erró, la belle rosine, peintures, aquarelles & collages

Description

J’ai eu la chance de faire la connaissance d’Erró en 2016 lors d’une exposition à la Fondation Folon. Ce fût une de ces belles rencontres que le métier de conservateur nous offre. Nous avons partagé quelques moments inoubliables. Qui le connaît apprécie son humour et sa générosité.
Quel message Erró nous adresse-t-il aujourd’hui avec cette interprétation de « La belle Rosine », incarnation de la jeunesse éphémère confrontée à la mort ? Nous savons que l’artiste islandais découpe sans relâche des documents issus de tous bords qu’il collecte et conserve soigneusement. Ils surgissent quelquefois des années plus tard. Cette nouvelle exposition à Bruxelles chez l’ami Marchetti était sans doute l’occasion de valoriser l’oeuvre d’Antoine Wiertz. Erró se sent-il intime du peintre belge qui maniait la dérision et surtout s’inscrivait dans les combats philosophiques et politiques de son temps ?
Erró a construit un univers pictural composé d’une explosion de figures, de monstres grimaçants ou d’anti-héros issus de la conscience collective, dans un chaos visuel, reflet d’une époque bombardée d’images. Souvent, il assemble sa peinture à des collages issus de l’imagerie de la bande dessinée, du cinéma ou des arts plastiques. Leur rencontre incongrue crée la surprise. On pourrait y voir le principe d’isolement cher aux surréalistes mais ces rapprochements inattendus ne visent pas la même intention. Erró suggère une narration et propose une approche plus sémiotique, une réflexion sur l’impact de l’image. Il peut user de la même image dans une contexte différent qui va induire un tout autre sens. Tel un témoin, il s’attaque avec ironie aux sujets de société – surconsommation, fantasmes stéréotypés de la sexualité, fanatismes religieux – ainsi qu’à la politique et à l’histoire contemporaine en pointant du doigt les guerres, les totalitarismes, le racisme. « Je suis une sorte de chroniqueur, de reporter qui rassemblerait toutes les images du monde et... je suis là pour en faire la synthèse (1). »
Aujourd’hui, avec cette glorification de « La belle Rosine », l’artiste met en valeur le concept de vanité, représentation allégorique de la fragilité de la vie humaine ou celui de la danse macabre, principe d’égalité de tous devant la mort. Quoi qu’il en soit par ce dialogue entre le squelette et la jeune femme, il pose la question du temps et s’empare d’un vaste sujet philosophique : « Faire bien n’est qu’une question de temps (2). »

Stéphanie Angelroth


1 - Se non è vero è ben trovato, Éditions La Pierre d’Alun, 2012, p. 13
2 - Antoine Wiertz, La belle Rosine, (1847), huile sur toile, 140 x 100 cm, Musée Wiertz, Bruxelles.
Inscription sur le tableau voir : https://fine-arts-museum.be/fr/la-collection/antoine-wiertz-la-belle-rosine

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Au-delà de leurs apparentes différences, il y a forcément une cohérence entre les peintures d’objets que sont les Vies silencieuses et les arbres, peints ou dessinés, puisque les trois séries sont issues de la main d’Alexandre Hollan. Les arbres dessinés proposent une modulation libre des gris, ceux qui sont peints une vibration éclatante des couleurs, alors que dans les vies silencieuses celles-ci sont juxtaposées, par teintes et par couches, pour aboutir à une forme de sérénité et de calme apparents vibrant de l’intérieur, au lieu que les arbres les exposent davantage, couleurs, matières et gestes. À supposer que les Vies silencieuses soient plus introspectives – ce qui est une interprétation – les arbres portent aussi un langage en attente. Les uns et les autres parlent, différemment, et tous, en nous regardant les regarder, nous parlent. Peints ou dessinés, la succession des arbres, par exemple, révèle à la fois la différence, la spécificité de chacun, mais aussi l’approche que chaque rencontre suscite chez l’artiste, qu’il s’agisse d’esquisses, de contours, de vides ou de remplis : dans sa forme et son espace, chacun de ces arbres se distingue et non se répète. Puisque aucune représentation ne peut englober un tout ni être définitive, chacune figure une tentative, un inachèvement, qui ouvre sur un autre. On pourrait faire le pari que c’est autant de visages d’Alexandre Hollan qu’ils dessinent – et je fais aussi celui que dans ce qui n’est pas un jeu de variations mais une tentative d’équilibre sans cesse recommencée, chacun d’entre nous, à la manière d’un labyrinthe, peut y trouver son chemin, et, d’une certaine manière, s’y retrouver voire s’y reconnaître. Que vous préfériez l’une ou l’autre de ces œuvres, ou plusieurs, arbre vif de couleur ou de fusain, vie silencieuse, je vous invite donc à vous demander en quoi elle vous ressemble et ce que vous y découvrez de vous. Ludovic Degroote
********** English ********** As the daughter of the child who was left in the home, Greene traces her family story along the matrilinear line, and the resulting film enters into the gaps in memory and record. Máthair offers a fragmented and elliptical account of a search for knowledge in the face of institutional oppression and obfuscation; the film resists linear narrative and documentary modes, offering us an intense and revelatory encounter with a shared family trauma. Scant records and redacted documents describe the negation and erasure of those who passed through the church’s homes for unmarried mothers. The sensory lives of these ungraspable women are embodied in choreographed phrases performed by four dancers, whose costumed movements both gesture towards and subvert the constrictive clothing regulations of Catholic institutions and the forced female labour in the church’s laundries. Glimpses of this performance are threaded between a chaotic collage of archival material and present-day online chat rooms; the only respite is found in the holding space of the landscape and the bodies of water between England and Ireland. The silences of the archive are countered by a dissonant sound score, a pulsing polyphonic composition dense with complex sensory impressions, and a chorus of unvoiced voices compelling us to stay with the problem.     Keira Greene is an artist working across film, photography, performance and text. Her work is preoccupied with the social and organic life and landscape of specific environments. Her work is produced through a collaborative and conversational practice of looking, writing and forming enduring relationships. Recent works are concerned with ideas of the body and the experience of emotion, in dialogue with an embodied filmmaking practice. http://keiragreene.com/ ********** Français ********** En 1954, une femme Irlandaise se rend en Angleterre pour donner naissance à un enfant illégitime. En 2024, sa petite-fille – la réalisatrice – retrace son parcours en reconstituant les fragments de son histoire. Máthair (Mère) s'appuie sur un réseau complexe d'informations obfusquées, provenant d'agences administratives d'adoption, des dossiers d'un foyer catholique pour mères et bébés et de conversations en ligne entre des inconnu·e·s suivant les mêmes traces d'archives. Máthair interroge les institutions religieuses, le concept de maternité et le sentiment d'appartenance à un lieu.   Keira Greene est une artiste qui travaille à la frontière du film, de la photographie, de la performance et du texte. Son travail se concentre sur la vie sociale et organique au sein de paysages spécifiques. Son travail est produit par une pratique collaborative et conversationnelle du regard, de l'écriture et par la formation de relations durables. Ses œuvres récentes s'intéressent aux corps et à l'émotion, en dialogue avec une pratique cinématographique incarnée. http://keiragreene.com/ ********** Nederlands ********** In 1954 reisde een Ierse vrouw naar Engeland om te bevallen van een buitenechtelijk kind. In 2024 volgt haar kleindochter, de filmmaker, haar reis door fragmenten van haar verhaal bij elkaar te zoeken. Máthair (Mother) is gebaseerd op een complex web van verdoezelde informatie van adoptiebureaus, verslagen van een katholiek tehuis voor moeders en baby's, en chatgesprekken tussen vreemden die hetzelfde archiefspoor volgen. Máthair bevraagt de instellingen van religie, noties van moederschap en een gevoel van plaats.   Keira Greene is een kunstenaar die werkt met film, fotografie, performance en tekst. Haar werk houdt zich bezig met het sociale en organische leven en landschap van specifieke omgevingen. Haar werk wordt gemaakt door middel van een collaboratieve en conversationele praktijk van kijken, schrijven en het vormen van duurzame relaties. Recente werken houden zich bezig met het lichaam en de ervaring van emotie, in dialoog met een belichaamde filmpraktijk. http://keiragreene.com/
Het Volk der Introverten is een geboetseerde menigte bestaande uit hoofdjes van klei met ogen dicht, gemaakt door vele handen. Onder leiding van kunstenaar Mirthe Dokter (Pollif Projects) wordt je meegenomen in een zoektocht van je handen naar jezelf, met de klei als vriendelijke bondgenoot. Door een moment gezamenlijk introvert te zijn poogt Mirthe deze kant van de mens meer ruimte te geven in het dagelijkse leven. Ook biedt het kunstwerk een podium aan de mensen die zich ongezien voelen. Je kan bijdragen aan het Volk der Introverten van Sint-Gillis door mee te kleien tijdens een boetseersessie. Jouw hoofdje wordt onderdeel van het kunstwerk, dat zo groeit en groeit. Dat kan tijdens gezamenlijke sessies, maar je kan doorlopend ook zelf komen kleien in de exporuimte, te midden van alle gezichtjes. De hoofdjes worden niet afgebakken, maar zullen uiteindelijk buiten geplaatst worden waar ze weer zullen verdwijnen. Terug naar waar de klei vandaan komt, opnieuw onzichtbaar.
********** English ********** This event is also linked to the Brussels Declaration of European mayors "A European urban policy fit for the future". → Production: urban.brussels → Curation: CityTools & Dogma → Graphic design: Le Roy Cleeremans ********** Français ********** L’évènement est également lié à la Déclaration de Bruxelles des maires européens « A European urban policy fit for the future ». → Production : urban.brussels → Commissaires : CityTools & Dogma → Graphisme : Le Roy Cleeremans ********** Nederlands ********** Dit evenement houdt ook verband met de Verklaring van Brussel van de Europese burgemeesters "A European urban policy fit for the future". → Productie: urban.brussels → Commissaris: CityTools & Dogma → Grafische vormgeving: Le Roy Cleeremans
Nu het einde van het schooljaar nadert, tonen de kinderen en jongeren van de RHOK Academie een deel van het werk dat ze afgelopen jaar gecreëerd hebben. FR - À l'approche de la fin de l'année scolaire, les enfants et les ados de l'academie RHOK présentent certains des projets artistiques qu'ils ont réalisés l'année passée.
Emilie Danchin conveys questions in her work pertaining to the realism of photography by involving the body in the pho- tographic space. It is very vibrant as well as an organic ad- venture. Emilie Danchin does not photograph reality as such, but a kind of dream rooted in the subject, to a certain extent a somewhat inhabited or animated dreamy reality. To this effect, the photographic act extends to a personal phenome- nology and the progressive creation of a visual language ca- pable of relaying a personal experience charged with images and emotions that, universally recognisable, are likely to stir viewers’ feelings, disrupt thought and trigger dreams. Emilie Danchin introduces here Le Bois des Rêves, the culmi- nation of a performance and photographic work achieved in a property that is noteworthy in terms of its architecture, as well as its gardens, in the Arts-and-Crafts style. This heritage site lent itself to her proposal to have the freedom to take over a space and a body, hers in this case. She tackles the question of origins in a foreign place in a paradoxical way. It substitutes a space that no longer exists, which represents her origins. This property conjured up, through a combination of me- mories, her own English place of birth, the houses belonging to her grandmothers, their gardens in the countryside and seaside, baths, woodworks, smells, clothes, furniture, musica- lity... a whole atmosphere that is generally, culturally familiar to her. And at the same time, it recalled absence, missing people, invasion and emptiness of the body and a house that until recently remained within the same family, loss and the parentage that was interrupted. By means of self-portrait, Emilie Danchin wondered what the inside of the house would look like. How would the emotions generated by the exterior of the house be conveyed in her outside landscapes? How would she extri- cate her body from the matter to render it in a landscape having similar characteristics? How would time intervene in this memory-enhanced place where her own body, her robe and some of her clothes combined with those that belonged to three generations of women, the house, gar- den, the photographic act itself have jointly become the template for a vital identity-related fiction? Her aim was to found her hope of investing a space, materialising and filling a form of absence, the place of the origins, a kind of double of another imaginary space, distant and close, inaccessible, erased, deleted, having left the body and the house and nevertheless, inalienable yet. Le Bois des Rêves is carried by the the artist’s body postures, which has become a sensitive measure of the evocative potential of the place. Equally, the place has given live to non-material memories, the vague outlines of which could not have stood out without this inseparable staging of her body and the space. The photographic medium is presented in a variety of aspects, black and white, colour, varying formats and scales, as well as dialogue between fiction and observation. Video is added to this. Processed as stills, this lends the ensemble a form of heartbeat in real time as such of perception through gaze. This results in an art form in several phases, the assembly of which in its entirety impresses a circular motion in space and physically creates time. Intimating the desire to go on reconnais- sance, this photographic form espouses the volatility of space and time, emotions, dreams and the sense of self. One marvels before the representation of the memory space, whose autobiographical form is that of an absolute memory and of a dream.
********** English ********** Keira Greene is an artist working across film, photography, performance and text. Her work is preoccupied with the social and organic life and landscape of specific environments. Her work is produced through a collaborative and conversational practice of looking, writing and forming enduring relationships. Recent works are concerned with ideas of the body and the experience of emotion, in dialogue with an embodied filmmaking practice. find out more on the installation >> ********** Français ********** Keira Greene est une artiste qui travaille à la frontière du film, de la photographie, de la performance et du texte. Son travail se concentre sur la vie sociale et organique au sein de paysages spécifiques. Son travail est produit par une pratique collaborative et conversationnelle du regard, de l'écriture et par la formation de relations durables. Ses œuvres récentes s'intéressent aux corps et à l'émotion, en dialogue avec une pratique cinématographique incarnée. savoir plus sur l'installation >> ********** Nederlands ********** Keira Greene is een kunstenaar die werkt met film, fotografie, performance en tekst. Haar werk houdt zich bezig met het sociale en organische leven en landschap van specifieke omgevingen. Haar werk wordt gemaakt door middel van een collaboratieve en conversationele praktijk van kijken, schrijven en het vormen van duurzame relaties. Recente werken houden zich bezig met het lichaam en de ervaring van emotie, in dialoog met een belichaamde filmpraktijk. lees meer over de installatie >>
********** Français ********** Stéphan Aelterman peint depuis une cinquantaine d’années. Par ses études d’architecture intérieure, le dessin et l’aquarelle se sont imposés dans ses travaux artistiques. Curieux et passionné de bateaux et du monde maritime, il a reçu, en 2018 le titre de ‘’ Peintre Officiel de la Marine Belge ‘’ Stéphan vous invite à partager cette découverte. ********** Nederlands ********** Stéphan Aelterman schildert al zo'n vijftig jaar. Na zijn studie binnenhuisarchitectuur werden tekenen en aquarelleren een integraal onderdeel van zijn artistieke werk. Nieuwsgierig en gepassioneerd door boten en de maritieme wereld, kreeg hij in 2018 de titel van "Officieel Schilder van de Belgische Marine". Stéphan nodigt je uit om te delen in deze ontdekking.