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Fampitaha, fampita, fampitàna - Soa Ratsifandrihana｜Kunstenfestivaldesarts
Dance , Show

Fampitaha, fampita, fampitàna - Soa Ratsifandrihana｜Kunstenfestivaldesarts

25mei
-
29mei
théâtre Varia
Théâtre Varia, Scepterstraat 78 Rue du Sceptre, Ixelles, Brussels-Capital 1050, Belgium
1.25€ - 20€

Description


********** English **********

Fampitaha, fampita, fampitàna – three Malagasy words that mean comparison, transmission and rivalry. In a score of abstract and figurative gestures, dancer and choreographer Soa Ratsifandrihana makes use of her own experience of diaspora and her Madagascan origins to tell us the kind of story she would have liked to have heard or seen as a child. Blending radio, musical and choreographic storytelling, the show plays with orality and movement, reminding us that our bodies, just like our words and sounds, are bearers of stories. Ratsifandrihana – who came to attention as a dancer in Rosas’ new version of Fase – drew inspiration from the words and stories she picked up on a recent trip to Madagascar. Joined by guitarist Joël Rabesolo and performers Audrey Merilus and Stanley Ollivier, she travels towards a form of wandering, exploring how several influences can lead to an unheard-of explosion of cultures like creolisation. Just as the change in accentuation between ‘fampitaha’, ‘fampita’ and ‘fampitàna’ alters the word’s meaning, the dancers glide from one state to another, seemingly following a constantly changing movement – or perhaps a form of creolisation.


********** Français **********

Fampitaha, fampita, fampitàna, trois mots malgaches signifiant comparaison, transmission et rivalité. Dans une partition de gestes abstraits et figuratifs, la danseuse et chorégraphe Soa Ratsifandrihana se nourrit de son récit diasporique et de ses origines malgaches pour nous raconter une histoire qu’elle aurait aimé entendre ou voir enfant. Récits radiophoniques, musicaux et chorégraphiques s’entremêlent dans une performance entre l’oralité et le mouvement pour nous rappeler que les corps, au même titre que les paroles ou les sons, portent nos histoires. Ratsifandrihana – précédemment remarquée en tant que danseuse de Rosas dans la nouvelle version de Fase – s’est inspirée de paroles et récits qu’elle a recueillis lors d’un voyage récent à Madagascar. Entourée du guitariste Joël Rabesolo et des performeur·euses Audrey Merilus et Stanley Ollivier, elle voyage vers une forme d’errance et explore comment, à l’image de la créolisation, plusieurs influences peuvent mener à un éclatement inouï de cultures. Tout comme le changement d’accentuation entre « fampitaha », « fampita » et « fampitàna » fait évoluer le sens du mot, les danseur·euses glissent d’un état à l’autre et semblent suivre un mouvement en perpétuelle métamorphose.


********** Nederlands **********

Fampitaha, fampita, fampitàna, drie Malagassische woorden die vergelijking, overdracht en rivaliteit betekenen. Danseres en choreografe Soa Ratsifandrihana – met wortels in Madagascar – put inspiratie uit haar persoonlijke diasporische verhaal en ontwikkelde een partituur van abstracte en figuratieve gebaren om ons een verhaal te vertellen dat ze als kind graag had willen horen of zien. De voorstelling combineert radiovertelling, muzikale compositie en choreografie, speelt met oraliteit en beweging, en herinnert eraan dat onze lichamen – net als onze woorden – dragers van verhalen zijn. Ratsifandrihana – die zich onder meer liet opmerken in de herneming van Fase van Rosas – trok naar Madagascar en verzamelde er getuigenissen en verhalen. In het gezelschap van gitarist Joël Rabesolo en performers Audrey Merilus en Stanley Ollivier onderzoekt ze hoe verschillende invloeden kunnen leiden tot een ongelooflijke explosie van culturen, naar analogie met het proces van creolisering. Net zoals het verplaatsen van de klemtoon tussen ‘fampitaha’, ‘fampita’ en ‘fampitàna’ telkens andere betekenissen genereert, glijden de dansers van de ene staat naar de andere, in een eindeloze metamorfose.

Date info

2024-05-25: 18:00:00

2024-05-26: 20:00:00

2024-05-27: 20:30:00

2024-05-28: 20:30:00

2024-05-29: 19:30:00

Tickets

Article 27
1.25€
Demandeurs d'emploi
16€
Jeunes
16€
Seniors
16€
Normal
20€

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Suggested events

Die Kunst der Fuge
Until17mei
Brussels|Show, Dance
********** English ********** ‘Die Kunst der Fuge occupies an almost mythical place in the oeuvre of Johann Sebastian Bach. Not only on account of its vast scope and impenetrability, but also because Bach worked on it until his death, which gives the listener the impression that this is his musical testament.’ — Bernard Foccroulle Anne Teresa De Keersmaeker continues her exploration of Johann Sebastian Bach’s oeuvre with the work that, in a sense, is the pinnacle of his life’s work: Die Kunst der Fuge. The remarkable thing about this cycle of eighteen canons and fugues, performed live by Bernard Foccroulle on the organ of the Cathedral of St Michael and St Gudula, is the exceptional power of imagination that emanates from what is ultimately a minimum of musical material: the first theme consists of only twelve notes, spread over four measures. The choreography, developed with Radouan Mriziga, starts out from the same principle by working on four lines and in the intermediate space. In addition, the choreography is also inspired by the circumstances in which Bach composed Die Kunst der Fuge. He worked on this cycle until the end of his life, and the final fugue, composed with the musical notes reflecting the letters of his surname, was never finished. This incompleteness resonates forcefully with our current sense of powerlessness as we face a global catastrophe, despite being at the height of our powers. THIS Production is part of TROIKA DANCE ********** Français ********** « Die Kunst der Fuge occupe une place mythique dans l’œuvre de J.S. Bach, tant en raison de son ampleur et de sa densité que parce qu’elle nous parvient inachevée. Bach travaillait à son édition au moment de sa mort, ce qui lui confère une dimension testamentaire. » – Bernard Foccroulle Anne Teresa De Keersmaeker poursuit son exploration de l’œuvre de Johann Sebastian Bach avec la pièce qui en constitue d’une certaine manière le couronnement : Die Kunst der Fuge. Ce qui frappe dans ce cycle de dix-huit canons et fugues, interprété en direct par Bernard Foccroulle sur l’orgue de la cathédrale Saints-Michel-et-Gudule, c’est l’extraordinaire imagination qui se déploie à partir d’un matériau musical en fin de compte minimal : le thème initial compte douze notes seulement, réparties sur quatre mesures.  La chorégraphie, créée en collaboration avec Radouan Mriziga, suit le même principe et est construite selon quatre lignes et l’espace qui les sépare. Elle s’inspire également des circonstances dans lesquelles Bach a composé son Die Kunst der Fuge. Il a travaillé à ce cycle jusqu’à la fin de sa vie, et la dernière fugue, composée sur les notes correspondant aux lettres de son patronyme dans la notation musicale allemande, est restée inachevée. Cette incomplétude entre en forte résonance avec notre sentiment actuel d’impuissance au seuil d’une catastrophe planétaire, et ce, alors que nous avons atteint des sommets de savoir-faire. ********** Nederlands ********** “Die Kunst der Fuge neemt een bijna mythische plaats in binnen het oeuvre van Johann Sebastian Bach. Niet alleen door zijn enorme reikwijdte en ondoordringbaarheid, maar ook omdat Bach er tot zijn dood aan heeft gewerkt, wat de luisteraar de indruk geeft dat het hier om zijn muzikale testament gaat.” — Bernard Foccroulle Anne Teresa De Keersmaeker zet haar verkenning van het œuvre van Johann Sebastian Bach verder met het werk dat er in zekere zin de bekroning van vormt: Die Kunst der Fuge. Opmerkelijk aan deze cyclus van achttien canons en fuga’s, door Bernard Foccroulle live uitgevoerd op het orgel van de Sint-Michiels- en Sint-Goedelekathedraal, is de buitengewone verbeeldingskracht die voortvloeit uit wat uiteindelijk een minimum aan muzikaal materiaal is: het eerste thema bestaat uit slechts twaalf noten, verspreid over vier maten. De choreografie, die samen ontwikkeld wordt met Radouan Mriziga, vertrekt vanuit hetzelfde principe door te werken op vier lijnen, en in de ruimte daartussen. Daarnaast is ze ook geïnspireerd door de omstandigheden waarin Bach Die Kunst der Fuge componeerde. Hij werkte tot het einde van zijn leven aan deze cyclus, en de laatste fuga, gecomponeerd met de muzieknoten die de letters van zijn achternaam weerspiegelen, werd nooit afgewerkt. Het is een onvolledigheid die sterk resoneert met ons huidige gevoel van machteloosheid, nu we oog in oog staan met een globale catastrofe, terwijl we ons op het hoogtepunt van ons kunnen bevinden. DEZE VOORSTELLING MAAKT DEEL UIT VAN TROIKA DANCE
On Stage - Maria Hassabi｜Kunstenfestivaldesarts
16mei
-
17mei
Brussels|Show, Dance
********** English ********** A solo figure stands at the edge of the proscenium stage – the place often used for speeches and stand-up comedy – and silently morphs from one pose to the next, like a body shaped by time. Iconic and mundane images emerge in a dramaturgy that exposes a nuanced embodiment of what it means to sustain a place, a pose, a representation. Maria Hassabi merges the strength and vulnerability one experiences on stage – to be uncovered. She frames her signature style of stillness, slowness and aesthetic precision, and invites her audience to awaken their own references to a parade of images as they unfold. What happens when the process of an image is revealed? In a contemporary culture fiercely flooded by images, does it lose its appeal when compared to our expectations? Hassabi has presented her work in the world’s leading museums and exhibition contexts, and at the festival in 2014 and 2017. On Stage is undoubtedly one of her most radical and personal works, offering a feminist reflection and a piercing insight into her artistic trajectory. Before an audience, Maria Hassabi’s intensity is visible, almost tangible, in a work of rare power that leaves no one indifferent. ********** Français ********** Une personne se tient au bord du proscenium – l’espace de l’avant-scène souvent utilisé pour les discours ou le stand-up – et passe en silence d’une pose à une autre. La bande sonore va et vient, comme si elle suivait les mouvements du vent, ou comme si elle était l’écho de bruits lointains qui refléterait une histoire qui n’a pas encore eu lieu. Subtilement, des références iconiques et des images du quotidien émergent et interrogent ce que signifie occuper un lieu et prendre position. Dans un solo tout en nuance, Maria Hassabi fusionne le pouvoir et la vulnérabilité que l’on peut ressentir lorsqu’on “est” sur scène. Dans son style caractérisé par la lenteur, les silences et la précision esthétique, elle éveille l’imagination du public par un défilé d’images séquentielles. Que se passe-t-il lorsque le processus de création d’une image est exposé ? Dans un monde inondé d’images, ne perdent-elles pas rapidement leur attrait ? Hassabi, qui a présenté son travail dans les plus grands musées du monde et au festival en 2014 et 2017, offre avec On Stage l’une de ses œuvres les plus radicales et personnelles ; une réflexion féministe et un regard approfondi sur sa trajectoire artistique. Une œuvre d’une rare puissance qui rend l’intensité de Hassabi visible, presque tangible, en face-à-face avec le public. ********** Nederlands ********** Een figuur staat aan de rand van het proscenium – het deel van de scène dat vaak gebruikt wordt voor toespraken en stand-up comedy – en transformeert geruisloos van de ene pose in de andere. Geluid komt en gaat en lijkt de echo te zijn van een soundtrack ergens ver weg, van een verhaal dat nog moet plaatsvinden. Iconische en alledaagse beelden duiken op in een dramaturgie die een genuanceerde belichaming voorstelt van wat het betekent om een plaats in te nemen, een houding aan te nemen. Maria Hassabi versmelt de kracht met de kwetsbaarheid van het ‘op scène staan’. Ze doet dit in haar kenmerkende stijl vol stilte, traagheid en esthetische precisie, en wakkert de fantasie van het publiek aan via een parade van opeenvolgende beelden. Wat gebeurt er wanneer de totstandkoming van een beeld wordt blootgelegd? Verliest het niet al snel zijn aantrekkingskracht, in een wereld die overspoeld wordt door beelden? Hassabi presenteerde haar werk in ’s werelds meest toonaangevende musea en op het festival in 2014 en 2017. On Stage is ongetwijfeld één van haar meest radicale en persoonlijke werken, met een feministische boodschap. Een performance die Hassabi’s intensiteit zichtbaar, bijna tastbaar maakt en een fascinerende inkijk geeft in haar artistieke traject.
Place des Martyrs - Martelarenplein
Vagabundus - Idio Chichava
17mei
-
19mei
Schaerbeek - Schaarbeek|Show, Dance
********** English ********** Thirteen performers dance and sing their hearts out, as if in ecstasy. They move as one global body through scenes reminiscent of street life, at times evoking a procession. Periodically, one will escape the dance only to be lovingly reunited with the group. They sing traditional and contemporary Mozambican songs, gospel and baroque motifs. Choreographer Idio Chichava found inspiration in the migratory movements of groups of people and the dance rituals of the Makonde people living in Mozambique and neighbouring countries. He believes only bodies that dance and sing simultaneously express themselves fully and exist in synergy with others. Vagabundus depicts life as a constant coming together and being together in a group, and migration as a possibly emotional, spiritual and collective journey. Chichava explores the expressiveness of the body and points the way to our true selves celebrating life with a pared-down stage design carried entirely by the explosive impact of dance and voices. This dazzling dance production invites us to recognise that our identity is strengthened by the community, through an overwhelming group performance showcasing song and dance as a means of resistance and a ritual of survival. ********** Nederlands ********** Dertien performers dansen en zingen zich de ziel uit het lijf, als in extase. Ze bewegen als één lichaam in scènes die aan het straatleven doen denken en associaties met processies oproepen. Bij momenten ontspringt iemand de dans om vervolgens liefdevol terug in de groep te worden opgenomen. Ze zingen traditionele en hedendaagse Mozambikaanse liederen, gospel- en barokmotieven. Choreograaf Idio Chichava liet zich inspireren door de migratiebewegingen van groepen mensen en de dansrituelen van het Makonde-volk dat in Mozambique en aangrenzende landen leeft. Hij gelooft dat alleen lichamen die tegelijkertijd dansen en zingen zichzelf volledig uitdrukken en in synergie met anderen bestaan. Vagabundus toont het leven als een constant samenkomen en samenzijn in groep, en migratie als een mogelijk emotionele, spirituele en collectieve reis. Chichava verkent de expressiviteit van het lichaam en wijst de weg naar ons ware zelf, het leven vierend in een uitgepuurde scenografie die volledig wordt gedragen door de explosieve impact van dans en stem. Een wervelende dansvoorstelling die uitnodigt om te erkennen dat onze identiteit wordt versterkt vanuit de gemeenschap, en een overdonderende groepsperformance die zang en dans toont als verzetsmiddel en overlevingsritueel. ********** Français ********** Treize performeur·euses dansent avec frénésie et chantent à tue-tête, comme en extase. Iels se déplacent comme un seul corps dans des scènes qui rappellent tantôt la vie dans la rue, tantôt une procession. Par moments, l’un·e ou l’autre s’échappe pour ensuite, tendrement, réintégrer le groupe. Le chorégraphe Idio Chichava s’inspire des mouvements migratoires et des rituels de danse du peuple Makondé, vivant principalement au Mozambique et dans les pays voisins. Selon lui, seuls les corps qui dansent et chantent simultanément s’expriment pleinement et peuvent exister en synergie avec les autres. Vagabundus dépeint la vie comme un rassemblement et un regroupement constants et la migration comme un voyage qui pourrait être émotionnel, spirituel et collectif. Chansons mozambicaines traditionnelles et contemporaines sont chantées et superposées à du gospel et des motifs baroques. Avec une scénographie épurée, entièrement portée par l’impact explosif de la danse et des voix, Chichava explore l’expressivité du corps et célèbre la vie en nous renvoyant vers notre véritable identité. Un spectacle éblouissant qui souligne la capacité de la communauté à renforcer notre identité, une performance collective bouleversante qui déploie le chant et la danse comme moyen de résistance et comme rituel de survie.
Treshold - Kwame Boafo｜Kunstenfestivaldesarts
16mei
-
23mei
Brussels|Show, Dance
********** English ********** Can a choreography intertwine different movements, like those of a human body and the flow of goods in a globalised world? Artist Kwame Boafo lives and works in Accra, Ghana, where he plans to open an institute of movement and philosophy. Accra is also the port city through which European end-of-life cars enter the West African market, often after being reconditioned in Brussels. With Threshold, Boafo creates a beautiful solo using visually refined images and movements relating to car fragments to unfold a poetic dialogue between choreography and commercial history. He collaborated with artist Percy Nii Nortey, known to use found objects and materials from mechanical workshops in Ghana to tell the stories collected by these end-of-life cars. For this performance, he created a curtain out of Ghanaian fabrics used to clean the vehicles that arrive from Brussels. Now, presented in the monumental atrium of the Arts et Métiers building – located in the canal area from which cars usually depart – Threshold appears as a visceral composition, dancing in the unexpressed spaces between our presence, environmental degradation and consumerism. In this performance, we suddenly feel the human and non-human movements in our global economy. ********** Français ********** Une chorégraphie peut-elle entrelacer différentes échelles de mouvement, comme celles du corps humain et celles des flux de marchandises d’un monde globalisé ? Kwame Boafo vit à Accra, au Ghana, où il travaille à l’ouverture d’un institut de mouvement et philosophie. Accra est aussi la ville portuaire par laquelle les vieilles voitures européennes – souvent réparées à Bruxelles – arrivent sur le marché ouest-africain. Avec Threshold, Boafo crée un magnifique solo aux images et aux mouvements raffinés évoquant des pièces de voitures, déployant un dialogue poétique entre la chorégraphie et l’histoire commerciale. Pour ce projet, Boafo collabore avec l’artiste Percy Nii Nortey, qui recycle des matériaux provenant d’ateliers mécaniques au Ghana pour mettre en lumière les histoires que racontent ces voitures en fin de vie. Nortey a créé un rideau à partir des tissus ghanéens utilisés pour nettoyer les véhicules venus de Bruxelles. Présenté dans l’atrium monumental des Arts et Métiers – une école technique implantée le long du canal, la zone d’où partent les voitures – Threshold apparaît comme une composition viscérale qui explore par la danse les espaces qui se cachent entre notre présence, la dégradation de l’environnement et le consumérisme. Une performance qui rend soudainement visible les mouvements humains et non-humains de notre économie mondialisée. ********** Nederlands ********** Kan een choreografie de bewegingen van een menselijk lichaam met die van de eindeloze goederenstroom in onze geglobaliseerde wereld laten versmelten? Kunstenaar Kwame Boafo woont en werkt in Accra (Ghana) waar hij een instituut voor beweging en filosofie wil openen. Accra is ook de havenstad waarlangs afgedankte auto's uit Europa de West-Afrikaanse markt binnenkomen, vaak na een opknapbeurt in Brussel. Boafo maakt met Threshold een prachtige solo waarin hij visueel verfijnde beelden en bewegingen die verwijzen naar auto-onderdelen inzet om een poëtische dialoog op gang te brengen tussen choreografie en commerciële geschiedenis. Hij werkt hiervoor samen met kunstenaar Percy Nii Nortey die voorwerpen en materialen uit autowerkplaatsen in Ghana gebruikt om de verhalen van de afgedankte wagens te vertellen. Speciaal voor deze voorstelling maakte hij een gordijn van Ghanese stoffen waarmee de voertuigen worden opgepoetst. Threshold – gepresenteerd in het atrium van het Arts et Métiers gebouw, gelegen in de kanaalzone van waaruit auto’s meestal vertrekken – is een rauwe compositie, op het kruispunt tussen onze aanwezigheid, milieuvervuiling en consumentisme. Een performance die de menselijke en niet-menselijke bewegingen van onze wereldeconomie voelbaar maakt.
Mamela Nyamza - Hatched ensemble - Kunstenfestivaldesarts
Until13mei
Brussels|Show, Dance
********** English ********** Ten dancers timidly balance en pointe with their backs to the audience while Camille Saint-Saëns’ The Swan plays. So opens HATCHED ENSEMBLE. While hiding their faces, they display small, handcrafted ironwork sculptures. The captivating choreography is the brainchild of South African artist Mamela Nyamza, who unapologetically demystifies and deconstructs the history of dance while trampling the norms and standards of the classics. Using simple household materials – clothes pegs, a clothes line, plastic ponchos and red aprons – the dancers evoke images of domestic labour that evolve in precise and touching fashion. Referencing Western classical music, dance and South African vocal scores, they juxtapose the movement vocabularies of diverse cultures. The dancers convey deeply personal stories that challenge race and gender norms, their movements peppered with moments of miniaturised ballet performed with frantic, joyful release. Minor gestures and major sensitivity combine to open up an entire universe unknown to dance history, overflowing with urgency and subtle virtuosity. ********** Français ********** Dix danseur·euses se tiennent en équilibre sur les pointes, dos au public, alors que Le Cygne de Camille Saint-Saëns résonne. Ainsi s’ouvre HATCHED ENSEMBLE. Tout en cachant leurs visages, les danseur·euses dévoilent de petites sculptures en fer fabriquées à la main. Cette chorégraphie captivante est une création de l’artiste sud-africaine Mamela Nyamza qui démystifie et déconstruit résolument l’histoire de la danse en bousculant les normes et les standards classiques. Avec de simples articles ménagers – pinces et cordes à linge, ponchos en plastique et tabliers rouges – et d’une manière à la fois précise et touchante, les danseur·seuses construisent des images évoquant des tâches domestiques. Iels juxtaposent des vocabulaires gestuels issus de cultures diverses, des références à la musique classique occidentale et des compositions vocales et de danses sud-africaines, tout en nous partageant des récits intimes qui défient les normes de race et de genre. Une chorégraphie exceptionnelle, présentée pour la première fois en Europe, émaillée de références subtiles au ballet et exécutée avec une liberté frénétique et une joie délivrante. Gestes mineurs et sensibilité majeure s’imbriquent et débordent d’un sentiment d’urgence et de virtuosité pour faire éclore un univers jusqu’alors inconnu de l’histoire de la danse. ********** Nederlands ********** Camille Saint-Saëns’ De Zwaan weerklinkt, tien dansers balanceren verlegen op hun pointes met de rug naar het publiek. Dit is de openingsscène van HATCHED ENSEMBLE. Terwijl ze hun gezichten verbergen, tonen ze kleine handgemaakte beeldjes van ijzerdraad. De betoverende choreografie is een creatie van de Zuid-Afrikaanse choreografe Mamela Nyamza. Ze is gekend om de manier waarop ze de dansgeschiedenis genadeloos ontleedt en demystificeert, en daarbij de klassieke normen en standaarden bevraagt. Met precieze en aandoenlijke gebaren, en eenvoudige materialen – wasknijpers, een waslijn, plastic poncho’s en rode schorten – roepen de dansers beelden van huishoudelijke arbeid op. Ze plaatsen de bewegingstaal van verschillende culturen, Zuid-Afrikaanse zangpartijen, en westerse klassieke muziek en dans naast elkaar. De performers delen persoonlijke verhalen die ras- en gendernormen uitdagen, terwijl hun bewegingen evolueren van schuchter ballet naar uitzinnige, vreugdevolle ontlading. Kleine gebaren en grote gevoeligheden – overlopend van urgentie en virtuositeit – brengen een tot nog toe onbekend universum in de geschiedenis van de dans tot leven.
KVS Bol
Weathering - Faye Driscoll
18mei
-
21mei
Brussels|Show, Dance
********** English ********** How do we feel the impact of events which are so much larger than us, move through us, and animate and activate our bodies all the time? Ten performers enact a glacially morphing tableau vivant on a mobile raft-like stage. Their voices generate a score that crescendos and resonates as they clutch, careen and cleave in a space too small to contain them, spilling off the edges. The scenes shown reference at times images from classical iconography. Tenderness and violence, sensuality and brute force cohabitate. The audience sits all around as if watching a boxing match, embanking the performers, close enough to smell their sweat and feel the steam of the spiralling scenes. Celebrated American choreographer Faye Driscoll returns to the festival with a multi-sensory flesh and breath sculpture made of bodies, sounds, scents, liquids and objects. She pushes her performers to their limits in this compelling, adventurous work, presented in the impressive Horta Hall, originally an exhibition space for sculptures. Weathering is an ode to the inexhaustible physical power of queer bodies. ********** Nederlands ********** Hoe voelen we de impact van gebeurtenissen die onze lichamen bewegen en bezielen, maar zoveel groter zijn dan onszelf? Tien performers verbeelden een steeds veranderend tableau vivant op een ronddraaiend vlot-achtig platform. Hun stemmen genereren een partituur die crescendo’s en resonanties laat horen terwijl ze elkaar vastgrijpen, wegduwen, en heen en weer slingeren over een oppervlak dat te klein is om hen te bevatten en uit zijn voegen dreigt te barsten. De getoonde scènes refereren bij momenten aan beelden uit de klassieke iconografie. Tederheid en geweld, sensualiteit en brute kracht worden met elkaar verzoend. Het publiek zit rondom rond, als kijkend naar een bokswedstrijd, en kan de performers bijna aanraken, hun zweet ruiken en de stomende scènes proeven. De gevierde Amerikaanse choreografe Faye Driscoll keert terug naar het festival met een multisensoriële levende sculptuur van vlees en adem, van lichamen, geluiden, geuren, sappen en objecten. Ze drijft haar performers tot het uiterste in dit meeslepende, avontuurlijke werk, gepresenteerd in de indrukwekkende Hortahal, oorspronkelijk een tentoonstellingsruimte voor beeldhouwwerken. Weathering is een ode aan de onuitputtelijke fysieke kracht van queer lichamen. ********** Français ********** Comment ressentons-nous l’impact d’événements qui, malgré le fait qu’ils nous dépassent, parviennent à nous traverser, nous animer et activer nos corps ? Sur un plateau rotatif qui ressemble à un radeau, dix performeur·euses, en constante évolution, composent des images qui ressemblent à des tableaux vivants issus d’un univers queer. Leurs voix génèrent une partition qui va crescendo et résonne à mesure qu’iels s’agrippent mutuellement, se balancent et se repoussent sur une surface trop petite pour les contenir, menaçant de déborder. Par moments, des images issues de l’iconographie classique semblent se dessiner. Tendresse, violence, sensualité et force brute cohabitent. Assis autour de la scène comme s’il assistait à un match de boxe, le public peut ressentir la sueur et l’ardeur de scènes étourdissantes. La célèbre chorégraphe états-unienne Faye Driscoll revient au festival avec une sculpture multisensorielle faite de chair et de souffle, de corps, de sons, d’odeurs, de fluides et d’objets. Elle pousse ses performeur·euses jusqu’à leurs limites dans un spectacle fascinant et aventureux, présenté dans l’impressionnant Hall Horta, qui était à l’origine conçu comme une salle d’exposition pour sculptures. Weathering est une ode à l’inépuisable puissance physique des corps queer et à leurs évolutions.
BOZAR - Centre for Fine Arts
horizon - Eduardo Fukushima & Beatriz Sano & Tomie Ohtake｜Kunstenfestivaldesarts
Until16mei
Forest|Show, Dance
********** English ********** A line crosses the air; it is an immobile form, yet it seems to dance. The sculptures of Tomie Ohtake strike a balance between abstraction and the ability to awaken our imagination, between form and sensuality. Born in Kyoto in 1913, a young Ohtake moved to São Paulo, the largest Japanese community outside Japan, where she lived until her death in 2015. Her feeling of not belonging to just one place seems tangible in her work: every line is a movement against stability and fixed shape. For years, Eduardo Fukushima – a Brazilian choreographer of Japanese heritage – has been working on the loss of balance. For him, Ohtake and the link between instability and complex identity in her work serve as a great inspiration. Now, together with Beatriz Sano, he has conceived a choreography with the works of Ohtake. The space of WIELS is punctuated by her sculptures and the rhythms of a live drummer. As the breathtaking steps of Fukushima and Sano hypnotically transport us, like a gentle sea wave, making the space move, the sculptures almost appear to dance. While Ohtake’s pieces reside in major museums worldwide, horizon is the first chance to see them in Brussels, through a dizzying choreography of bodies and sculptures that presents a fascinating, unstable encounter with her work. ********** Nederlands ********** Een lijn doorkruist de ruimte: een onbeweeglijke vorm, die toch lijkt te dansen. De sculpturen van Tomie Ohtake prikkelen de verbeelding en balanceren tussen sensualiteit en abstractie. Ohtake (°Kyoto, 1913) verhuisde op jonge leeftijd naar São Paulo waar de grootste Japanse gemeenschap buiten Japan leeft. Ze woonde er tot haar dood in 2015. Haar ervaring niet tot één plek te behoren wordt tastbaar in haar werk: elke lijn is een beweging tégen stabiliteit en vaste vorm. Eduardo Fukushima – een Braziliaanse choreograaf van Japanse afkomst – werkt al jaren rond het verlies van evenwicht. Voor hem zijn Ohtake en de link tussen instabiliteit en complexe identiteit in haar werk een belangrijke bron van inspiratie. Samen met Beatriz Sano bedacht hij een choreografie mét het werk van Ohtake. De ruimte van WIELS wordt gevuld met haar sculpturen en de ritmes van een drummer. Terwijl de adembenemende passen van Fukushima en Sano ons hypnotiseren, als zachte golven die de ruimte in beweging brengen, lijken de sculpturen te dansen. Ohtakes werk is te zien in grote musea over de hele wereld. horizon is de eerste kans om het in Brussel te bewonderen, in combinatie met deze wervelende choreografie van lichamen die er een fascinerende, destabiliserende dialoog mee aangaan. ********** Français ********** Une ligne fend l’air ; une forme immobile qui, pourtant, semble danser. Les sculptures de Tomie Ohtake trouvent l’équilibre entre abstraction et capacité à éveiller l’imagination, entre forme et sensibilité. Née à Kyoto, Ohtake s’installe jeune à São Paulo, où elle résidera jusqu’à sa mort en 2015. Son œuvre exprime le sentiment de ne pas appartenir à un seul endroit : chaque trait est un geste contre la stabilité et la forme figée. Pendant des années, Eduardo Fukushima – chorégraphe brésilien d’origine japonaise – a travaillé sur la notion de perte d’équilibre. Le personnage d’Ohtake et son œuvre, qui établit un lien entre instabilité et identités complexes, sont pour lui une importante source d’inspiration. Avec Beatriz Sano, il crée une chorégraphie avec les œuvres d’Ohtake, qui ponctuent l’espace du Wiels sur les rythmes d’une batterie jouée en live. Alors que les pas fascinants de Fukushima et Sano nous hypnotisent et nous transportent vers une douce onde mettant l’espace en mouvement, les sculptures semblent danser. horizon est la première occasion de voir les œuvres d’Ohtake à Bruxelles, conservées habituellement dans différents musées à travers le monde. Une étourdissante chorégraphie de corps et de sculptures qui propose une découverte aussi fascinante que déroutante.
Wiels
Création 2024
Until31mei
Forest|Show, Dance
********** Français ********** Les Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi comptent parmi les pièces musicales les plus emblématiques, les plus connues et les plus jouées au monde. Anne Teresa De Keersmaeker et Radouan Mriziga se proposent d’explorer cette remarquable ode à la nature dans une nouvelle création, dont le point de départ est le superbe enregistrement réalisé par la violoniste Amandine Beyer et son ensemble Gli Incogniti. Les deux chorégraphes partagent un intérêt marqué pour l’observation de la nature, la géométrie et l’abstraction incarnée. Ils partagent aussi leur inquiétude face à l’évolution néfaste de notre lien avec la nature, mais aussi sur la place et la responsabilité qui incombent à l’art et aux artistes en cette période critique. Quel sens donner à cette création autour des quatre saisons à une époque où celles-ci subissent les conséquences du changement climatique au point que la réalité même de quatre saisons distinctes menace de disparaître ? Cela fait précisément trois siècles que Vivaldi composa cette musique, en Méditerranée, à la croisée de différents continents. Les Quatre Saisons invitent à une réflexion sur la dynamique géopolitique de cette région et sur les échanges des connaissances, des pouvoirs et de l’histoire qu’elle cristallise. Creation 2024 fait donc s’entrelacer de multiples strates sous-jacentes pour faire émerger un langage chorégraphique unique. Ce spectacle revient à l’essentiel, à la structure de la célèbre pièce de Vivaldi, avec tout le spectre d’associations et d’émotions qu’elle évoque, tout en créant un contrepoint chorégraphique à cet univers musical. Cette production fait partie de Troika Dance ********** Nederlands ********** De vier jaargetijden van Antonio Vivaldi is een van de bekendste, meest iconische en vaakst gereproduceerde muziekstukken; een echte ‘hit’ uit het klassieke repertoire. Voor de nieuwste Rosas-creatie laten Anne Teresa De Keersmaeker en Radouan Mriziga zich inspireren door deze welluidende ode aan de natuur, en specifiek door de opname van violiste Amandine Beyer en haar ensemble Gli Incogniti. De twee choreografen delen naast een grote interesse in de observatie van de natuur, geometrie en belichaamde abstractie ook een bezorgdheid om onze veranderende en steeds meer verontrustende relatie met onze natuurlijke omgeving. Stilstaan bij de vier jaargetijden maakt de urgentie van de klimaatcrisis pijnlijk duidelijk. Kunnen we vandaag überhaupt nog spreken over vier seizoenen? Vivaldi’s partituur ontstond exact driehonderd jaar geleden in het Middellandse Zeegebied, waar verschillende continenten elkaar ontmoeten. In die zin nodigt het werk ook uit tot reflectie over de geopolitieke dynamiek in de regio en de manier waarop kennis, macht en geschiedenis zich verspreiden. Deze voorstelling gaat in op deze uitnodiging en grijpt tegelijk terug naar de kern, de structuur van Vivaldi’s De vier jaargetijden en de vele associaties en emoties die dit muziekstuk oproept. Deze voorstelling maakt deel uit van Troika Dance ********** English ********** Antonio Vivaldi’s The Four Seasons is one of the most well-known, iconic and reproduced pieces of music; a veritable ‘hit’ of the classical repertoire. In this new Rosas creation, Anne Teresa De Keersmaeker and Radouan Mriziga set out to explore this striking ode to nature and take the exquisite recording by violinist Amandine Beyer and her ensemble Gli Incogniti as a starting point. Both choreographers share a keen interest in the observation of nature, geometry, and embodied abstraction. They also share a concern with our changing and increasingly troubling relationship to our natural environment. Contemplating the four seasons today brings to the surface the urgency of the impending climate crisis. Can we even still speak of four seasons? In addition, Vivaldi wrote this music three hundred years ago in the Mediterranean, a region at the intersection of different continents. His score thus also invites reflection on the circulations of knowledge, power, and histories this region represents. In this performance, multiple strands come together to create a unique choreographic language. The piece aims to return to the core, the structure of Vivaldi’s famous composition and the many associations and emotions it evokes, while offering a choreographic counterpoint to it. This production is part of Troika Dance
Zumbini: dansen met je peuter (2-5 jaar)
18mei
-15:00
Brussels|Show, Dance
Breng je voeten in beweging op leuke muziek en laat je hart zingen terwijl je samen danst met je peuter. De speelse lessen zijn niet alleen een feest voor jullie beiden, maar ze stimuleren ook de vroege ontwikkeling van je kleintje.  Met de kracht van muziek, beweging en het verkennen van instrumenten, leggen we het fundament voor taal, geheugen en leesvaardigheid.  EN - Move, groove, and grow together with your little one. FR - Bougez, dansez et grandissez avec votre petit(e).
Zumbini: dansen met je peuter (2-5 jaar)
18mei
-16:15
Brussels|Show, Dance
Breng je voeten in beweging op leuke muziek en laat je hart zingen terwijl je samen danst met je peuter. Onze speelse lessen zijn niet alleen een feest voor jullie beiden, maar ze stimuleren ook de vroege ontwikkeling van je kleintje.  Met de kracht van muziek, beweging en het verkennen van instrumenten, leggen we het fundament voor taal, geheugen en leesvaardigheid.  EN - Move, groove, and grow together with your little one. FR - Bougez, dansez et grandissez avec votre petit(e).