********** English **********
In CINDY, movement, sound, and imagery are dissected into isolated scores.
Through a game-theoretical algorithm with live coding, a sensitive interaction
between all elements emerges, resulting in a new choreography each time.
Inspired by the looping movements of Hurricane Cindy, Flóra Boros creates a
game-theoretical pattern that propels her body through space. Flóra Boros is a
Hungarian performer and choreographer who earned a degree in contemporary dance
from the University of Vienna in 2021. Her work has been presented at venues
such as WUK, Muffathalle, Theater Akzent, and Schwere Reiter. In 2023, she was
in residency for the first time at workspacebrussels.
********** Français **********
Ce solo énergique dissèque le mouvement, le son et l’image en partitions
isolées. En suivant un algorithme théorique de jeux et un codage en direct, une
interaction sensible entre tous les éléments émerge et donne chaque fois lieu à
une nouvelle chorégraphie. Inspirée par les mouvements en boucle de l’ouragan
Cindy, Flóra Boros crée un motif théorique de jeu qui fait tourbillonner son
corps dans l’espace.Flóra Boros est une performeuse et chorégraphe hongroise qui
a obtenu un diplôme en danse contemporaine à l’Université de Vienne en 2021.
Elle s’est produite, entre autres, au WUK, à la Muffathalle, au Theater Akzent
et au Schwere Reiter. En 2023, elle a effectué une première résidence à
workspacebrussels.
********** Nederlands **********
In CINDY worden beweging, geluid en beeld ontleed tot geïsoleerde partituren.
Volgens een speltheoretisch algoritme met live codering ontstaat een gevoelige
interactie tussen alle elementen, waardoor elke keer een nieuwe choreografie
ontstaat. Geïnspireerd door de lusvormige bewegingen van orkaan Cindy creëert
Flóra Boros zo een speltheoretisch patroon dat haar lichaam door de ruimte laat
cirkelen. Flóra Boros is een Hongaarse performer en choreografe die in 2021 een
diploma hedendaagse dans behaalde aan de Universiteit van Wenen. Haar werk werd
gepresenteerd bij onder meer WUK, Muffathalle, Theater Akzent en Schwere Reiter.
In 2023 was voor het eerst in residentie bij workspacebrussels.
Description
********** English **********
Stillness is but an appearance. For this new creation, the artist duo Tumbleweed presents a mid-air choreographic piece: an original way to continue their explorations of the loss of points of reference, and the notion of territory.
Suspended above an upturned light, three dancers gradually move out into the void. They bear witness to the impermanence of things, and drift together in pursuit of an elsewhere that continues to merge and fade.
Dehors est blanc, meaning “It’s white outside”, is a reference to the term "whiteout", an atmospheric optical phenomenon in which contrasts are nil and everything seems enveloped in a uniform white glow. Observers can then discern neither shadows nor the horizon, causing a loss of sense of depth and orientation.
14€ / 10€ / 6€
********** Français **********
L’immobilité n’est qu’une apparence. Pour cette nouvelle création, le duo d’artiste Tumbleweed propose une pièce chorégraphique en suspens : une manière originale de poursuivre leurs explorations sur la perte des repères, et la notion de territoire.
Suspendu·es au-dessus d’une lumière renversée, trois danseur·euse·s se déploient graduellement dans le vide. Iels témoignent de l’impermanence des choses, et dérivent ensemble à la poursuite d’un ailleurs, qui ne cesse de se fondre et de s’effacer.
Dehors est blanc est une référence à l’expression « blanc dehors », un phénomène optique atmosphérique dans lequel les contrastes sont nuls et où tout semble enveloppé d’une lueur blanche et uniforme. L’observateur ne peut alors discerner ni les ombres, ni l’horizon, provoquant une perte du sens de la profondeur et de l’orientation.
14€ / 10€ / 6€
********** Nederlands **********
Immobiliteit is slechts schijn. Voor deze nieuwe creatie stelt het kunstenaarsduo Tumbleweed een zwevende choreografie voor: een originele manier om hun verkenningen over het verlies van referentiepunten en het begrip territorium voort te zetten.
Hangend boven een omgekeerd licht ontvouwen drie dansers zich geleidelijk in de leegte. Ze getuigen van de vergankelijkheid der dingen, en drijven samen op zoek naar een andere plaats, dat nooit ophoudt te smelten en te vervagen.
Dehors est blanc verwijst naar de uitdrukking 'whiteout', een optisch meteorologisch verschijnsel waarbij contrasten verdwijnen en alles gehuld lijkt in een wit gloed. De toeschouwer kan dan noch schaduwen noch de horizon onderscheiden, waardoor hij of zij elk gevoel van diepte en oriëntatie verliest.
14€ / 10€ / 6€
Information sur la date
19:00:00
Info & Réservation
3 Photos
Événements suggérés
********** English **********
With a choreographic, musical and narrative style all their own, Nono Battesti
and his team create a series of tableaux in which we are all the characters.
Powerful, poetic and disturbingly sincere, Coquelicot raises the question of the
moral inheritance from which our decisions, actions and courage derive.in this
choreographic fable, we lose ourselves in an accelerated, urban world from which
there seems to be no escape.
In search of a new lease of life, four protagonists in "societal burn-out" meet
and reinvent themselves in the discovery of others, and together they build a
more serene world. But the past resurfaces to put them to the test once again.
A script that draws on the codes of storytelling and cinema to create a unique
stage work. It's hard to say which of dance or music has led the other to tell
us the story of this poppy seed, this internal revolt, of Coquelicot.
********** Français **********
Avec un travail chorégraphique, musical et narratif qui leur est propre, Nono
Battesti et son équipe enchaînent les tableaux dont nous sommes tous les
personnages.
Puissant, poétique et troublant de sincérité, Coquelicot avance la question de
l’héritage moral dont découlent nos décisions, nos actes et notre courage. Dans
cette fable chorégraphique, on se perd dans un monde accéléré et urbain, un
univers dont on ne semble pas pouvoir s’échapper.
À la recherche d’un nouveau souffle, quatre protagonistes en « burn-out sociétal
» se rencontrent et se réinventent dans la découverte de l’autre.Ensemble iels
bâtissent un monde plus serein. Mais le passé ressurgit pour les mettre à
nouveau à l’épreuve.
Une écriture qui s’inspire des codes du conte et du cinéma pour dérouler un
travail scénique unique. Il est difficile de dire qui de la danse ou de la
musique a emmené l’autre pour nous raconter l’histoire de cette graine de pavot,
de cette révolte interne, de Coquelicot.
********** Nederlands **********
Met een geheel eigen choreografische, muzikale en verhalende stijl creëren Nono
Battesti en zijn team een reeks tableaus waarin wij allemaal de personages zijn.
Krachtig, poëtisch en verontrustend oprecht stelt Coquelicot de vraag naar het
morele erfgoed dat ten grondslag ligt aan onze beslissingen, onze daden en onze
moed. In deze choreografische fabel verliezen we onszelf in een versnelde,
stedelijke wereld waaruit geen ontsnappen mogelijk lijkt.
Op zoek naar een nieuw leven, ontmoeten vier hoofdpersonen met een
maatschappelijke burn-out elkaar, vinden zichzelf opnieuw uit door anderen te
ontdekken en werken samen aan een vreedzamere wereld. Maar het verleden duikt
weer op om hen opnieuw op de proef te stellen.
Een toneelstuk dat gebruik maakt van de codes van storytelling en cinema om een
uniek toneelstuk te creëren. Het is moeilijk te zeggen wie van de dans of de
muziek de ander heeft geleid om ons het verhaal te vertellen van dit
papaverzaad, deze interne opstand, van Coquelicot.
********** English **********
With Cleaning Oracles, Mary Szydłowska, Federico Protto, Eimi Leggett and
Aleksandra Borys create a research space in which slowness, attention and
zoning-out are central. As a spectator you are invited to settle down and share
the space with five performers and a musician. Expect a performative experience
that evokes reflections on work, fatigue, relaxation, leisure and speculation
about the future. A hypnotic state in which deep tranquillity encounters
urgency. Mary Szydłowska is an artist and choreographer whose work focuses on
peripheral phenomena and ecologies of attention in the context of architectural
spaces and institutional environments. In recent years, Mary has developed a
diptych of solo works about the gestures of cleaning, in which reflection on the
politics of labour is combined with an embodied investigation of cleanliness and
dirt. Mary received a master's degree in dance from P.A.R.T.S. and a master's
degree in cultural studies from the Jagiellonian University in Krakow.
********** Français **********
Avec Cleaning Oracles, Mary Szydłowska, Federico Protto, Eimi Leggett et
Aleksandra Borys créent un espace d’investigation centré autour de l’inertie,
l’attention et l’inattention. En tant que spectateur·rice, on vous invite à vous
installer et à partager l’espace avec cinq performeur·euses et un musicien.
Attendez-vous à une expérience performative qui évoque des réflexions sur le
travail, la fatigue, la détente, les loisirs et des spéculations sur l’avenir.
Un état hypnotique où se mêlent repos profond et urgence.• Mary Szydłowska est
une artiste et chorégraphe dont l’œuvre se concentre sur les phénomènes
périphériques et des écologies d’attention dans le contexte d’espaces
architecturaux et de cadres institutionnels. Ces dernières années, elle a
développé un diptyque d’œuvres en solo à propos de gestes de nettoyage, dans
lequel la réflexion sur la politique du travail se marie à une recherche
incarnée de propreté et de saleté. Mary Szydłowska est titulaire d’un master en
danse de P.A.R.T.S. et d’un master en études culturelles de l’Université
Jagiellonian de Cracovie.
********** Nederlands **********
Met Cleaning Oracles creëren Mary Szydłowska, Federico Protto, Eimi Leggett en
Aleksandra Borys een onderzoeksruimte waarin traagheid, aandacht en zoning-out
centraal staan. Als toeschouwer word je uitgenodigd om je te nestelen, en de
ruimte te delen met vijf performers en een muzikant. Verwacht je aan een
performatieve ervaring die reflecties oproept over werk, vermoeidheid,
ontspanning, vrije tijd en speculaties over de toekomst. Een hypnotische
toestand waarin diepe rust en urgentie samengaan. Mary Szydłowska is een
kunstenaar en choreograaf wiens werk gericht is op perifere fenomenen en
ecologieën van aandacht in de context van architecturale ruimtes en
institutionele omgevingen. In de afgelopen jaren ontwikkelde Mary een tweeluik
van solowerken over de gebaren van het schoonmaken, waarin reflectie op de
politiek van arbeid samengaat met een belichaamd onderzoek naar reinheid en
vuil. Mary behaalde een master dans aan P.A.R.T.S. en een master culturele
studies aan de Jagiellonian University in Krakau.
********** English **********
With a career spanning forty years, Michèle Noiret returns to the stage with a
new solo and a major challenge: questioning her own style of "dance-cinema",
without cinema! On an empty stage with no screens or projected images, and with
the help of playwright Thierry Thieû Niang, she offers us a change of register
to surprise herself and us. A dance that is part of the evolution of a
choreographic language carried by a body that has been around for an entire
oeuvre. While playing with her own image, the dancer/choreographer summons other
characters who bring a solo to the group. Past and present enter into dialogue,
interact and remind us of the fragility, the beauty, but also the strength of
maturity when it never stops exploring new territories.
At 7 pm, in the Mezzo room, we present Soleil Constant by Louise Baduel.
Combi-ticket available.
********** Français **********
Michèle Noiret, quarante ans de carrière, nous revient sur scène avec un
nouveau solo et un défi de taille : celui d’interroger sa propre écriture de
la “danse-cinéma”, sans cinéma ! Sur un plateau épuré sans écran et sans
images projetées, avec la complicité du dramaturge Thierry Thieû Niang, elle
nous propose un changement de registre pour se surprendre et nous surprendre.
Une danse qui s’inscrit dans l’évolution d’un langage chorégraphique portée
par un corps qui accueille l’œuvre du temps. Tout en jouant avec sa propre
image, la danseuse/chorégraphe convoque d’autres personnages, d’autres
présences qui s’incarnent pour réaliser un solo au singulier pluriel. Mémoire
et actualité se répondent, s’entrechoquent, et nous rappellent la fragilité,
la beauté, mais aussi la force de la maturité quand elle n’a de cesse
d’explorer de nouveaux territoires.
À 19h, en salle Mezzo, sera présenté le spectacle "Soleil Constant" de Louise
Baduel. Combi-ticket disponible.
********** Nederlands **********
Michèle Noiret, die er reeds een loopbaan op heeft zitten van veertig jaar, is
terug met een nieuwe solo en een challenge van formaat: haar eigen stijl van de
“danscinema” in vraag stellen, zonder cinema! Op een lege scène, zonder scherm
en zonder geprojecteerde beelden stelt ze, met de hulp van dramaturg Thierry
Thieû Niang een registerwijziging voor, om zichzelf en om ons te verrassen. Een
dans die kadert in de evolutie van een choreografische taal gedragen door een
lichaam dat al een oeuvre lang meegaat. Spelend met haar eigen beeld voert de
danseres/choreografe andere personages op die een solo brengen in groep. Vroeger
en nu gaan in dialoog, komen met elkaar in aanraking en herinneren ons aan de
kwetsbaarheid, de schoonheid maar ook de kracht van maturiteit wanneer
onophoudelijk nieuwe territoria werden verkend.
Om 19 uur wordt in de Mezzo zaal de voorstelling Soleil Constant van Louise
Baduel gepresenteerd. Combi-ticket beschikbaar.
********** English **********
Together with her fellow performers, Louise Baduel manages to orchestrate
performances full of poetry and humour, in a mixture of dance, music, theatre,
performance and visual arts. After Loop Affect, she is back with Soleil
Constant, with the same performers and the same mixed genres, that shines the
spotlight on our inconsistencies and our contradictions when it comes to
ecology. Using movement, text and textiles, she creates a colourful, visual
world that simultaneously evokes the power of nature and the artificiality of
our lifestyles.
Can we transcend fatalism and its logical consequence in the form of ecological
laxity and replace it with optimism and collective initiative? Straddling
fiction and reality, Louise Baduel and Pascale Gigon mockingly turn our habits
upside, rightly so.
At 20.45, in the Chapelle, the show Up Close! by the Cie Michèle Noiret will be
presented. Combined ticket available.
********** Français **********
Louise Baduel entourée de ses collaborateurs orchestre ses spectacles avec
poésie et humour en réunissant la danse, la musique, le théâtre, la
performance et les arts visuels. Après Loop Affect, on la retrouve dans Soleil
Constant avec la même équipe et le même mélange des genres, jouant de nos
incohérences et de nos paradoxes en matière d’écologie. Par le mouvement et
les matières textiles, elle crée un univers visuel coloré qui évoque à la
fois la force de la nature et l’artificialité de nos modes de vie. Peut-on
surpasser le fatalisme et son corollaire d’inaction climatique pour le remplacer
par un optimisme et une mise en mouvement collective ? Entre fiction et
réalité, Louise Baduel et Pascale Gigon bousculent nos habitudes avec
dérision et raison.
À 20h45, en Chapelle, sera présenté le spectacle "Up Close !" de la Cie Michèle
Noiret.
Combi-ticket disponible.
********** Nederlands **********
Samen met haar medespelers slaagt Louise Baduel erin voorstellingen te
orkestreren vol poëzie en humor, in een mengeling van dans, muziek, theater,
performance en beeldende kunsten. Na Loop Affect is ze terug met Soleil
Constant, met dezelfde vertolkers en dezelfde vermenging van genres, over onze
inconsistenties en onze tegenstrijdigheden op vlak van ecologie. Met beweging,
tekst en textiel creëert zij een kleurrijke, visuele wereld die tegelijkertijd
de kracht van de natuur en de kunstmatigheid van onze levenswijzen oproept.
Kunnen we het fatalisme en het logische gevolg ervan in de vorm van ecologische
laksheid overstijgen en vervangen door optimisme en een collectieve
initiatiefneming? Balancerend tussen fictie en realiteit, halen Louise Baduel en
Pascale Gigon onze gewoonten met recht en reden én een vleugje spot overhoop.
Om 20.45 uur wordt in de Kapel de voorstelling Up Close! van Cie Michèle Noiret
gepresenteerd. Combi-ticket beschikbaar.
De Ahmed Ayed / Collectif Illicium
Création chorégraphique qui joint intime et universel, …And Nobody Else évoque
la recherche d’une identité en constante transformation, une quête d’un « soi »
libre dans une enveloppe étriquée.
Ahmed Ayed, accompagné du chorégraphe et danseur Hamza Damra et du batteur et
chanteur Timothée Philippe, explore ses questionnements identitaires, questionne
la liberté d’être soi au- delà des masques qu’on s’impose.
Est-ce que nous arrivons à atteindre pleinement notre identité profonde ou
vivons-nous d’une série de compromis qui nous façonnent malgré nous ? Comment
être nous-mêmes quand nous ne faisons que jouer des rôles que nous ne
choisissons pas ? A travers le mouvement, la métamorphose constante du corps et
de l’espace et la pulsation brute d’une batterie, …And Nobody Else nous emmène
dans un voyage initiatique à la rencontre de différentes versions de soi-même.
Une performance aux accents rock qui explore la frontière entre nos identités et
la réalité qui nous entoure.
--------
Conception, mise en scène et chorégraphie : Ahmed Ayed / Chorégraphie et
interpretation : Hamza Damra / Performance musicale et composition : Timothée
Philippe / Assistanat à la mise en scène : Amber Kemp / Dramaturge : Patrick
Michel / Création lumières : Suzanna Bauer / Costumes : Aswad El Masrahi /
Direction technique et régie lumière : Arnaud Lhoute / Régie son : Zoé Verdique
/ Ingénieur son : Arthur Wouters / Making of et Teaser : Alice Khol / Production
déléguée : Théâtre de la Vie (Manon Di Romano).
Une production déléguée du Théâtre de la Vie (Manon Di Romano), en coproduction
avec La Coop asbl et Shelter Prod, Les Halles de Schaerbeek, Les Brigittines et
C’est Central La Louvière, avec le soutien de taxshelter.be, ING et du tax
shelter du gouvernement fédéral belge, de la COCOF, SABAM et SACD. Diffusion :
La Charge du Rhinocéros.
********** English **********
Guided by Bruce Lee’s allusion to an old Zen Buddhist wisdom in his seminal film
Enter the Dragon, “Don’t concentrate on the finger or you will miss all that
heavenly glory!”, she proposes to move with what we cannot fathom. To disappear
in order to preserve the words that precede us, that never left us. To transform
in order to keep what came before us.
In close collaboration with an invited group af artists, they dance nearby the
guardians of words and rhythms of persisting, still vibrant but disregarded
worlds and invites us to listen to images of encounters in the moment of their
sounding. In close relation with the elliptical drive of the moon, they
challenge the possibility to sense the remnants of a language inwardly, so that
the deeper they go into their bodies, the wider they go into its dismembered but
enduring vocabularies and grammars, without ever seizing or claiming them.
********** Français **********
Dans le sillage d’une ancienne sagesse du bouddhisme zen à laquelle Bruce Lee
fait allusion dans son film innovateur Enter the Dragon, « Quand le sage désigne
la lune, l’idiot regarde le doigt », Moya Michael propose de suivre le mouvement
de ce qu’on ne peut pas concevoir, de disparaître pour conserver les mots qui
nous précèdent et ne nous ont jamais quittés, de transformer pour sauvegarder ce
qui nous a précédés.
En étroite collaboration avec un groupe d’artistes invités, elle danse au plus
près des gardiens des mots et des rythmes de mondes inflexibles, toujours
vivants mais oubliés ou négligés, et nous invite à écouter les images de
rencontres au moment où elles résonnent. En relation intime avec l’élan orbital
de la lune, iels remettent en question la possibilité de ressentir
intérieurement les vestiges d’une langue, de sorte que plus on se meut en
profondeur dans notre corps, plus on s’immerge dans ses vocabulaires et sa
grammaire, fragmentés mais durables, sans jamais les saisir ou les revendiquer.
********** Nederlands **********
Geleid door Bruce Lee’s toespeling op een oude Zen Boeddhistische wijsheid in
zijn baanbrekende film Enter the Dragon, “Focus niet op de vinger of je mist al
die hemelse glorie!”, stelt ze voor om mee te bewegen met wat we niet kunnen
bevatten. Te verdwijnen om de woorden te behouden die ons voorafgaan, die ons
nooit hebben verlaten. Te transformeren om wat ons voorafging te bewaren.
In hechte samenwerking met een groep genodigde artiesten, danst ze dichtbij de
bewakers van woorden en ritmes van onbuigzame, nog levendige maar in de wind
geslagen werelden en nodigt ze ons uit om te luisteren naar beelden van
ontmoetingen op het moment dat ze weerklinken. In nauwe relatie met de
elliptische impuls van de maan dagen zij de mogelijkheid uit om de
overblijfselen van een taal innerlijk aan te voelen, zodat hoe dieper ze zich in
hun lichaam bewegen, hoe breder ze zich begeven in haar versnipperde maar
duurzame woordenschatten en grammatica, zonder ze ooit vast te grijpen of op te
eisen.
********** English **********
The Compagnie Jordi L. Vidal will give two performances of "La traversée" at
1.30pm and 3.30pm as part of the Forest Flower Market and Danse en Fête.
This is a dance and object theater show.
Two people go to a beach where they find a large transparent plastic sheet.
Attracted by the material, they begin to explore it. This invites them to embark
on a journey in which the plastic sometimes becomes an ally, sometimes an enemy.
This experience will transform them, their vision and their use of this element.
In a poetic and visual way, this piece evokes our relationship with plastic and
the problem of pollution in our oceans.
********** Français **********
Dans le cadre du Marché au Fleurs de Forest, à l'occasion de Danse en Fête, La
Compagnie Jordi L. Vidal fera deux représentations de "La traversée" à 13h30 et
15h30.
Il s'agit d'un spectacle en danse, théâtre d'objets
Deux personnes se rendent sur une plage où iels trouvent une grande bâche de
plastique transparente. Attirés.es par cette matière, iels commencent à
l’explorer. Cela les invite à un voyage dans lequel, ce plastique devient
parfois un allié, parfois un ennemi.
Cette expérience les transformera eux ainsi que leur vison et leur utilisation
de cet élément.
D’une manière poétique et visuelle, cette pièce évoque notre relation au
plastique et la problématique de la pollution dans nos océans.
********** Nederlands **********
In het kader van de Bosbloemenmarkt en Danse en Fête geeft de Compagnie Jordi L.
Vidal twee voorstellingen van "La traversée" om 13.30 en 15.30 uur.
Dit is een dans- en objecttheatervoorstelling.
Twee mensen gaan naar een strand waar ze een groot doorzichtig plastic vel
vinden. Aangetrokken door het materiaal beginnen ze het te onderzoeken. Dit
nodigt hen uit voor een reis waarin het plastic soms een bondgenoot, soms een
vijand wordt.
Deze ervaring zal hen, hun visie en hun gebruik van dit element veranderen.
Op een poëtische en visuele manier roept dit werk onze relatie met plastic en
het probleem van de vervuiling van onze oceanen op.
********** English **********
Jeanne Colin began in 2017 as a dancer and performer with Ayelen Parolin, Éric
Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste... exploring the relationship
between movement and the unconscious, blending disciplines and practices such as
dance, hypnosis and drawing. With Abysses, the young choreographer continues
this exploration by focusing on dreams and REM sleep, a state of rest in which
nightmares and fear prevail. Starting from this dichotomy between reality and
fiction, feeling and imagination, her piece begins in the form of a reading
after which she allows the body and senses to drift towards a free, liberated
dance. Playing physically and metaphorically with ropes, knots and lianas,
Abysses connects what is hidden and divided.
********** Français **********
Jeanne Colin a débuté en 2017 comme danseuse et interprète avec Ayelen Parolin,
Éric Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste... en explorant la
relation entre le mouvement et l'inconscient, mêlant des disciplines et des
pratiques telles que la danse, l'hypnose et le dessin. Avec Abysses, la jeune
chorégraphe poursuit cette exploration en s'intéressant aux rêves et au sommeil
paradoxal, un état de repos dans lequel les cauchemars et la peur prédominent.
Partant de cette dichotomie entre réalité et fiction, sentiment et imagination,
sa pièce débute sous la forme d'une lecture après laquelle elle laisse le corps
et les sens dériver vers une danse libre et libérée. Jouant physiquement et
métaphoriquement avec les cordes, les nœuds et les lianes, Abysses relie ce qui
est caché et divisé.
********** Nederlands **********
Jeanne Colin begon in 2017 als danseres en performer bij Ayelen Parolin, Éric
Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste… met een onderzoek naar de
relatie tussen beweging en het onbewuste, waarbij ze disciplines en werkwijzen
zoals dans, hypnose en tekenen met elkaar vermengde. Met Abysses zet de jonge
choreografe deze verkenning verder door zich te richten op dromen en de
REMslaap, een staat van rust waarin nachtmerries en angst zegevieren. Met als
uitgangspunt deze tweespalt tussen realiteit en fictie, gevoel en verbeelding
vangt haar stuk aan in de vorm van een lezing waarna ze het lichaam en de
zintuigen laat drijven in de richting van een vrije, bevrijde dans. Abysses
speelt fysiek en metaforisch met touwen, knopen en lianen en verbindt wat
verborgen en verdeeld is.
********** English **********
"My physique is the centrepiece of my career".
On stage, an extraordinary body defies the codes of dance and the laws of
physics. As dancer and choreographer Sofiane Chalal puts it bluntly : "People
meet me twice, as if my body were taking up all the space, even my own. This
almost schizophrenic duality between his life on stage and his life in the city
is the subject of Ma part d'ombre, his first show as a choreographer and his
first solo. It's almost a rite of initiation, dealing with very personal and
therefore universal subjects : the body as ally and enemy, and the paradox,
sometimes stimulating, sometimes painful, between what we perceive of ourselves
and what others see.
Sofiane Chalal tackles these issues with great sensitivity, and a characteristic
body language that combines the power of hip hop with the fragility of mime. As
comfortable in battles as he is in theatres, a winner of numerous competitions
and performer for Farid Berki, Brahim Bouchelaghem and Christophe Piret, and the
author of videos posted on social networks that are as much short choreographic
films, he challenges all preconceived ideas and doesn't fit into any box. Here
he lays himself bare in a proposal that combines dance, text and image,
exploring in his own singular, intuitive way the position of the artist and the
way the stage transforms him.
********** Français **********
« Être gros et danser.
Mon corps est l'outil de mon art.
C'est la première chose que l'on voit.
On me rencontre deux fois, comme si mon corps prenait toute la place, même la
mienne »
Sur scène, un corps hors norme défie les codes de la danse et les lois de la
physique. Danseur et chorégraphe, Sofiane Chalal l'assume sans ambages : « On me
rencontre deux fois, comme si mon corps prenait toute la place, même la mienne.
» Cette dualité presque schizophrène entre sa vie sur scène et sa vie à la ville
est le sujet de Ma part d'ombre, son premier spectacle en tant que chorégraphe
et son premier solo. Presqu'un rite initiatique, où il est question de sujets
très personnels, donc universels : le corps comme allié et ennemi, et le
paradoxe, parfois stimulant, parfois douloureux, entre ce que nous percevons de
nous-mêmes et ce que voient les autres.
Sofiane Chalal les aborde avec beaucoup de sensibilité, et une gestuelle
caractéristique qui charrie à la fois la puissance du hip hop et la fragilité du
mime. Aussi à l'aise dans les battles que dans les théâtres, à la fois lauréat
de nombreux concours et interprète pour Farid Berki, Brahim Bouchelaghem et
Christophe Piret, auteur de vidéos diffusées sur les réseaux sociaux qui sont
autant de courts métrages chorégraphiques, il bouscule toutes les idées reçues
et ne rentre dans aucune case. Il se met ici à nu dans une proposition qui mêle
danse, texte et image, et explore à sa manière singulière et intuitive la
position de l'artiste et la façon dont la scène le transforme. MA PART D'OMBRE -
Cie Chaabane / Sofiane Chalal / Manège Maubeuge from Manège Maubeuge on Vimeo.
BRUZZ : "Enfant, la danse était la seule chose que j'avais l'impression de faire
bien"
TARMAC rtbf "Le parcours des danseurs Hip Hop est souvent atypique puisque
l'envie de chacun est la recherche de la nouveauté mais aussi le surpassement de
soi-même." Avec Conception, texte, chorégraphie et jeu Sofiane Chalal
Régie générale, régie lumières Adrien Hosdez (en altern. avec Guillaume Bonneau)
Régie son Nicolas Tarridec (en altern. avec Rémi Malcou)
Scénographie et vidéo Pierre Nouvel
Animation vidéo Bilel Allem
Création sonore Mathieu Calmelet
Création lumières Adrien Hosdez
Co-autrice du texte Anne Lepla
Costumes NINII Fanny Dheygere
Regard intime Michèle Laroque
Regard extérieur Teresa Acevedo
Collaboration artistique Mickaël Phelippeau
Producteur Compagnie CHAABANE
Producteur délégué Manège Maubeuge Scène nationale
Coproducteurs L'échangeur, CDCN - Château-Thierry, La Rampe Scène conventionnée
danse et musiques - Echirolles, Les Halles de Schaerbeek, Le Phénix Scène
nationale - Valenciennes, Mars Mons arts de la scène, Secteur 7, CCDC Urbaines -
Maubeuge, Le Bateau Feu Scène nationale - Dunkerque
Avec l'aide de DRAC Hauts-de-France, Ville de Maubeuge
Avec le soutien de Centre Chorégraphique National Roubaix Hauts-de- France -
Sylvain Groud dans le cadre des résidences d'artistes, Gare numérique - Jeumont,
232U - Aulnoye-Aymeries, FLOW - Centre Eurorégional des cultures urbaines Lille
********** Nederlands **********
"Mijn lichaamsbouw is het middelpunt van mijn carrière".
Op het podium trotseert een buitengewoon lichaam de codes van de dans en de
wetten van de fysica. Zoals danser en choreograaf Sofiane Chalal het onomwonden
zegt : "Mensen ontmoeten me twee keer, alsof mijn lichaam alle ruimte inneemt,
zelfs die van mezelf. Deze bijna schizofrene dualiteit tussen zijn leven op het
podium en zijn leven in de stad is het onderwerp van Ma part d'ombre, zijn
eerste show als choreograaf en zijn eerste solo. Het is bijna een
inwijdingsritueel, waarin zeer persoonlijke en daarom universele onderwerpen aan
bod komen : het lichaam als bondgenoot en vijand, en de paradox, soms
stimulerend, soms pijnlijk, tussen wat we van onszelf zien en wat anderen zien.
Sofiane Chalal pakt deze onderwerpen aan met grote gevoeligheid en een
karakteristieke lichaamstaal die de kracht van hiphop combineert met de
kwetsbaarheid van mime. Hij voelt zich net zo op zijn gemak in battles als in
theaters, is winnaar van talloze wedstrijden en performer voor Farid Berki,
Brahim Bouchelaghem en Christophe Piret, en auteur van video's op sociale
netwerken die net zo goed korte choreografische films zijn, hij daagt alle
vooropgezette ideeën uit en past in geen enkel hokje. Hier legt hij zichzelf
bloot in een voorstel dat dans, tekst en beeld combineert, waarbij hij op zijn
eigen, intuïtieve manier de positie van de artiest onderzoekt en de manier
waarop het podium hem transformeert.