Rush

Description


********** English **********

If you ever have seen the work of choreographer Mette Ingvartsen, you might also have come across Manon Santkin, a performer who graduated from P.A.R.T.S. together with Mette and, over the course of the past two decades, took part in ten of her creations. Rush is a solo by Mette for Manon. It is a tribute to the act of performing, and a celebration of their intense and long-lasting collaboration. Together, they revisit materials and scores from past performances, while reshaping them through storytelling and narration. Out of this effort to ‘rewild’ their shard ecosystem, their actual artistic practice, emerges a surprising chronology, a rush of energy that reflects upon the pleasures of performing.  'Each process had its own universe, with its own horizon of concepts, a specific core of physical and expressive possibilities, that we would build the pieces around. The creations I’ve made together with Mette Ingvartsen all have something very concrete about them, anchored in the here & now, but they also have a strong line of fiction running through them. It has always been as much about what we do and what we imagine while performing. Like creating a continuum between fiction, imagination, and reality. (…) Looking back and venturing as a performer through what we have made in the past 20 years is like adding wormholes into this reality-fiction continuum. Or like creating passages between past and present, materiality and fiction, utopia and realisation.’ – Manon Santkin  • Mette Ingvartsen (she/her) is a Danish choreographer and dancer who graduated from PARTS in 2004. Her work is characterised by being hybrid and concerned with expanding choreographic practices by combining dance and movement with other fields, such as the visual arts, technology, language and theory. In 2003, Ingvartsen founded her own company and since then her work has been shown across Europe, the United States, Canada, Australia and Asia. Between 2012 and 2016, she was artist-in-residence at Kaaitheater in Brussels.


********** Français **********

Si vous avez déjà eu l’occasion de découvrir le travail de la chorégraphe Mette Ingvartsen, la performeuse Manon Santkin vous est peut-être également familière. Diplômée de P.A.R.T.S. en même temps que Mette, Manon a participé à 10 de ses créations au cours de ces 20 dernières années. Rush est un solo de Mette conçu pour Manon. C'est un hommage à l'acte de jouer et une célébration de leur intense et longue collaboration. Ensemble, elles revisitent les matériaux et les partitions de leurs performances passées, tout en les remaniant à l’aide de récits et de narrations. De cet effort pour "réensauvager" cet écosystème commun qu'est leur pratique artistique actuelle, émerge une chronologie surprenante, une bouffée d'énergie qui reflète les plaisirs de performer. "Chaque processus avait son univers singulier doté de son propre horizon de concepts, ainsi que d'un noyau spécifique de possibilités physiques et expressives, autour duquel nous construisions les pièces. Les créations que j'ai réalisées avec Mette Ingvartsen ont toutes une dimension très concrète, ancrée dans l'ici et le maintenant, mais elles sont également traversées par une forte ligne de fiction. Il a toujours été question de ce que nous faisons et imaginons en lors des performances. Comme la création d'un continuum entre la fiction, l'imagination et la réalité. (...) Jeter un coup d’oeil dans le rétroviseur et s’aventurer, en tant qu’artiste, dans nos réalisations des 20 dernières années, c'est comme ajouter des trous de ver dans ce continuum réalité-fiction. Ou comme créer des passages entre le passé et le présent, la matérialité et la fiction, l'utopie et la réalisation". – Manon Santkin •  Mette Ingvartsen (elle/elle) est une chorégraphe et danseuse danoise diplômée de PARTS en 2004. Son travail se caractérise par sa nature hybride et sa volonté d'élargir les pratiques chorégraphiques en associant la danse et le mouvement à d'autres domaines, tels que les arts visuels, la technologie, le langage et la théorie. Mette Ingvartsen a fondé sa propre compagnie en 2003 et son travail a depuis été présenté en Europe, aux États-Unis, au Canada, en Australie et en Asie. Elle fut par ailleurs artiste en résidence au Kaaitheater à Bruxelles entre 2012 et 2016.


********** Nederlands **********

Als je ooit het werk van choreografe Mette Ingvartsen hebt gezien, ben je misschien ook bekend met performer Manon Santkin, die samen met Mette afstudeerde aan P.A.R.T.S. en de afgelopen twintig jaar deelnam aan tien van haar creaties. Rush is een solo van Mette voor Manon. Het is een eerbetoon aan de daad van het optreden en een viering van hun intense en langdurige samenwerking. Samen herbekijken ze materialen en partituren van vroegere voorstellingen, terwijl ze er een nieuwe vorm aan geven door middel van verhalen en vertellingen. Uit deze poging om hun gemeenschappelijke ecosysteem, hun eigenlijke artistieke praktijk te 'herbebossen', ontstaat een verrassende chronologie, een energiestoot die reflecteert over het plezier van optreden.  “Elk proces had zijn eigen universum, met zijn eigen horizon van concepten, een specifieke kern van fysieke en expressieve mogelijkheden, waar we de stukken omheen bouwden. De creaties die ik samen met Mette Ingvartsen heb gemaakt hebben allemaal iets heel concreets, verankerd in het hier en nu, maar er loopt ook een sterke lijn van fictie doorheen. Het gaat altijd evenveel over wat we doen als over wat we ons inbeelden terwijl we optreden. Alsof je een continuüm creëert tussen fictie, verbeelding en werkelijkheid. (...) Terugkijken en ons als performer wagen aan wat we de afgelopen 20 jaar hebben gemaakt is als het toevoegen van wormgaten in dit realiteit-fictie continuüm. Of als het creëren van doorgangen tussen heden en verleden, materialiteit en fictie, utopie en creatie.” – Manon Santkin • Mette Ingvartsen (zij/haar) is een Deense choreografe en danseres die in 2004 afstudeerde aan PARTS. Haar werk wordt gekenmerkt door hybriditeit en houdt zich bezig met het uitbreiden van choreografische praktijken door dans en beweging te combineren met andere gebieden, zoals beeldende kunst, technologie, taal en theorie. In 2003 richtte Ingvartsen haar eigen gezelschap op en sindsdien is haar werk te zien geweest in heel Europa, de Verenigde Staten, Canada, Australië en Azië. Tussen 2012 en 2016 was ze artist-in-residence bij Kaaitheater in Brussel.

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20:30:00 - 21:30:00

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A raw performance: one performer, no props, no music equipment, no lighting design, no special costume. Nothing than body movement and sound in its full in-ex-tension of being. SSS2 is David Zambrano’s new project to support improvisation research. He has invited more than 18 artists to create a solo performance in one week, by using only their bodies as a full manifestation of their imagination. It’s a series of improvisation creation residencies happening at Tictac Art Centre all throughout 2024. A very raw solo performance, improvised or set, will be presented for the general public on the Friday of each residency week.
********** English ********** Guided by Bruce Lee’s allusion to an old Zen Buddhist wisdom in his seminal film Enter the Dragon, “Don’t concentrate on the finger or you will miss all that heavenly glory!”, she proposes to move with what we cannot fathom. To disappear in order to preserve the words that precede us, that never left us. To transform in order to keep what came before us. In close collaboration with an invited group af artists, they dance nearby the guardians of words and rhythms of persisting, still vibrant but disregarded worlds and invites us to listen to images of encounters in the moment of their sounding. In close relation with the elliptical drive of the moon, they challenge the possibility to sense the remnants of a language inwardly, so that the deeper they go into their bodies, the wider they go into its dismembered but enduring vocabularies and grammars, without ever seizing or claiming them. ********** Français ********** Dans le sillage d’une ancienne sagesse du bouddhisme zen à laquelle Bruce Lee fait allusion dans son film innovateur Enter the Dragon, « Quand le sage désigne la lune, l’idiot regarde le doigt », Moya Michael propose de suivre le mouvement de ce qu’on ne peut pas concevoir, de disparaître pour conserver les mots qui nous précèdent et ne nous ont jamais quittés, de transformer pour sauvegarder ce qui nous a précédés. En étroite collaboration avec un groupe d’artistes invités, elle danse au plus près des gardiens des mots et des rythmes de mondes inflexibles, toujours vivants mais oubliés ou négligés, et nous invite à écouter les images de rencontres au moment où elles résonnent. En relation intime avec l’élan orbital de la lune, iels remettent en question la possibilité de ressentir intérieurement les vestiges d’une langue, de sorte que plus on se meut en profondeur dans notre corps, plus on s’immerge dans ses vocabulaires et sa grammaire, fragmentés mais durables, sans jamais les saisir ou les revendiquer. ********** Nederlands ********** Geleid door Bruce Lee’s toespeling op een oude Zen Boeddhistische wijsheid in zijn baanbrekende film Enter the Dragon, “Focus niet op de vinger of je mist al die hemelse glorie!”, stelt ze voor om mee te bewegen met wat we niet kunnen bevatten. Te verdwijnen om de woorden te behouden die ons voorafgaan, die ons nooit hebben verlaten. Te transformeren om wat ons voorafging te bewaren. In hechte samenwerking met een groep genodigde artiesten, danst ze dichtbij de bewakers van woorden en ritmes van onbuigzame, nog levendige maar in de wind geslagen werelden en nodigt ze ons uit om te luisteren naar beelden van ontmoetingen op het moment dat ze weerklinken. In nauwe relatie met de elliptische impuls van de maan dagen zij de mogelijkheid uit om de overblijfselen van een taal innerlijk aan te voelen, zodat hoe dieper ze zich in hun lichaam bewegen, hoe breder ze zich begeven in haar versnipperde maar duurzame woordenschatten en grammatica, zonder ze ooit vast te grijpen of op te eisen.
********** English ********** Three freelance dancers are invited to give the best of themselves, here and now, without preparation, through dance instructions that they receive live through their headphones. Fully Automated Luxury Dancing meticulously analyses the control systems that keep dancers' bodies in their grip, both on and off stage. What does it mean to be a freelancer in the art world today? How far do you have to go as a dancer to survive? And might dance one day be replaced by AI? • Dan Mussett is a dancer and choreographer. He graduated from the Antwerp Conservatory in 2017 and subsequently created dddddddddduettttttttttttttt (2019) with Laurent Delom, and THE DATING PROJECT (2022). The impact of technology on body and mind is a source of inspiration in his work. He worked as a dancer with Jan Martens and Ayelen Parolin, and initiated Murmur, a reading and discussion group for dancers and dance workers in Antwerp. ********** Français ********** Trois danseur·euses free-lance sont invité·es à donner le meilleur d’elles et eux-mêmes sans préparation, par le biais d’instructions de danse qui leur sont transmises à travers des écouteurs. La pièce Fully Automated Luxury Dancing passe au crible et fustige les systèmes de contrôle qui exercent une emprise sur les corps des danseur·euses, à la fois sur scène et au-delà. Que signifie être free-lance dans le monde de l’art actuel ? Jusqu’où faut-il aller en tant que danseur·euse pour survivre ? Et l’IA remplacera-t-elle un jour la danse ?• Dan Mussett est danseur et chorégraphe, diplômé en 2017 du Conservatoire d’Anvers. Ensuite, il a créé ddddddddduettttttttttttt (2019) avec Laurent Delom, et THE DATING PROJECT (2022). L’impact de la technologie sur le corps et sur l’esprit constitue une source d’inspiration pour lui. En sa qualité de danseur, il a travaillé avec Jan Martens et Ayelen Parolin, et a lancé Murmur à Anvers, un groupe de lecture et de discussion pour danseur·euses et autres travailleur·euses en lien avec la danse. ********** Nederlands ********** Drie freelance dansers worden uitgenodigd om hier en nu, zonder voorbereiding, het beste van zichzelf te geven, via dansinstructies die ze live ontvangen via hun hoofdtelefoon. Fully Automated Luxury Dancing fileert haarfijn de controlesystemen die lichamen van dansers in hun greep houden, zowel op als naast het podium. Wat betekent het om een freelancer te zijn in de kunstwereld vandaag? Hoe ver moet je als danser gaan om te overleven? En wordt dans op een dag misschien vervangen door AI? • Dan Mussett is danser en choreograaf. Hij studeerde in 2017 af aan het Conservatorium van Antwerpen en maakte vervolgens ddddddddduettttttttttttttt (2019) met Laurent Delom, en THE DATING PROJECT (2022). De impact van technologie op lichaam en geest is een bron van inspiratie in zijn werk. Hij werkte als danser met Jan Martens en Ayelen Parolin, en initieerde Murmur, een lees- en discussiegroep voor dansers en danswerkers in Antwerpen.
********** English ********** Alice Giuliani and Camilla Strandhagen travel through intimate, futuristic galaxies to create a utopian dimension where chronic illness is no longer an invisible shadow, but a tangible entity. In Spoonieland, their bodies can finally transform into hidden ailments, fatigue, chronic pain and panic attacks. On the border between fiction and reality, between the personal and the collective, space is made for the unravelling of secrets, the recognition of pain and the discovery of pleasure and love. Alice Giuliani and Camilla Strandhagen met during the master's program in choreography at ARBA / ISAC in Brussels. A spoonie-sisterhood was born, focused on exploring their mysterious relationship with chronic illness, their superpowers and the accompanying pitfalls. And everything is porous as a bodily crack is the duo's first collaboration. ********** Français ********** Alice Giuliani et Camilla Strandhagen voyagent à travers des galaxies intimes et futuristes afin de créer une dimension utopique dans laquelle la maladie chronique n’est plus une ombre invisible, mais une créature tangible. Dans Spoonieland, leurs corps peuvent finalement se transformer en affections cachées, fatigue, douleurs chroniques et crises de panique. À la limite entre fiction et réalité, entre personnel et collectif, émerge un espace pour la révélation de secrets, pour la reconnaissance de la douleur et pour la découverte du plaisir et de l’amour.• Alice Giuliani et Camilla Strandhagen se sont rencontrées lors de leur master en chorégraphie à l’ARBA/ISAC à Bruxelles. Une sororité spoonie (en référence à la théorie des cuillères) en est née, en vue d’explorer leur mystérieuse relation à la maladie chronique, à leurs superpouvoirs et aux pièges qui en découlent. And everything is porous as a bodily crack (Et tout est poreux comme une faille corporelle) est la première collaboration du duo. ********** Nederlands ********** Alice Giuliani en Camilla Strandhagen reizen door intieme, futuristische sterrenstelsels om een utopische dimensie te creëren waarin chronische ziekte niet langer een onzichtbare schaduw is, maar een tastbaar wezen. In Spoonieland kunnen hun lichamen eindelijk transformeren in hun verborgen aandoeningen, vermoeidheid, chronische pijn en paniekaanvallen. Op de grens tussen fictie en realiteit, tussen het persoonlijke en het collectieve, ontstaat ruimte voor het ontrafelen van geheimen, de erkenning van pijn en de ontdekking van plezier en liefde. • Alice Giuliani en Camilla Strandhagen leerden elkaar kennen in Brussel tijdens een masteropleiding choreografie aan ARBA / ISAC. Er ontstond een spoonie-sisterhood, gericht op het onderzoeken van hun mysterieuze relatie met chronische ziekte, hun superkrachten en de valkuilen die ermee gepaard gaan. And everything is porous as a bodily crack is de eerste samenwerking van het duo.
********** English ********** In CINDY, movement, sound, and imagery are dissected into isolated scores. Through a game-theoretical algorithm with live coding, a sensitive interaction between all elements emerges, resulting in a new choreography each time. Inspired by the looping movements of Hurricane Cindy, Flóra Boros creates a game-theoretical pattern that propels her body through space. Flóra Boros is a Hungarian performer and choreographer who earned a degree in contemporary dance from the University of Vienna in 2021. Her work has been presented at venues such as WUK, Muffathalle, Theater Akzent, and Schwere Reiter. In 2023, she was in residency for the first time at workspacebrussels. ********** Français ********** Ce solo énergique dissèque le mouvement, le son et l’image en partitions isolées. En suivant un algorithme théorique de jeux et un codage en direct, une interaction sensible entre tous les éléments émerge et donne chaque fois lieu à une nouvelle chorégraphie. Inspirée par les mouvements en boucle de l’ouragan Cindy, Flóra Boros crée un motif théorique de jeu qui fait tourbillonner son corps dans l’espace.Flóra Boros est une performeuse et chorégraphe hongroise qui a obtenu un diplôme en danse contemporaine à l’Université de Vienne en 2021. Elle s’est produite, entre autres, au WUK, à la Muffathalle, au Theater Akzent et au Schwere Reiter. En 2023, elle a effectué une première résidence à workspacebrussels. ********** Nederlands ********** In CINDY worden beweging, geluid en beeld ontleed tot geïsoleerde partituren. Volgens een speltheoretisch algoritme met live codering ontstaat een gevoelige interactie tussen alle elementen, waardoor elke keer een nieuwe choreografie ontstaat. Geïnspireerd door de lusvormige bewegingen van orkaan Cindy creëert Flóra Boros zo een speltheoretisch patroon dat haar lichaam door de ruimte laat cirkelen. Flóra Boros is een Hongaarse performer en choreografe die in 2021 een diploma hedendaagse dans behaalde aan de Universiteit van Wenen. Haar werk werd gepresenteerd bij onder meer WUK, Muffathalle, Theater Akzent en Schwere Reiter. In 2023 was voor het eerst in residentie bij workspacebrussels.
Breng je voeten in beweging op leuke muziek en laat je hart zingen terwijl je samen danst met je peuter. Onze speelse lessen zijn niet alleen een feest voor jullie beiden, maar ze stimuleren ook de vroege ontwikkeling van je kleintje.  Met de kracht van muziek, beweging en het verkennen van instrumenten, leggen we het fundament voor taal, geheugen en leesvaardigheid.  EN - Move, groove, and grow together with your little one. FR - Bougez, dansez et grandissez avec votre petit(e).
Breng je voeten in beweging op leuke muziek en laat je hart zingen terwijl je samen danst met je peuter. De speelse lessen zijn niet alleen een feest voor jullie beiden, maar ze stimuleren ook de vroege ontwikkeling van je kleintje.  Met de kracht van muziek, beweging en het verkennen van instrumenten, leggen we het fundament voor taal, geheugen en leesvaardigheid.  EN - Move, groove, and grow together with your little one. FR - Bougez, dansez et grandissez avec votre petit(e).
On the first and third Saturday of each month (mostly), Tictac’s big studio gets transformed into an open stage, welcoming artists of the performance arts (dance, circus, music, theater, etc.) to show their work. The performance evening is approx 1 hour long. We livestream every Crude Saturday through our Facebook page, so you can follow it online all around the world (18:00 Brussels time). Anyone is welcome to participate as a spectator, and/or a performer. Tictac main doors open at 17:00 for the general audience, and the performances start at 18:00. The outside doors get locked when the performances start, so the audience has to be ON TIME. After the performances, Tictac stays open for approximately one more hour. Take the opportunity to have a snack, a beer or a cafecito, talk and to mingle with the performing artists or to visit the current artist in residency in Tictac’s Gallery. Keep in touch with Tictac’s social media or newsletter to know exactly which dates we have Crude Saturdays. Crude Saturdays is an open platform to work on real-time experiences, we welcome creativity in a raw and simple setting. There is no selection made.
Convertis à l’infinité du possible, les corps s’entrelacent, se multiplient, se dédoublent. Des personnages surgissent, frappés d’un irrésistible entrain, des histoires s’entrechoquent, indéfinissables, impossibles à réduire en un tout intelligible et résolu. La danse, échappée du pli de l'instant est un déferlement de force, d’exploits en tout genre. De cette énergie furieuse et exaltée, naissent des instants chorégraphiques d’une prodigieuse intensité, qui obnubilent et fascinent. Dans le cadre des Rencontres Danse, Cirque, Théâtre et du Mini D Festival.
De Ahmed Ayed / Collectif Illicium Création chorégraphique qui joint intime et universel, …And Nobody Else évoque la recherche d’une identité en constante transformation, une quête d’un « soi » libre dans une enveloppe étriquée. Ahmed Ayed, accompagné du chorégraphe et danseur Hamza Damra et du batteur et chanteur Timothée Philippe, explore ses questionnements identitaires, questionne la liberté d’être soi au- delà des masques qu’on s’impose. Est-ce que nous arrivons à atteindre pleinement notre identité profonde ou vivons-nous d’une série de compromis qui nous façonnent malgré nous ? Comment être nous-mêmes quand nous ne faisons que jouer des rôles que nous ne choisissons pas ? A travers le mouvement, la métamorphose constante du corps et de l’espace et la pulsation brute d’une batterie, …And Nobody Else nous emmène dans un voyage initiatique à la rencontre de différentes versions de soi-même. Une performance aux accents rock qui explore la frontière entre nos identités et la réalité qui nous entoure. -------- Conception, mise en scène et chorégraphie : Ahmed Ayed / Chorégraphie et interpretation : Hamza Damra / Performance musicale et composition : Timothée Philippe / Assistanat à la mise en scène : Amber Kemp / Dramaturge : Patrick Michel / Création lumières : Suzanna Bauer / Costumes : Aswad El Masrahi / Direction technique et régie lumière : Arnaud Lhoute / Régie son : Zoé Verdique / Ingénieur son : Arthur Wouters / Making of et Teaser : Alice Khol / Production déléguée : Théâtre de la Vie (Manon Di Romano). Une production déléguée du Théâtre de la Vie (Manon Di Romano), en coproduction avec La Coop asbl et Shelter Prod, Les Halles de Schaerbeek, Les Brigittines et C’est Central La Louvière, avec le soutien de taxshelter.be, ING et du tax shelter du gouvernement fédéral belge, de la COCOF, SABAM et SACD. Diffusion : La Charge du Rhinocéros.