********** English ********** 
Guided by Bruce Lee’s allusion to an old Zen Buddhist wisdom in his seminal film Enter the Dragon, “Don’t concentrate on the finger or you will miss all that heavenly glory!”, she proposes to move with what we cannot fathom. To disappear in order to preserve the words that precede us, that never left us. To transform in order to keep what came before us. In close collaboration with an invited group af artists, they dance nearby the guardians of words and rhythms of persisting, still vibrant but disregarded worlds and invites us to listen to images of encounters in the moment of their sounding. In close relation with the elliptical drive of the moon, they challenge the possibility to sense the remnants of a language inwardly, so that the deeper they go into their bodies, the wider they go into its dismembered but enduring vocabularies and grammars, without ever seizing or claiming them.
 ********** Français ********** 
Dans le sillage d’une ancienne sagesse du bouddhisme zen à laquelle Bruce Lee fait allusion dans son film innovateur Enter the Dragon, « Quand le sage désigne la lune, l’idiot regarde le doigt », Moya Michael propose de suivre le mouvement de ce qu’on ne peut pas concevoir, de disparaître pour conserver les mots qui nous précèdent et ne nous ont jamais quittés, de transformer pour sauvegarder ce qui nous a précédés. En étroite collaboration avec un groupe d’artistes invités, elle danse au plus près des gardiens des mots et des rythmes de mondes inflexibles, toujours vivants mais oubliés ou négligés, et nous invite à écouter les images de rencontres au moment où elles résonnent. En relation intime avec l’élan orbital de la lune, iels remettent en question la possibilité de ressentir intérieurement les vestiges d’une langue, de sorte que plus on se meut en profondeur dans notre corps, plus on s’immerge dans ses vocabulaires et sa grammaire, fragmentés mais durables, sans jamais les saisir ou les revendiquer.
 ********** Nederlands ********** 
Geleid door Bruce Lee’s toespeling op een oude Zen Boeddhistische wijsheid in zijn baanbrekende film Enter the Dragon, “Focus niet op de vinger of je mist al die hemelse glorie!”, stelt ze voor om mee te bewegen met wat we niet kunnen bevatten. Te verdwijnen om de woorden te behouden die ons voorafgaan, die ons nooit hebben verlaten. Te transformeren om wat ons voorafging te bewaren. In hechte samenwerking met een groep genodigde artiesten, danst ze dichtbij de bewakers van woorden en ritmes van onbuigzame, nog levendige maar in de wind geslagen werelden en nodigt ze ons uit om te luisteren naar beelden van ontmoetingen op het moment dat ze weerklinken. In nauwe relatie met de elliptische impuls van de maan dagen zij de mogelijkheid uit om de overblijfselen van een taal innerlijk aan te voelen, zodat hoe dieper ze zich in hun lichaam bewegen, hoe breder ze zich begeven in haar versnipperde maar duurzame woordenschatten en grammatica, zonder ze ooit vast te grijpen of op te eisen.

Royal Flemish Theatre

It is like a Finger Pointing a Way to the Moon

********** English ********** 
Three freelance dancers are invited to give the best of themselves, here and now, without preparation, through dance instructions that they receive live through their headphones. Fully Automated Luxury Dancing meticulously analyses the control systems that keep dancers' bodies in their grip, both on and off stage. What does it mean to be a freelancer in the art world today? How far do you have to go as a dancer to survive? And might dance one day be replaced by AI? • Dan Mussett is a dancer and choreographer. He graduated from the Antwerp Conservatory in 2017 and subsequently created dddddddddduettttttttttttttt (2019) with Laurent Delom, and THE DATING PROJECT (2022). The impact of technology on body and mind is a source of inspiration in his work. He worked as a dancer with Jan Martens and Ayelen Parolin, and initiated Murmur, a reading and discussion group for dancers and dance workers in Antwerp.
 ********** Français ********** 
Trois danseur·euses free-lance sont invité·es à donner le meilleur d’elles et eux-mêmes sans préparation, par le biais d’instructions de danse qui leur sont transmises à travers des écouteurs. La pièce Fully Automated Luxury Dancing passe au crible et fustige les systèmes de contrôle qui exercent une emprise sur les corps des danseur·euses, à la fois sur scène et au-delà. Que signifie être free-lance dans le monde de l’art actuel ? Jusqu’où faut-il aller en tant que danseur·euse pour survivre ? Et l’IA remplacera-t-elle un jour la danse ?• Dan Mussett est danseur et chorégraphe, diplômé en 2017 du Conservatoire d’Anvers. Ensuite, il a créé ddddddddduettttttttttttt (2019) avec Laurent Delom, et THE DATING PROJECT (2022). L’impact de la technologie sur le corps et sur l’esprit constitue une source d’inspiration pour lui. En sa qualité de danseur, il a travaillé avec Jan Martens et Ayelen Parolin, et a lancé Murmur à Anvers, un groupe de lecture et de discussion pour danseur·euses et autres travailleur·euses en lien avec la danse.
 ********** Nederlands ********** 
Drie freelance dansers worden uitgenodigd om hier en nu, zonder voorbereiding, het beste van zichzelf te geven, via dansinstructies die ze live ontvangen via hun hoofdtelefoon. Fully Automated Luxury Dancing fileert haarfijn de controlesystemen die lichamen van dansers in hun greep houden, zowel op als naast het podium. Wat betekent het om een freelancer te zijn in de kunstwereld vandaag? Hoe ver moet je als danser gaan om te overleven? En wordt dans op een dag misschien vervangen door AI? • Dan Mussett is danser en choreograaf. Hij studeerde in 2017 af aan het Conservatorium van Antwerpen en maakte vervolgens ddddddddduettttttttttttttt (2019) met Laurent Delom, en THE DATING PROJECT (2022). De impact van technologie op lichaam en geest is een bron van inspiratie in zijn werk. Hij werkte als danser met Jan Martens en Ayelen Parolin, en initieerde Murmur, een lees- en discussiegroep voor dansers en danswerkers in Antwerpen.

Kaaitheaterstudio's

Fully Automated Luxury Dancing

********** English ********** 
Alice Giuliani and Camilla Strandhagen travel through intimate, futuristic galaxies to create a utopian dimension where chronic illness is no longer an invisible shadow, but a tangible entity. In Spoonieland, their bodies can finally transform into hidden ailments, fatigue, chronic pain and panic attacks. On the border between fiction and reality, between the personal and the collective, space is made for the unravelling of secrets, the recognition of pain and the discovery of pleasure and love. Alice Giuliani and Camilla Strandhagen met during the master's program in choreography at ARBA / ISAC in Brussels. A spoonie-sisterhood was born, focused on exploring their mysterious relationship with chronic illness, their superpowers and the accompanying pitfalls. And everything is porous as a bodily crack is the duo's first collaboration.
 ********** Français ********** 
Alice Giuliani et Camilla Strandhagen voyagent à travers des galaxies intimes et futuristes afin de créer une dimension utopique dans laquelle la maladie chronique n’est plus une ombre invisible, mais une créature tangible. Dans Spoonieland, leurs corps peuvent finalement se transformer en affections cachées, fatigue, douleurs chroniques et crises de panique. À la limite entre fiction et réalité, entre personnel et collectif, émerge un espace pour la révélation de secrets, pour la reconnaissance de la douleur et pour la découverte du plaisir et de l’amour.• Alice Giuliani et Camilla Strandhagen se sont rencontrées lors de leur master en chorégraphie à l’ARBA/ISAC à Bruxelles. Une sororité spoonie (en référence à la théorie des cuillères) en est née, en vue d’explorer leur mystérieuse relation à la maladie chronique, à leurs superpouvoirs et aux pièges qui en découlent. And everything is porous as a bodily crack (Et tout est poreux comme une faille corporelle) est la première collaboration du duo.
 ********** Nederlands ********** 
Alice Giuliani en Camilla Strandhagen reizen door intieme, futuristische sterrenstelsels om een utopische dimensie te creëren waarin chronische ziekte niet langer een onzichtbare schaduw is, maar een tastbaar wezen. In Spoonieland kunnen hun lichamen eindelijk transformeren in hun verborgen aandoeningen, vermoeidheid, chronische pijn en paniekaanvallen. Op de grens tussen fictie en realiteit, tussen het persoonlijke en het collectieve, ontstaat ruimte voor het ontrafelen van geheimen, de erkenning van pijn en de ontdekking van plezier en liefde. • Alice Giuliani en Camilla Strandhagen leerden elkaar kennen in Brussel tijdens een masteropleiding choreografie aan ARBA / ISAC. Er ontstond een spoonie-sisterhood, gericht op het onderzoeken van hun mysterieuze relatie met chronische ziekte, hun superkrachten en de valkuilen die ermee gepaard gaan. And everything is porous as a bodily crack is de eerste samenwerking van het duo.

And everything is porous as a bodily crack

Breng je voeten in beweging op leuke muziek en laat je hart zingen terwijl je samen danst met je peuter. De speelse lessen zijn niet alleen een feest voor jullie beiden, maar ze stimuleren ook de vroege ontwikkeling van je kleintje.  Met de kracht van muziek, beweging en het verkennen van instrumenten, leggen we het fundament voor taal, geheugen en leesvaardigheid.  EN - Move, groove, and grow together with your little one. FR - Bougez, dansez et grandissez avec votre petit(e).

Zumbini: dansen met je peuter (2-5 jaar)

Breng je voeten in beweging op leuke muziek en laat je hart zingen terwijl je samen danst met je peuter. Onze speelse lessen zijn niet alleen een feest voor jullie beiden, maar ze stimuleren ook de vroege ontwikkeling van je kleintje.  Met de kracht van muziek, beweging en het verkennen van instrumenten, leggen we het fundament voor taal, geheugen en leesvaardigheid.  EN - Move, groove, and grow together with your little one. FR - Bougez, dansez et grandissez avec votre petit(e).

********** English ********** 
With Cleaning Oracles, Mary Szydłowska, Federico Protto, Eimi Leggett and Aleksandra Borys create a research space in which slowness, attention and zoning-out are central. As a spectator you are invited to settle down and share the space with five performers and a musician. Expect a performative experience that evokes reflections on work, fatigue, relaxation, leisure and speculation about the future. A hypnotic state in which deep tranquillity encounters urgency. Mary Szydłowska is an artist and choreographer whose work focuses on peripheral phenomena and ecologies of attention in the context of architectural spaces and institutional environments. In recent years, Mary has developed a diptych of solo works about the gestures of cleaning, in which reflection on the politics of labour is combined with an embodied investigation of cleanliness and dirt. Mary received a master's degree in dance from P.A.R.T.S. and a master's degree in cultural studies from the Jagiellonian University in Krakow.
 ********** Français ********** 
Avec Cleaning Oracles, Mary Szydłowska, Federico Protto, Eimi Leggett et Aleksandra Borys créent un espace d’investigation centré autour de l’inertie, l’attention et l’inattention. En tant que spectateur·rice, on vous invite à vous installer et à partager l’espace avec cinq performeur·euses et un musicien. Attendez-vous à une expérience performative qui évoque des réflexions sur le travail, la fatigue, la détente, les loisirs et des spéculations sur l’avenir. Un état hypnotique où se mêlent repos profond et urgence.• Mary Szydłowska est une artiste et chorégraphe dont l’œuvre se concentre sur les phénomènes périphériques et des écologies d’attention dans le contexte d’espaces architecturaux et de cadres institutionnels. Ces dernières années, elle a développé un diptyque d’œuvres en solo à propos de gestes de nettoyage, dans lequel la réflexion sur la politique du travail se marie à une recherche incarnée de propreté et de saleté. Mary Szydłowska est titulaire d’un master en danse de P.A.R.T.S. et d’un master en études culturelles de l’Université Jagiellonian de Cracovie.
 ********** Nederlands ********** 
Met Cleaning Oracles creëren Mary Szydłowska, Federico Protto, Eimi Leggett en Aleksandra Borys een onderzoeksruimte waarin traagheid, aandacht en zoning-out centraal staan. Als toeschouwer word je uitgenodigd om je te nestelen, en de ruimte te delen met vijf performers en een muzikant. Verwacht je aan een performatieve ervaring die reflecties oproept over werk, vermoeidheid, ontspanning, vrije tijd en speculaties over de toekomst. Een hypnotische toestand waarin diepe rust en urgentie samengaan. Mary Szydłowska is een kunstenaar en choreograaf wiens werk gericht is op perifere fenomenen en ecologieën van aandacht in de context van architecturale ruimtes en institutionele omgevingen. In de afgelopen jaren ontwikkelde Mary een tweeluik van solowerken over de gebaren van het schoonmaken, waarin reflectie op de politiek van arbeid samengaat met een belichaamd onderzoek naar reinheid en vuil. Mary behaalde een master dans aan P.A.R.T.S. en een master culturele studies aan de Jagiellonian University in Krakau.

Cleaning Oracles

********** English ********** 
In CINDY, movement, sound, and imagery are dissected into isolated scores. Through a game-theoretical algorithm with live coding, a sensitive interaction between all elements emerges, resulting in a new choreography each time. Inspired by the looping movements of Hurricane Cindy, Flóra Boros creates a game-theoretical pattern that propels her body through space. Flóra Boros is a Hungarian performer and choreographer who earned a degree in contemporary dance from the University of Vienna in 2021. Her work has been presented at venues such as WUK, Muffathalle, Theater Akzent, and Schwere Reiter. In 2023, she was in residency for the first time at workspacebrussels.
 ********** Français ********** 
Ce solo énergique dissèque le mouvement, le son et l’image en partitions isolées. En suivant un algorithme théorique de jeux et un codage en direct, une interaction sensible entre tous les éléments émerge et donne chaque fois lieu à une nouvelle chorégraphie. Inspirée par les mouvements en boucle de l’ouragan Cindy, Flóra Boros crée un motif théorique de jeu qui fait tourbillonner son corps dans l’espace.Flóra Boros est une performeuse et chorégraphe hongroise qui a obtenu un diplôme en danse contemporaine à l’Université de Vienne en 2021. Elle s’est produite, entre autres, au WUK, à la Muffathalle, au Theater Akzent et au Schwere Reiter. En 2023, elle a effectué une première résidence à workspacebrussels.
 ********** Nederlands ********** 
In CINDY worden beweging, geluid en beeld ontleed tot geïsoleerde partituren. Volgens een speltheoretisch algoritme met live codering ontstaat een gevoelige interactie tussen alle elementen, waardoor elke keer een nieuwe choreografie ontstaat. Geïnspireerd door de lusvormige bewegingen van orkaan Cindy creëert Flóra Boros zo een speltheoretisch patroon dat haar lichaam door de ruimte laat cirkelen. Flóra Boros is een Hongaarse performer en choreografe die in 2021 een diploma hedendaagse dans behaalde aan de Universiteit van Wenen. Haar werk werd gepresenteerd bij onder meer WUK, Muffathalle, Theater Akzent en Schwere Reiter. In 2023 was voor het eerst in residentie bij workspacebrussels.

CINDY

********** English ********** 
With a choreographic, musical and narrative style all their own, Nono Battesti and his team create a series of tableaux in which we are all the characters. Powerful, poetic and disturbingly sincere, Coquelicot raises the question of the moral inheritance from which our decisions, actions and courage derive.in this choreographic fable, we lose ourselves in an accelerated, urban world from which there seems to be no escape. In search of a new lease of life, four protagonists in "societal burn-out" meet and reinvent themselves in the discovery of others, and together they build a more serene world. But the past resurfaces to put them to the test once again. A script that draws on the codes of storytelling and cinema to create a unique stage work. It's hard to say which of dance or music has led the other to tell us the story of this poppy seed, this internal revolt, of Coquelicot.
 ********** Français ********** 
Avec un travail chorégraphique, musical et narratif qui leur est propre, Nono Battesti et son équipe enchaînent les tableaux dont nous sommes tous les personnages. Puissant, poétique et troublant de sincérité, Coquelicot avance la question de l’héritage moral dont découlent nos décisions, nos actes et notre courage.​Dans cette fable chorégraphique, on se perd dans un monde accéléré et urbain, un univers dont on ne semble pas pouvoir s’échapper.​ À la recherche d’un nouveau souffle, quatre protagonistes en « burn-out sociétal » se rencontrent et se réinventent dans la découverte de l’autre.Ensemble iels bâtissent un monde plus serein. Mais le passé ressurgit pour les mettre à nouveau à l’épreuve. Une écriture qui s’inspire des codes du conte et du cinéma pour dérouler un travail scénique unique. Il est difficile de dire qui de la danse ou de la musique a emmené l’autre pour nous raconter l’histoire de cette graine de pavot, de cette révolte interne, de Coquelicot.
 ********** Nederlands ********** 
Met een geheel eigen choreografische, muzikale en verhalende stijl creëren Nono Battesti en zijn team een reeks tableaus waarin wij allemaal de personages zijn. Krachtig, poëtisch en verontrustend oprecht stelt Coquelicot de vraag naar het morele erfgoed dat ten grondslag ligt aan onze beslissingen, onze daden en onze moed. In deze choreografische fabel verliezen we onszelf in een versnelde, stedelijke wereld waaruit geen ontsnappen mogelijk lijkt. Op zoek naar een nieuw leven, ontmoeten vier hoofdpersonen met een maatschappelijke burn-out elkaar, vinden zichzelf opnieuw uit door anderen te ontdekken en werken samen aan een vreedzamere wereld. Maar het verleden duikt weer op om hen opnieuw op de proef te stellen. Een toneelstuk dat gebruik maakt van de codes van storytelling en cinema om een uniek toneelstuk te creëren. Het is moeilijk te zeggen wie van de dans of de muziek de ander heeft geleid om ons het verhaal te vertellen van dit papaverzaad, deze interne opstand, van Coquelicot.

Bibliothèque des Riches Claires

Dance Day - Coquelicot

********** English ********** 
Together with her fellow performers, Louise Baduel manages to orchestrate performances full of poetry and humour, in a mixture of dance, music, theatre, performance and visual arts. After Loop Affect, she is back with Soleil Constant, with the same performers and the same mixed genres, that shines the spotlight on our inconsistencies and our contradictions when it comes to ecology. Using movement, text and textiles, she creates a colourful, visual world that simultaneously evokes the power of nature and the artificiality of our lifestyles. Can we transcend fatalism and its logical consequence in the form of ecological laxity and replace it with optimism and collective initiative? Straddling fiction and reality, Louise Baduel and Pascale Gigon mockingly turn our habits upside, rightly so. At 20.45, in the Chapelle, the show Up Close! by the Cie Michèle Noiret will be presented. Combined ticket available.
 ********** Français ********** 
Louise Baduel entourée de ses collaborateurs orchestre ses spectacles avec poésie et humour en réunissant la danse, la musique, le théâtre, la performance et les arts visuels. Après Loop Affect, on la retrouve dans Soleil Constant avec la même équipe et le même mélange des genres, jouant de nos incohérences et de nos paradoxes en matière d’écologie. Par le mouvement et les matières textiles, elle crée un univers visuel coloré qui évoque à la fois la force de la nature et l’artificialité de nos modes de vie. Peut-on surpasser le fatalisme et son corollaire d’inaction climatique pour le remplacer par un optimisme et une mise en mouvement collective ? Entre fiction et réalité, Louise Baduel et Pascale Gigon bousculent nos habitudes avec dérision et raison. À 20h45, en Chapelle, sera présenté le spectacle "Up Close !" de la Cie Michèle Noiret. Combi-ticket disponible.
 ********** Nederlands ********** 
Samen met haar medespelers slaagt Louise Baduel erin voorstellingen te orkestreren vol poëzie en humor, in een mengeling van dans, muziek, theater, performance en beeldende kunsten. Na Loop Affect is ze terug met Soleil Constant, met dezelfde vertolkers en dezelfde vermenging van genres, over onze inconsistenties en onze tegenstrijdigheden op vlak van ecologie. Met beweging, tekst en textiel creëert zij een kleurrijke, visuele wereld die tegelijkertijd de kracht van de natuur en de kunstmatigheid van onze levenswijzen oproept. Kunnen we het fatalisme en het logische gevolg ervan in de vorm van ecologische laksheid overstijgen en vervangen door optimisme en een collectieve initiatiefneming? Balancerend tussen fictie en realiteit, halen Louise Baduel en Pascale Gigon onze gewoonten met recht en reden én een vleugje spot overhoop. Om 20.45 uur wordt in de Kapel de voorstelling Up Close! van Cie Michèle Noiret gepresenteerd. Combi-ticket beschikbaar.

Les Brigittines

Soleil Constant - Louise Baduel

********** English ********** 
With a career spanning forty years, Michèle Noiret returns to the stage with a new solo and a major challenge: questioning her own style of "dance-cinema", without cinema! On an empty stage with no screens or projected images, and with the help of playwright Thierry Thieû Niang, she offers us a change of register to surprise herself and us. A dance that is part of the evolution of a choreographic language carried by a body that has been around for an entire oeuvre. While playing with her own image, the dancer/choreographer summons other characters who bring a solo to the group. Past and present enter into dialogue, interact and remind us of the fragility, the beauty, but also the strength of maturity when it never stops exploring new territories. At 7 pm, in the Mezzo room, we present Soleil Constant by Louise Baduel. Combi-ticket available.
 ********** Français ********** 
Michèle Noiret, quarante ans de carrière, nous revient sur scène avec un nouveau solo et un défi de taille : celui d’interroger sa propre écriture de la “danse-cinéma”, sans cinéma ! Sur un plateau épuré sans écran et sans images projetées, avec la complicité du dramaturge Thierry Thieû Niang, elle nous propose un changement de registre pour se surprendre et nous surprendre. Une danse qui s’inscrit dans l’évolution d’un langage chorégraphique portée par un corps qui accueille l’œuvre du temps. Tout en jouant avec sa propre image, la danseuse/chorégraphe convoque d’autres personnages, d’autres présences qui s’incarnent pour réaliser un solo au singulier pluriel. Mémoire et actualité se répondent, s’entrechoquent, et nous rappellent la fragilité, la beauté, mais aussi la force de la maturité quand elle n’a de cesse d’explorer de nouveaux territoires. À 19h, en salle Mezzo, sera présenté le spectacle "Soleil Constant" de Louise Baduel. Combi-ticket disponible.
 ********** Nederlands ********** 
Michèle Noiret, die er reeds een loopbaan op heeft zitten van veertig jaar, is terug met een nieuwe solo en een challenge van formaat: haar eigen stijl van de “danscinema” in vraag stellen, zonder cinema! Op een lege scène, zonder scherm en zonder geprojecteerde beelden stelt ze, met de hulp van dramaturg Thierry Thieû Niang een registerwijziging voor, om zichzelf en om ons te verrassen. Een dans die kadert in de evolutie van een choreografische taal gedragen door een lichaam dat al een oeuvre lang meegaat. Spelend met haar eigen beeld voert de danseres/choreografe andere personages op die een solo brengen in groep. Vroeger en nu gaan in dialoog, komen met elkaar in aanraking en herinneren ons aan de kwetsbaarheid, de schoonheid maar ook de kracht van maturiteit wanneer onophoudelijk nieuwe territoria werden verkend. Om 19 uur wordt in de Mezzo zaal de voorstelling Soleil Constant van Louise Baduel gepresenteerd. Combi-ticket beschikbaar.

Up Close! - Cie Michèle Noiret

Le Mini D Festival a été créé en 2017 par le Marni, Pierre de Lune, Centre Scénique Jeunes Publics de Bruxelles et le Service Culture d’Ixelles pour rendre la danse contemporaine destinée aux enfants plus visible. Tant à l’école qu’en famille. Depuis, le cirque y a naturellement trouvé sa place et l’envie s’est propagée parmi les partenaires, notamment de programmer en plein air. Lieux partenaires : Marni, Théâtre Mercelis, place Fernand Cocq, Charleroi danse / La Raffinerie, la Maison des Cultures de Molenbeek, Le Senghor, centre culturel Jacques Franck.

Mini D Festival

********** English ********** 
Jeanne Colin began in 2017 as a dancer and performer with Ayelen Parolin, Éric Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste... exploring the relationship between movement and the unconscious, blending disciplines and practices such as dance, hypnosis and drawing. With Abysses, the young choreographer continues this exploration by focusing on dreams and REM sleep, a state of rest in which nightmares and fear prevail. Starting from this dichotomy between reality and fiction, feeling and imagination, her piece begins in the form of a reading after which she allows the body and senses to drift towards a free, liberated dance. Playing physically and metaphorically with ropes, knots and lianas, Abysses connects what is hidden and divided.
 ********** Français ********** 
Jeanne Colin a débuté en 2017 comme danseuse et interprète avec Ayelen Parolin, Éric Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste... en explorant la relation entre le mouvement et l'inconscient, mêlant des disciplines et des pratiques telles que la danse, l'hypnose et le dessin. Avec Abysses, la jeune chorégraphe poursuit cette exploration en s'intéressant aux rêves et au sommeil paradoxal, un état de repos dans lequel les cauchemars et la peur prédominent. Partant de cette dichotomie entre réalité et fiction, sentiment et imagination, sa pièce débute sous la forme d'une lecture après laquelle elle laisse le corps et les sens dériver vers une danse libre et libérée. Jouant physiquement et métaphoriquement avec les cordes, les nœuds et les lianes, Abysses relie ce qui est caché et divisé.
 ********** Nederlands ********** 
Jeanne Colin begon in 2017 als danseres en performer bij Ayelen Parolin, Éric Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste… met een onderzoek naar de relatie tussen beweging en het onbewuste, waarbij ze disciplines en werkwijzen zoals dans, hypnose en tekenen met elkaar vermengde. Met Abysses zet de jonge choreografe deze verkenning verder door zich te richten op dromen en de REMslaap, een staat van rust waarin nachtmerries en angst zegevieren. Met als uitgangspunt deze tweespalt tussen realiteit en fictie, gevoel en verbeelding vangt haar stuk aan in de vorm van een lezing waarna ze het lichaam en de zintuigen laat drijven in de richting van een vrije, bevrijde dans. Abysses speelt fysiek en metaforisch met touwen, knopen en lianen en verbindt wat verborgen en verdeeld is.

De Markten

Dance Dance - ABYSSES (Jeanne Colin)

Hangar Festival is an electronic music festival happening on the last weekend of April. During these two days, Hangar offers world-renowned artists the chance to reconnect with their Belgian audiences in a breathtaking setting. A show that's as musical as it is visual, an immersive scenography and a production designed down to the last detail to make its customers feel at home. Located on the outskirts of Brussels, the Hangar Festival is easily accessible by public transport, bike or car, with parking available. It will welcome approximately 4,000 people a day. With the help of the Red Cross and Brussels-based prevention organizations, we aim to make the Hangar Festival a place where festival-goers can feel safe, meet, unite and share their passion for music. Alongside this, participants can enjoy a tasty experience offered by the various food trucks on site.

HANGAR FESTIVAL

********** Nederlands ********** 
Beginpunt: Parc Royal (Parc de Bruxelles): bij de grote fontijn (dichtbij Théâtre Royal du Parc). Ga binnen via de Wetstraat en volg de borden 'rue libre'. Gratis evenement in de openbare ruimte met meerdere voorstellingen.
 ********** Français ********** 
Point de départ : Parc Royal (Parc de Bruxelles) : à la grande fontaine (près du Théâtre Royal du Parc). Entrer par la rue de la Loi et suivre les panneaux "rue libre". Événement gratuit dans l'espace public avec de multiples représentations.
 ********** English ********** 
Starting point: Parc Royal (Parc de Bruxelles): at the big fountain (close to the Théâtre Royal du Parc). Enter via Rue de la Loi and follow the signs 'rue libre'. Free event in public space with multiple performances.

Dag van de Dans - Rue Libre

********** Nederlands ********** 
De schreeuw die bevriest, De schreeuw die kalmeert, Van blokkade tot beweging, dit stuk neemt de vorm aan van een ritueel, tussen duisternis en licht, tussen wat gezegd wordt en wat niet gezegd wordt. De onrust is groot, De spanning is voelbaar, De woorden zwijgen. Opgesloten in een lichaam in doodsangst, is er geen rede meer. Niets is onder controle. Een gelukzalige, stomme mond, er komt geen geluid uit. De emotie is te sterk. Te heftig. De gebaren worden intenser. Het gevecht groeit. Het materialiseert. Het lichaam vindt betekenis. De beweging wordt krachtiger. Tot de laatste confrontatie, Loslaten, Hij geeft zichzelf op. Het lichaam loslatend in een laatste adem. De schreeuw bereikt ons. Hoorbaar. Verwarring, chaos en kwelling worden gesublimeerd. Het lichaam is verlaten. Het stuk neemt je mee naar een wereld van rauwe emoties en intense sensaties, gedragen door de aanstekelijke tribale bewegingen van Corentin Milosevic.
 ********** Français ********** 
Le cri qui glace, Le cri qui soulage, Du blocage à la remise en mouvement, cette pièce prend la forme d’un rituel, entre obscurité et lumière, entre ce qui se dit et ne se dit pas. Le malaise est grand, La tension palpable, Les mots sont tus. Enfermés dans un corps à l’agonie, la raison n’est plus. Plus rien n’est maîtrisé. Une bouche béate et muette, aucun son ne sort. L’émotion est trop forte. Trop violente. Les gestes s’intensifient. Le combat croit. Se matérialise. Le corps trouve un sens. Le mouvement, plus puissant. Jusqu’à l’ultime affrontement, Le lâcher-prise, Il s’abandonne. Libérant le corps dans un dernier souffle. Le cri nous parvient. Audible. Le désarroi, le chaos et les tourments sont ainsi sublimés. Le corps est à l’abandon. La pièce vous entraînera dans un monde d’émotions brutes et de sensations intenses, porté par le mouvement tribal contagieux de Corentin Milosevic.
 ********** English ********** 
The cry that freezes, The cry that soothes, From blockage to movement, this piece takes the form of a ritual, between darkness and light, between what is said and not said. The unease is great, The tension is palpable, Words are silent. Locked up in a body in agony, reason is no more. Nothing is under control. A blissful, mute mouth, no sound comes out. The emotion is too strong. Too violent. Gestures intensify. The fight grows. Materializes. The body finds meaning. Movement, more powerful. Until the ultimate confrontation, letting go, He surrenders. Releasing the body in a final breath. The cry reaches us. Audible. Disarray, chaos and torment are sublimated. The body is abandoned. The piece takes you into a world of raw emotions and intense sensations, carried by Corentin Milosevic's infectious tribal movement.

Dag van de Dans - Anathème (Compagnie Padmë signé Corentin Milosevic A.S.B.L | ULB Culture)

********** English ********** 
Maryse Condé wrote Tituba a fictional childhood, adolescence and death in her award-winning book I, Tituba, whereupon philosopher Elsa Dorlin wrote an essay on Tituba in Moi, toi, nous ... Tituba of de ontologie van het spoor. When Dorothée Munyaneza was introduced to Elsa and her work, there was little hesitance: she knew she wanted to create something around the figure of Tituba. In this new solo, a dialogue with musician Khyam Allami, Dorothée Munyaneza tries to breathe new life into the lives and dreams of Tituba. The men and women whose identities and existences were denied and squashed by slave trade and colonial regimes. Through words. Through the body. Through the space the voice takes up, and through song. Dorothée visualises a physical archive capable of gathering memories and honouring them. A living, sensitive, physical and bodily archive, where experiences are gathered. A solo conceived as a cross-pollination, a hybrid space. African, but also American, European, Caribbean, ... A space full of traces, dreams, and violence.
 ********** Français ********** 
Maryse Condé a attribué à Tituba une enfance, une adolescence et une fin de vie fictives dans son livre primé Moi, Tituba, sorcière noire de Salem, qui à son tour a engendré une réflexion de la philosophe Elsa Dorlin dans Moi, toi, nous ... Tituba ou l'ontologie de la trace. Quand Dorothée Munyaneza fait la connaissance d'Elsa et de son travail, aucun doute ne subsiste : elles vont consacrer un projet à Tituba. Dans ce nouveau solo en dialogue avec le musicien Khyam Allami, Dorothée Munyaneza cherche à faire revivre les vies et les rêves de Tituba. Des hommes et des femmes dont l'identité et l'existence ont été niées et écrasées par la traite négrière et le régime colonial. À travers les mots. À travers le corps. À travers l'espace occupé par la voix et les chants. Dorothée dépeint une archive corporelle capable de collectionner et d'honorer les souvenirs. Une archive vivante, sensible, physique et corporelle, dans laquelle les expériences sont rassemblées. Un solo conçu comme une pollinisation croisée, un espace hybride. L’Afrique, puis l’Amérique, l’Europe, les Caraïbes, dans un sens puis dans l’autre... Un espace plein de traces, de rêves et de violence.
 ********** Nederlands ********** 
Maryse Condé schreef Tituba in haar prijswinnende boek I, Tituba een fictieve kindertijd, adolescentie en levenseinde toe. Waarop filosofe Elsa Dorlin een beschouwing op Tituba schreef in Moi, toi, nous ... Tituba of de ontologie van het spoor. Toen Dorothée Munyaneza kennis maakte met Elsa en haar werk, was er niet lang twijfel: ze wilden iets creëren rond Tituba. In deze nieuwe solo, in dialoog met muzikant Khyam Allami, tracht Dorothée Munyaneza de levens en dromen van Tituba nieuw leven in te blazen. De mannen en vrouwen wiens identiteit en bestaan ontkend en verpletterd werden door de slavenhandel en het koloniale regime. Via woorden. Via het lichaam. Via de ruimte die de stem inneemt en via liederen. Dorothée verbeeldt een lichaamsarchief dat in staat is herinneringen te verzamelen en in ere te houden. Een levend, gevoelig, fysiek en lichamelijk archief, waarin ervaringen verzameld liggen. Een solo opgevat als een kruisbestuiving, een hybride ruimte. Nu eens Afrikaans, dan weer Amerikaans, Europees, Caraïbisch, ... Een ruimte vol sporen, dromen en geweld.

Toi, moi, Tituba

********** Français ********** 
Le collectif Play Label inaugure la saison des open-airs avec son rendez-vous annuel sur la Place Poelaert. Près de 3000 personnes seront réunies le samedi 04 mai pour célébrer la culture festive et la scène électronique locale grâce à un line-up 100% bruxellois. Un rendez-vous à ne pas manquer pour les amoureux de dance music.
 ********** Nederlands ********** 
Het collectief Play Label opent het seizoen van de openluchtfeesten met zijn jaarlijkse bijeenkomst op het Poelaertplein. Bijna 3000 mensen zullen op zaterdag 4 mei samenkomen om de feestcultuur en de lokale elektronische muziekscene te vieren met een line-up die volledig Brussels is. Een evenement dat dance muziekliefhebbers niet mogen missen. 
 ********** English ********** 
The collective Play Label kicks off the open-air season with its annual rendezvous at Place Poelaert. Nearly 3000 people will gather on Saturday, May 4th to celebrate the festive culture and local electronic scene with a 100% Brussels-based lineup. An event not to be missed for dance music lovers.

Place Poelaert - Poelaertplein

Play Label Open Air - Place Poelaert

A one-off collaboration between American singer, poet and guitarist Mike Doughty (founder and frontman of Soul Coughing, one half of Ghost of Vroom), American cellist and bassist Andrew ‘Scrap’ Livingston (the other half of Ghost of Vroom) and Belgian producers Husk Husk (KVS, Victoria & Albert Museum (UK), ARKO Arts Theater (KR), Ex Elettrofonica (IT)), and London-based, Korean choreographer Sung Im Her (P.A.R.T.S, Needcompany, The Place (UK)), and Greek dancer, performer and choreographer Martha Pasakopoulou (Marina Abramovic, Tino Sehgal). Artwork: Daniel Sterckx (Créahmbxl)

C12 x Husk Husk: Return Fire

********** English ********** 
‘Die Kunst der Fuge occupies an almost mythical place in the oeuvre of Johann Sebastian Bach. Not only on account of its vast scope and impenetrability, but also because Bach worked on it until his death, which gives the listener the impression that this is his musical testament.’ — Bernard Foccroulle Anne Teresa De Keersmaeker continues her exploration of Johann Sebastian Bach’s oeuvre with the work that, in a sense, is the pinnacle of his life’s work: Die Kunst der Fuge. The remarkable thing about this cycle of eighteen canons and fugues, performed live by Bernard Foccroulle on the organ of the Cathedral of St Michael and St Gudula, is the exceptional power of imagination that emanates from what is ultimately a minimum of musical material: the first theme consists of only twelve notes, spread over four measures. The choreography, developed with Radouan Mriziga, starts out from the same principle by working on four lines and in the intermediate space. In addition, the choreography is also inspired by the circumstances in which Bach composed Die Kunst der Fuge. He worked on this cycle until the end of his life, and the final fugue, composed with the musical notes reflecting the letters of his surname, was never finished. This incompleteness resonates forcefully with our current sense of powerlessness as we face a global catastrophe, despite being at the height of our powers. THIS Production is part of TROIKA DANCE
 ********** Français ********** 
« Die Kunst der Fuge occupe une place mythique dans l’œuvre de J.S. Bach, tant en raison de son ampleur et de sa densité que parce qu’elle nous parvient inachevée. Bach travaillait à son édition au moment de sa mort, ce qui lui confère une dimension testamentaire. » – Bernard Foccroulle Anne Teresa De Keersmaeker poursuit son exploration de l’œuvre de Johann Sebastian Bach avec la pièce qui en constitue d’une certaine manière le couronnement : Die Kunst der Fuge. Ce qui frappe dans ce cycle de dix-huit canons et fugues, interprété en direct par Bernard Foccroulle sur l’orgue de la cathédrale Saints-Michel-et-Gudule, c’est l’extraordinaire imagination qui se déploie à partir d’un matériau musical en fin de compte minimal : le thème initial compte douze notes seulement, réparties sur quatre mesures.  La chorégraphie, créée en collaboration avec Radouan Mriziga, suit le même principe et est construite selon quatre lignes et l’espace qui les sépare. Elle s’inspire également des circonstances dans lesquelles Bach a composé son Die Kunst der Fuge. Il a travaillé à ce cycle jusqu’à la fin de sa vie, et la dernière fugue, composée sur les notes correspondant aux lettres de son patronyme dans la notation musicale allemande, est restée inachevée. Cette incomplétude entre en forte résonance avec notre sentiment actuel d’impuissance au seuil d’une catastrophe planétaire, et ce, alors que nous avons atteint des sommets de savoir-faire.
 ********** Nederlands ********** 
“Die Kunst der Fuge neemt een bijna mythische plaats in binnen het oeuvre van Johann Sebastian Bach. Niet alleen door zijn enorme reikwijdte en ondoordringbaarheid, maar ook omdat Bach er tot zijn dood aan heeft gewerkt, wat de luisteraar de indruk geeft dat het hier om zijn muzikale testament gaat.” — Bernard Foccroulle Anne Teresa De Keersmaeker zet haar verkenning van het œuvre van Johann Sebastian Bach verder met het werk dat er in zekere zin de bekroning van vormt: Die Kunst der Fuge. Opmerkelijk aan deze cyclus van achttien canons en fuga’s, door Bernard Foccroulle live uitgevoerd op het orgel van de Sint-Michiels- en Sint-Goedelekathedraal, is de buitengewone verbeeldingskracht die voortvloeit uit wat uiteindelijk een minimum aan muzikaal materiaal is: het eerste thema bestaat uit slechts twaalf noten, verspreid over vier maten. De choreografie, die samen ontwikkeld wordt met Radouan Mriziga, vertrekt vanuit hetzelfde principe door te werken op vier lijnen, en in de ruimte daartussen. Daarnaast is ze ook geïnspireerd door de omstandigheden waarin Bach Die Kunst der Fuge componeerde. Hij werkte tot het einde van zijn leven aan deze cyclus, en de laatste fuga, gecomponeerd met de muzieknoten die de letters van zijn achternaam weerspiegelen, werd nooit afgewerkt. Het is een onvolledigheid die sterk resoneert met ons huidige gevoel van machteloosheid, nu we oog in oog staan met een globale catastrofe, terwijl we ons op het hoogtepunt van ons kunnen bevinden. DEZE VOORSTELLING MAAKT DEEL UIT VAN TROIKA DANCE

Die Kunst der Fuge

********** English ********** 
A solo figure stands at the edge of the proscenium stage – the place often used for speeches and stand-up comedy – and silently morphs from one pose to the next, like a body shaped by time. Iconic and mundane images emerge in a dramaturgy that exposes a nuanced embodiment of what it means to sustain a place, a pose, a representation. Maria Hassabi merges the strength and vulnerability one experiences on stage – to be uncovered. She frames her signature style of stillness, slowness and aesthetic precision, and invites her audience to awaken their own references to a parade of images as they unfold. What happens when the process of an image is revealed? In a contemporary culture fiercely flooded by images, does it lose its appeal when compared to our expectations? Hassabi has presented her work in the world’s leading museums and exhibition contexts, and at the festival in 2014 and 2017. On Stage is undoubtedly one of her most radical and personal works, offering a feminist reflection and a piercing insight into her artistic trajectory. Before an audience, Maria Hassabi’s intensity is visible, almost tangible, in a work of rare power that leaves no one indifferent.
 ********** Français ********** 
Une personne se tient au bord du proscenium – l’espace de l’avant-scène souvent utilisé pour les discours ou le stand-up – et passe en silence d’une pose à une autre. La bande sonore va et vient, comme si elle suivait les mouvements du vent, ou comme si elle était l’écho de bruits lointains qui refléterait une histoire qui n’a pas encore eu lieu. Subtilement, des références iconiques et des images du quotidien émergent et interrogent ce que signifie occuper un lieu et prendre position. Dans un solo tout en nuance, Maria Hassabi fusionne le pouvoir et la vulnérabilité que l’on peut ressentir lorsqu’on “est” sur scène. Dans son style caractérisé par la lenteur, les silences et la précision esthétique, elle éveille l’imagination du public par un défilé d’images séquentielles. Que se passe-t-il lorsque le processus de création d’une image est exposé ? Dans un monde inondé d’images, ne perdent-elles pas rapidement leur attrait ? Hassabi, qui a présenté son travail dans les plus grands musées du monde et au festival en 2014 et 2017, offre avec On Stage l’une de ses œuvres les plus radicales et personnelles ; une réflexion féministe et un regard approfondi sur sa trajectoire artistique. Une œuvre d’une rare puissance qui rend l’intensité de Hassabi visible, presque tangible, en face-à-face avec le public.
 ********** Nederlands ********** 
Een figuur staat aan de rand van het proscenium – het deel van de scène dat vaak gebruikt wordt voor toespraken en stand-up comedy – en transformeert geruisloos van de ene pose in de andere. Geluid komt en gaat en lijkt de echo te zijn van een soundtrack ergens ver weg, van een verhaal dat nog moet plaatsvinden. Iconische en alledaagse beelden duiken op in een dramaturgie die een genuanceerde belichaming voorstelt van wat het betekent om een plaats in te nemen, een houding aan te nemen. Maria Hassabi versmelt de kracht met de kwetsbaarheid van het ‘op scène staan’. Ze doet dit in haar kenmerkende stijl vol stilte, traagheid en esthetische precisie, en wakkert de fantasie van het publiek aan via een parade van opeenvolgende beelden. Wat gebeurt er wanneer de totstandkoming van een beeld wordt blootgelegd? Verliest het niet al snel zijn aantrekkingskracht, in een wereld die overspoeld wordt door beelden? Hassabi presenteerde haar werk in ’s werelds meest toonaangevende musea en op het festival in 2014 en 2017. On Stage is ongetwijfeld één van haar meest radicale en persoonlijke werken, met een feministische boodschap. Een performance die Hassabi’s intensiteit zichtbaar, bijna tastbaar maakt en een fascinerende inkijk geeft in haar artistieke traject.

Danse
|
Bruxelles

Découvrez les événements avec nos tags les plus populaires

Événements

43 événements trouvés

Événements

Découvrir plus d'événements

Découvrir la culture dans d'autres grandes villes du pays

Danse|Bruxelles

Découvrez les événements avec nos tags les plus populaires

Événements

43 événements trouvés

Événements

Découvrir plus d'événements

Découvrir la culture dans d'autres grandes villes du pays

Danse
|
Bruxelles