This is the story of an only daughter growing up in the 1960s, the roaring years of women’s emancipation and sexual liberation. Alongside her parents, she meets a host of more or less eccentric characters: Mamy Pilule, Papy with the burned face, Marraine, the little neighbour, Sœur Thérèse, Elvira Madigan, the dentist and the doctor, the girlfriend on the telephone, the best friend, the Other, the architect, the collaborator, Karajan and Richter, the jeweller’s son, the soulmate, the big neighbour, Woody (Allen), Bruno Cremer, Akerman (Chantal), the impotent and … Serge Reggiani. This stage adaptation of Virginie Jortay’s novel consists of thirty brief tableaux, instant sequences that follow one another in quick succession – the same way you turn the pages of an absorbing book. In a score for two narrators and a doll, the two actresses – Janine Godinas and Anne Sylvain – embody the different voices and interpret this child across the different stages that link her to a mother who is probably ill. Between the two: absence, silences, all that has been left unsaid. Blunt writing that transports us between past and present as in a rally, until the final revelation, hinted at since the beginning. A taboo of inconceivable obviousness. Ces enfants-là is a total show in which set, music and lighting design are very important. They are the joint creators of a living universe that is now oppressive, now funny: a shaggy carpet with a life of its own, miscellaneous objects containing memories from time immemorial, images projected on a screen … Première Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
C’est l’histoire d’une fille unique qui grandit dans les années 1960, les années folles de l’émancipation des femmes et de la libération sexuelle. Aux côtés de ses parents, elle fréquente un tas de personnages plus ou moins excentriques : Mamy Pilule, Papy au visage tout brûlé, Marraine, la petite voisine, Sœur Thérèse, Elvira Madigan, le dentiste et le docteur, l’amie du téléphone, le meilleur ami, l’Autre, l’architecte, le collabo, Karajan et Richter, le fils du bijoutier, l’âme sœur, la grande voisine, Woody (Allen), Bruno Cremer, Akerman (Chantal), l’impuissant… et Serge Reggiani. Le premier roman de Virginie Jortay adapté pour la scène se découpe en une trentaine de brefs tableaux, autant de séquences flash qui s’enchaînent comme on tourne avec frénésie les pages d’un livre palpitant. En une partition pour deux narratrices et une poupée, les deux actrices – Janine Godinas et Anne Sylvain – s’emparent des différentes voix et interprètent cette enfant-là, dans les étapes successives qui la lient à une mère probablement malade. Entre les deux : l’absence, les silences, et les non-dits. Une écriture cash qui nous emmène entre passé et présent comme dans un rallye d’étapes, jusqu’à la révélation finale, sous-tendue depuis le début. Le tabou d’une évidence inconcevable. Ces enfants-là est un spectacle complet où le décor, la musique et la lumière ont une importance primordiale. Ils sont les co-créateurs d’un univers vivant, parfois oppressant, parfois drôle : une moquette à longs poils qui a une vie propre, des objets hétéroclites qui renferment des souvenirs immémoriaux, des images projetées sur écran, etc. Première Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Dit is het verhaal van een enige dochter die opgroeit in de jaren zestig, de dolle jaren van vrouwenemancipatie en seksuele bevrijding. Naast haar ouders ontmoet ze een groot aantal personages, het ene al excentrieker dan het andere: oma Pil, opa met zijn verbrand gezicht, haar doopmeter, het buurmeisje, zuster Theresa, Elvira Madigan, de tandarts en de dokter, de telefoonvriendin, de beste vriend, de Ander, de architect, de collaborateur, Karajan en Richter, de zoon van de juwelier, de zielsverwant, de grote buurvrouw, Woody (Allen), Bruno Cremer, Akerman (Chantal), de impotente... en Serge Reggiani. De toneelbewerking van Virginie Jortays roman telt een dertigtal korte tableaus, stuk voor stuk flitsende sequenties die elkaar in strak tempo opvolgen als de bladzijden van een spannend boek die we als een bezetene omslaan. In een partituur voor twee vertelsters en een pop, nemen de twee actrices – Janine Godinas en Anne Sylvain – de verschillende stemmen voor hun rekening en vertolken ze dit kind in de opeenvolgende stadia die haar verbinden met een wellicht zieke moeder. Tussen beiden in: de afwezigheid, de stiltes en de onuitgesproken woorden. Een rechttoe rechtaan schriftuur die ons meevoert tussen heden en verleden, als in een rally met diverse etappes, tot de uiteindelijke onthulling die al van meet af onderhuids aanwezig was. Het taboe van een onvoorstelbare evidentie. Ces enfants-là is een totaalvoorstelling waarin decor, muziek en licht van primair belang zijn. Zij zijn de medescheppers van een levend universum dat nu eens beklemmend, dan weer grappig is: een kamerbreed hoogpolig tapijt met een eigen leven, heterogene voorwerpen die onheuglijke herinneringen in zich dragen, beelden geprojecteerd op een scherm... Première Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Théâtre National
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Imagine a concert with a single song performed over and over and where the musicians are also athletes, where the concert hall becomes a theatre, an arena, a gymnasium – all this set to the beat of a compulsive and random metronome. With ONE SONG, performer and director Miet Warlop dives deeper into her extravagant and visionary world. In this hyper-physical performance, she combines theatre and pop culture (stadium, sports, pop, musicals, etc.). The twelve performers on stage are pushed to extremes: a violinist perched on a beam, a double bass player lying on their back and building up their abs, a drummer jumping up and down, a singer on a treadmill … A hypnotic performance that is performed over and over at an insistent, frenetic pace. The fourth part of the Histoire(s) du théâtre series, this show can be seen as a metaphor for our society that has an invigorating parodic effect. In this amusing and literally haunting experience, spectators will move between amazement, dazzlement and ecstasy. They will emerge transcended from this celebration. Corealisation Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Imaginez un concert avec une seule chanson qui se répète à l’infini, où les musicien·nes sont aussi des sportif·ves, où la salle se fait théâtre, arène, gymnase, le tout rythmé par un métronome compulsif et aléatoire. Avec ONE SONG, la performeuse et metteuse en scène Miet Warlop creuse le sillon de son univers extravagant et visionnaire. Dans cette performance hyper physique, elle associe le théâtre et la culture populaire (le stade, le sport, la pop, la comédie musicale…). Elle convoque sur le plateau douze interprètes de l’extrême : une violoniste perchée sur une poutre, un contrebassiste allongé se musclant les abdos, un batteur qui sautille, un chanteur sur un tapis de course, etc. Pour un morceau hypnotique qui se répète à un rythme lancinant. Quatrième volet de la série Histoire(s) du théâtre (une idée originale de Milo Rau / NTGent), ce spectacle peut se voir comme une métaphore de notre société, avec un effet parodique énergisant. C’est une expérience drôle, littéralement obsédante, où le public oscille entre stupeur, éblouissement et extase. Il ressort transcendé de cette célébration. Coréalisation Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Stel je een concert voor met één lied dat tot in het oneindige wordt herhaald, waarbij de muzikanten ook aan sport doen, waar de concertzaal een theater wordt, een arena, een turnzaal, en waar alles wordt geritmeerd door een dwangmatige en aleatorische metronoom. Met ONE SONG graaft performer en regisseur Miet Warlop dieper in haar extravagante en visionaire wereld. In deze hyperfysieke voorstelling combineert ze theater en populaire cultuur (het stadion, sport, pop, musicals…). Ze brengt twaalf extreme performers op het toneel: een violist die hoog op een balk zit, een liggende contrabassist die buikspieroefeningen doet, een drummer die op en neer springt, een zanger op een loopband… en dit alles voor een hypnotiserend stuk dat zich in een obsederend, razend tempo herhaalt. One Song, het vierde deel van de reeks Histoire(s) du théâtre, is als een metafoor voor onze samenleving en heeft een opzwepend, parodiërend effect. Het is een grappige, letterlijk beklijvende ervaring waarin het publiek heen en weer wordt geslingerd tussen verbazing, verrukking en extase, en na deze viering gelouterd huiswaarts keert. Corealisatie Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
What is your history as a theatre maker? At NTGent's invitation, Miet Warlop has come up with a response. She is the fourth director in the 'Histoire(s) du Théâtre' series – after Milo Rau, Faustin Linyekula and Angélica Liddell – to take up the challenge of creating a work in which present, past and future meet in a surprising way. 'One Song' is set in the universe of Warlop, where a group of performers enter the arena for a mesmerising ritual about farewell, life and death, hope and rebirth. Using the metaphor of a live match, including commentator and cheerleader, Miet Warlop invites us to form a community and transcend beyond ourselves as in a celebration. The temporary thus becomes the universal and the personal becomes a collective something. That is the subtext of 'One Song': how one song can give meaning to an entire society. Unity in diversity. Together, the performers takes it to extremes and with sung text, images and objects, oxygen and sweat, they evoke our condition humaine . Time and again, someone stands up to push a boundary. They defy time and express a deep human need, that moment when we can transcend our thinking body. • Miet Warlop studied three-dimensional art at KASK in Ghent. In her work, she strings together images into stunning tableaux vivants. She has been on the Kaaitheater programme with several performances, including 'Springville' (2010), 'Ghost Writer and the Broken Hand Break' (2019, 2022) and 'One Song' (2022), which, after CC Strombeek, we are now reprising at Théâtre National.
Quelle est votre histoire en tant que metteur·euse en scène de théâtre ? À l'invitation du NTGent, Miet Warlop formule une réponse. Dans la série 'Histoire(s) du Théâtre', elle est le·la quatrième metteur·euse en scène - après Milo Rau, Faustin Linyekula et Angélica Liddell - à relever le défi de créer une œuvre dans laquelle présent, passé et futur se rencontrent d'une manière surprenante. "One Song" se déroule dans l'univers de Warlop, où un groupe d'artistes pénètrent l'arène pour un rituel enchanteur sur les adieux, la vie et la mort, l'espoir et la renaissance. À travers la métaphore d'un match en direct, avec commentateur et pom-pom compris, Miet Warlop nous invite à former une communauté et à nous transcender comme lors d'une célébration. Ainsi, le temporaire devient universel et le personnel se fait collectif. Tel est le sous-texte de "One Song" : comment une chanson peut donner un sens à toute une société. L'unité dans la diversité. Ensemble, les artistes vont jusqu'à l'extrême : avec des textes chantés, des images et des objets, de l'oxygène et de la sueur, iels évoquent notre condition humaine. À chaque fois, quelqu'un se lève pour repousser une limite. Iels défient le temps et expriment un besoin humain profond : le moment où nous pouvons transcender notre corps pensant. • Miet Warlop a étudié l'art tridimensionnel à la KASK de Gand. Dans son travail, elle enchaîne les images pour créer des tableaux vivants stupéfiants. Elle a participé au programme du Kaaitheater avec plusieurs spectacles, dont "Springville" (2010), "Ghost Writer and the Broken Hand Break" (2019, 2022) et "One Song" (2022), que nous reprenons aujourd'hui au Théâtre National, après le CC Strombeek.
Wat is je geschiedenis als theatermaker? Op uitnodiging van NTGent formuleert Miet Warlop een antwoord. In de reeks Histoire(s) du Théâtre is ze de vierde regisseur die – na Milo Rau, Faustin Linyekula en Angélica Liddell – de uitdaging aangaat om een werk te creëren waarin heden, verleden en toekomst elkaar op een verrassende manier ontmoeten. One Song speelt zich af in het universum van Warlop, waar een groep performers de arena betreedt voor een betoverend ritueel over afscheid, leven en dood, hoop en wedergeboorte. Via de metafoor van een livewedstrijd, inclusief commentator en cheerleader, nodigt Miet Warlop ons uit om een gemeenschap te vormen en onszelf te overstijgen als in een viering. Zo wordt het tijdelijke het universele en wordt het persoonlijke iets collectiefs. Dat is de subtekst van One Song: hoe één lied betekenis kan geven aan een hele samenleving. Eenheid in verscheidenheid. De performers gaan samen tot het uiterste: met gezongen tekst, beelden en voorwerpen, zuurstof en zweet, roepen ze onze condition humaine op. Telkens weer staat iemand op om een grens te verleggen. Ze tarten de tijd en geven uitdrukking aan een diepmenselijke behoefte: het moment waarop we ons denkende lichaam kunnen overstijgen. • Miet Warlop studeerde driedimensionale kunst aan het KASK in Gent. In haar werk rijgt ze beelden aaneen tot verbluffende tableaux vivants. Ze stond met meerdere performances in het Kaaitheaterprogramma, zoals onder andere ‘Springville’ (2010), ‘Ghost Writer and the Broken Hand Break’ (2019, 2022) en ‘One Song’ (2022), dat we na CC Strombeek nu ook hernemen in Théâtre National.
Transquinquennal, a famously funny company founded in 1989, has accustomed us to breaking things: breaking down the narrative, tearing down the fourth wall, eliminating hierarchies. Today, it is its own imminent disappearance that it is announcing. This show is therefore the last creation of Miguel Decleire, Stéphane Olivier and Bernard Breuse. The process that began with the three of them has been enriched by four additional artists: Sara Selma Dolorès, Charlotte Ducousso, Francine Landrain and Alexandra Bouron. The seven of them have imagined a diptych, Là maintenant, that ends here and now, as they welcome the future – what awaits us and what we do not know. Transquinquennal questions our relationship to others and the possible transformation of the world as we know it. In this ‘final’ play, we explore alternative paths together, starting from a positive observation: if there’s no solution, it’s because there’s no problem. Dernière
Transquinquennal, célèbre et joyeuse troupe théâtrale née en 1989, nous a habitué·es à la rupture : dissolution du quatrième mur, éclatement de la narration, suppression des hiérarchies. Aujourd’hui, elle nous annonce sa disparition imminente. Ce spectacle est donc la dernière création de Transquinquennal. Le processus commencé à trois - Miguel Decleire, Stéphane Olivier et Bernard Breuse - s’est enrichi de quatre artistes supplémentaires : Sara Selma Dolorès, Charlotte Ducousso, Francine Landrain et Alexandra Bouron. À sept, i·els ont imaginé un diptyque qui se clôt « là, maintenant », en accueillant l’avenir. Ce qui nous attend et que nous ignorons. Transquinquennal s’interroge sur notre relation aux autres et sur une possible transformation du monde tel que nous le connaissons. Dans cette pièce de l’« ultime », nous explorons ensemble les pistes alternatives, en partant d’un constat positif : s’il n’y a pas de solution, c’est qu’il n’y a pas de problème. Dernière
Transquinquennal, het beroemde jolige theatergezelschap dat in 1989 het licht zag, maakte ons gewend aan radicale ingrepen: het neerhalen van de vierde wand, het versplinteren van het verhaal, het opheffen van de hiërarchieën. Vandaaag kondigt het gezelschap zijn aanstaande verdwijning aan. Deze voorstelling wordt dus de laatste creatie van Miguel Decleire, Stéphane Olivier en Bernard Breuse. Het proces dat met hun drieën startte, werd verrijkt met vier extra kunstenaars: Sara Selma Dolorès, Charlotte Ducousso, Francine Landrain en Alexandra Bouron. Met zijn zevenen bedachten ze een tweeluik dat hier en nu eindigt terwijl het de toekomst verwelkomt. Wat ons wacht en we niet weten. Transquinquennal onderzoekt onze relatie met anderen en de mogelijke transformatie van de wereld zoals wij die kennen. In dit “ultieme” stuk verkennen we samen alternatieve wegen, uitgaande van een positieve vaststelling: als er geen oplossing is, is dit omdat er geen probleem is. Dernière
Sukhishvili, the famous Georgian National Ballet, is an ensemble of some fifty artists, dancers and musicians that has been preserving the customs of authentic Georgian dance for seventy-five years. With an orchestra featuring musical instruments that have been handed down from generation to generation, it is the entire history of Georgia that is performed on stage. A history of struggle and suffering, but also of heroism and hope. The refined and brightly coloured costumes reflect the traditions of the different regions of this country, which is being honoured as part of europalia georgia. A ritual-like performance that continues to inspire new generations of dancers and to captivate audiences worldwide. As part of europalia georgia
Composé d’une cinquantaine d’artistes, danseur·ses et musicien·nes confondu·es, le célèbre ballet Sukhishvili préserve les coutumes et le folklore de la danse géorgienne authentique depuis 75 ans. Avec son orchestre qui rassemble des instruments de musique dont la pratique est transmise de génération en génération, c’est toute l’histoire de la Géorgie qui se déroule sur scène. Une histoire faite de luttes, de souffrances mais aussi d’héroïsme et d’espoir. Les costumes raffinés aux couleurs éclatantes reflètent les traditions des différentes régions de ce pays mis à l’honneur dans le cadre d’europalia georgia. Un spectacle comme un rituel, qui continue d'inspirer passionnément de nouvelles générations de danseur·ses et de captiver les publics du monde entier. Dans le cadre d'europalia georgia
Het beroemde Sukhishvili ballet telt een vijftigtal artiesten, dansers en muzikanten, en houdt al 75 jaar lang de tradities van de authentieke Georgische dans in stand. Met zijn orkest, samengesteld uit muziekinstrumenten waarvan het bespelen van generatie op generatie wordt overgeleverd, wordt de volledige geschiedenis van Georgië op het toneel gebracht. Een geschiedenis van strijd en lijden, maar ook van heldenmoed en hoop. De verfijnde, felgekleurde kostuums weerspiegelen de tradities van de verschillende regio’s van dit land dat in het kader van europalia georgia wordt belicht. Een voorstelling als een ritueel dat nieuwe generaties dansers hartstochtelijk blijft inspireren en publiek over de hele wereld blijft boeien. Als onderdeel van europalia georgia
Director Milo Rau delves into the darker and more taboo areas of society. He examines the tragic events of our history and confronts us with the violence of the world. La Dernière génération, ou les 120 journées de Sodome freely combines Sade’s novel with Pasolini’s film and sets them in the present. Created with Theater Stap, the play examines the notions of power and voyeurism. Between the search for pleasure and the fear of decline, La Dernière génération, ou les 120 journées de Sodome exposes the contradictions of our time, highlighting the coexistence of luxury and torment, the obsession with normalization and the taste for petty bourgeois scandal.
Le metteur en scène Milo Rau fouille dans les parts d’ombre et les zones taboues de la société. Il décortique les événements tragiques de notre histoire et nous confronte à la violence du monde. La Dernière génération, ou les 120 Journées de Sodome associe librement le roman de Sade au film de Pasolini, en les situant dans le présent. Créée avec le Theater Stap, la pièce explore les notions de pouvoir et de voyeurisme. Entre recherche du plaisir et peur du déclin, La Dernière génération, ou les 120 Journées de Sodome exhibe les contradictions de notre époque, soulignant la coexistence du luxe et du supplice, l’obsession de la normalisation et le goût du scandale petit-bourgeois.
Regisseur Milo Rau duikt in de schemerzones en taboegebieden van onze maatschappij, ontleedt de tragische gebeurtenissen uit onze geschiedenis en confronteert ons met het geweld in de wereld. La Dernière génération, ou les 120 journées de Sodome combineert vrijelijk de roman van Markies de Sade met de film van Pasolini en verplaatst die naar onze tijd. In samenwerking met Theater Stap onderzoekt het stuk de begrippen macht en voyeurisme. Tussen het najagen van genot en de angst voor het verval legt La Dernière génération, ou les 120 journées de Sodome de tegenstrijdigheden van onze tijd bloot, met de nadruk op het naast elkaar bestaan van luxe en kwelling, de obsessie voor de normalisatie en een voorliefde voor het kleinburgerlijke schandaal.
Alter est un dialogue sonore et sensitif entre une danseuse et un batteur sans batterie. Ensemble, ils explorent tous les états de l’argile et transforment le plateau en paysages micro et macroscopiques. Aux creux de leurs échanges apparaissent des lieux imaginaires, des villes, des sols et des reliefs. Toujours dans l’instant, ils tracent des chemins intuitifs dans un rapport direct, brut et sans artifice avec la matière.
Tu peux pas jouer la princesse ! Une princesse ça a de de looongs cheveux blonds. Tes cheveux à toi, ils sont noirs ! Frisés ! Et ton papa vole le pain des Belges ! C’est l’histoire d’une petite fille qui n’aime pas sa tête et qui n’aime pas son nom. C’est l’histoire d’une petite fille qui rêve devant la télévision. Elle voudrait être Marilyn, qui brille comme un diamant, pour qu'enfin les autres la voient vraiment. Seule en scène à l’autodérision salvatrice, Défaut d'Origine met en lumière les liens puissants du corps intime et de la détermination sociale en donnant à voir, pour les dépasser, les thèmes du racisme ordinaire, de la honte de soi, et du deuil précoce.
Quand on arrive dans le monde, on n'y connait rien, on doit tout découvrir ! Apprivoiser son corps, se confronter à son image et se construire une identité. Quelle porte faut-il ouvrir, quelle couleur choisir, quel vêtement porter ?
Qui veut-on devenir ? Comment se définir sans être rangé·e dans une case ou finir dans un tiroir étriqué ? Et que faire lorsque son propre reflet décide de s’en mêler ? Un spectacle sans parole qui explore la notion d’identité et l’image de soi.
For this ambitious play for fifteen performers, including seven actors with disabilities who form Catalyse, a professional troupe within the Centre National pour la Création Adaptée (CNCA), director Olivier Martin-Salvan wanted to explore the human and artistic richness of a neglected period in history: the Middle Ages. Inspired by the poetic spirit of this period, he tapped into the humour and sense of wonder that characterize it. Dance, bodies and gestures as well as decor, costumes and music accompany a narrative that is interwoven with games, songs, rituals and comic scenes. At a time when social ties are coming undone, Péplum médiéval is a healthy break that mixes genres, bringing a sensitive community together in the process. Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles Copresentation Le Manège Maubeuge
Pour cette pièce d’envergure, le metteur en scène Olivier Martin-Salvan a souhaité explorer les richesses humaines et artistiques d’une période historique méconnue : le Moyen Âge. Inspiré par le souffle poétique de cette époque, il a puisé dans l’humour et le sentiment du merveilleux qui la caractérisent. La danse, les corps, les gestes, mais aussi le décor, les costumes, la musique, accompagnent la narration, tissée de jeux, de chants, de rituels et de scènes comiques. Tout cela porté par quinze interprètes, parmi lesquel·les sept comédien·nes en situation de handicap qui forment Catalyse, une troupe professionnelle au sein du Centre National pour la Création Adaptée (CNCA). À l’heure où l’on assiste à un certain effritement du lien social, Péplum médiéval est une échappée salutaire qui mélange les genres, fédérant dans son sillon une communauté sensible. Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coprésentation Le Manège Maubeuge
Voor dit grootschalige toneelstuk voor vijftien vertolkers, waaronder zeven acteurs met een handicap die samen Catalyse vormen, een professioneel gezelschap binnen het Centre National pour la Création Adaptée (CNCA), wilde regisseur Olivier Martin-Salvan de menselijke en artistieke rijkdom verkennen van een miskende historische periode: de middeleeuwen. Geïnspireerd door de poëtische geest van deze periode, putte hij uit de humor en de zin voor verwondering die haar kenmerken. De dans, de lichamen, de gebaren, maar ook het decor, de kostuums en de muziek begeleiden het verhaal, verweven met spelletjes, liederen, rituelen en komische scènes. In een tijd waarin we getuige zijn van een zekere erosie van de sociale banden, biedt Péplum médiéval een heilzame uitlaatklep die genres vermengt en in haar spoor een meevoelende gemeenschap verenigt. Coproductie Théâtre National Wallonie-Bruxelles Copresentatie Le Manège Maubeuge
Past events
Accueillir simplement «?ce qui est?», c’est l’ambition de cette nouvelle création de la chorégraphe Ayelen Parolin – dont le Théâtre National avait accueilli avec enthousiasme, la saison dernière, les spectacles SIMPLE et WEG. Toucher au «?vivant?» sur scène, à ce qui pourrait nous échapper, à ce que nous n’imaginons pas.Dans un basculement régulier entre casser et articuler, déconstruire et reconstruire, cinq performeur·ses dont un musicien s’accordent et se relaient, entrelaçant un jeu imparfait aux règles sans cesse redistribuées. Nous errons avec ell·eux dans des paysages improbables, au gré de situations dérisoires et de relations absurdes. Une plongée joyeuse dans l’irrationnel et l’imprévisible. Ayelen Parolin est artiste associée au Théâtre National Wallonie-BruxellesCoproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Simply being open to ‘what is’ is the ambition behind this new creation by choreographer Ayelen Parolin. To touch ‘life’ on stage, what might escape us, what we can hardly imagine. In a regular to and fro between breaking and articulating, deconstructing and reconstructing, four performers, including a musician, tune up and exchange with one another, entwining an imperfect game with constantly redistributed rules. We wander with them across improbable landscapes that are the setting for ridiculous situations and absurd relationships. A jubilant immersion in the irrational and the unpredictable. Ayelen Parolin is an associate artist at the Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles Copromotion Different Class
Accueillir simplement « ce qui est », c’est l’ambition de cette nouvelle création de la chorégraphe Ayelen Parolin – dont le Théâtre National avait accueilli avec enthousiasme, la saison dernière, les spectacles SIMPLE et WEG. Toucher au « vivant » sur scène, à ce qui pourrait nous échapper, à ce que nous n’imaginons pas. Dans un basculement régulier entre casser et articuler, déconstruire et reconstruire, quatre performeur·ses dont un musicien s’accordent et se relaient, entrelaçant un jeu imparfait aux règles sans cesse redistribuées. Nous errons avec ell·eux dans des paysages improbables, au gré de situations dérisoires et de relations absurdes. Une plongée joyeuse dans l’irrationnel et l’imprévisible. Ayelen Parolin est artiste associée au Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles Copromotion Different Class
Eenvoudigweg verwelkomen “wat er is”, dat is de ambitie achter deze nieuwe creatie van choreografe Ayelen Parolin. Contact maken met het “levende” op het toneel, met wat ons zou kunnen ontsnappen, met wat we ons niet voorstellen. In een regelmatige kanteling tussen breken en verbinden, tussen deconstrueren en reconstrueren, richten vier performers, waaronder een muzikant, zich op elkaar en nemen ze de draad van elkaar over, waarbij ze een onvolmaakt spel weven met steeds nieuwe regels. Samen met hen dwalen we door onwaarschijnlijke landschappen, belachelijke situaties en absurde relaties. Een vrolijke duik in het irrationele en onvoorspelbare. Ayelen Parolin is een artiest verbonden met het Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coproductie Théâtre National Wallonie-Bruxelles Copromotie Different Class
Together with a group of skaters and dancers, Mette Ingvartsen explores the speed and energy of movement on wheels, a physical memory from her own childhood. Much more than simply a flawless spectacle of virtuoso performances, Skatepark marks the emergence of a community defined by perseverance and hard work. Together with an intergenerational group of skaters and dancers, Mette Ingvartsen explores the speed and energy of movement on wheels, a physical memory from her own childhood. Much more than simply a flawless spectacle of virtuoso performances, Skatepark marks the emergence of a community defined by perseverance and hard work. It illustrates the practice and passion of individuals trying to push the limits of the achievable through trial and error, alone but also as a group. The repeated attempts at tricks, jumpwork, balance, as well as boisterous interaction and clashes show something more: in a shared space, a society emerges from which we can learn. • Mette Ingvartsen (she/her) is a Danish choreographer and dancer who graduated from PARTS in 2004. Her work is characterised by being hybrid and concerned with expanding choreographic practices by combining dance and movement with other fields, such as the visual arts, technology, language and theory. In 2003, Ingvartsen founded her own company and since then her work has been shown across Europe, the United States, Canada, Australia and Asia. Between 2012 and 2016, she was artist-in-residence at Kaaitheater in Brussels.
Avec un groupe de patineur·euses et de danseur·euses, Mette Ingvartsen explore la vitesse et l'énergie du mouvement sur roues - un souvenir physique de sa propre enfance. Plus qu'un spectacle impeccable de performances virtuoses, Skatepark marque l'émergence d'une communauté définie par la persévérance et le travail acharné. Avec un groupe intergénérationnel de patineur·euses et de danseur·euses, Mette Ingvartsen explore la vitesse et l'énergie du mouvement sur roues - un souvenir physique de sa propre enfance. Plus qu'un spectacle impeccable de performances virtuoses, Skatepark marque l'émergence d'une communauté définie par la persévérance et le travail acharné. Il illustre la pratique et la passion d'individus qui tentent de repousser les limites de ce qui est possible par des essais et des erreurs, seul·es comme en groupe. Les tentatives répétées de figures, de sauts, d'équilibre, ainsi que les interactions et les affrontements endiablés montrent une dimension supplémentaire : dans un espace partagé, une société émerge, dont nous pouvons apprendre. • Mette Ingvartsen (elle/elle) est une chorégraphe et danseuse danoise diplômée de PARTS en 2004. Son travail est caractérisé par l'hybridité et vise à élargir les pratiques chorégraphiques en combinant la danse et le mouvement avec d'autres domaines, tels que les arts visuels, la technologie, le langage et la théorie. Ingvartsen a fondé sa compagnie en 2003 et depuis, son travail a été présenté dans toute l'Europe, aux États-Unis, au Canada, en Australie et en Asie. Elle a été artiste en résidence au Kaaitheater de Bruxelles entre 2012 et 2016.
Samen met een groep skaters en dansers verkent Mette Ingvartsen de snelheid en energie van beweging op wielen - een fysieke herinnering uit haar eigen jeugd. Meer dan een vlekkeloos spektakel van virtuoze prestaties, markeert Skatepark de opkomst van een community die wordt gedefinieerd door doorzettingsvermogen en hard werken. Samen met een intergenerationele groep skaters en dansers verkent Mette Ingvartsen de snelheid en energie van beweging op wielen - een fysieke herinnering uit haar eigen jeugd. Meer dan een vlekkeloos spektakel van virtuoze prestaties, markeert Skatepark de opkomst van een community die wordt gedefinieerd door doorzettingsvermogen en hard werken. Het illustreert de praktijk en passie van individuen die met vallen en opstaan de grenzen van het haalbare proberen verleggen, alleen maar ook als groep. De herhaalde pogingen tot tricks, jumpwerk, evenwicht, maar ook de onstuimige interactie en clashes tonen iets meer: in een gedeelde ruimte ontstaat een samenleving waarvan we kunnen leren. • Mette Ingvartsen (zij/haar) is een Deense choreograaf en danser die afstudeerde aan PARTS in 2004. Haar werk kenmerkt zich door hybriditeit en houdt zich bezig met het uitbreiden van choreografische praktijken door dans en beweging te combineren met andere domeinen, zoals de beeldende kunsten, technologie, taal en theorie. In 2003 richtte Ingvartsen haar gezelschap op en sindsdien is haar werk vertoond in heel Europa, de Verenigde Staten, Canada, Australië en Azië. Ze was artist-in-residence bij Kaaitheater in Brussel tussen 2012 en 2016.
Skateboarding was born in Los Angeles on a day when the waves were so weak that surfers were forced to ride the streets... Or so legend has it. In Skatepark, Danish dancer and choreographer Mette Ingvartsen questions contemporary dance as a social phenomenon. For her, movement cannot be disconnected from the world in which we live. With this in mind, she wanted to collaborate with performers who weren’t necessarily trained as dancers but who nevertheless execute virtuoso movements intensively. She gives skateboarding the status of an urban choreography aimed at reappropriating the public space. Together with a group of skateboarders and dancers of all generations, the choreographer explores the speed and energy of movement on wheels – a physical memory from her own youth. In a breathtaking set with powerful yet subtle lighting, spectators will take great pleasure in watching these performers execute a range of fluid and vertiginous movements – like fast-moving tracking shots of snippets of life. The stuff of dreams. Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles Corealisation Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Il paraît que le skateboard est né à Los Angeles un jour de vagues trop faibles, ce qui a forcé les surfeur·ses à glisser sur l’asphalte. Dans Skatepark, la danseuse et chorégraphe danoise Mette Ingvartsen questionne la danse contemporaine comme phénomène social. Pour elle, le mouvement ne peut être déconnecté du monde dans lequel nous vivons. Dans cette optique, elle a souhaité collaborer avec des performeur·ses qui n’ont pas forcément suivi de formation de danse, mais qui ont néanmoins une pratique intensive du mouvement virtuose. Elle donne au skateboard le statut de chorégraphie urbaine qui se réapproprie l’espace public. Avec un groupe de skateur·ses et de danseur·ses toutes générations confondues, la chorégraphe explore la vitesse et l’énergie du mouvement sur roues – un souvenir physique de sa propre jeunesse. Dans un décor époustouflant, à travers un éclairage puissant et subtil, nous suivons avec délice ces glissements vertigineux tout en courbes, paraboles, arabesques, virages fluides, comme des rapides travellings d’instants de vie emplis de rêves. Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coréalisation Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
De legende wil dat het skateboard werd geboren in Los Angeles op een dag dat de golven zo zwak waren dat de surfers gedwongen werden het asfalt op te zoeken. In Skatepark onderzoekt de Deense danseres en choreografe Mette Ingvartsen hedendaagse dans als sociaal fenomeen. Voor haar kan beweging niet losgekoppeld worden van de wereld waarin we leven. Vanuit deze optiek wilde ze aan de slag gaan met performers die niet noodzakelijkerwijs een dansopleiding hebben genoten, maar wel een intensieve praktijk van virtuoze bewegingen hebben. Ingvartsen geeft het skateboarden de status van een stedelijke choreografie die zich de openbare ruimte opnieuw toe-eigent. Met een groep skateboarders en dansers van alle generaties verkent de choreografe de snelheid en energie van het zich voortbewegen op wielen – een fysieke herinnering aan haar eigen jeugd. In een adembenemend decor met een krachtige maar subtiele belichting, volgen we verrukt deze duizelingwekkende glijpartijen in curves, parabolen, arabesken en vlotte bochten, als snelle travellings van levensmomenten vervuld van dromen. Coproductie Théâtre National Wallonie-Bruxelles Corealisatie Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
‘In Kirundi, the language spoken in Burundi, Icirori means: to look into your inner mirror, to look at your inner suffering so that you can live with it. In my quest for identity, I invite us to think, to listen, to hear our history differently. To shift our gaze, to make us, the invisibilized, the subject. I am an adopted adult. Today, I have decided to return to Burundi. To discover the bodies, the smells, the lights, the traumas in my memory. To heal. In this chapter, ICIRORI, I will share this new memory born from my return after twenty-eight years. An immersive performance in a changing, hybrid format that invites human sharing, towards an us.’ Drawing on the need to delve into her own history as an illegally adopted child, Consolate takes us to the heart of her world using sounds, smells and images. She shares her memories in order to question our sensory memory and makes us see and hear similar life stories — documents that immerse us in issues related to transnational adoption and postcolonial questions. ICIRORI, a hybrid performance that is constantly evolving, invites sharing and allows us to live a collective experience of the self. Première Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
« En Kirundi, langue parlée au Burundi, Icirori signifie : regarder dans son miroir intérieur, regarder sa souffrance intérieure pour pouvoir vivre avec. À travers ma quête identitaire, je nous invite à la réflexion. À écouter, entendre notre histoire autrement. À déplacer nos regards. À rendre sujet nous, les invisibilisé·es. Je suis une adulte adoptée. Aujourd’hui, je décide de retourner au Burundi. Pour rencontrer les corps, les odeurs, les lumières, les traumatismes de ma mémoire. Pour me réparer. Dans ce chapitre, ICIRORI, je partage cette nouvelle mémoire qui naît de ce retour 28 ans plus tard. Une performance immersive au format hybride et évolutif qui invite au partage humain, à un nous. » Partant de la nécessité de creuser son histoire personnelle d’enfant adoptée illégalement, Consolate nous emmène au cœur de son monde intime à l’aide de sons, d’odeurs, d’images. Elle partage ses souvenirs afin d’interroger notre mémoire sensorielle et donne à voir et à entendre des récits de vie similaires. Des documents qui nous immergent dans les questions liées à l’adoption transnationale et aux problématiques post-coloniales. ICIRORI, spectacle-performance au format hybride et évolutif, invite au partage humain et nous fait vivre une expérience collective du Je. Première Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
“In het Kirundi, de taal die in Burundi wordt gesproken, betekent Icirori: in je innerlijke spiegel kijken, je innerlijke lijden bekijken om ermee te kunnen leven. Via mijn zoektocht naar identiteit nodig ik ons uit om na te denken, om te luisteren, om onze geschiedenis anders te aanhoren. Om onze blik te verleggen. Om ons, de onzichtbaar gemaakten, tot onderwerp te maken. Ik ben een geadopteerde volwassene. Vandaag besluit ik terug te keren naar Burundi. Om de lichamen, de geuren, de lichtinvallen, de trauma’s van mijn geheugen te ontmoeten. Om mezelf te helen. In dit hoofdstuk, ICIRORI, zal ik deze nieuwe herinnering delen die 28 jaar later uit deze terugkeer ontstaat. Een immersieve voorstelling in een hybride en evoluerend format die uitnodigt om elkaars deelgenoot te worden, om een wij te vormen.“ Vanuit de behoefte om zich te verdiepen in haar persoonlijke geschiedenis als illegaal geadopteerd kind, neemt Consolate ons met geluiden, geuren en beelden mee tot in het hart van haar intieme wereld. Ze deelt haar herinneringen om ons zintuiglijk geheugen op de proef te stellen en geeft ons de kans om gelijkaardige levensverhalen te zien en te horen, documenten die ons onderdompelen in kwesties die verband houden met transnationale adopties en de postkoloniale problematiek. ICIRORI, een voorstelling/performance met een hybride en evoluerend format, nodigt uit tot intermenselijk contact en laat ons een collectieve Ik-ervaring beleven. Première Coproductie Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Alexis Julémont’s latest creation, Nostalgica, portrays a family living in isolation in a tropical forest. The parents and their three children, who were born into this wild environment, spend their time filming themselves in a small purpose-built studio in a clearing next to their house. Their life seems to flow peacefully, free of any material constraints, their sole obsession the making of these ‘family films’. By recording on film their daily life away from the world, the characters tell their stories, document their actions and thoughts, and look for ways out. But beneath the veneer of these fleeting moments, a drama looms. Can this life as outsiders last forever? Première Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Nouvelle création d’Alexis Julémont, Nostalgica met en scène une famille qui vit isolée dans la forêt tropicale. Les parents et leurs trois enfants, né·es dans cet environnement sauvage, passent leur temps à se filmer dans un petit studio construit à cet effet, situé dans une clairière attenante à leur maison. Leur existence semble s’écouler paisiblement, hors de toute contingence matérielle, obnubilée par la réalisation de ces « films de famille ». En imprimant sur pellicule leur quotidien reclus du monde, les personnages se racontent, documentent leurs actes et leurs pensées, et se cherchent des échappatoires. Mais sous le vernis de ces instants fugaces, un drame se profile. Cette vie en marge peut-elle durer éternellement ? Première Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
In Nostalgica, de nieuwe creatie van Alexis Julémont, leeft een gezin in afzondering in het regenwoud. De ouders en hun drie kinderen, die in deze onherbergzame omgeving werden geboren, brengen hun tijd door met zichzelf te filmen in een kleine, speciaal daartoe gebouwde studio op een open plek vlak bij hun huis. Hun leven lijkt rustig te verlopen, vrij van materiële beslommeringen, volledig in de ban van het maken van deze ”familiefilms”. Door hun dagelijks leven ver van de bewoonde wereld op pellicule vast te leggen, vertellen de personages hun verhaal aan elkaar, documenteren ze hun handelingen en hun gedachten voor elkaar en zoeken ze uitwegen voor zichzelf. Maar onder het vernis van deze vluchtige momenten tekent zich een drama af. Kan dit leven in de marge eeuwig blijven duren? Première Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Nicolas Mouzet Tagawa draws on his plastic work to create sets that look like installations. Le Site is like a walk in a place that is both static and in motion. At the foot of a wall assembled out of movable panels, faceless beings advance obstinately. Breaches are made, allowing fiction to filter through. Between sensitive experience, playful exploration and laws of reason, this performance revisits the perception and representation of a place (interior and exterior), as the subject and object of an encounter, by bringing space and bodies into dialogue with one another.
Nicolas Mouzet Tagawa s’appuie sur un travail plastique pour concevoir des univers scéniques aux allures d’installations. Le Site se vit comme une promenade dans un lieu à la fois immobile et en mouvement. De parois mobiles, un mur s’érige au pied duquel des êtres sans visage avancent obstinément. Des brèches s’ouvrent, laissant filtrer la fiction. Entre expérience sensible, exploration ludique et lois rationnelles, cette performance revisite la perception et la représentation d’un lieu (intérieur et extérieur), comme sujet et objet de rencontre, en faisant dialoguer l’espace et les corps.
Nicolas Mouzet Tagawa creëert met plastisch werk podiumwerelden met de allures van kunstinstallaties. Le Site laat zich beleven als een wandeling op een plaats die zowel onbeweeglijk als in beweging is. Uit mobiele wanden wordt een muur opgetrokken en aan de voet daarvan rukken wezens zonder gezicht hardnekkig op. Bressen openen zich en laten de fictie binnendringen. Tussen gevoelservaring, speelse verkenning en rationele wetmatigheden in, herinterpreteert deze voorstelling de perceptie en representatie van een plaats (binnen en buiten), als subject en object van ontmoeting, door een dialoog tot stand te brengen tussen de ruimte en de lichamen.
In this dance solo that is as radical and daring as a manifesto, the young choreographer and dancer Stanley Ollivier creates a layered performance about identity. He explores the endless possibilities of the human body and its capacity to generate the unexpected. How do we develop our own identity in a history marked by values and normative systems? Stanley Ollivier challenges the power of abstraction of movement, revisits the dominant discourse and digs deep in his own imagination. From all this he draws different ways of expressing his own specificity while taking a retrospective interest in certain personal complexes. A mix of seriousness, exaggeration and absurdity, the show allows us to glimpse the intimate unfolding of a physical transformation. A political way of inhabiting the body. In partnership with La Bellone as part of the festival Africa is/in the future
Dans ce solo de danse radical et audacieux comme un manifeste, le jeune chorégraphe et danseur Stanley Ollivier réalise une performance stratifiée autour de l’identité. Il y explore les possibilités infinies du corps humain et sa capacité à générer l’inattendu. Comment développer notre propre identité dans une histoire marquée par les valeurs et les systèmes normatifs ? Stanley Ollivier défie le pouvoir d’abstraction du mouvement, revisite le discours dominant et creuse dans son imaginaire. Il en retire différentes manières d’exprimer sa propre spécificité en s’intéressant rétrospectivement à certains complexes personnels. Mêlant sérieux, exagération et absurdité, le spectacle nous permet d’entrevoir le déploiement intime d’une transformation physique. Une manière politique d’habiter le corps. En partenariat avec La Bellone dans le cadre du festival Africa is/in the future
In deze danssolo, zo radicaal en stoutmoedig als een manifest, creëert de jonge choreograaf en danser Stanley Ollivier een gelaagde voorstelling over identiteit, waarin hij de oneindige mogelijkheden van het menselijk lichaam verkent en het vermogen van dat lichaam om het onverwachte te genereren. Hoe kunnen we onze eigen identiteit ontwikkelean in een geschiedenis die getekend wordt door waarden en normatieve systemen? Stanley Ollivier daagt de abstractiekracht van de beweging uit, onderzoekt het dominante discours en graaft diep in zijn verbeelding. Uit een terugblik op een aantal persoonlijke complexen put hij verschillende manieren om zijn eigen specificiteit uit te drukken. Door de mix van ernst, overdrijving en absurditeit laat de voorstelling ons een glimp opvangen van het intieme verloop van een fysieke transformatie. Een politiek manier om het lichaam te bewonen. In samenwerking met La Bellone als onderdeel van het festival Africa is/in the future
Martine, a farmer for fifty years, works hard for a living, never taking a day off. One day, however, while driving her tractor, she hears a philosophy programme on the radio that will have a profound impact on her. This is the beginning of a journey of emancipation which, through reading, will lead her to change her life. Mode majeur de la fugue is Jennifer Cousin’s first creation. Cousin is an artist from Normandy who trained at INSAS. Mode majeur de la fugue was presented in a short version at Festival XS in 2022. Supported by an original device – a hybrid form between acoustic performance, music and theatre – the piece combines two a priori distinct universes: the art world and the agricultural world. A polyphony that creates unexpected links.
Martine, agricultrice depuis cinquante ans, travaille dur sans loisirs ni repos. Un jour, au volant de son tracteur, elle entend à la radio une émission de philosophie qui va la marquer profondément. Commencera alors pour elle un parcours d’émancipation qui, grâce à la lecture, la mènera à changer de vie. Mode majeur de la fugue, première création de Jennifer Cousin, artiste d’origine normande formée à l’INSAS, a été créée au Festival XS en 2022. Soutenue par un dispositif original – une forme hybride entre performance acoustique, musique et théâtre – la pièce allie deux univers a priori distincts : le monde de l’art et le monde agricole. Une polyphonie qui crée des liens inattendus.
Martine is al vijftig jaar boerin, werkt hard en kent vrije tijd noch rust. Op een dag, aan het stuur van haar tractor, hoort ze op de radio een filosofieprogramma dat een diepgaand effect op haar zal hebben. Het is het begin van een emancipatiereis die haar, dankzij het lezen, ertoe zal brengen haar leven te veranderen. Mode majeur de la fugue, de eerste creatie van Jennifer Cousin, een artieste uit Normandië die werd opgeleid aan het INSAS, werd in korte vorm voorgesteld op het Festival XS in 2022. Ondersteund door een origineel scenisch concept – een mengvorm tussen geluidsperformance, muziek en theater – combineert het stuk twee a priori onderscheiden universums: de wereld van de kunst en de wereld van de landbouw. Een polyfonie die onverwachte verbanden legt.
Well sheltered, several people try to define what they have in common. Eager to understand and to be understood, they each use stratagems to save face. Any attempt to speak out becomes an attempt to reach an agreement for fear of upsetting the group’s fragile balance. But by trying too hard to find a compromise between hard and soft, firm and weak, this little community seems above all to indulge in the gratuitous pleasure of listening to themselves think. Silvio Palomo and Le Comité des fêtes shut six characters up in a closed space. Pretexting the end of the world, they use a context that borders on the sensational and apocalyptic to question a small tribe compelled to live together. What remains of their habits, their rituals, their concerns? How can they reinvent a sensitive reading of their everyday life and of this territory where time, given the finitude of their world, seems to be suspended? Abri ou les casanier·es de l’apocalypse confronts us with our most innocuous actions, and it does so to reveal the extraordinary at the heart of the ordinary.
À la croisée des arts de la scène et des arts plastiques, une fiction qui interroge le vivre ensemble dans un espace confiné. Bien à l’abri, plusieurs personnes tentent de définir ce qu’elles ont de commun. Soucieuse de bien comprendre et d’être bien comprise, chacune d’entre elles use de stratagèmes pour sauver la face. Ici, toute prise de parole devient une tentative pour s’accorder de peur de chambouler l’équilibre fragile du groupe. Mais à trop vouloir chercher un compromis entre le dur et le doux, le ferme et le mou, cette petite communauté semble surtout s’abandonner à la joie gratuite de s’écouter penser. Silvio Palomo enferme six personnages dans un espace clos. En prétextant une fin du monde, il utilise un contexte qui frôle le sensationnel et l’apocalyptique, pour interroger une petite tribu obligée de vivre ensemble. Que reste-t-il alors de leurs habitudes, de leurs manies et de leurs préoccupations ? Comment peuvent-i·els réinventer une lecture sensible de leur quotidien et de ce territoire, où le temps semble, de par la finitude de leur monde, suspendu ? Abri ou les casanier·es de l’apocalypse nous place face à nos comportements les plus anodins, pour venir y révéler l’insolite au cœur de l’ordinaire.
Veilig weggestopt in hun schuilplek proberen verschillende mensen nader te bepalen wat ze met elkaar gemeen hebben. Bezorgd om goed te begrijpen en goed begrepen te worden, gebruikt elk van hen strategieën om de schijn hoog te houden. Hier wordt elke uitspraak een poging om zich naar elkaar te schikken uit angst om het broze groepsevenwicht te verstoren. Maar door te hard een compromis na te streven tussen het harde en het zachte, het stevige en het slappe, lijkt deze kleine gemeenschap zich vooral over te geven aan de gratuite vreugde van zichzelf hardop te horen denken. Silvio Palomo en Le Comité des fêtes sluiten zes personages op in een afgebakende ruimte. Onder het mom van een naderend einde van de wereld, gebruiken ze een context die grenst aan het sensationele en apocalyptische om een kleine stam te bestuderen die noodgedwongen moet samenleven. Wat rest er dan nog van hun gewoonten, hun eigenaardigheden en hun bekommernissen? Hoe kunnen ze opnieuw tot een gedeelde visie komen die spoort met hun dagelijks leven en met dit gebied, waar de tijd door de eindigheid van hun wereld opgeschort lijkt? Abri ou les casanier·es de l’apocalypse confronteert ons met onze meest banale gedragingen om in het hart van het gewone het ongewone te onthullen.