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Apes Of The State

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MEST Pop punk - US https://www.facebook.com/Mestofficial?locale=fr_FR YOUNG ENOUGH Pop punk - Be https://www.facebook.com/youngenoughband?locale=fr_FR MIRABELLE Pop punk - F https://www.facebook.com/mirabelle.band?locale=fr_FR TAKEN DAYS Pop punk - US https://www.facebook.com/takendays?locale=fr_FR
Mode majeur de la fugue est le portrait d’une agricultrice, de son émancipation inattendue et de sa sensibilité brute. C’est une forme hybride entre l’installation sonore et la performance théâtrale qui fait dialoguer une pianiste en live avec des sons enregistrés et une parole documentaire. Le public est amené à y vivre une expérience acoustique et intime. Résumé Martine, agricultrice depuis cinquante ans, travaille dur sans loisirs ni repos. Un jour, au volant de son tracteur, elle entend à la radio une émission de philosophie qui va la marquer profondément. Commencera alors pour elle un parcours d’émancipation qui, grâce à la lecture, la mènera à changer de vie. Mode majeur de la fugue, première création de Jennifer Cousin, artiste d’origine normande formée à l’INSAS, a été créée au Festival XS en 2022. Soutenue par un dispositif original – une forme hybride entre performance acoustique, musique et théâtre – la pièce allie deux univers a priori distincts : le monde de l’art et le monde agricole. Une polyphonie qui crée des liens inattendus. À propos de l'artiste Jennifer Cousin entre au Conservatoire de théâtre de Rennes en 2007, et joue à l’Opéra de Rennes dans deux spectacles de Daniel Dupont. Elle se forme ensuite au théâtre physique à Montpellier, puis intègre l’INSAS en mise en scène. Après avoir mis en scène Perplexe de Mayenburg, créé aux Riches-Claires en 2015, elle découvre la pratique sonore avec Brice Cannavo et réalise Trésor de ma vie, portrait documentaire sur Armand, intrigant voisin qui vit seul avec son canari dans l’ancienne maison familiale. Elle crée ensuite Mode Majeur de la fugue, une installation sonore pour le théâtre qui aborde la notion de travail et du rapport à l’art, et lui vaut la bourse de découverte Pierre Schaeffer à l’occasion des Phonurgia Nova Awards ainsi que le prix du Fonds Marie-Paule Delvaux-Godenne. Fin 2016, elle suit la formation sonore La Coquille (ACSR) et réalise le son du spectacle Barbe-Bleue d’Hugo Favier. Elle joue ensuite dans Orphelins de Dennis Kelly, mis en scène par Elsa Chêne (Festival Courants d’air 2017). En octobre 2017, elle suit une formation au documentaire sonore avec Kaye Mortley et Hervé Marchon. Elle travaille actuellement à la création sonore de deux projets : MUR/MER d’Elsa Chêne (Festival Courants d’air 2018 et concours Danse Élargie à Paris) et sur une installation et performance de Lorette Moreau et Charlotte Lippinois sur le sexe féminin.
Avec Marche salope (1), Céline Chariot aborde le sujet du viol, interrogeant le mutisme qui entoure les agressions sexuelles. « La vraie question n’est pas de savoir pourquoi je parle, mais pourquoi je n’ai pas parlé » écrit-elle. Aujourd’hui, elle part de constats et de statistiques, pas d’une colère irrationnelle ; elle ne veut ni écrire de fiction édulcorée, ni chercher à raconter l’histoire des femmes et encore moins la sienne, ni à brûler les hommes, ni à faire justice. En reconstituant une scène de crime, par le biais d’un geste accessible, fort, documenté et poétique, travaillant à un acte artistique qui puisse révéler une certaine beauté tout en pouvant transcender la douleur de gestes passés, Céline Chariot, qui n’est ni danseuse, ni actrice, mais photographe, aborde le viol via le regard, via des sensations qui ont pour but la réflexion, et rappelle que dans cette transgression odieuse qu’est le viol, le crime n’est pas uniquement celui du violeur mais surtout celui d’un corps social qui pointe la victime comme responsable de son sort. Dans une forme originale où se mêlent texte, performance, silence, regard, reconstitution du réel et onirisme, le spectacle invite puissamment à la transformation des traumatismes du passé en une puissante frénésie d’en finir avec les inégalités de genre. (1) La Slutwalk, ou « Marche des salopes », est une marche de protestation née en avril 2011 au Canada après qu’un officier de police ait déclaré : « Si vous voulez éviter de vous faire violer, il faut éviter de s’habiller comme une salope »
********** English ********** The body of the artist proposes itself as a living altar, offered for a moment of reflection, meditation, prayer, and request, not for a god or saint, but for the world. In the Christian religion, lighting a candle opens one’s heart to God and thus raises a prayer towards him. It is also a way of expressing one’s attachment to a saint in particular by making a request or even thanking him. An offering accompanies this approach. The artist's body proposes itself as a living altar, offered for reflection, meditation, prayer, and request, not for a god or a saint, but for the world. Here, the ritual is proposed to allow oneself to express their concern, fear, and sorrow for the world - it is a way of reacting to the environmental despair that we are currently experiencing. This performance is inspired both by the artist’s rituals in a women’s circle to celebrate, among other things, the solstices and equinoxes, and Joanna Macy’s essay, “Acting with Environmental Despair” which asks the question: “Can we recognize our sorrow for the world and live with it in a way that affirms our existence and frees our power to act?” A year ago, the first version of this performance was presented during the Trouble Festival. In this context, more than sixty sorrows were laid at the foot of the altar. These anonymous sorrows will be engraved next to each other on one of the walls of the exhibition, during several one-off sessions between April 11 and September 1. Barbara Salomé Felgenhauer (1992, Huy, Belgium) lives and works in Brussels. A multidisciplinary artist, her practice covers photography, film, performance, and installation. The question of narrative and the power of words and ideas runs through her work. She uses storytelling as an experience of emancipation and empowerment from gender norms and stereotypes and as a creative force of the universe to induce new relationships to worlds. She graduated from the photography workshop at ESA Saint-Luc in Liège in 2013 and from ENSAV La Cambre in Brussels in 2022. She obtained her master’s degree with Grand Distinction and the Boghossian Foundation Prize 2022 with her project Terrapolis. ********** Français ********** Le corps de l’artiste se propose comme un autel vivant, offert pour un moment de réflexion, de méditation, de prière, de demande, non pas à destination d’un dieu ou de saint·e·s, mais pour le monde. Dans la religion chrétienne, allumer une bougie revient à ouvrir son cœur à Dieu et ainsi faire monter une prière vers lui. C’est aussi le moyen d’exprimer son attachement à un·e saint·e en particulier, de lui adresser une demande ou encore des remerciements. Une offrande accompagne cette démarche. Ici, le rituel est proposé afin de s’autoriser à exprimer son inquiétude, sa peur, ses peines pour le monde, c’est une façon de réagir au désespoir environnemental que nous vivons actuellement. Cette performance est inspirée à la fois des rituels de l’artiste en cercle de femmes pour célébrer entre autres les solstices et équinoxes, et de l’essai de Joanna Macy, “Agir avec le désespoir environnemental” qui pose la question : « Pouvons-nous reconnaître notre peine pour le monde et vivre avec elle d’une manière qui affirme notre existence et libère notre pouvoir d’agir ? ». Il y a un an, une première version de cette performance a été présentée pendant le festival Trouble. Dans ce cadre, plus de soixante peines ont été déposées au pied du corps-autel. Ces peines anonymes seront gravées les unes à côté des autres sur un des murs de l’exposition, lors de plusieurs sessions ponctuelles entre le 11 avril et le 1 septembre. Barbara Salomé Felgenhauer (1992, Huy, Belgique) vit et travaille à Bruxelles. Artiste pluridisciplinaire, sa pratique couvre la photographie, le film, la performance et l’installation. La question du récit et du pouvoir des mots et des idées traverse tout son travail. Elle utilise le récit à la fois comme une expérience d’émancipation et d’autonomisation vis-à-vis des normes et des stéréotypes de genre, comme force créatrice d’univers pour induire de nouveaux rapports aux mondes. Elle est diplômée de l’atelier de photographie à l’ESA Saint-Luc à Liège en 2013 et de l’ENSAV La Cambre à Bruxelles en 2022. Elle obtient son master avec la mention grande distinction et le Prix de la Fondation Boghossian 2022 avec son projet Terrapolis. ********** Nederlands ********** Het lichaam van de kunstenaar presenteert zich als een levend altaar, aangeboden voor een moment van reflectie, van meditatie, gebed, verzoek, niet voor een god of heiligen, maar voor de wereld. In de christelijke religie betekent het aansteken van een kaars het openen van je hart voor God en het opheffen van een gebed tot Hem. Het is ook de manier om uitdrukking te geven aan je gehechtheid aan een bepaalde heilige, door hem een verzoek te sturen of zelfs te bedanken. Een offer begeleidt dit proces. Hier wordt het ritueel voorgesteld om jezelf in staat te stellen je zorgen, je angst en je verdriet over de wereld te uiten; het is een manier om te reageren op de ecologische wanhoop die we momenteel ervaren. Deze voorstelling is zowel geïnspireerd door de rituelen van de kunstenaar in een kring van vrouwen om onder andere de zonnewendes en equinoxen te vieren, als door het essay van Joanna Macy, ‘Acting with Environmental Despair’, waarin de vraag wordt gesteld: ‘Kunnen we onze pijn voor de wereld erkennen en ermee leven op een manier die ons bestaan bevestigt en ons vermogen om te handelen vrijmaakt? ". Een jaar geleden werd een eerste versie van deze voorstelling gepresenteerd tijdens het Trouble festival. In dit kader werden ruim zestig verdrieten aan de voet van het hoofdaltaar geplaatst. Deze anonieme zinnen worden tussen 11 april en 1 september tijdens verschillende gelegenheidssessies naast elkaar gegraveerd op een van de wanden van de tentoonstelling. Barbara Salomé Felgenhauer (1992, Hoei, België) woont en werkt in Brussel. Als multidisciplinair kunstenaar omvat haar praktijk fotografie, film, performance en installatie. De vraag naar het verhaal en de kracht van woorden en ideeën loopt als een rode draad door haar werk. Ze gebruikt het verhaal zowel als een ervaring van emancipatie en empowerment ten opzichte van gendernormen en stereotypen, als een creatieve kracht van het universum om nieuwe relaties met werelden tot stand te brengen. Ze behaalde haar diploma aan het fotografieatelier bij ESA Saint-Luc in Luik in 2013 en aan ENSAV La Cambre in Brussel in 2022. Ze behaalde haar masterdiploma met grote onderscheiding en de Prijs van de Stichting Boghossian Stichting 2022 met haar Terrapolis-project.
********** English ********** in FR surtitled in NL EN 75 min On 20.05 the performance is followed by an aftertalk. This story unfolds in the north of Lebanon, at Nahr el Bared, in a refugee camp hastily set up to shelter Palestinian families fleeing the Nakba of 1948. Years later, in 2007, war broke out between the Lebanese army and an infiltrated Islamist group, leading to the destruction of part of the camp. It was at that moment that the first traces appeared of Orthosia, an ancient Roman city, which vanished after being overwhelmed by a tsunami in 551 AD and which, despite 15 centuries of vain attempts to find it, no-one could ever have imagined finding there. But how best to deal with this major discovery, as excavations would mean a ‘second displacement’ for the refugee families? The filmmakers and artists Joana Hadjithomas and Khalil Joreige use photography, installations, video and cinema to question the account of the imagination and writing about the story. Through this performance, created for the festival, they uncover the palimpsest of constant cycles of construction and destruction, calling on the possible narratives about the underground worlds. A dizzying performance, full of (dis)continuities, upheavals and regeneration, which plunges us into a past that feels particularly close to the present. https://www.instagram.com/hadjithomasjoreigestudio discover the full programme of kunstenfestivaldesarts >>   — Presentation: Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg A project by Joana Hadjithomas & Khalil Joreige Archaeologist: Hadi Choueri | Research: Maissa Maatouk Cinematography: Talal Khoury, Joe Saade, Julien Hirsch, Khalil Joreige Video editing: Tina Baz Animation: Laurent Brett Sound editing and mixing: Rana Eid - Studio DB Music: Charbel Haber Studio manager: Tara El Khoury Mikhael  Commissioned and produced by Kunstenfestivaldesarts Coproduction: Points communs – Nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise et du Val d’OiseThanks to Galerie In Situ, fabienne leclerc Image © Joana Hadjithomas & Khalil Joreige ********** Français ********** in FR surtitré en NL EN 75 min Le 20.05, la représentation est suivie d'un aftertalk. Cette histoire se déroule au nord du Liban, à Nahr el Bared, dans un camp de réfugié·es établi dans la hâte afin d’accueillir des familles palestiniennes fuyant la Nakba de 1948. Des années plus tard, en 2007, une guerre éclate entre l’armée libanaise et un groupe islamiste récemment infiltré, entraînant la destruction d’une partie du camp. C’est à ce moment-là que sont apparus les premiers vestiges d’Orthosia, une ancienne cité romaine disparue après avoir été ensevelie par un tsunami en 551 et que – cherchée en vain pendant 15 siècles – personne n’aurait pu imaginer trouver là. Mais comment faire face à cette découverte majeure, si y faire des fouilles implique un “second déplacement” des familles exilées en 1948 ? Les cinéastes et artistes Joana Hadjithomas et Khalil Joreige utilisent la photographie, les installations, la vidéo et le cinéma pour questionner la narration des imaginaires et l’écriture de l’histoire. Dans cette performance créée pour le festival, iels révèlent les cycles constants de constructions et de destructions, convoquant les narrations possibles de mondes souterrains. Une performance vertigineuse, pleine de (dis)continuités, de bouleversements et de régénérations, qui nous plonge dans un passé particulièrement proche du présent. https://www.instagram.com/hadjithomasjoreigestudio découvrez le programme complet du kunstenfestivaldesarts >> — Présentation : Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg Un projet de Joana Hadjithomas & Khalil Joreige Archéologue : Hadi Choueri Recherche : Maissa Maatouk Image : Talal Khoury, Joe Saade, Julien Hirsch, Khalil Joreige Montage vidéo : Tina Baz Animation : Laurent Brett Montage Son et mixage : Rana Eid (Studio DB) Musique : Charbel Haber Studio manager : Tara El Khoury Mikhael Commandé et produit par Kunstenfestivaldesarts Coproduction: Points communs – Nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise et du Val d’Oise Remerciements : Galerie In Situ, fabienne leclerc Image © Joana Hadjithomas & Khalil Joreige ********** Nederlands ********** in FR boventiteld in NL EN 75 min Op 20.05 wordt de voorstelling gevolgd door een nagesprek. Dit verhaal speelt zich af in het noorden van Libanon, in Nahr el Bared, in een vluchtelingenkamp dat halsoverkop werd opgezet om Palestijnse families op te vangen die de Nakba van 1948 waren ontvlucht. Jaren later, in 2007, breekt er een oorlog uit tussen het Libanese leger en een geïnfiltreerde islamistische groepering, wat resulteert in de vernietiging van een deel van het kamp. Daarmee komen de eerste overblijfselen van Orthosia aan het licht, een oude Romeinse stad die verdween nadat ze in 551 n.C. door een tsunami was bedolven en waar 15 eeuwen lang tevergeefs naar werd gezocht. Maar hoe ga je om met zo’n belangrijke ontdekking, als opgravingen op die plek een ‘tweede ontheemding’ van vluchtelingenfamilies zou betekenen? Filmmakers en kunstenaars Joana Hadjithomas en Khalil Joreige gebruiken fotografie, installaties, video en film om geschiedschrijving in vraag te stellen. In deze performance, gecreëerd voor het festival, leggen ze de voortdurende cycli van opbouw en afbraak bloot, en roepen ze de mogelijke verhalen van ondergrondse werelden op. Een duizelingwekkende performance, vol omwentelingen en (dis)continuïteit, die ons onderdompelt in een verleden dat bijzonder dicht bij het heden blijkt te staan. https://www.instagram.com/hadjithomasjoreigestudio ontdek het volledige programma van kunstenfestivaldesarts >>   — Presentatie: Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg Een project van Joana Hadjithomas & Khalil Joreige Archeologe: Hadi Choueri Onderzoek: Maissa Maatouk Beeld: Talal Khoury, Joe Saade, Julien Hirsch, Khalil Joreige Videomontage: Tina Baz Animatie: Laurent Brett Geluidsmontage en mixing: Rana Eid - Studio DB Muziek: Charbel Haber Studiomanager: Tara El Khoury Mikhael  In opdracht van en geproduceerd door Kunstenfestivaldesarts Coproductie: Points communs – Nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise et du Val d’Oise Met dank aan Galerie In Situ, fabienne leclerc Beeld © Joana Hadjithomas & Khalil Joreige
"WARNING: This video may potentially trigger seizures for people with photosensitive epilepsy. Viewer discretion is advised." A multi-part video and dance performance, profoundly influenced by the turbulence and uncertainties of modern life. The work opens with an expressionistic video installation that envelops the audience, guiding them through the inner dialogue and psychological landscape of a contemporary artist grappling with their place in the world. This immersive video component serves as an avant-garde prelude, setting the tone and emotional timbre. The installation seamlessly transitions into a live modern dance performance accompanied by an original musical score. The dancers' powerful, athletic movements embody the internal conflicts, doubts, and driving ambitions coursing through the artist's psyche. Their bodies become kinetic poetry, at times frenetic and disjointed, at others flowing with lyrical grace. The choreography explicitly reflects the duality of the artistic experience - the passion, the struggle, the questioning inherent to the creative process. Through this symbiotic fusion of varied media, the lines blur between audience and performer, reality and psychological realm. The artists do not merely express their personal narratives, but tap into resonant universal themes - the human quest for meaning, purpose, and self-actualization in a fast-paced, fractured world. It is both an introspective journey and an invitation for collective catharsis.
********** English ********** How do we feel the impact of events which are so much larger than us, yet move through us, and animate and activate our bodies all the time? Ten performers enact a glacially morphing tableau vivant on a mobile raft-like stage. Their voices create a score that grows larger and resonates as they clutch, careen and cleave in a space too small to contain them, spilling off the edges. The scenes shown reference at times images from classical iconography. Tenderness and violence, sensuality and brute force cohabitate. The audience sits all around as if watching a boxing match, embanking the performers, close enough to smell their sweat and feel the steam of the spiralling scenes. Celebrated American choreographer Faye Driscoll returns to the festival with a multi-sensory flesh and breath sculpture made of bodies, sounds, scents, liquids and objects. She pushes her performers to their limits in this compelling, adventurous work, presented in the impressive Horta Hall, originally an exhibition space for sculptures. Weathering is an ode to the inexhaustible physical power of queer bodies.  Ticket sale 18 May '24 - 22:30 19 May '24 - 21:30 20 May '24 - 21:30 21 May '24 - 21:30 ********** Français ********** Comment ressentons-nous l’impact d’événements qui, malgré le fait qu’ils nous dépassent, parviennent à nous traverser, nous animer et activer nos corps ? Sur un plateau rotatif qui ressemble à un radeau, dix performeur·euses, en constante évolution, composent des images qui ressemblent à des tableaux vivants issus d’un univers queer. Leurs voix génèrent une partition qui va crescendo et résonne à mesure qu’iels s’agrippent mutuellement, se balancent et se repoussent sur une surface trop petite pour les contenir, menaçant de déborder. Par moments, des images issues de l’iconographie classique semblent se dessiner. Tendresse, violence, sensualité et force brute cohabitent. Assis autour de la scène comme s’il assistait à un match de boxe, le public peut ressentir la sueur et l’ardeur de scènes étourdissantes. La célèbre chorégraphe états-unienne Faye Driscoll revient au festival avec une sculpture multisensorielle faite de chair et de souffle, de corps, de sons, d’odeurs, de fluides et d’objets. Elle pousse ses performeur·euses jusqu’à leurs limites dans un spectacle fascinant et aventureux, présenté dans l’impressionnant Hall Horta, qui était à l’origine conçu comme une salle d’exposition pour sculptures. Weathering est une ode à l’inépuisable puissance physique des corps queer et à leurs évolutions.  Achat de tickets 18 mai '24 - 22:30 19 mai '24 - 21:30 20 mai '24 - 21:30 21 mai '24 - 21:30 ********** Nederlands ********** Hoe voelen we de impact van gebeurtenissen die onze lichamen bewegen en bezielen, maar tegelijk veel groter zijn dan onszelf? Tien performers verbeelden een steeds veranderende tableau vivant op een ronddraaiend vlot-achtig platform. Hun stemmen vormen een partituur die crescendo’s en resonanties laat horen terwijl ze elkaar vastgrijpen, wegduwen, en heen en weer slingeren over een oppervlak dat te klein is voor hen allen en uit zijn voegen dreigt te barsten. De getoonde scènes refereren bij momenten aan beelden uit de klassieke iconografie. Tederheid en geweld, sensualiteit en brute kracht worden met elkaar verzoend. Het publiek zit rondom, als bij een bokswedstrijd, kan de performers bijna aanraken, hun zweet ruiken en de stomende scènes proeven. De gevierde Amerikaanse choreografe Faye Driscoll keert terug naar het festival met een multisensoriële levende sculptuur van vlees en adem, van lichamen, geluiden, geuren en objecten. Ze drijft haar performers tot het uiterste in dit meeslepende, avontuurlijke werk, gepresenteerd in de indrukwekkende Hortahal, oorspronkelijk een tentoonstellingsruimte voor beeldhouwwerken. Weathering is een ode aan de onuitputtelijke fysieke kracht van queer lichamen.  Ticketverkoop 18 mei '24 - 22:30 19 mei '24 - 21:30 20 mei '24 - 21:30 21 mei '24 - 21:30
********** English ********** Respublika is a total theatre experience, brought to you by a collective of actors, performers and stage managers who engage in an attempt to question their relationship to work, and, by extension, ours. Can creating music and organising a dance party be considered a form of resistance? Could the idea of a republic based on alternative economic principles give rise to a new raison d'être? Respublika is a new theatrical experience, directed by Polish artist Łukasz Twarkowski, in which the public is invited to form part of a community that shares food, stories and even a sauna. An immersive 6-hour experience which we invite you to join in. Come and discover the Grande Halle as you’ve never seen it before, transformed for the occasion into a temporary city where possibilities are redefined. 34€ / 30€ / 26€ ********** Français ********** Respublika est une expérience de théâtre totale, portée par un collectif d’acteur·ices, de performeur·euses et de régisseur·es techniques qui s’engagent dans une tentative de questionner leur relation au travail, et, par rebond, la nôtre. Est-ce que créer de la musique et organiser une dance party peut être considéré comme une forme de résistance ? Est-ce que l’idée d’une république basée sur des principes économiques autres peut donner naissance à une nouvelle raison d’être ? Respublika est une nouvelle expérience théâtrale mise en scène par l’artiste polonais Łukasz Twarkowski, dans laquelle le public est invité à faire partie d’une communauté, qui partage de la nourriture, des histoires et même un sauna. Une expérience immersive d’une durée de 6 heures à laquelle nous vous invitons à participer. Venez découvrir la Grande Halle comme vous ne l’avez jamais vue, transformée pour l’occasion en ville temporaire où les possibles sont redéfinis. 34€ / 30€ / 26€ ********** Nederlands ********** Respublika is totaaltheater uitgevoerd door een collectief van acteurs, performers en technische regisseurs die een poging ondernemen om hun relatie tot het werk, en bij uitbreiding dat van ons, in vraag te stellen. Kan muziek maken en een danceparty organiseren beschouwd worden als een vorm van verzet? Kan het idee van een republiek die gebaseerd is op andere economische principes aanleiding geven tot een nieuwe bestaansreden? Respublika is een nieuwe theaterbeleving geregisseerd door de Poolse kunstenaar Łukasz Twarkowski, waar het publiek wordt uitgenodigd om deel uit te maken van een gemeenschap die voedsel, verhalen en zelfs een sauna deelt. Een immersieve ervaring van 6 uur waarbij u wordt uitgenodigd om deel te nemen. Ontdek de Grote Hal zoals u ze nog nooit hebt gezien. Ze werd voor de gelegenheid omgetoverd tot een tijdelijke stad waar mogelijkheden worden geherdefinieerd. 34€ / 30€ / 26€
As the sculptures are moved through space, letters from the artist's Publication Letters (2009) will be read aloud. These letters, addressed to the artist, paint an impossible portrait of him and question themes surrounding gender and sexual contradictions.
********** English ********** in Farsi surtitled in NL FR EN 70 min What does it mean to be a dancer when dancing is prohibited? How do you feel when forced to refrain from doing something you have dedicated your entire life to? Starting from these questions, Iranian playwright Nasim Ahmadpour and director Ali Asghar Dashti create a breathtaking performance. On stage, two completely immobile dancers describe the movements they would have made if they could dance. These descriptions of a hand gesture, of a step to the side, entrust us spectators with reconstructing a choreography that is no longer possible to create. The detailed and touching account intertwines with episodes from the recent past, like the story of theatre director Hamid Samandarian. Banned from working in theatres in the early 1980s, his company decided to open a restaurant together. When their first customers entered, the performers felt the same stress as if this were an audience entering the theatre hall. Can anyone stop being who they are? In another episode, an imprisoned director wonders if, by making his fellow prisoners act, he could stop being a prisoner for a moment. Taking its title from a song verse, We Came to Dance is a theatrical gem and a love letter to the stage. https://www.instagram.com/aliasghar.dashti https://www.instagram.com/nasim_ahmadpour discover the full programme of kunstenfestivaldesarts >>   — Presentation: Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg Director: Ali Asghar Dashti Writer and dramaturge: Nasim Ahmadpour Performers: Hamid Pourazari, Ilnaz Shabani With the presence of: Nasim Ahmadpour, Narges Hashempour, Ali Asghar Dashti Choreographer: Mostafa Shabkhan Assistant director: Fatemeh Rouzbehani Sound designer and music: Farshad Fozouni Video: Mohammad Reza Rahmati  Costume designer: Neda Nasr Lighting designer:  Niloofar Naghibsadati Graphic designer: Farhad Fozouni Technology: Jafar Hejazi Production manager: Mohammad Amin Tafazzoli Production: Don Quixote Theatre Group & Interdisciplinary Cultural-Artistic Institute Names and Signatures Coproduction: Kunstenfestivaldesarts Image © Kaveh Golestan, Courtesy of Archaeology of the Final Decade ********** Français ********** en Farsi sur-titré en NL FR EN 70 min Que signifie être danseur·euse lorsque la danse est interdite dans son pays ? L’autrice Nasim Ahmadpour et le metteur en scène Ali Asghar Dashti se sont posés cette question pour créer cette performance étonnante. Sur scène, deux danseur·euses parfaitement immobiles décrivent les mouvements qu’iels auraient faits s’iels avaient pu danser. Les descriptions d’un geste de la main, d’un pas de côté, nous confient à nous, public, la tâche de reconstruire une chorégraphie qu’il n’est plus possible de créer. Dans un récit détaillé et émouvant, s’entrelacent des événements qui se sont passés en Iran, comme l’histoire de la compagnie du metteur en scène Hamid Samandarian qui, bannie des théâtres au début des années 1980, a décidé d’ouvrir un restaurant. À l’arrivée des premier·ères client·es, les performeur·euses ont eu le trac, comme s’il s’agissait d’un public qui entrait dans une salle. Peut-on nous empêcher d’être qui l’on est ? Dans un autre récit, un metteur en scène incarcéré se demande si le jeu théâtral qu’il met en place avec d’autres détenus pourrait leur permettre d’échapper, le temps d’un instant, à l’emprisonnement. We Came to Dance est une perle théâtrale et une lettre d’amour adressée à la scène. https://www.instagram.com/aliasghar.dashti https://www.instagram.com/nasim_ahmadpour découvrez le programme complet du kunstenfestivaldesarts >>   — Présentation : Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg Mise en scène : Ali Asghar Dashti Textes et dramaturgie : Nasim Ahmadpour Interprètes : Hamid Pourazari, Ilnaz Shabani Avec la présence de : Nasim Ahmadpour, Narges Hashempour, Ali Asghar Dashti Chorégraphie : Mostafa Shabkhan Assistant mise en scène : Fatemeh Rouzbehani Création sonore et musique : Farshad Fozouni Vidéo : Mohammad Reza Rahmati  Costumes : Neda Nasr Création lumières :  Niloofar Naghibsadati Graphisme : Farhad Fozouni Technologie : Jafar Hejazi Responsable de production : Mohammad Amin Tafazzoli Production : Don Quixote Theatre Group & Interdisciplinary Cultural-Artistic Institute Names and Signatures Coproduction : Kunstenfestivaldesarts  Image © Kaveh Golestan, Courtesy of Archaeology of the Final Decade ********** Nederlands ********** in Farsi boventiteld in NL FR EN 70 min Wat betekent het om danser te zijn als dansen verboden is? Hoe voelt het als je gedwongen wordt op te geven waar je je hele leven aan hebt gewijd? Het zijn de vragen die aan de basis liggen van deze nieuwe creatie van de Iraanse toneelschrijfster Nasim Ahmadpour en regisseur Ali Asghar Dashti. Op het podium beschrijven twee onbeweeglijke dansers de bewegingen die ze zouden maken als ze konden dansen. De toeschouwer krijgt de taak toevertrouwd met deze beschrijvingen – van een handgebaar, een zijwaartse stap – een onbestaande choreografie te reconstrueren. De gedetailleerde en ontroerende omschrijvingen worden afgewisseld met voorvallen uit het recente verleden, zoals het verhaal van theaterregisseur Hamid Samandarian. Begin jaren ‘80 werd hem met zijn gezelschap een verbod opgelegd om in theaters te werken, waarop ze besloten samen een restaurant te openen. Toen hun eerste klanten arriveerden, voelden ze dezelfde ‘plankenkoorts’ als wanneer het publiek de theaterzaal binnenkomt. Kan iemand stoppen met zijn wie hij of zij is? In een andere scène vraagt een opgesloten regisseur zich af of hij, door zijn medegevangenen te laten acteren, even kan ophouden een gevangene te zijn. We Came to Dance, dat zijn titel ontleent aan een liedjestekst, is een prachtige liefdesbrief aan het toneel. https://www.instagram.com/aliasghar.dashti/ https://www.instagram.com/nasim_ahmadpour/ ontdek het volledige programma van kunstenfestivaldesarts >>   — Presentatie: Kunstenfestivaldesarts, Beursschouwburg Regie: Ali Asghar Dashti Schrijfster en dramaturge: Nasim Ahmadpour Performers: Hamid Pourazari, Ilnaz Shabani Met de aanwezigheid van: Nasim Ahmadpour, Narges Hashempour, Ali Asghar Dashti Choreograaf: Mostafa Shabkhan Regieassistent: Fatemeh Rouzbehani Geluidsontwerp en muziek: Farshad Fozouni Video: Mohammad Reza Rahmati  Kostuumontwerp: Neda Nasr Lichtontwerp:  Niloofar Naghibsadati Grafisch designer: Farhad Fozouni Technologie: Jafar Hejazi Productieleiding: Mohammad Amin Tafazzoli Productie: Don Quixote Theatre Group & Interdisciplinary Cultural-Artistic Institute Names and Signatures Coproductie: Kunstenfestivaldesarts  Beeld © Kaveh Golestan, Courtesy of Archaeology of the Final Decade