefinieerde. Yabba is een kosmos met zijn eigen orde, zijn eigen ritme en zijn eigen systemen in beweging die je uitnodigt om een nieuwe logica te betreden. Een gemuteerde cel, een organisme dat voortdurend verandert, een cyborg, een hybride van verschillende technologieën, een amalgaam van entiteiten in transformatie in de tijd, een levende scenografie, een kunstmatig landschap. Een soort wereld die alles en niets is, die vol en leeg is, die alle vormen aanneemt maar er nog steeds geen heeft. Yabba bestaat, verandert. Het schildert zijn eigen kleuren, verandert zijn vormen, ontvouwt zijn materialiteit... . Deze staat van constante transformatie vraagt om een aandachtige blik; een blik die aandacht schenkt vanuit het onvermogen om te benoemen waar hij naar kijkt. CREDITS Een werk van Maria Jerez met Óscar Bueno, Javier Cruz, Ainhoa Hernández Escudero, Alejandra Pombo en Laura Ramírez Muziek: Lanoche Naai- en maatwerk: Malén Iturri Coproductie: Veranos de la Villa, SZENE (Salzburg), Zürcher Theater Spektakel (Zürich), CA2M en Ayudas a la creación de artes visuales de la Comunidad de Madrid 2018 Project gefinancierd door Apap-performing Europe 2020, met medewerking van «Creative Europe» - European Union Programe.

BOZAR - Centre for Fine Arts

YABBA-María Jerez

<div>Les Peaux de Minuit font leur grand retour ! L'édition de ce mercredi 6 décembre 2023 vous sera présentée par Mama Tituba et Paula Roïd sur la prestigieuse scène du Cabaret Mademoiselle, à Bruxelles ! Le casting de cette édition vous sera annoncé très prochainement ! Au programme : drag, chant, danse, slam, ... 19h00 : Ouverture des portes 20h00 : Début du show 65 tickets sont mis en vente en ligne, sous 3 tarifs, et sans demande de justificatif. Les placements sont libres quelque soit le tarif choisi. Aucun remboursement ne sera possible en cas d'annulation de votre part. Si votre état de santé nécessite un placement particulier et/ou de ne pas faire la file à l'entrée, contactez Les Peaux de Minuit via mail lespeauxdeminuit@gmail.com ou via Instagram @lespeauxdeminuit</div>

Les Peaux de Minuit au Cabaret Mademoiselle

Après avoir triomphé pendant trois ans sur les scènes de Paris, Alger, Bruxelles et Casablanca,ABDELKADER SECTEURrevient avec un tout nouveau spectacle encore plus hilarant.   SiABDELKADER SECTEURnous fait tant rire, c'est aussi grâce à sa manière unique de jouer avec la langue arabe (l'arabe maghrébin plus exactement) et à sa façon si singulière de tordre le bras aux expressions courantes, et de revisiter les vieux proverbes.  Artiste complet, tantôt clown, tantôt conteur,ABDELKADER SECTEURest plus qu'un comique. C'est aussi le tonton du bled qu'on est heureux de retrouver en famille. Attention: le spectacle est en langue arabe.

ABDELKADER SECTEUR

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Artist Zinaïda Tchelidze has developed a practice that explores the performative aspects of social gatherings. Supra – the traditional feast of her native country Georgia has become the inspiration for the performative table Rrubeli. It includes a series of works, where she analyzes the form and rules of this choreographed custom: there are toasts and codes to follow, it is strictly gendered, a male master of ceremonies is in charge. Interested in what the elements of supra could show about ceremonies in general, Zinaïda Tchelidze sets the table in another cultural context, inviting artists not familiar with this tradition or its forms, to get involved, assume different roles and perform ceremonial acts. She interprets certain codes of the Georgian feast and provides playful open-ended tasks for her invited masters of ceremony. Providing a diversity of voices and contextual juxtapositions, in this event she reimagines how gatherings and ceremonies function, expand and shift through this collaborative process, creating something new by situating ancient knowledge in a very different present context. Zinaïda Tchelidze (b.1982, Georgia) is an artist and educator, working mainly with sculpture and installation. She obtained an MA in printmaking and art in public space from the Royal Academy of Fine Art of Brussels. Tchelidze is interested in performative aspects of exchange and sharing. She engages with recurring gestures, intertwines them throughout installations to explore spatial constraints, notions of collectiveness and isolation. As part of her collaborative practice she works with craftspeople, scientists, and artists to test the boundaries between creativity and (not)knowing. Inspired by the traditional Georgian feast (supra), she has been organising the “Rubeli” performative table questioning the phenomenon of hospitality and exchange, and their different forms in relation to time and social conditioning. Tchelidze lives and works in Brussels. She has exhibited at various venues such as Art Antwerp fair for the representation of the FW-B (2022); SB34-Clovis, Brussels (2022); Het Paviljoen, Ghent (2021); Morpho, Antwerp Art Weekend (2021); DuflonRacz, Brussels (2019, 2020); Vanderborght Building, Brussels (2019); CENTRALE for contemporary art, Brussels (2019); World Trade Center, Brussels (2018), among others. In the frame of Europalia Georgia Withe the support of the National Wine Agency Georgia
 ********** Français ********** 
Dans sa pratique artistique, Zinaïda Tchelidze s’intéresse aux aspects performatifs des rassemblements sociaux. S’inspirant du supra, fête traditionnelle de sa Géorgie natale, l’artiste a créé Rrubeli, une table performative qui rassemble une série d’œuvres dans lesquelles elle analyse la forme et les règles qui régissent cette tradition chorégraphiée. Le supra se déroule au rythme de toasts portés par les participants et suit des règles précises : il est rigoureusement genré, mené par un maître de cérémonie masculin. S’intéressant à ce que le supra nous dit des cérémonies en général, Zinaïda Tchelidze dresse la table dans un autre contexte. Elle y convie des artistes non familiers de cette tradition et ses formes et les invite à porter des toasts. Elle réinterprète certains codes du supra et propose des tâches sans objectif prédéterminé, aux maîtres de cérémonie invités. Laissant ainsi la place à une diversité de voix et de juxtapositions contextuelles, elle réinvente, pour les rassemblements sociaux et les cérémonies, des manières de fonctionner en dehors des récits dominants. Zinaïda Tchelidze est une artiste multidisciplinaire, née en 1982 en Géorgie et diplômée de l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles. Elle s’intéresse particulièrement à la multiplicité de gestes récurrents, et les entrecroise dans des installations et performances dans lesquelles elle analyse les contraintes spatiales, la collectivité et l’isolement. Sa pratique inclut également la collaboration avec des artisans, des scientifiques et d’autres artistes, testant les limites entre créativité (me)connaissance. S’inspirant du supra, fête traditionnelle géorgienne, elle a par ailleurs mis sur pied la plateforme Rrubeli, qui s’intéresse au phénomène d’échanges et les formes de cette tradition à travers le temps et les différents contextes sociaux. Zinaïda Tchelidze vit et travaille à Bruxelles. Elle a présenté son travail dans de multiples lieux, dont la foire Art Antwerp pour la représentation de la Fédération Wallonie-Bruxelles (2022) ; SB34-Clovis, Bruxelles (2022) ; Het Paviljoen, Gand (2021); Morpho, Antwerp Art Weekend (2021) ; DuflonRacz, Bruxelles (2019, 2020) ; L’Espace Vanderborght, Bruxelles (2019) ; la CENTRALE for contemporary art, Bruxelles (2019) ; le World Trade Center, Bruxelles (2018). Dans le cadre de Europalia Georgia Avec le soutien du National Wine Agency Georgia
 ********** Nederlands ********** 
Kunstenares Zinaïda Tchelidze ontwikkelde een kunstpraktijk waarin ze de performanceaspecten van sociale bijeenkomsten onderzoekt. De supra – het traditionele feest van haar geboorteland Georgië – werd de inspiratiebron voor de performatieve tafel Rrubeli. Rrubeli omvat een reeks werken waarin ze de vorm en de regels van dit gechoreografeerde gebruik analyseert: er wordt getoost, er zijn instructies die moeten worden gevolgd en het is strikt gendergebonden – een mannelijke ceremoniemeester heeft de touwtjes in handen. Omdat ze zich interesseert in wat de elementen uit de supra zeggen over ceremonieën in het algemeen, dekt Zinaïda Tchelidze de tafel in een andere culturele context. Ze nodigt kunstenaars uit die niet vertrouwd zijn met deze traditie en haar vele vormen om mee te toosten. Ze interpreteert bepaalde codes van de supra en biedt aan de uitgenodigde ceremoniemeesters taken zonder vooraf bepaald doel aan. Door een diversiteit aan stemmen en contextuele juxtaposities biedt ze in dit event een nieuwe kijk op hoe samenkomsten en ceremonieën buiten de gevestigde dominante narratieven kunnen werken. Zinaïda Tchelidze (geboren in 1982, Georgië) is een multidisciplinair kunstenaar. Tchelidze behaalde een master in beeldende kunsten aan de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten in Brussel. Ze gaat aan de slag met de veelheid van terugkerende gebaren en vervlecht ze in installaties en performances, waarin ze ruimtelijke beperkingen, collectiviteit en afzondering onderzoekt. Als deel van haar praktijk werkt ze ook samen met ambachtslui, wetenschappers en kunstenaars om kaders zonder vooraf bepaalde doelstellingen te creëren, waar de voltooiing van het kunstwerk aan anderen wordt overgedragen. Geïnspireerd door het traditionele Georgische feest (supra) organiseerde ze daarnaast ook het publieke programma Rrubeli, dat vragen stelt bij dit fenomeen van uitwisseling en de verschillende vormen ervan door de tijd en de sociale omstandigheden heen. Tchelidze woont en werkt in Brussel. Ze stelde op verschillende plaatsen tentoon, zoals bij Art Antwerp voor de stand van de FW-B (2022); SB34-Clovis, Brussel (2022); Het Paviljoen, Gent (2021); MORPHO, Antwerp Art Weekend (2021); DuflonRacz, Brussel (2019, 2020); Vanderborghtgebouw, Brussel (2019); CENTRALE for contemporary art, Brussel (2019); World Trade Center, Brussel (2018) enz. Deel van Europalia Georgia Met de steun van de National Wine Agency Georgia

Beursschouwburg

Zinaïda Tchelidze Mastering Ceremonies

********** English ********** 
Primal stories of parents and children. Of power, seduction, aggression, humiliation, exclusion, manipulation, beauty, cunning, ... Histories that travelled through time in lore create a recognisable hierarchy of contemporary parents versus children. None other than musician, writer and composer Warren Ellis takes on the role of the father. He creates music for the performance and interacts with his nine ‘offspring’ on stage through video projections. Israel Galvan, a flamenco expert, is the parents’ best friend and communicates only through his rhythmic physical expression. Fiona Benson, writer of furious, fierce, ecstatic poems, with an unfaltering determination, dark imagination and self-inspection, reworks old myths to the contemporay realm, mixing solemnity with lyricism, for the interaction between film and stage and as an inspiration to the dancers and the musicians.
 ********** Français ********** 
Des histoires primitives sur les parents et les enfants. Des histoires de pouvoir, de séduction, d'agression, d'humiliation, d'exclusion, de manipulation, de beauté, de ruse, ... Des histoires qui ont traversé les époques par le biais de la transmission, engendrant une hiérarchie contemporaine manifeste entre parents et enfants. C'est Warren Ellis, musicien, auteur et compositeur pur-sang, qui endosse le rôle du père. Il crée la musique qui accompagne le spectacle et interagit, par le biais de vidéos, avec ses neuf enfants sur scène. Israel Galvan, figure de proue du flamenco, est le meilleur ami du couple parental et ne communique qu'à travers l'expression rythmique de son corps. Fiona Benson, autrice de poèmes furieux et extatiques, transpose les mythes anciens dans la société contemporaine avec une détermination inébranlable, une imagination sombre et de l'autodérision, mêlant solennité et lyrisme, creant ainsi l'interaction entre le film et la scène et servant comme source d'inspiration pour les danseurs et les musiciens.
 ********** Nederlands ********** 
Oerverhalen rond ouders en kinderen. Over macht, verleiding, agressie, vernedering, uitsluiting, manipulatie, schoonheid, sluwheid ... Histories die door de tijd reisden via overlevering, creëren een herkenbare hiërarchie van hedendaagse ouders versus kinderen. Niemand minder dan Warren Ellis, volbloedmuzikant, schrijver en componist, neemt de rol van de vader op zich. Hij creëert de muziek bij de voorstelling en gaat in verfilmde vorm de interactie met zijn negenkoppige kroost op het podium aan. Israel Galvan, een boegbeeld binnen de flamenco, is de beste vriend van het ouderpaar en communiceert enkel door middel van zijn ritmische lichaamsexpressie. Fiona Benson, schrijver van furieuze, extatische gedichten, herwerkt met een onwankelbare vastberadenheid, donkere verbeelding en zelfrelativering oude mythes naar de hedendaagse samenleving en mengt plechtigheid met lyriek, voor de wisselwerking tussen film en podium en als inspiratie voor de dansers en muzikanten.

Royal Flemish Theatre

Infamous Offspring

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In this promenade performance incorporating dance, immersive choreography, sculpture and sound art, Vera Tussing and collaborators ask: What comes before touch?  Our sense of touch is interwoven with desire, fear, disgust, comfort, pleasure, danger. Tactility is by definition a complex phenomenon, defining our relations with each other and the world but it is so often left unexamined. Because it is so loaded with meaning, touch requires careful negotiation. And because everyone comes with their own history of touch – which can include training, practice, memory, and trauma – the ‘before’ of touch needs to be always lived afresh, carefully considered and reconsidered with each new encounter.  In a show consisting of four different parts, three dancers (Helen D’Haenens, Raphael Philipe Damasceno Ferreira de Moura, Christine Sollie) & Vera Tussing invite the audience to explore who we are in movement, in dance, at the point before touch? What memories of past touches do we carry within us? What possible touches precede any immediate touch? Does touch only happen when we notice it – when we actively reach for the other’s hand? What touches do we never even notice at all?  • Vera Tussing’s (she/her) creative processes, performances and installations are driven by her interests in dance, movement, perception, the senses, embodied experience, multisensorial spectatorship, collectivity and consent. Her most recent series of work, the Tactile Cycle, is formed of stage creations, sculptures and movement-sound installations focussed around the creation of unique, inter-personal encounters between audience and performer. She has worked as a dancer, director and researcher throughout Belgium, the UK and across Europe. In October 2019, Tactile Quartet(s), a performance in which she expands her research into tactility to the discipline of music, went into premiere at Kaaitheater.
 ********** Français ********** 
Dans ce spectacle de promenade intégrant la danse, la chorégraphie immersive, la sculpture et l'art sonore, Vera Tussing et ses collaborateur·ices posent la question suivante : "Qu'est-ce qui précède le toucher ?  Notre sens du toucher est lié au désir, à la peur, au dégoût, au confort, au plaisir, au danger. La tactilité est par définition un phénomène complexe, qui définit nos relations les un·es avec les autres ainsi qu‘avec le monde, mais qui demeure si souvent inexploité. Parce qu'il est chargé de sens, le toucher nécessite une négociation minutieuse. Et parce que chacun·e vient avec sa propre histoire du toucher - qui peut inclure la formation, la pratique, la mémoire et le traumatisme - l'"avant" du toucher doit toujours être vécu à nouveau considéré  avec attention et reconsidéré à chaque nouvelle rencontre.  Dans un spectacle composé de quatre parties différentes, trois danseur·euses (Helen D'Haenens, Raphael Philipe Damasceno Ferreira de Moura, Christine Sollie) et Vera Tussing invitent le public à explorer qui nous sommes dans le mouvement, dans la danse, dans ce moment avant le toucher. Quels souvenirs tactiles passés portons-nous en nous ? Quels sont les touchers possibles précédant ceux qui sont immédiats ? Le toucher ne se produit-il que lorsque nous le remarquons - lorsque nous tendons activement la main à l'autre ? Quels sont les touchers que nous ne remarquons jamais ?  • Les processus créatifs, les performances et les installations de Vera Tussing (elle/elle) sont déterminés par son intérêt pour la danse, le mouvement, la perception, les sens, l'expérience incarnée, la spectature multisensorielle, la collectivité et le consentement. Sa série de travaux la plus récente, le Tactile Cycle, est constituée de créations scéniques, de sculptures et d'installations sonores et gestuelles axées sur la création de rencontres uniques et interpersonnelles entre le public et l'artiste. Elle a travaillé ent tant que danseuse, metteuse en scène et chercheuse en Belgique, au Royaume-Uni et dans toute l'Europe. En octobre 2019, Tactile Quartet(s), une performance dans laquelle elle étend ses recherches sur la tactilité à la discipline de la musique, sera présentée en première au Kaaitheater.
 ********** Nederlands ********** 
In deze promenadeperformance bestaande uit dans, immersieve choreografie, sculptuur en geluidskunst vragen Vera Tussing en haar collega's zich af: Wat komt er vóór aanraking?  Onze tastzin is verweven met verlangen, angst, afkeer, troost, plezier, gevaar. Tactiliteit is per definitie een complex fenomeen, dat onze relaties met elkaar en de wereld bepaalt – maar toch vaak ononderzocht blijft. Omdat het zo beladen is met betekenis, vereist aanraking zorgvuldige afweging. En omdat iedereen zijn eigen geschiedenis van aanraking heeft – die kan bestaan uit training, oefening, herinnering en trauma – moet het ‘voor’ van aanraking altijd opnieuw worden beleefd, zorgvuldig overwogen en heroverwogen bij elke nieuwe ontmoeting.  In deze voorstelling bestaande uit vier verschillende delen, nodigen drie dansers (Helen D’Haenens, Raphael Philipe Damasceno Ferreira de Moura, Christine Sollie) en Vera Tussing het publiek uit om te onderzoeken wie we zijn in beweging, in dans, in dit moment vóór aanraking. Welke herinneringen aan vroegere aanrakingen dragen we in ons? Welke mogelijke aanrakingen gaan vooraf aan een onmiddellijke aanraking? Gebeurt aanraking alleen als we het opmerken – als we actief naar de hand van de ander reiken? Welke aanrakingen merken we überhaupt nooit op?  • Vera Tussings (zij/haar) creatieve processen, performances en installaties worden gedreven door haar interesses in dans, beweging, perceptie, de zintuigen, belichaamde ervaring, multisensorieel toeschouwerschap, collectiviteit en consent. Haar meest recente reeks werken, de Tactile Cycle, bestaan uit podiumcreaties, sculpturen en bewegings- en geluidsinstallaties die gericht zijn op het creëren van unieke, interpersoonlijke ontmoetingen tussen publiek en performer. Ze werkte als danser, regisseur en onderzoeker in België, het Verenigd Koninkrijk en Europa. Tactile Quartet(s), een performance die haar onderzoek naar tactiliteit uitbreidt naar de muziekdiscipline, ging in oktober 2019 in première in het Kaaitheater.

Kaaitheaterstudio's

Un-staging Tactility

********** English ********** 
In this promenade performance incorporating dance, immersive choreography, sculpture and sound art, Vera Tussing and collaborators ask: What comes before touch?  Our sense of touch is interwoven with desire, fear, disgust, comfort, pleasure, danger. Tactility is by definition a complex phenomenon, defining our relations with each other and the world but it is so often left unexamined. Because it is so loaded with meaning, touch requires careful negotiation. And because everyone comes with their own history of touch – which can include training, practice, memory, and trauma – the ‘before’ of touch needs to be always lived afresh, carefully considered and reconsidered with each new encounter.  In a show consisting of four different parts, three dancers (Helen D’Haenens, Raphael Philipe Damasceno Ferreira de Moura, Christine Sollie) &amp; Vera Tussing invite the audience to explore who we are in movement, in dance, at the point before touch? What memories of past touches do we carry within us? What possible touches precede any immediate touch? Does touch only happen when we notice it – when we actively reach for the other’s hand? What touches do we never even notice at all?  • Vera Tussing’s (she/her) creative processes, performances and installations are driven by her interests in dance, movement, perception, the senses, embodied experience, multisensorial spectatorship, collectivity and consent. Her most recent series of work, the Tactile Cycle, is formed of stage creations, sculptures and movement-sound installations focussed around the creation of unique, inter-personal encounters between audience and performer. She has worked as a dancer, director and researcher throughout Belgium, the UK and across Europe. In October 2019, Tactile Quartet(s), a performance in which she expands her research into tactility to the discipline of music, went into premiere at Kaaitheater.
 ********** Français ********** 
Dans ce spectacle de promenade intégrant la danse, la chorégraphie immersive, la sculpture et l'art sonore, Vera Tussing et ses collaborateur·ices posent la question suivante : "Qu'est-ce qui précède le toucher ?  Notre sens du toucher est lié au désir, à la peur, au dégoût, au confort, au plaisir, au danger. La tactilité est par définition un phénomène complexe, qui définit nos relations les un·es avec les autres ainsi qu‘avec le monde, mais qui demeure si souvent inexploité. Parce qu'il est chargé de sens, le toucher nécessite une négociation minutieuse. Et parce que chacun·e vient avec sa propre histoire du toucher - qui peut inclure la formation, la pratique, la mémoire et le traumatisme - l'"avant" du toucher doit toujours être vécu à nouveau considéré  avec attention et reconsidéré à chaque nouvelle rencontre.  Dans un spectacle composé de quatre parties différentes, trois danseur·euses (Helen D'Haenens, Raphael Philipe Damasceno Ferreira de Moura, Christine Sollie) et Vera Tussing invitent le public à explorer qui nous sommes dans le mouvement, dans la danse, dans ce moment avant le toucher. Quels souvenirs tactiles passés portons-nous en nous ? Quels sont les touchers possibles précédant ceux qui sont immédiats ? Le toucher ne se produit-il que lorsque nous le remarquons - lorsque nous tendons activement la main à l'autre ? Quels sont les touchers que nous ne remarquons jamais ?  • Les processus créatifs, les performances et les installations de Vera Tussing (elle/elle) sont déterminés par son intérêt pour la danse, le mouvement, la perception, les sens, l'expérience incarnée, la spectature multisensorielle, la collectivité et le consentement. Sa série de travaux la plus récente, le Tactile Cycle, est constituée de créations scéniques, de sculptures et d'installations sonores et gestuelles axées sur la création de rencontres uniques et interpersonnelles entre le public et l'artiste. Elle a travaillé ent tant que danseuse, metteuse en scène et chercheuse en Belgique, au Royaume-Uni et dans toute l'Europe. En octobre 2019, Tactile Quartet(s), une performance dans laquelle elle étend ses recherches sur la tactilité à la discipline de la musique, sera présentée en première au Kaaitheater.
 ********** Nederlands ********** 
In deze promenadeperformance bestaande uit dans, immersieve choreografie, sculptuur en geluidskunst vragen Vera Tussing en haar collega's zich af: Wat komt er vóór aanraking?  Onze tastzin is verweven met verlangen, angst, afkeer, troost, plezier, gevaar. Tactiliteit is per definitie een complex fenomeen, dat onze relaties met elkaar en de wereld bepaalt – maar toch vaak ononderzocht blijft. Omdat het zo beladen is met betekenis, vereist aanraking zorgvuldige afweging. En omdat iedereen zijn eigen geschiedenis van aanraking heeft – die kan bestaan uit training, oefening, herinnering en trauma – moet het ‘voor’ van aanraking altijd opnieuw worden beleefd, zorgvuldig overwogen en heroverwogen bij elke nieuwe ontmoeting.  In deze voorstelling bestaande uit vier verschillende delen, nodigen drie dansers (Helen D’Haenens, Raphael Philipe Damasceno Ferreira de Moura, Christine Sollie) en Vera Tussing het publiek uit om te onderzoeken wie we zijn in beweging, in dans, in dit moment vóór aanraking. Welke herinneringen aan vroegere aanrakingen dragen we in ons? Welke mogelijke aanrakingen gaan vooraf aan een onmiddellijke aanraking? Gebeurt aanraking alleen als we het opmerken – als we actief naar de hand van de ander reiken? Welke aanrakingen merken we überhaupt nooit op?  • Vera Tussings (zij/haar) creatieve processen, performances en installaties worden gedreven door haar interesses in dans, beweging, perceptie, de zintuigen, belichaamde ervaring, multisensorieel toeschouwerschap, collectiviteit en consent. Haar meest recente reeks werken, de Tactile Cycle, bestaan uit podiumcreaties, sculpturen en bewegings- en geluidsinstallaties die gericht zijn op het creëren van unieke, interpersoonlijke ontmoetingen tussen publiek en performer. Ze werkte als danser, regisseur en onderzoeker in België, het Verenigd Koninkrijk en Europa. Tactile Quartet(s), een performance die haar onderzoek naar tactiliteit uitbreidt naar de muziekdiscipline, ging in oktober 2019 in première in het Kaaitheater.

Un-staging Tactility - Vera Tussing

<div>8 DECEMBER IN BRUSSELS10.30PM-4AMONLY OLDSCHOOL/NEWSCHOOL HIP-HOP/R&amp;B VIBES–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––SOUNDS BY**************A SLAYCHRISUPTOWNGARCON DOREDARRYL CROISET–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––https://www.instagram.com/private_feels/</div>

Private Feels at Plein Publiek Brussels

********** English ********** 
BBC Music Magazine Personality of the Year, proud son of Scotland, vocal coach of forty football fans, volunteer vaccinator and a singing, idiosyncratic nose – Nicky Spence is all this! Musically too, the flamboyant tenor cannot be pigeonholed, even though one repertoire is particularly close to his heart: Czech music. During this matinee recital, he will take several young singers from the MM Academy under his wing and perform with them the inspired melodies of such Bohemian and Moravian greats as Antonín Dvořák, Bohuslav Martinů and Vítězslava Kaprálová. After his brilliant appearances in Jenůfa and From the House of the Dead, we could hardly miss out on music by Leoš Janáček too. Get ready for an afternoon of poignant and emotionally charged songs performed by a born entertainer. Užijte si! Attend this performance (and three others of your choice) with  25% discount thanks to our Vocalissimo subscription.
 ********** Français ********** 
« Personnalité de l’année » du BBC Music Magazine, proud son of Scotland, coach de chant pour 40 fans de foot, vaccinateur volontaire et Nez chantant qui n’en fait qu’à sa « tête » : voilà comment esquisser le portrait de Nicky Spence ! Musicalement non plus, ce flamboyant ténor ne se laisse enfermer dans aucune catégorie, même s’il le répertoire tchèque lui tient particulièrement à cœur. Dans ce récital en matinée, il prend quelques jeunes interprètes de la MM Academy sous son aile pour chanter en leur compagnie les mélodies passionnées de grands noms de la Bohême et de la Moravie, comme Antonín Dvořák, Bohuslav Martinů ou Vítězslava Kaprálová. Après ses prestations brillantes dans Jenůfa et De la maison des morts, la musique de Leoš Janáček se devait évidemment de figurer au programme. Préparez-vous à un après-midi de lieder pénétrants et émouvants, portés par un véritable showman. Užijte si ! Assistez à cette représentation (et à trois autres de votre choix) avec 25 % de réduction grâce à notre abonnement Vocalissimo.
 ********** Nederlands ********** 
BBC Music Magazine Personality of the Year, proud son of Scotland, zangcoach van 40 voetbalfans, vaccinator-vrijwilliger en een zingende, eigenzinnige neus – Nicky Spence is het allemaal! Ook muzikaal laat de flamboyante tenor zich niet in één vakje opsluiten, al ligt één repertoire hem toch bijzonder na aan het hart: de Tsjechische muziek. Tijdens dit matinee-recital neemt hij enkele jonge zangers van de MM Academy onder zijn vleugels en brengt hij samen met hen de bevlogen melodieën van Boheemse en Moravische grootheden als Antonín Dvořák, Bohuslav Martinů en Vítězslava Kaprálová. Na zijn glansvertolkingen in Jenůfa en Uit een dodenhuis mag uiteraard ook de muziek van Leoš Janáček niet ontbreken. Maak u op voor een namiddag indringende liederen, gebracht door een geboren entertainer. Užijte si! Geniet 25% korting op deze voorstelling (en drie andere naar keuze) dankzij ons Vocalissimo-abonnement.

Bohemian melodies

« Homo Sapienne » met en scène les métamorphoses croisées de cinq jeunes gens vivant au bout du monde, au Groenland. Portant sur leurs frêles épaules tout le poids de la génération millénium, ils vont progressivement faire éclater les tabous en se découvrant tour à tour une sexualité différente, en proie à un désir brûlant d’authenticité. D’after en after, chacun des protagonistes va se libérer de la peur d’être lui-même en s’inventant une sexualité nouvelle, dynamitant les modèles conformes de l’identité genrée. Conçu comme une polyphonie à la fois intimiste et exubérante sur le thème de la renaissance, ce spectacle brasse joyeusement les genres, entre théâtre, danse, et performance. Adaptation théâtrale du roman de NIVIAQ KORNELIUSSEN Coproduction Liola asbl, Studio Michael Chekhov, Cellule 133 ___________ TARIFS Tarifs libres 8€ / 12€ / 16€ / 20€ Tarif de soutien à partir de 25€ Places individuelles : CHOOSE CE QUE TU BETAALT (tarif libre) C'est vous qui choisissez le prix que vous souhaitez mettre, en fonction de vos moyens et de vos valeurs. À l'exception des Lundi-Théâtre qui restent à 6€ pour tout le monde, nous vous indiquons un prix conseillé qui permet une rémunération juste pour les artistes et une gestion optimale pour le fonctionnement du théâtre, mais à vous de décider ! Payez ce que vous pouvez, ce que vous voulez, ce qui vous fait plaisir, ce qui vous paraît juste, indispensable, équitable et acceptable ! Vous êtes en mesure de payer un peu plus pour le billet? Vous permettez de la sorte que d'autres paient un peu moins. Merci de contribuer à un accès à la culture pour tou.te.s! PREVENTE : en réservant et payant vos places à l'avance, vous évitez le supplément de 2€ pour les achats le soir-même. Vous êtes étudiant.es en Arts du spectacle ou bénéficiaire des tickets Article 27? Ces tarifs restent valables! ___________ HORAIRES mercredi 13/12 - 19h00 jeudi 14/12 - 20h30 vendredi 15/12 - 20h30 lundi 18/12 - 20h30 mercredi 20/12 - 19h00 jeudi 21/12 - 14h00 jeudi 21/12 - 20h30 vendredi 22/12 - 20h30 mercredi 27/12- 19h00 jeudi 28/12 - 20h30 vendredi 29/12 - 20h30 dimanche 31/12 - 19h00

Bibliothèque des Riches Claires

Homo Sapienne

********** English ********** 
in a small country house, on a Russian winter’s evening. Tsar Saltan, who is looking for a wife, enters the house and chooses the youngest of three sisters, who soon becomes pregnant. Green with jealousy, the tsarina’s two elder sisters plot to have her and her child, Gvidon, thrown into the sea. Mother and son survive and find themselves on an enchanted island. There, the young prince has many adventures: he saves a princess who had been transformed into a swan, he sees a magnificent city appear out of nowhere, and he even turns into a bumblebee. Going through a wide variety of emotions, he learns to listen to what he feels … Alongside our production of The Tale of Tsar Saltan, we are presenting a family Concertino for children aged 8 and up. Pianist Irina Lankova, accompanied by a narrator and two singers of our MM Academy, will draw parallels between Pushkin’s original tale and Nikolay Rimsky-Korsakov’s opera. On a bare stage, with a piano as the only scenic element, they will take you on a mellow journey of initiation, a musical celebration of wonder and childhood for young and old alike.
 ********** Français ********** 
Une petite maison de campagne en Russie, un soir d’hiver. Le tsar Saltane, en quête d’une épouse, rend visite à ses habitantes, trois sœurs et une vieille parente. Il choisit la plus jeune des sœurs, qui très vite tombe enceinte. Rongées par la jalousie, les sœurs aînées de la nouvelle tsarine complotent pour la faire jeter à la mer avec son enfant, Gvidone. Mère et fils survivent et se retrouvent sur une île enchantée. Le jeune prince y vit de nombreuses aventures : il sauve une princesse changée en cygne, il voit surgir de nulle part une magnifique cité, il se transforme même en bourdon. Parcourant ainsi tout un éventail d’émotions, de la joie à la colère en passant par la déception et l’amour, il apprend à se mettre à l’écoute de ce qu’il ressent…  En marge de notre production du Conte du tsar Saltane, nous proposons un Concertino familial destiné aux enfants à partir de 8 ans. La pianiste Irina Lankova, accompagnée par un·e comédien·ne et deux membres de notre MM Academy, feront entrer en résonance le conte original de Pouchkine et l’opéra de Nikolaï Rimski-Korsakov. Sur une scène dépouillée, avec un piano pour seul décor, elles vous inviteront à un voyage initiatique plein de tendresse, une célébration en musique du merveilleux et de l’enfance pour les petits et les grands.
 ********** Nederlands ********** 
Een klein landhuis in Rusland, op een koude winteravond. Niemand minder dan de tsaar komt er op bezoek, op zoek naar een geschikte echtgenote. Hij kiest de jongste van drie zussen, die hem al snel een zoon schenkt. Vol jaloezie smeden de twee oudste zussen van de nieuwe tsarina een plannetje om haar en haar kind, Gvidon, in zee te laten gooien. Moeder en zoon overleven echter, en komen terecht op een magisch eiland. Daar beleeft de jonge prins tal van avonturen: hij redt een prinses die in een zwaan is veranderd, ziet uit het niets een prachtige stad verschijnen en verandert zelfs in een hommel! Overrompeld door heel wat grote emoties – vreugde, woede, teleurstelling, liefde – leert hij gaandeweg één ding: te luisteren naar wat hij voelt. Parallel aan onze productie van Het Sprookje van Tsaar Saltan bieden we voor kinderen vanaf 8 jaar en hun (groot)ouders dit heerlijke familie-Concertino aan. Een pianiste, een verteller en twee zangers van onze MM Academy brengen het oorspronkelijke verhaal van Poesjkin en de opera van Rimski-Korsakov samen. Een uur lang avontuur en muzikale betovering.

Tzar Saltan

<div>STAND UP: LE GLOU COMEDY SHOWLe collectif de Stand Up "Glou Comedy Show" est de retour pour une nouvelle saison pleine de rires, d'émotions et de rebondissements !! Pour fêter ça on débarque le 13 novembre prochain à 20H dans la toute fraîchement rénovée et resplendissante salle Delvaux de l'ULB 🔥___________🟡 ENTRÉE GRATUITE ET SORTIE AU CHAPEAU 🟡Riez et soutenez une bonne cause ! Comme d'habitude, Les Glou Comedy Show portent leur soutien au Centre de Prévention des Violences Conjugales et Familliale (CPVCF). Un chapeau passera en fin de spectacle où vous pourrez y mettre un don qui sera entièrement reversé à l'association.Et si vous ne voulez pas attendre pour soutenir cette cause, le site du CPVCF c'est par ici → http://www.cpvcf.org___________Chaque show sera orchestré par le Maitre de Cérémonie qui vous présentera des étoiles montantes du rire mêlées à des artistes novices du stand-up dans la bienveillance, le partage et la bonne humeur ! Le tout teinté de l'univers singulier et absurde du Glou Comedy Show !!!Bloquez votre soirée et venez découvrir ou redécouvrir ce show unique ! On a beaucoup trop hâte de vous retrouver avec un line up de folie ! ON RÉCAP :QUAND ? Mercredi 13 Novembre à 20H !Où ? Salle Delvaux de l'ULB, avenue Paul Héger , Campus du Solbosch (Bâtiment F)QUOI ? QUE DU LOVE ET DU FUN !!</div>

STAND UP: LE GLOU COMEDY SHOW

********** Français ********** 
Haz click aquí para leer este texto en español. Clique aqui para ler o texto em português. À qui appartiennent les Sidas ? interroge qui parle des Sidas, qui écoute et qui accueille la conversation. En d’autres termes, à qui sont les Sidas ? Nous posons ces questions en deux temps.   De 17h30 à 19h30 : Insistance et consistance : les lesbiennes et les Sidas est un double programme de performances de Fefa Vila et Talya. Fefa relatera ses expériences au sein de LSD et de La Radical Gai, deux collectifs lesbien et pédé impliqués dans l’activisme sida et qui publiaient des fanzines transpédébiguoines à Madrid dans les années 1990. Talya parlera de sa transition de genre et de sa séroconversion à travers ses expériences de lesbienne trans radicale à Paris et dans d’autres lieux. Deux peintures de Marnie Slater adaptant les œuvres d’art sur les murs de l’ancien bar lesbien Le Madame, ouvert à Bruxelles entre 1981 et 1983, seront également exposées. Ce double programme n’est accessible qu’à un public en mixité choisie de lesbiennes concernées par le VIH et le sida. Réserve ta place gratuite pour Insistance et consistance : les lesbiennes et les Sidas si tu t’identifies comme une lesbienne concernée par le VIH et les Sidas, en envoyant un courriel à viralmail@proton.me. Tu peux t’inscrire sous le mot ou le numéro de ton choix. L’équipe de « Des assemblées en Belgique autours des Sidas, des archives et des arts » t’ajoutera à une liste de participant·es qu’elle vérifiera elle-même le jour de l’événement. Toute correspondance à ce sujet sera supprimée au plus tard le 17 décembre. Tu peux également te présenter le 14 décembre à partir de 17h. Les billets gratuits restants, au moins 10, seront attribués selon le principe du premier·e arrivé·e, premier·e servi·e. Toutes les places pour Insistance et consistance : les lesbiennes et les Sidas sont réservées aux lesbiennes concernées par le VIH et les Sidas. La capacité totale est de 100 personnes. Les performances seront en français, anglais et espagnol ; une traduction chuchotée sera organisée entre les participant·es.   De 20h30 à 22h : Nous avons besoin de parler est l’enregistrement d’une discussion sur les Sidas et le repos entre Emmanuel Cortés, Héloïse, nixie, et Raphaël Kalengayi Junior, qui entreront en dialogue avec une petite audience. Cet enregistrement a pour point de départ un canapé qui sert ensuite d’amorce à une conversation sur les Sidas et le repos, car nous avons besoin de parler. L’enregistrement sera diffusé sur une radio locale en 2024, et partagé en ligne par les partenaires institutionnels de ce projet. 60% des places pour Nous avons besoin de parler (30 places) sont réservées aux personnes séropositives et aux personnes trans, racisées et lesbiennes concerné·es par le VIH et les Sidas. La capacité totale est de 50 personnes. Si tu t’identifies comme séropositif·ve et/ou personne trans, racisée et/ou lesbienne concerné·e par le VIH et les Sida, réserve une place gratuite pour Nous avons besoin de parler en envoyant un courriel à viralmail@proton.me. Tu peux t’inscrire sous le mot ou le numéro de ton choix. L’équipe de « Des assemblées en Belgique autours des Sidas, des archives et des arts » t’ajoutera à une liste de participant·es qu’elle vérifiera elle-même le jour de l’événement. Toute correspondance à ce sujet sera supprimée au plus tard le 17 décembre. Toute autre personne peut réserver une place gratuite pour Nous avons besoin de parler en envoyant un mail à tickets@kaaitheater.be. La conversation se déroulera en anglais et une traduction chuchotée sera organisée entre les participant·es. - Un comité de présentation a programmé À qui appartiennent les Sidas ? en tant qu’outil visant à satisfaire certains de nos désirs pour nos futures assemblées, tels que listés par notre première assemblée, qui s’est tenue l’été dernier au BUDA Kunstencentrum. Plus précisément : le désir de participer à des communautés de lesbiennes concernées par le VIH et les Sidas, et celui de se reposer. Nous sommes un groupe de personnes qui collaborent tout au long de l’année 2023 sous le nom de « Des assemblées en Belgique autours des Sidas, des archives et des arts » et autour de la question multiple : « Qui nous écoute ? Qui manque et qui n’est plus présent ? et À qui appartiennent les Sidas ? ». Nous avons pour projet d’accueillir, en 2023, 24 et 25, trois assemblées intimes, autogérées et en mixite choisie entre personnes concernées par le VIH et les Sidas. Nous avons fait le choix de l’assemblée comme œuvre d’art qui inclus son propre public ; dans l’assemblée nous partageons des savoirs intercommunautaires et auto-gouvernons notre projet. Au cours des derniers mois, nous avons également organisé d’autres événements avec différents publics : des résidences et des ateliers au Delta, à l’erg : école de recherche graphique et à Sint Lucas Antwerpen ; et un festival artistique intime par et pour des personnes concernées par le VIH et les Sida programmé à La Bellone, que nous avons intitulé aids, who ? Castillo, Emmanuel Cortés, Fefa Vila, Héloïse, Marco Labellarte, Marnie Slater, Matteo Sedda, nino_uncut, nixie, Oscar Mathieu le Bussy, Raphaël Kalengayi Junior, Talya, Turi Cantero et d’autres ont collaboré à « Des assemblées en Belgique autours des Sidas, des archives et des arts » en 2023. Notre objectif est de créer de processus pour mener des projets sur les Sidas, les archives et les arts faits part et pour des personnes concernées par les Sidas et le VIH. Nous dirigeons ce projet avec nos agendas transpédébigouine, séropositif, féministe, antiraciste, matérialistes et intersectionnel en santé communautaire. Le projet est coproduit avec La Bellone, BUDA Kunstencentrum, Le Delta, erg: école de recherche graphique, Kaaitheater et Sint Lucas Antwerpen, en Belgique.
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Haz click aquí para leer este texto en español. Clique aqui para ler o texto em português. Whose aids? stelt de vraag wie er over aids spreekt, wie er luistert en wie er als host optreedt. Met andere woorden, wie bezit aids. We stellen deze vragen in acts.  Van 17:30 tot 19:30  Aandringen en consistentie: Lesbiennes en aids is een double bill met optredens van Fefa Vila en Talya. Fefa vertelt over haar ervaringen in LSD en La Radical Gai, twee lesbische en homoseksuele collectieven die aan aidsactivisme deden en queer zines publiceerden in Madrid in de jaren negentig. Talya zal ingaan op haar gender- en hiv-transities vanuit haar radicale trans-lesbische ervaringen in Parijs en daarbuiten. Ook worden er twee schilderijen van Marnie Slater tentoongesteld, die een aanpassing zijn van de kunstwerken op de muren van de voormalige lesbische bar LeMadame, die tussen 1981 en '83 open was in Brussel. Deze double bill is alleen toegankelijk voor een zelfgekozen divers publiek van lesbiennes die zich bezighouden met HIV en aids. Reserveer een gratis plaats voor Aandringen en consistentie: Lesbiennes en aids als je je identificeert als lesbienne die zich bezighoudt met hiv en aids door te mailen naar viralmail@proton.me. Je kunt je inschrijven onder een woord of nummer naar keuze. Het team van "Aids, archives, and arts..." zal je toevoegen aan een deelnemerslijst die ze zelf zullen controleren op de datum van het evenement. Alle correspondentie hierover wordt tegen 17 december verwijderd. Je kunt ook op 14 december vanaf 17.00 uur langskomen. De resterende gratis tickets, minstens 10, zullen worden gegeven op basis van wie zich het eerst aanmeldt. Let op: alle plaatsen voor Aandringen en consistentie: Lesbiennes en aids zijn gereserveerd voor lesbiennes die zich bezighouden met hiv en aids. De volledige capaciteit is 100 mensen. De voorstellingen zijn in het Frans, Engels en Spaans; en er wordt gefluisterd vertaald tussen de deelnemers. Van 20:30 tot 22:00: We moeten praten is de opname van een debat over hulpmiddelen en rust tussen Emmanuel Cortés, Héloïse, nixie en Raphaël Kalengayi Junior in gesprek met een klein publiek. Deze opname markeert de publicatie van een podcast die een conversatiestarter is over aids en rust, omdat we moeten praten. De opname wordt in 2024 uitgezonden op een lokale radiozender en online gedeeld door de institutionele partners van dit project. 60% van de stoelen voor We moeten praten (30 stoelen) zijn gereserveerd voor seropositieve mensen, lesbiennes, trans personen en personen van kleur die zich bezighouden met hiv en aids. De volledige capaciteit is 50 mensen. Als je je identificeert als seropositief en/of lesbisch en/of trans en/of een persoon van kleur die zich bezighoudt met hiv en aids, reserveer dan een gratis plaats voor We Need to Talk door te mailen naar viralmail@proton.me. Je kunt je inschrijven onder een woord of nummer naar keuze. Het team van Aids, Archives, and Arts Assemblies in Belgium zal je toevoegen aan een deelnemerslijst die ze zelf zullen controleren op de datum van het evenement. Alle correspondentie hierover wordt tegen 17 december verwijderd. Alle andere mensen kunnen een gratis plaats reserveren voor We Need to Talk door een e-mail te sturen naar tickets@kaaitheater.be. Het gesprek zal in het Engels gevoerd worden en er zal gefluisterd vertaald worden tussen de deelnemers. - Een presentatiecommissie heeft Whose aids? geprogrammeerd als een instrument om te proberen enkele van onze wensen voor onze toekomstige bijeenkomsten te vervullen, zoals opgesomd door onze eerste bijeenkomst, die we afgelopen zomer in het BUDA Kunstencentrum hielden. Om precies te zijn: het verlangen om deel te nemen aan gemeenschappen van lesbiennes die zich bezighouden met hiv en aids, en het verlangen om te rusten. We zijn een groep mensen die in 2023 samenwerkt onder de naam Aids, Archives, and Arts Assemblies in Belgium en rond de drieledige vraag: "Wie luistert er, wie ontbreekt er, en wiens aids?". Ons project is om in 2023, '24 en '25 drie intieme en zelfgeorganiseerde bijeenkomsten te houden tussen verschillende mensen die zich bezighouden met hiv en aids. De bijeenkomsten, met hun op zichzelf staande publiek, zijn ons favoriete kunstwerk, waar we kennis tussen gemeenschappen delen en waar we ons project zelf besturen. In de voorbije maanden organiseerden we ook andere evenementen met een verschillend publiek: residenties en workshops in Le Delta, erg: école de recherche graphique, en Sint Lucas Antwerpen; en een intiem kunstenfestival door en voor mensen die begaan zijn met hiv en aids geprogrammeerd in La Bellone, dat we aids, wie? noemden. Castillo, Emmanuel Cortés, Fefa Vila, Héloïse, Marco Labellarte, Marnie Slater, Matteo Sedda, nino_uncut, nixie, Oscar Mathieu le Bussy, Raphaël Kalengayi Junior, Talya, Turi Cantero, en anderen hebben samengewerkt in het kader van Aids, archives, and arts assemblies in Belgium in 2023.
 ********** English ********** 
Haz click aquí para leer este texto en español. Clique aqui para ler o texto em português. Whose aids? interrogates who is speaking about aids, who is listening, and who is hosting. In other words, who is owning aids. We ask these questions in two acts.   From 5:30 to 7:30 pm:   Insistence and Consistency: Lesbians and aids is a double bill of performances by Fefa Vila and Talya. Fefa will recount her experiences in LSD and La Radical Gai, two lesbian and faggot collectives practicing aids activism and publishing queer zines in Madrid in the 1990s. Talya will address her gender and HIV transitions from her radical trans lesbian experiences in Paris and beyond. Also, two paintings by Marnie Slater will be exhibited, which adapt the artwork on the walls of the former lesbian bar Le Madame, which was open in Brussels between 1981 and ’83. This double bill is only accessible to a chosen diverse audience of lesbians concerned with HIV and aids. Book a free seat for Insistence and Consistency: Lesbians and aids if you identify as a lesbian concerned with HIV and aids by emailing viralmail@proton.me. You can register under any word or number of your choice. The team of “Aids, archives, and arts…” will add you to a participant list that they will check themselves on the event date. All correspondence on this matter will be deleted by December 17. Alternatively, you can show up on December 14 from 5 pm. The remaining free tickets, at least 10, will be given on a first come first served basis. Note that all seats for Insistence and Consistency: Lesbians and aids are reserved for lesbians concerned with HIV and aids. The full capacity is 100 people. The performances will be in French, English, and Spanish; and whispered translation will be organized between participants.   From 8:30 to 10 pm:   We Need to Talk is the recording of a discussion on aids and resting between Emmanuel Cortés, Héloïse, nixie, and Raphaël Kalengayi Junior in conversation with a small audience. This recording marks the publication of a sofa which is a conversation starter on aids and rest because we need to talk. The recording will be aired on a local radio in 2024, and shared online by this project’s institutional partners. 60% of the seats for We Need to Talk (30 seats) are reserved for poz people, and for BIPOC, trans people and lesbians concerned with HIV and aids. The full capacity is 50 people. If you identify as poz and/or a BIPOC, a trans person, and/or a lesbian concerned with HIV and aids, book a free seat for We Need to Talk by emailing viralmail@proton.me. You can register under any word or number of your choice. The team of “Aids, archives, and arts…” will add you to a participant list that they will check themselves on the event date. All correspondence on this matter will be deleted by December 17. Anyone else can book a free seat for We Need to Talk by emailing tickets@kaaitheater.be. The conversation will be held in English, and whispered translation will be organized between participants. – A presentation committee has programmed Whose aids? as a tool to attempt at satisfying some of our desires for our future assemblies, as listed by our first assembly, which we held last summer at BUDA Kunstencentrum. More precisely: the desire to participate in communities of lesbians concerned with HIV and aids, and the desire to rest. We are a group of people collaborating throughout 2023 under the name “Aids, archives, and arts assemblies in Belgium” and alongside the threefold question, “Who is listening, who is missing, and whose aids?” Our project is to host three intimate and self-organized assemblies in 2023, ’24, and ’25 between chosen diversities of people concerned with HIV and aids. The assemblies, with their self-contained audiences, are our artwork of choice, where we share inter-community knowledge, where we self-govern our project. In the past months, we also hosted other events with different audiences: residencies and workshops at Le Delta, erg: école de recherche graphique, and Sint Lucas Antwerpen; and an intimate arts festival by and for people concerned by HIV and aids programmed at La Bellone, which we titled aids, who? Castillo, Emmanuel Cortés, Fefa Vila, Héloïse, Marco Labellarte, Marnie Slater, Matteo Sedda, nino_uncut, nixie, Oscar Mathieu le Bussy, Raphaël Kalengayi Junior, Talya, Turi Cantero, and others have collaborated in “Aids, archives, and arts...” in 2023. We aim at devising processes to carry out projects on aids, archives, and arts made by and for people concerned with HIV and aids. We direct this project from our transfagbidyke and queer, poz, feminist, antiracist, materialist, and intersectional community health political agendas. It is coproduced with La Bellone, BUDA Kunstencentrum, Le Delta, erg: école de recherche graphique, Kaaitheater, and Sint Lucas Antwerpen, all of them in Belgium.

À qui appartiennent les Sidas ?

********** English ********** 
Sukhishvili, the famous Georgian National Ballet, is an ensemble of some fifty artists, dancers and musicians that has been preserving the customs of authentic Georgian dance for seventy-five years. With an orchestra featuring musical instruments that have been handed down from generation to generation, it is the entire history of Georgia that is performed on stage. A history of struggle and suffering, but also of heroism and hope. The refined and brightly coloured costumes reflect the traditions of the different regions of this country, which is being honoured as part of europalia georgia.  A ritual-like performance that continues to inspire new generations of dancers and to captivate audiences worldwide. As part of europalia georgia
 ********** Français ********** 
Composé d’une cinquantaine d’artistes, danseur·ses et musicien·nes confondu·es, le célèbre ballet Sukhishvili préserve les coutumes et le folklore de la danse géorgienne authentique depuis 75 ans. Avec son orchestre qui rassemble des instruments de musique dont la pratique est transmise de génération en génération, c’est toute l’histoire de la Géorgie qui se déroule sur scène. Une histoire faite de luttes, de souffrances mais aussi d’héroïsme et d’espoir. Les costumes raffinés aux couleurs éclatantes reflètent les traditions des différentes régions de ce pays mis à l’honneur dans le cadre d’europalia georgia.  Un spectacle comme un rituel, qui continue d'inspirer passionnément de nouvelles générations de danseur·ses et de captiver les publics du monde entier. Dans le cadre d'europalia georgia
 ********** Nederlands ********** 
Het beroemde Sukhishvili ballet telt een vijftigtal artiesten, dansers en muzikanten, en houdt al 75 jaar lang de tradities van de authentieke Georgische dans in stand. Met zijn orkest, samengesteld uit muziekinstrumenten waarvan het bespelen van generatie op generatie wordt overgeleverd, wordt de volledige geschiedenis van Georgië op het toneel gebracht. Een geschiedenis van strijd en lijden, maar ook van heldenmoed en hoop. De verfijnde, felgekleurde kostuums weerspiegelen de tradities van de verschillende regio’s van dit land dat in het kader van europalia georgia wordt belicht. Een voorstelling als een ritueel dat nieuwe generaties dansers hartstochtelijk blijft inspireren en publiek over de hele wereld blijft boeien. Als onderdeel van europalia georgia

Sukhishvili

ACHETER VOS TICKETS SHOW ASSIS
Spectacle bilingue | Bilingual show
Salut, hi!
Je m’appelle Paul, je suis Anglais et j’habite en France. J’ai fait deux spectacles bilingues intitulés "#FRANGLAIS” et “So British ou presque”. They both went really well, so I’m doing a third show ! Jamais deux sans trois, right ? À part les enfants. Dans ce cas là, un seul suffit ! One and done.
It’s called “Bisoubye x” and as the name suggests, the show is about having to say goodbye to a certain number of things in my life to be able to move on to the next chapter.
Si t’as déjà vu mes deux premiers spectacles et toutes mes vidéos sur les réseaux, ne t’inquiète pas, ce sont des nouvelles blagues (oui oui, il y en a qui bossent !)
Le concept reste donc pareil. Il y aura des blagues en français and there’ll be jokes in English. It’s a live show so there are no subtitles, donc ramène ta pinte et ton dictionnaire !

Paul Taylor

*** Français *** 
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 *** Nederlands *** 
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 *** English *** 
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