Nous vous proposons au Seventy Five une soirée de découverte du stand-up
accompagnée une line up de folie dans un cadre intimiste, divertissant et
créatif!! Six artistes ont dix minutes chacun pour vous faire rire. L'entrée est
gratuite, la sortie au chapeau.
Date: Mercredi 24 Avril
Heure: 19h30 (ouverture des portes) et 20h00 (début du show) — 22h ( fin du
show)
Lieu: Rue des Alexiens 75, 1000 Bruxelles
Le tout présenté par Tom Dubois en MC
PRIX LIBRE: ENTRÉE LIBRE ET SORTIE AU CHAPEAU à partir de 5€
À la Folie Lecture vivante
18april
19:00 - 20:30
La Maison du Thé
La Maison du Thé, Plattesteen 11, Saint-Gilles, Brussels-Capital 1060, Belgium
Free
Description
Un florilège de textes issus d’une exploration littéraire qui interroge la folie sous toutes ses formes, ses différents visages : ses ombres et ses lumières, sa douceur et sa violence, ses dérives et sa lucidité, ses excès et ses atouts, ses émois et ses silences.
Lus par les participant.e.s de l’Atelier « Voix vives », Animé par Christine Henkart (comédienne, PasMoi asbl).
Tickets
Free
Info & Reservation
Venue
Organiser
1 Picture
Suggested events
Elya Verdal, artiste en résidence à la fondation, nous propose sa nouvelle
performance scénique autour de son premier ouvrage publié chez Bleu d'encre -
Les Éditeurs singuliers « L'amour en creux », accompagnée au piano par Charlotte
Boquet et mise en scène par Constant Vandercam.
Mystérieuse et offerte, la poétesse nous livre son texte qui se déverse avec
pudeur et frénésie en une longue litanie. Ses mots claquent, sa voix s’adoucit,
ses yeux tendres et fragiles sont amour, offrande. Telle une déesse archaïque,
elle s’avance vers son public accompagnée de notes de musique qui illuminent sa
cuirasse comme autant de papillons d’or.
Dans une célébration de l'amour sous toutes ses formes, Elya Verdal nous offre
une vision unique où l'érotisme se mêle harmonieusement au spirituel et au
sensuel. Ses mots, magnifiquement tissés, capturent l'intensité des émotions
humaines, offrant une expérience immersive et émouvante...
La fondation blan vous invite à partager un moment de pure beauté.
La performance d’Elya Verdal sera suivie d’une séance de dédicace de son livre «
L'amour en creux »
Durée : 40"
‘Elya Verdal appelle l’amour avec érotisme et délicatesse’
Jean-Claude Vantroyen - Le Soir
********** English **********
"My physique is the centrepiece of my career".
On stage, an extraordinary body defies the codes of dance and the laws of
physics. As dancer and choreographer Sofiane Chalal puts it bluntly : "People
meet me twice, as if my body were taking up all the space, even my own. This
almost schizophrenic duality between his life on stage and his life in the city
is the subject of Ma part d'ombre, his first show as a choreographer and his
first solo. It's almost a rite of initiation, dealing with very personal and
therefore universal subjects : the body as ally and enemy, and the paradox,
sometimes stimulating, sometimes painful, between what we perceive of ourselves
and what others see.
Sofiane Chalal tackles these issues with great sensitivity, and a characteristic
body language that combines the power of hip hop with the fragility of mime. As
comfortable in battles as he is in theatres, a winner of numerous competitions
and performer for Farid Berki, Brahim Bouchelaghem and Christophe Piret, and the
author of videos posted on social networks that are as much short choreographic
films, he challenges all preconceived ideas and doesn't fit into any box. Here
he lays himself bare in a proposal that combines dance, text and image,
exploring in his own singular, intuitive way the position of the artist and the
way the stage transforms him.
********** Français **********
« Être gros et danser.
Mon corps est l'outil de mon art.
C'est la première chose que l'on voit.
On me rencontre deux fois, comme si mon corps prenait toute la place, même la
mienne »
Sur scène, un corps hors norme défie les codes de la danse et les lois de la
physique. Danseur et chorégraphe, Sofiane Chalal l'assume sans ambages : « On me
rencontre deux fois, comme si mon corps prenait toute la place, même la mienne.
» Cette dualité presque schizophrène entre sa vie sur scène et sa vie à la ville
est le sujet de Ma part d'ombre, son premier spectacle en tant que chorégraphe
et son premier solo. Presqu'un rite initiatique, où il est question de sujets
très personnels, donc universels : le corps comme allié et ennemi, et le
paradoxe, parfois stimulant, parfois douloureux, entre ce que nous percevons de
nous-mêmes et ce que voient les autres.
Sofiane Chalal les aborde avec beaucoup de sensibilité, et une gestuelle
caractéristique qui charrie à la fois la puissance du hip hop et la fragilité du
mime. Aussi à l'aise dans les battles que dans les théâtres, à la fois lauréat
de nombreux concours et interprète pour Farid Berki, Brahim Bouchelaghem et
Christophe Piret, auteur de vidéos diffusées sur les réseaux sociaux qui sont
autant de courts métrages chorégraphiques, il bouscule toutes les idées reçues
et ne rentre dans aucune case. Il se met ici à nu dans une proposition qui mêle
danse, texte et image, et explore à sa manière singulière et intuitive la
position de l'artiste et la façon dont la scène le transforme. MA PART D'OMBRE -
Cie Chaabane / Sofiane Chalal / Manège Maubeuge from Manège Maubeuge on Vimeo.
BRUZZ : "Enfant, la danse était la seule chose que j'avais l'impression de faire
bien"
TARMAC rtbf "Le parcours des danseurs Hip Hop est souvent atypique puisque
l'envie de chacun est la recherche de la nouveauté mais aussi le surpassement de
soi-même." Avec Conception, texte, chorégraphie et jeu Sofiane Chalal
Régie générale, régie lumières Adrien Hosdez (en altern. avec Guillaume Bonneau)
Régie son Nicolas Tarridec (en altern. avec Rémi Malcou)
Scénographie et vidéo Pierre Nouvel
Animation vidéo Bilel Allem
Création sonore Mathieu Calmelet
Création lumières Adrien Hosdez
Co-autrice du texte Anne Lepla
Costumes NINII Fanny Dheygere
Regard intime Michèle Laroque
Regard extérieur Teresa Acevedo
Collaboration artistique Mickaël Phelippeau
Producteur Compagnie CHAABANE
Producteur délégué Manège Maubeuge Scène nationale
Coproducteurs L'échangeur, CDCN - Château-Thierry, La Rampe Scène conventionnée
danse et musiques - Echirolles, Les Halles de Schaerbeek, Le Phénix Scène
nationale - Valenciennes, Mars Mons arts de la scène, Secteur 7, CCDC Urbaines -
Maubeuge, Le Bateau Feu Scène nationale - Dunkerque
Avec l'aide de DRAC Hauts-de-France, Ville de Maubeuge
Avec le soutien de Centre Chorégraphique National Roubaix Hauts-de- France -
Sylvain Groud dans le cadre des résidences d'artistes, Gare numérique - Jeumont,
232U - Aulnoye-Aymeries, FLOW - Centre Eurorégional des cultures urbaines Lille
********** Nederlands **********
"Mijn lichaamsbouw is het middelpunt van mijn carrière".
Op het podium trotseert een buitengewoon lichaam de codes van de dans en de
wetten van de fysica. Zoals danser en choreograaf Sofiane Chalal het onomwonden
zegt : "Mensen ontmoeten me twee keer, alsof mijn lichaam alle ruimte inneemt,
zelfs die van mezelf. Deze bijna schizofrene dualiteit tussen zijn leven op het
podium en zijn leven in de stad is het onderwerp van Ma part d'ombre, zijn
eerste show als choreograaf en zijn eerste solo. Het is bijna een
inwijdingsritueel, waarin zeer persoonlijke en daarom universele onderwerpen aan
bod komen : het lichaam als bondgenoot en vijand, en de paradox, soms
stimulerend, soms pijnlijk, tussen wat we van onszelf zien en wat anderen zien.
Sofiane Chalal pakt deze onderwerpen aan met grote gevoeligheid en een
karakteristieke lichaamstaal die de kracht van hiphop combineert met de
kwetsbaarheid van mime. Hij voelt zich net zo op zijn gemak in battles als in
theaters, is winnaar van talloze wedstrijden en performer voor Farid Berki,
Brahim Bouchelaghem en Christophe Piret, en auteur van video's op sociale
netwerken die net zo goed korte choreografische films zijn, hij daagt alle
vooropgezette ideeën uit en past in geen enkel hokje. Hier legt hij zichzelf
bloot in een voorstel dat dans, tekst en beeld combineert, waarbij hij op zijn
eigen, intuïtieve manier de positie van de artiest onderzoekt en de manier
waarop het podium hem transformeert.
********** English **********
"It may be a play, but it starts out like a film. The heart of the work is in
the cinema," Christiane Jatahy says of the play."It is through cinema that we
arrive on the stage.”
This story is 3000 years old, but it is replayed every day in cinema, but also
in Homer's ‘Odyssey.’ All over the world, people cross borders in search of
asylum or a home.
The film travels through Jenin, Palestine, refugee camps in Lebanon and Greece,
downtown Johannesburg, the Amazon rainforest and ends up in Rio de Janeiro. The
context of the filming may be documentary, but the whole thing is primarily
fiction. The actors in these communities take Homer's verses to speak about
their reality. The actors are manifestations of Odysseus, Penelope and
Telemachus, they draw a straight line from ancient Greek characters to each of
us, present, in the theatre.
For some people in exile or in countries at war, only the present exists, the
past is already too far away or almost destroyed, and the future is unthinkable.
Only the time of waiting remains. A present that overflows.
• Born in Rio de Janeiro, Christiane Jatahy has degrees in theatre and
journalism, and a Masters degree in art and philosophy. In January 2022,
Christiane Jatahy was awarded the Golden Lion at the Venice Biennale for her
entire theatrical work. Created in 2020, ‘Le présent qui déborde’, was filmed
in Palestine, Lebanon, South Africa, Greece and the Amazon. The film is in
dialogue with theatre and mixes fiction with real stories of refugee artists.
This production by Théâtre National Wallonie-Bruxelles has been performed at the
Avignon Festival and has toured in Europe, Asia and the United States.
********** Français **********
“C’est peut-être une pièce, mais ça débute comme un film. Le cœur du travail
se trouve dans le cinéma,” dit Christiane Jatahy de cette pièce. “C’est à
travers le cinéma que nous arrivons sur le plateau”.
A travers le cinéma mais aussi à travers l’‘Odyssée’ d’Homère: cette histoire
est vieille de 3000 ans mais elle se rejoue pourtant tous les jours. Partout
dans le monde, des hommes et des femmes traversent des frontières à la
recherche d’une terre d’asile ou d’un foyer.
Le fim traverse Jénine, en Palestine, des camps de réfugié·es au Liban et en
Grèce, le centre-ville de Johannesburg, la forêt amazonienne et fini à Rio De
Janeiro. Le contexte de ces tournages est peut-être documentaire, mais
l’ensemble est avant tout une fiction. Les acteur·ices de ces communautés
prennent les vers d’Homère pour parler de leur réalité. Les acteur.ices sont
des manifestations d’Ulysse, de Pénélope et de Télémaque, iels tirent une
ligne droite des personnages de la Grèce antique jusqu’à chacun·e de nous,
présent·es dans le théâtre.
Pour certaines personnes en situation d’exil ou dans les pays en guerre, seul le
présent existe, le passé est déjà trop loin d’elles ou presque détruit, et
le futur est inenvisageable. Ne subsiste alors que le temps de l’attente. Un
présent qui déborde.
• Née à Rio de Janeiro, Christiane Jatahy est diplômée en théâtre, en
journalisme, et titulaire d’un Master en art et philosophie. Christiane Jatahy a
reçu en janvier 2022 le Lion d’Or de la Biennale de Venise pour l’ensemble de
son oeuvre théâtrale. Créé en 2020, ‘Le présent qui déborde’, a été filmé
en Palestine, au Liban, en Afrique du Sud, en Grèce et en Amazonie. Ce film
dialogue avec le théâtre et mélange la fiction avec des histoires réelles
d’artistes réfugié·es. Cette production du Théâtreational Wallonie-Bruxelles a
été montrée au festival d’Avignon et a tourné en Europe, en Asie et aux
États-Unis.
********** Nederlands **********
"Het is dan wel een toneelstuk, maar het begint als een film. Het hart van het
werk ligt in de film," vertelt Christiane Jatahy over deze voorstelling. "Het is
via de film dat we op het toneel aankomen.”
Via cinema, maar ook via de Odyssee van Homerus: dit verhaal is 3000 jaar oud,
maar het wordt elke dag opnieuw gespeeld. Overal ter wereld steken mensen
grenzen over op zoek naar asiel of een thuis.
De film reist door Jenin, Palestina, vluchtelingenkampen in Libanon en
Griekenland, de binnenstad van Johannesburg, het regenwoud van de Amazone en
eindigt in Rio de Janeiro. De context van de opnames mag dan documentair zijn,
het geheel is vooral fictie. De acteurs uit deze gemeenschappen gebruiken de
verzen van Homerus om over hun werkelijkheid te praten. De acteurs zijn
manifestaties van Odysseus, Penelope en Telemachus, ze trekken een rechte lijn
van de personages van het oude Griekenland naar ieder van ons aanwezig in het
theater.
Voor sommige mensen in ballingschap of in landen in oorlog bestaat alleen het
heden, het verleden is al te ver weg of bijna vernietigd, en de toekomst is
ondenkbaar. Alleen de tijd van het wachten blijft over. Een heden dat
overloopt.
• Christiane Jatahy, geboren in Rio de Janeiro, is afgestudeerd in theater en
journalistiek, en heeft een master in kunst en filosofie. In januari 2022
ontving Christiane Jatahy de Gouden Leeuw op de Biënnale van Venetië voor haar
volledige artistieke theateroeuvre. The Overflowing Present', gemaakt in 2020,
werd gefilmd in Palestina, Libanon, Zuid-Afrika, Griekenland en het
Amazonegebied. De film is in dialoog met het theater en mengt fictie met echte
verhalen van gevluchte kunstenaars. Deze productie van het Théâtre National
Wallonie-Bruxelles was te zien op het Festival van Avignon en toerde door
Europa, Azië en de Verenigde Staten.
It’s just a phase
Performed by Jacob Bousset, Samuele Baschieri and Rünno Tammela
Choreographed by Nicolas Dang with the collaboration of the performers
There are, as appears, three white cis men sitting, staring at the audience.
Their behavior towards us and each other is concealed by the repetitive Piano
Phase of Steve Reich. With the music reflecting the repetition and
performativity of societal norms, this vicious circle both in soundscape and in
social settings sees three individuals' passage through moments of violence and
vulnerability. This work draws to question the notion of masculinity perpetuated
through the presence of gender norms and, consequently, the state of
internalised homophobia. Using a play of contradictions and observing moments of
sensuality and susceptibility, as the music of Reich begins to shift in
conjunction with shifting power dynamics, we begin to see an abstraction of
experiences and a transformation of these norms.
In Piano Phase, Steve Reich employs the compositional process of phasing or
phase shifting. In unison two pianos play a loop, as one slightly accelerates,
they progressively fall out of phase, creating an echo. It then becomes a new
melody when the superposed loops are back in phase with a delay. It’s just a
phase is a play between the 'phases’ in the musical score and the misconception
of queerness as 'a phase’.
>
TW : sensual content, homophobia, mention of m@sturbation.
Nicolas Dang
A French performing arts creator based in Brussels who focuses on creating new
representations and challenging norms. They use diverse artistic expressions to
embody intimate and political subjects. Currently studying in P.A.R.T.S. they
present their work within and outside the community.
********** Français **********
À l’occasion de la journée de la visibilité les·bi·enne, Go To Gyneco! organise
une soirée pour donner de la visibilité aux communautés lesbiennes, bies, pans &
co. Une soirée cabaret avec du stand-up, des performances drag, burlesque et des
stands de sensibilisation vous y attendent. C’est l’occasion de passer une bonne
soirée tout en ayant l’opportunité d’en apprendre plus sur la santé des
personnes lesbiennes, bies, pans & co. Ouverture des portes à 19h et début du
show à 20h
Cet événement a lieu dans le cadre de la Pride Week @rainbowcorporatepride et
dans le cadre de la Lesbian* Visibility Week.
********** Nederlands **********
Ter gelegenheid van de Dag van de Zichtbaarheid van Lesbiennes en Homo's
organiseert Go To Gyneco! een avond om de lesbische, homo-, pannen- en andere
gemeenschappen meer bekendheid te geven. Er staat je een cabaretavond te wachten
met stand-up, drag en burlesque optredens en bewustmakingsstands. Het is een
kans om een leuke avond uit te hebben en meer te weten te komen over de
gezondheid van lesbiennes, bies, pans & co. De deuren gaan open om 19.00 uur en
de show begint om 20.00 uur
Dit evenement vindt plaats in het kader van Pride Week @rainbowcorporatepride en
Lesbian* Visibility Week.
********** English **********
To mark Lesbian and Gay Visibility Day, Go To Gyneco! is organising an evening
to raise the profile of the lesbian, gay, pans and other communities. A cabaret
evening featuring stand-up, drag and burlesque performances and
awareness-raising stands awaits you. It's a chance to have a good night out and
learn more about the health of lesbians, bies, pans & co. Doors open at 7pm and
the show starts at 8pm
This event takes place as part of Pride Week @rainbowcorporatepride and Lesbian*
Visibility Week.
Guest artists will present a spontaneous performance on Thursdays at 19:00.
Tictac Art Centre holds weekly workshops directed by talented world-renowned
dance artists, who have come to Brussels to share their work. On Thursdays these
dance artists are invited to share a glimpse of their approach to performing for
the workshop participants and general public. Tictac opens this space so the
transmission of dance through teaching and performing can go hand in hand.
Please, always check our social media in case of a possible Thursday performance
cancellation.
When there are two workshops happening in the same week, the artists are mostly
presented in a shared evening, which also offers the opportunity to do something
together or not. Especially in the intensive workshops, participants are also
invited to perform and show whatever they’ve been doing during the classes but
in a performance setting.
Time:
Performance starts at 19:00 (be on time!). Tictac doors, cantine, and courtyard
are open from 18:00.
Duration:
20 to 60 min (approx).
The entry fee is on a donation-base (suggestion of minimum 5 €) and free for the
participants of the workshops of that week.
********** English **********
Down to Under investigates the city’s influence on the human body. In view of
video gaming, internet and Generation Z culture, the urban space works as an
algorithm, a playground, a battleground, a living space, a field of ever-flowing
stimuli as well as a confinement.
In this environment, the performing body enacts physicalities and gestures
appearing in urban underground music-based subcultures, such as hip-hop/rap,
emo, noise, hardcore and punk, exploring forms of social disobedience through
movement and sound. This obnoxious figure, charged by the effects of social
injustice and struggle, proactively appropriates urban space and exposes their
confusion, frustration and rage while allowing their physical efforts to
transform into vulnerability and tenderness.
Despina Sanida Crezia was born in 1998 in Athens. She works as a performer and
performance maker. She graduated from the State School of Dance and the
Department of History and Archaeology of the University of Athens. As a
performer she has collaborated with many artists from Greece and abroad. Sanida
Crezia is also one member of the VIGIL artistic duo. She has interned at the
National Library of Greece in the Department of Manuscripts, Archives and
Special Collections.
********** Français **********
« Down to Under » s'intéresse à l'influence de la ville sur le corps humain. Au
vu des jeux vidéo, de l'internet et de la culture de la génération Z, l'espace
urbain fonctionne comme un algorithme, un terrain de jeu, un champ de bataille,
un espace de vie, un champ de stimuli en perpétuel mouvement ainsi qu'un
enfermement.
Dans cet environnement, le corps performant met en scène des corporalités et des
gestes apparaissant dans les sous-cultures urbaines basées sur la musique
underground, telles que le hip-hop/rap, l'emo, le noise, le hardcore et le punk,
explorant des formes de désobéissance sociale par le biais du mouvement et du
son.
Cette figure odieuse, chargée des effets de l'injustice sociale et de la lutte,
s'approprie de manière proactive l'espace urbain et expose sa confusion, sa
frustration et sa rage tout en permettant à ses efforts physiques de se
transformer en vulnérabilité et en tendresse.
Despina Sanida Crezia est née en 1998 à Athènes. Elle travaille comme interprète
et créatrice de spectacles. Elle est diplômée de l'École nationale de danse et
du département d'histoire et d'archéologie de l'université d'Athènes. En tant
que performeuse, elle a collaboré avec de nombreux artistes grecs et étrangers.
Sanida Crezia est également membre du duo artistique VIGIL. Elle a effectué un
stage à la Bibliothèque nationale de Grèce, au département des manuscrits, des
archives et des collections spéciales.
********** English **********
The live-streamed performance in County Clare, Ireland, centers around an
ancient Irish tradition: walking barefoot. This symbolic act encapsulates a
metaphorical journey of self-discovery and reconnection with heritage. Walking
barefoot through the Burren, an ancient and rugged limestone landscape, this
performance embodies an exploration of identity and place, transcending borders
to forge connections across cultures and to foster unity and shared experience,
[la1] despite physical separation.
Erin Besch (she, her) is a multidisciplinary artist, explores identity and sense
of place informed by a deep affinity to Irish landscape and heritage. She holds
bachelor's degrees in both Psychology and Visual Art (Union College), a master
[la2] in Art Education (University of Florida) and is engaged in a Master of
Fine Art degree in Studio Art (Burren College of Art).
www.erinbesch.com
********** Français **********
Diffusée en direct depuis le comté de Clare, en Irlande, la performance
s'articule autour d'une ancienne tradition irlandaise : marcher pieds nus.
Cet acte symbolique incarne un voyage métaphorique de découverte de soi et de
reconnexion au patrimoine. En marchant pieds nus dans le Burren, un paysage
calcaire ancien et accidenté, cette performance donne corps à une exploration de
l'identité et du lieu, transcendant les frontières pour forger des liens entre
les cultures et favoriser l'unité et l'expérience partagée, en dépit de la
séparation physique.
Artiste pluridisciplinaire, Erin Besch (elle, la) explore l'identité et le sens
du lieu en s'appuyant sur une profonde affinité avec les paysages et le
patrimoine irlandais. Elle est titulaire d'une licence en psychologie et en arts
visuels (Union College), d'un master en éducation artistique (University of
Florida) et termine actuellement un master en arts plastiques (Burren College of
Art).
Website: www.erinbesch.com
********** English **********
When words intermingle and each voice tells its story simultaneously, the
"Hamhameh" emerges. We find ourselves immersed in the vapors of words, the
murmurs of voices, the whirlwind of stories. We lose ourselves in this whirlpool
to find the stories. To find the best way to convey a story. We take on new
roles in this intimate/public space.
*Persian word meaning tumult, din, clamor. When everyone speaks at once.
Specifications: Registration required, Nudity alert, Touch alert. Participants
must have bathing suit, towel/robe.
Originally from Teheran, Kimia Nasirian is a multidisciplinary artist based in
Brussels since 2020. She holds a master's degree in sculpture from ENSAV - La
Cambre and a bachelor's degree in design from the University of Strasbourg. Her
artistic creations explore themes such as the collective memory of the body
within political and social movements, as well as religious and traditional
rituals in the Middle East. Kimia Nasirian also co-founded the ‘M-A Collective’
performance collective in Brussels.
********** Français **********
Lorsque les mots s'entremêlent et que chaque voix raconte son histoire
simultanément, émerge le "Hamhameh". Nous nous retrouvons immergés dans les
vapeurs des mots, les murmures des voix, le tourbillon des histoires. Nous nous
perdons dans ce tourbillon pour retrouver les récits. Pour trouver la meilleure
manière de transmettre une histoire. Nous endossons de nouveaux rôles dans cet
espace intime/public.
*Mot en persan signifiant Tumulte, vacarme, clameur. Quand tout le monde parle
en même temps.
Kimia Nasirian, artiste multidisciplinaire, née en 1996 à Téhéran, Iran, vit et
travaille à Bruxelles depuis 2020. Elle est titulaire d'un master en Sculpture à
l'ENSAV La Cambre à Bruxelles et d'une licence en Design de l'Université de
Strasbourg. Ses créations artistiques explorent des thèmes tels que la mémoire
collective du corps au sein des mouvements politiques et sociaux, ainsi que les
rituels religieux et traditionnels du Moyen-Orient. Kimia a co-fondé le
collectif de performance, M-A Collective à Bruxelles.