********** Français **********
Secteur de création en pleine effervescence, le cirque présente une richesse qui
correspond bien à la réalité bruxelloise. Convivial, familial, il fédère,
décloisonne les genres, les générations et les clivages sociaux. Il invite au
dépassement de soi, à l’émerveillement, au respect de l’autre et à la curiosité
********** Nederlands **********
Circus is een bloeiende artistieke sector en biedt een rijkdom die mooi aansluit
op de Brusselse realiteit. Het gezellige gezinsfestival verenigt en overstijgt
stijlen, generaties en sociale verschillen. Circus haalt het beste naar boven in
mensen en stimuleert verwondering, respect voor elkaar en nieuwsgierigheid.
Histoire de Laine - Compagnie Rauxa [UP FESTIVAL]
28maart
-29maart
Rue Osseghem - Osseghemstraat 50, 1080 Molenbeek-Saint-Jean, Brussels-Capital, Belgium
1.25€ - 15€
Description
« Small is beautiful », dit l’adage. La Compagnie Rauxa nous en donne une émouvante démonstration! Avec un tout petit rien, une pelote de laine, un ventilateur, quelques tiges de métal, vous verrez naître sous vos yeux un petit acrobate haut d’une quinzaine de centimètres plus vibrant que nature. Il faut dire que Xavi Sánchez, épaulé en coulisse par sa comparse Analía Serenelli, n’a pas son pareil pour créer des saynètes qui vous mettront une petite larme à l’œil ou bien vous décrocheront un sourire béat. Après « Théâtre de papier » présenté lors du précédent festival, la compagnie Rauxa confirme toute sa finesse & sa sensibilité. Un régal pour tous!
Circus
Date info
2024-03-28: 17:00:00
2024-03-29: 19:00:00
Tickets
Article 27
1.25€
Catégorie 2
12€
Catégorie 1
15€
Info & Reservation
1 Picture
Suggested events
Après les formidables Evidences inconnues, présentées en 2021 au CCU, Kurt Demey
revient défier les lois du vraisemblable. Sachez-le d’emblée : en sortant de
Réalités, on pense avoir compris certaines choses, on a des soupçons sur
certains points, mais il y a beaucoup d’éléments qu’il faudra accepter de ne pas
maîtriser. Avec ses fidèles complices, le contrebassiste Joris Vanvinckenroye et
le photographe Fabien Gruau, Kurt Demey amène l’ici là-bas, fait passer le passé
pour du présent et transforme l’absence en précence. Au point que l’on se
demande s’il ne serait pas capable de lire dans le futur. Réalités offre un
bouleversement des sens qui rappelle qu’il ne faut pas forcément croire tout ce
qu’on voit et que ce que l’on voit n’est qu’une petite partie de ce qui est. De
quoi perdre positivement les pédales.
********** English **********
"It may be a play, but it starts out like a film. The heart of the work is in
the cinema," Christiane Jatahy says of the play."It is through cinema that we
arrive on the stage.”
This story is 3000 years old, but it is replayed every day in cinema, but also
in Homer's ‘Odyssey.’ All over the world, people cross borders in search of
asylum or a home.
The film travels through Jenin, Palestine, refugee camps in Lebanon and Greece,
downtown Johannesburg, the Amazon rainforest and ends up in Rio de Janeiro. The
context of the filming may be documentary, but the whole thing is primarily
fiction. The actors in these communities take Homer's verses to speak about
their reality. The actors are manifestations of Odysseus, Penelope and
Telemachus, they draw a straight line from ancient Greek characters to each of
us, present, in the theatre.
For some people in exile or in countries at war, only the present exists, the
past is already too far away or almost destroyed, and the future is unthinkable.
Only the time of waiting remains. A present that overflows.
• Born in Rio de Janeiro, Christiane Jatahy has degrees in theatre and
journalism, and a Masters degree in art and philosophy. In January 2022,
Christiane Jatahy was awarded the Golden Lion at the Venice Biennale for her
entire theatrical work. Created in 2020, ‘Le présent qui déborde’, was filmed
in Palestine, Lebanon, South Africa, Greece and the Amazon. The film is in
dialogue with theatre and mixes fiction with real stories of refugee artists.
This production by Théâtre National Wallonie-Bruxelles has been performed at the
Avignon Festival and has toured in Europe, Asia and the United States.
********** Français **********
“C’est peut-être une pièce, mais ça débute comme un film. Le cœur du travail
se trouve dans le cinéma,” dit Christiane Jatahy de cette pièce. “C’est à
travers le cinéma que nous arrivons sur le plateau”.
A travers le cinéma mais aussi à travers l’‘Odyssée’ d’Homère: cette histoire
est vieille de 3000 ans mais elle se rejoue pourtant tous les jours. Partout
dans le monde, des hommes et des femmes traversent des frontières à la
recherche d’une terre d’asile ou d’un foyer.
Le fim traverse Jénine, en Palestine, des camps de réfugié·es au Liban et en
Grèce, le centre-ville de Johannesburg, la forêt amazonienne et fini à Rio De
Janeiro. Le contexte de ces tournages est peut-être documentaire, mais
l’ensemble est avant tout une fiction. Les acteur·ices de ces communautés
prennent les vers d’Homère pour parler de leur réalité. Les acteur.ices sont
des manifestations d’Ulysse, de Pénélope et de Télémaque, iels tirent une
ligne droite des personnages de la Grèce antique jusqu’à chacun·e de nous,
présent·es dans le théâtre.
Pour certaines personnes en situation d’exil ou dans les pays en guerre, seul le
présent existe, le passé est déjà trop loin d’elles ou presque détruit, et
le futur est inenvisageable. Ne subsiste alors que le temps de l’attente. Un
présent qui déborde.
• Née à Rio de Janeiro, Christiane Jatahy est diplômée en théâtre, en
journalisme, et titulaire d’un Master en art et philosophie. Christiane Jatahy a
reçu en janvier 2022 le Lion d’Or de la Biennale de Venise pour l’ensemble de
son oeuvre théâtrale. Créé en 2020, ‘Le présent qui déborde’, a été filmé
en Palestine, au Liban, en Afrique du Sud, en Grèce et en Amazonie. Ce film
dialogue avec le théâtre et mélange la fiction avec des histoires réelles
d’artistes réfugié·es. Cette production du Théâtreational Wallonie-Bruxelles a
été montrée au festival d’Avignon et a tourné en Europe, en Asie et aux
États-Unis.
********** Nederlands **********
"Het is dan wel een toneelstuk, maar het begint als een film. Het hart van het
werk ligt in de film," vertelt Christiane Jatahy over deze voorstelling. "Het is
via de film dat we op het toneel aankomen.”
Via cinema, maar ook via de Odyssee van Homerus: dit verhaal is 3000 jaar oud,
maar het wordt elke dag opnieuw gespeeld. Overal ter wereld steken mensen
grenzen over op zoek naar asiel of een thuis.
De film reist door Jenin, Palestina, vluchtelingenkampen in Libanon en
Griekenland, de binnenstad van Johannesburg, het regenwoud van de Amazone en
eindigt in Rio de Janeiro. De context van de opnames mag dan documentair zijn,
het geheel is vooral fictie. De acteurs uit deze gemeenschappen gebruiken de
verzen van Homerus om over hun werkelijkheid te praten. De acteurs zijn
manifestaties van Odysseus, Penelope en Telemachus, ze trekken een rechte lijn
van de personages van het oude Griekenland naar ieder van ons aanwezig in het
theater.
Voor sommige mensen in ballingschap of in landen in oorlog bestaat alleen het
heden, het verleden is al te ver weg of bijna vernietigd, en de toekomst is
ondenkbaar. Alleen de tijd van het wachten blijft over. Een heden dat
overloopt.
• Christiane Jatahy, geboren in Rio de Janeiro, is afgestudeerd in theater en
journalistiek, en heeft een master in kunst en filosofie. In januari 2022
ontving Christiane Jatahy de Gouden Leeuw op de Biënnale van Venetië voor haar
volledige artistieke theateroeuvre. The Overflowing Present', gemaakt in 2020,
werd gefilmd in Palestina, Libanon, Zuid-Afrika, Griekenland en het
Amazonegebied. De film is in dialoog met het theater en mengt fictie met echte
verhalen van gevluchte kunstenaars. Deze productie van het Théâtre National
Wallonie-Bruxelles was te zien op het Festival van Avignon en toerde door
Europa, Azië en de Verenigde Staten.
Laos & Cambodja, door Jos en Sonia Odeurs-Keyen
Laos
Vanuit de ‘gouden driehoek’ varen we in Laos de Mekong en de schilderachtige Nam
Ou rivier af. Trektochten brengen ons door ongerepte landschappen waarin de
dorpjes van de 68 plaatselijke etnische bevolkingsgroepen genesteld liggen en
nemen deel aan hun rituelen. We reizen door gans het land en ontdekken naast een
uitbundige natuur ook culturele hoogtepunten en steden zoals de oude hoofdstad
Luang Prabang met haar bedelende monniken, de nieuwe hoofdstad Vientiane en
zoveel meer. We beleven er intens het Laotiaans nieuwjaarsfeest en nemen deel
aan processies als het meest heilige beeld de ‘Boeddha Prabang’ en iedereen met
water overgoten wordt. Volgens de traditie wenst men zo geluk toe, wordt het
oude jaar symbolisch weggewassen en wordt men gezuiverd van zonden en pech.
Cambodja
Voor veel reizigers beperkt een bezoek aan Cambodja zich tot een kennismaking
met de tempels van Angkor. Maar wie wat actiever door het land reist ontdekt ook
de leefwijze en de gebruiken van een gastvrije bevolking en een bijna ongerept
platteland met een verrassende authenticiteit. We maken fascinerende
ontdekkingstochten door de jungle, niet alleen naar de overwoekerde ruïnes van
de Khmertempels van Angkor, maar ook naar onbekende en zelden bezochte sites
elders in het land. We nemen deel aan de inwijding van een tempel en bezoeken de
“killing fields”. Na een sfeervolle boottocht over het Tonle Sap meer met zijn
drijvende dorpen en rivier bereiken we de bruisende hoofdstad Phnom Penh en
rusten uit aan de prachtige stranden van Sihanoukville. Cambodja is écht meer
dan enkel Angkor.
Guest artists will present a spontaneous performance on Thursdays at 19:00.
Tictac Art Centre holds weekly workshops directed by talented world-renowned
dance artists, who have come to Brussels to share their work. On Thursdays these
dance artists are invited to share a glimpse of their approach to performing for
the workshop participants and general public. Tictac opens this space so the
transmission of dance through teaching and performing can go hand in hand.
Please, always check our social media in case of a possible Thursday performance
cancellation.
When there are two workshops happening in the same week, the artists are mostly
presented in a shared evening, which also offers the opportunity to do something
together or not. Especially in the intensive workshops, participants are also
invited to perform and show whatever they’ve been doing during the classes but
in a performance setting.
Time:
Performance starts at 19:00 (be on time!). Tictac doors, cantine, and courtyard
are open from 18:00.
Duration:
20 to 60 min (approx).
The entry fee is on a donation-base (suggestion of minimum 5 €) and free for the
participants of the workshops of that week.
********** English **********
When words intermingle and each voice tells its story simultaneously, the
"Hamhameh" emerges. We find ourselves immersed in the vapors of words, the
murmurs of voices, the whirlwind of stories. We lose ourselves in this whirlpool
to find the stories. To find the best way to convey a story. We take on new
roles in this intimate/public space.
*Persian word meaning tumult, din, clamor. When everyone speaks at once.
Specifications: Registration required, Nudity alert, Touch alert. Participants
must have bathing suit, towel/robe.
Originally from Teheran, Kimia Nasirian is a multidisciplinary artist based in
Brussels since 2020. She holds a master's degree in sculpture from ENSAV - La
Cambre and a bachelor's degree in design from the University of Strasbourg. Her
artistic creations explore themes such as the collective memory of the body
within political and social movements, as well as religious and traditional
rituals in the Middle East. Kimia Nasirian also co-founded the ‘M-A Collective’
performance collective in Brussels.
********** Français **********
Lorsque les mots s'entremêlent et que chaque voix raconte son histoire
simultanément, émerge le "Hamhameh". Nous nous retrouvons immergés dans les
vapeurs des mots, les murmures des voix, le tourbillon des histoires. Nous nous
perdons dans ce tourbillon pour retrouver les récits. Pour trouver la meilleure
manière de transmettre une histoire. Nous endossons de nouveaux rôles dans cet
espace intime/public.
*Mot en persan signifiant Tumulte, vacarme, clameur. Quand tout le monde parle
en même temps.
Kimia Nasirian, artiste multidisciplinaire, née en 1996 à Téhéran, Iran, vit et
travaille à Bruxelles depuis 2020. Elle est titulaire d'un master en Sculpture à
l'ENSAV La Cambre à Bruxelles et d'une licence en Design de l'Université de
Strasbourg. Ses créations artistiques explorent des thèmes tels que la mémoire
collective du corps au sein des mouvements politiques et sociaux, ainsi que les
rituels religieux et traditionnels du Moyen-Orient. Kimia a co-fondé le
collectif de performance, M-A Collective à Bruxelles.
********** English **********
Down to Under investigates the city’s influence on the human body. In view of
video gaming, internet and Generation Z culture, the urban space works as an
algorithm, a playground, a battleground, a living space, a field of ever-flowing
stimuli as well as a confinement.
In this environment, the performing body enacts physicalities and gestures
appearing in urban underground music-based subcultures, such as hip-hop/rap,
emo, noise, hardcore and punk, exploring forms of social disobedience through
movement and sound. This obnoxious figure, charged by the effects of social
injustice and struggle, proactively appropriates urban space and exposes their
confusion, frustration and rage while allowing their physical efforts to
transform into vulnerability and tenderness.
Despina Sanida Crezia was born in 1998 in Athens. She works as a performer and
performance maker. She graduated from the State School of Dance and the
Department of History and Archaeology of the University of Athens. As a
performer she has collaborated with many artists from Greece and abroad. Sanida
Crezia is also one member of the VIGIL artistic duo. She has interned at the
National Library of Greece in the Department of Manuscripts, Archives and
Special Collections.
********** Français **********
« Down to Under » s'intéresse à l'influence de la ville sur le corps humain. Au
vu des jeux vidéo, de l'internet et de la culture de la génération Z, l'espace
urbain fonctionne comme un algorithme, un terrain de jeu, un champ de bataille,
un espace de vie, un champ de stimuli en perpétuel mouvement ainsi qu'un
enfermement.
Dans cet environnement, le corps performant met en scène des corporalités et des
gestes apparaissant dans les sous-cultures urbaines basées sur la musique
underground, telles que le hip-hop/rap, l'emo, le noise, le hardcore et le punk,
explorant des formes de désobéissance sociale par le biais du mouvement et du
son.
Cette figure odieuse, chargée des effets de l'injustice sociale et de la lutte,
s'approprie de manière proactive l'espace urbain et expose sa confusion, sa
frustration et sa rage tout en permettant à ses efforts physiques de se
transformer en vulnérabilité et en tendresse.
Despina Sanida Crezia est née en 1998 à Athènes. Elle travaille comme interprète
et créatrice de spectacles. Elle est diplômée de l'École nationale de danse et
du département d'histoire et d'archéologie de l'université d'Athènes. En tant
que performeuse, elle a collaboré avec de nombreux artistes grecs et étrangers.
Sanida Crezia est également membre du duo artistique VIGIL. Elle a effectué un
stage à la Bibliothèque nationale de Grèce, au département des manuscrits, des
archives et des collections spéciales.
********** English **********
The live-streamed performance in County Clare, Ireland, centers around an
ancient Irish tradition: walking barefoot. This symbolic act encapsulates a
metaphorical journey of self-discovery and reconnection with heritage. Walking
barefoot through the Burren, an ancient and rugged limestone landscape, this
performance embodies an exploration of identity and place, transcending borders
to forge connections across cultures and to foster unity and shared experience,
[la1] despite physical separation.
Erin Besch (she, her) is a multidisciplinary artist, explores identity and sense
of place informed by a deep affinity to Irish landscape and heritage. She holds
bachelor's degrees in both Psychology and Visual Art (Union College), a master
[la2] in Art Education (University of Florida) and is engaged in a Master of
Fine Art degree in Studio Art (Burren College of Art).
www.erinbesch.com
********** Français **********
Diffusée en direct depuis le comté de Clare, en Irlande, la performance
s'articule autour d'une ancienne tradition irlandaise : marcher pieds nus.
Cet acte symbolique incarne un voyage métaphorique de découverte de soi et de
reconnexion au patrimoine. En marchant pieds nus dans le Burren, un paysage
calcaire ancien et accidenté, cette performance donne corps à une exploration de
l'identité et du lieu, transcendant les frontières pour forger des liens entre
les cultures et favoriser l'unité et l'expérience partagée, en dépit de la
séparation physique.
Artiste pluridisciplinaire, Erin Besch (elle, la) explore l'identité et le sens
du lieu en s'appuyant sur une profonde affinité avec les paysages et le
patrimoine irlandais. Elle est titulaire d'une licence en psychologie et en arts
visuels (Union College), d'un master en éducation artistique (University of
Florida) et termine actuellement un master en arts plastiques (Burren College of
Art).
Website: www.erinbesch.com
********** English **********
Jeanne Colin began in 2017 as a dancer and performer with Ayelen Parolin, Éric
Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste... exploring the relationship
between movement and the unconscious, blending disciplines and practices such as
dance, hypnosis and drawing. With Abysses, the young choreographer continues
this exploration by focusing on dreams and REM sleep, a state of rest in which
nightmares and fear prevail. Starting from this dichotomy between reality and
fiction, feeling and imagination, her piece begins in the form of a reading
after which she allows the body and senses to drift towards a free, liberated
dance. Playing physically and metaphorically with ropes, knots and lianas,
Abysses connects what is hidden and divided.
********** Français **********
Jeanne Colin a débuté en 2017 comme danseuse et interprète avec Ayelen Parolin,
Éric Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste... en explorant la
relation entre le mouvement et l'inconscient, mêlant des disciplines et des
pratiques telles que la danse, l'hypnose et le dessin. Avec Abysses, la jeune
chorégraphe poursuit cette exploration en s'intéressant aux rêves et au sommeil
paradoxal, un état de repos dans lequel les cauchemars et la peur prédominent.
Partant de cette dichotomie entre réalité et fiction, sentiment et imagination,
sa pièce débute sous la forme d'une lecture après laquelle elle laisse le corps
et les sens dériver vers une danse libre et libérée. Jouant physiquement et
métaphoriquement avec les cordes, les nœuds et les lianes, Abysses relie ce qui
est caché et divisé.
********** Nederlands **********
Jeanne Colin begon in 2017 als danseres en performer bij Ayelen Parolin, Éric
Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste… met een onderzoek naar de
relatie tussen beweging en het onbewuste, waarbij ze disciplines en werkwijzen
zoals dans, hypnose en tekenen met elkaar vermengde. Met Abysses zet de jonge
choreografe deze verkenning verder door zich te richten op dromen en de
REMslaap, een staat van rust waarin nachtmerries en angst zegevieren. Met als
uitgangspunt deze tweespalt tussen realiteit en fictie, gevoel en verbeelding
vangt haar stuk aan in de vorm van een lezing waarna ze het lichaam en de
zintuigen laat drijven in de richting van een vrije, bevrijde dans. Abysses
speelt fysiek en metaforisch met touwen, knopen en lianen en verbindt wat
verborgen en verdeeld is.
********** English **********
A false ceiling takes shape. Placed below the main ceiling and concealing all or
part of it, it usually hides imperfections or technical equipment. In most
cases, its presence improves the thermal and acoustic performance of a space
while reducing its height. As it is not integral with the main ceiling it
covers, it can take any shape you choose.
Faux Plafond reverses the function of the object, just as children do when
building ephemeral huts. A reversible construction stretches out just above the
bodies present. Faux Plafond draws attention to the materiality of the
architectures that surround us in a world where physical spaces tend to become
virtualised.
Belgian selection made by Les Halles de Schaerbeek, La Balsamine et Studio Thor.
With the support of the Wallonia-Brussels Federation (Brussels promotion).
Camille Bleker and Luna Pittau spend much of their time observing the ceilings
that cover their bodies. Together, they create performances. Luna Pittau,
initially trained in printmaking and then in Visual Arts (IUAV, Venice), went on
to work in the field of re-use. Her practice was soon enriched by textile
creations involving the sequence of repetitive gestures, whose performative
dimension outweighs the final result. Her work tells the story of inhabited
spaces and documents our relationship with place, time and memory.
Camille Bleker, architect, author and performer, has collaborated on
deconstruction and recycling projects. The question of objects and their
function then became a major preoccupation. In her work, which takes the form of
a "laboratory" practice combining language and performative experimentation, she
examines the relationships of our bodies and spaces to inanimate objects.
Camille Bleker & Luna Pittau | Site web
********** Français **********
Un faux plafond prend forme. Posé au-dessous du plafond principal et dissimulant
tout ou partie de celui-ci, il masque habituellement les imperfections ou les
équipements techniques. La plupart du temps, sa présence permet d’améliorer les
performances thermiques et acoustiques d’un espace tout en réduisant la hauteur
d’une pièce. Non solidaire du plafond principal qu’il couvre, il peut prendre la
forme qu’on choisit de lui donner.
Faux Plafond renverse la fonction de l’objet, comme le font les enfants en
construisant des cabanes éphémères. Une construction réversible s’étend juste
au-dessus des corps présents. Faux Plafond attire l’attention sur la matérialité
des architectures qui nous entourent dans un monde où les espaces physiques
tendent à se virtualiser.
Sélection belge effectuée par Les Halles de Schaerbeek, La Balsamine et Studio
Thor. Avec le soutien de la Fédération Wallonie-Bruxelles (Promotion de
Bruxelles).
Camille Bleker et Luna Pittau passent une grande partie de leur temps à observer
les plafonds qui recouvrent leurs corps. Ensemble, elles réalisent des
performances. Luna Pittau, d’abord formée à l’image imprimée puis aux Arts
Visuels (IUAV, Venise), a ensuite travaillé dans le domaine du réemploi. Sa
pratique s’est rapidement enrichie de créations textiles impliquant
l’enchaînement de gestes répétitifs, dont la dimension performative l’emporte
sur le résultat final. Son travail raconte les espaces habités et documente
notre rapport aux lieux, au temps et à la mémoire.
Camille Bleker, architecte, autrice et performeuse, a collaboré sur des
chantiers de déconstruction et de récupération de matériaux de réemploi. La
question des objets et leur fonction est alors devenue une préoccupation
majeure. Dans son travail, qui se déploie sous la forme d’une pratique de «
laboratoire » mêlant langage et expérimentations performatives, elle se penche
sur les relations de nos corps et des espaces aux objets inanimés.
Camille Bleker & Luna Pittau | Site web