Les vitrines « Lire et écrire » mettent en scène des témoins de la naissance et
du développement de l'écriture sur différents supports. Les objets qui y sont
présentés ont tous une histoire à nous raconter avec pour fil conducteur la
transmission de pensée, de savoirs, des cultures et de modes de vie... Venez
découvrir la nouvelle sélection d'objets pour retracer le chemin de la route du
papier à travers les mondes asiatique, arabe et occidental.
Prix : 5 € / pers. (entrée au musée comprise)
Réservation obligatoire : www.museel.be [http://www.museel.be] ou 010 47 48 41
Confluence. Collectif Muesli
Description
Le Musée L accueille une exposition du collectif Muesli en partenariat avec UCLouvain Culture. A cette occasion, de nouvelles créations seront présentées dont une série basée sur une collaboration avec des professeur·es et étudian·es de l’école de Chimie de l’UCLouvain. Le Collectif Muesli crée des œuvres perméables à l'environnement, qui subissent une métamorphose visible reflétant des fluctuations invisibles. Jamais deux fois les mêmes, les œuvres sont la confluence de la matière, de l'atmosphère et du temps. Elles se trouvent dans un état de transition constante entre solidité́ et fluidité́ et s'adaptent également aux propriétés architecturales de l’espace qu’elles habitent. L’exposition Confluence présentera des nouvelles pièces du collectif, certaines résultant d’un atelier réalisé en 2022 avec des étudiant·es de l’Ecole de Chimie de l’UCLouvain.
L’exposition sera également l’occasion d’un dialogue avec la collection permanente du Musée L. Elle mettra en relation les œuvres du Collectif Muesli avec celles du musée, les déplaçant habilement pour attirer le public vers des espaces moins visibles. À travers ce projet, l’exploration des matières sensibles dans leurs multiples états s’entrelace harmonieusement dans un contexte à la fois artistique et scientifique, donnant naissance à une véritable confluence.
Exposition produite en partenariat avec
UCLouvain Culture dans le cadre du projet de recherche-création Combiner la chimie et l’art dans un monde qui évolue, porté par le Pr. Tom Leyssens de la Faculté de Chimie de l’UCLouvain.
Art
Date info
Du 08/03/2024 au 14/04/2024
Tickets
Info:
Infos & Contactshttp://www.museel.be/
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Suggested events
Depuis 2022, le Musée L est un opérateur thématique dans le cadre du
Parcours d'Education Artistique et Culturelle (PECA) encadré par la
Fédération Wallonie-Bruxelles. Concrètement, cela signifie que le musée
accueille chaque année près de 1000 élèves de l'enseignement fondamental dans le
cadre d'un projet de médiation culturelle et artistique. Entre 2022 et 2025,
c'est le thème « Ligne, rythme et mouvement » qui sert de fil rouge aux
activités proposées aux écoles en partenariat avec l'asbl ArtSchool. Au cours de
ces activités, les élèves découvrent dans leur classe une sélection
d’œuvres authentiques, prêtées à l'asbl ArtSchool par différents
artistes contemporains (belges et étrangers) reconnus internationalement.
Ces réalisations sont à chaque fois mises en rapport avec des œuvres exposées au
Musée L. Les élèves participent aussi à une visite active dans les collections
permanentes du Musée L pour découvrir "en vrai" les œuvres du musée sur le thème
« Ligne, rythme et mouvement ».
En fin d'année scolaire, les créations des élèves sont rassemblées et
présentées lors d'une exposition au Musée L dans laquelle réalisations des
enfants sont exposées aux côtés des œuvres d’artistes contemporains prêtées à
l’asbl ArtSchool et œuvres du musée.
« Parfois, c’est au moment de manier les images et de les remettre dans leur
boîte que l’on devient à nouveau attentif à ce qui se passe entre elles. Un
montage fortuit se produit alors. On se fait son film, on perd le fil, on
voudrait revenir au temps du cinéma muet. »
Cette performance est proposée à l’occasion du dernier jour de l’exposition
Murs d’images d’écrivains.
Prix : entrée au musée
Réservation : www.museel.be [http://www.museel.be/]
********** English **********
Together with architect Sébastien Tripod and graphic & floral designer Deborah
Robbiano, choreographer and researcher Sara Manente is creating an installation
around the fertile ruin, based on fungal imagery. Having previously created
architectural fungi columns, they now aim to imagine an entire theatre in
collaboration with fungi and molds. The theatre turns into a compost in which
process equals products and things are not stable but rather in constant decay
and regrowth. A situation creating space for questions, metaphors and images
around contamination and finality. Is every encounter a form of contamination?
Is every performance a ruin that could bring fruit?Manente invites makers and
thinkers at a number of moments to activate the installation in different ways.
Clara Lévy's and Victor Guaita's concert takes place on 17 May and further
programming will be announced in the spring. Together with Pilar and VUB
Crosstalks, Kaaitheater presents this exhibition as part of A Series of
More-than-human Encounters. This project highlights different ways of being and
alternative forms of knowledge. With the forest, the mountains and the deep sea
as our thinking partners, we invite you to come and discover what is hidden
behind the horizon of human knowledge. Towards a Ruined Theater is also part of
Pilar's KunstxScience programme and VUB Crosstalks. • Sara Manente studied dance
and semiotics before coming to Brussels, where she works as an artist and
researcher. Her projects start from the images and matter of living cultures and
fungi in relation to performing arts. In different formats, she reflects on the
possible contagion/transfer between pedagogy, research, performance and
publication.• Deborah Robbiano is a multidisciplinary artist who works with
found objects, both natural and man-made, to create vegetal sculptures, sets and
installations. In her work, she lets chance encounters and the longevity of
plants guide her process. Each element is abstracted from its original form and
purpose. This shift allows her to celebrate the ephemerality in the many stages
of vegetal transformation.• Sébastien Tripod graduated from the Joint Masters in
Architecture of the University of Applied Sciences and Arts of Western
Switzerland and the Luca School of Arts in Ghent. He collaborates with various
groups for projects in residence, advocating environmental and social ecology.
Closely associated with the knowledge of craftsmanship, interested in
traditional building techniques and the use of low technology, he works as an
independent architect, based in Lausanne since 2018.
********** Français **********
Avec l'architecte Sébastien Tripod et la designeuse graphique et florale Deborah
Robbiano, la chorégraphe et chercheuse Sara Manente crée une installation autour
de la fécondité des ruines basée sur des images de moisissures. Après avoir créé
des colonnes de champignons architecturales, iels veulent imaginer un théâtre
entier avec le concours de champignons et de moisissures. Le théâtre se
transforme en un compost dans lequel le processus est égal aux produits et où
les choses ne sont pas stables, mais plutôt en constante décomposition et
repousse. Cette situation crée un espace propice à susciter des questions,
métaphores et images autour de la contamination et de la finitude. Chaque
rencontre est-elle une forme de contamination ? Chaque performance est-elle une
ruine féconde ? Manente invite les créateur·ices et les penseur·euses à activer
l'installation de différentes manières. Le 17 mai, vous pourrez assister au
concert Repetition/Erosion de Clara Lévy et Victor Guaita. Le 22 mai, l'expo
sera clôturé avec The Performance of Funga, une conversation entre Giuliana
Furci, Sara Manente, Augusto Corrieri et Eylül Fidan Akıncı.En collaboration
avec Pilar et VUB Crosstalks, le Kaaitheater présente cette exposition dans le
cadre de A Series of More-than-human Encounters. Ce programme met en lumière
différentes manières d'être et des formes alternatives de connaissance. En
utilisant la forêt, les montagnes et les profondeurs de la mer comme partenaires
de réflexion, nous vous invitons à venir découvrir ce qui se cache derrière
l'horizon de la connaissance humaine. Towards a Ruined Theater fait également
partie du programme KunstxScience de Pilar et de VUB Crosstalks. • Sara Manente
a étudié la danse et la sémiotique avant de s'installer à Bruxelles, où elle
travaille comme artiste et chercheuse. Ses projets partent des images et de la
matière des cultures vivantes ainsi que des moisissures, qu’elle met en lien
avec les arts de la scène. Sa réflexion porte sur la contagion/ transfert
potentielle entre la pédagogie, la recherche, la performance et la publication,
et ce sous différents formats. • Deborah Robbiano est une artiste
pluridisciplinaire qui travaille avec des objets trouvés, naturels ou fabriqués
par l'homme, pour créer des sculptures, des décors et des installations
végétales. Dans son travail, elle se laisse guider par le hasard des rencontres
et la longévité des plantes. Chaque élément est abstrait de sa forme et de sa
fonction d'origine. Ce décalage lui permet de célébrer l'éphémère dans les
multiples étapes de la transformation végétale.• Sébastien Tripod est diplômé du
Master commun en architecture de la Haute école des sciences appliquées et des
arts de Suisse occidentale et de la Luca School of Arts de Gand. Il collabore
avec divers groupes pour des projets en résidence, prônant l'écologie
environnementale et sociale. Étroitement associé à la connaissance de
l'artisanat, intéressé par les techniques de construction traditionnelles et
l'utilisation des basses technologies, il travaille en tant qu'architecte
indépendant, basé à Lausanne depuis 2018.
********** Nederlands **********
Samen met architect Sébastien Tripod en grafisch & floral designer Deborah
Robbiano maakt choreograaf en onderzoeker Sara Manente een installatie rond de
vruchtbare ruïne, op basis van schimmelbeelden. Nadat ze eerder al
architecturale zwammenzuilen maakten, willen ze nu een volledig theater
verbeelden in samenwerking met zwammen en schimmels. Het theater verandert in
een compost waarin het proces gelijk is aan het product en de dingen niet
stabiel zijn, maar in voortdurend verval en wedergroei. Deze situatie creëert
ruimte voor vragen, metaforen en beelden rond besmetting en eindigheid. Is elke
ontmoeting een vorm van besmetting? Is elke performance een vruchtbare
ruïne? Manente nodigt op een aantal momenten makers en denkers uit om de
installatie op verschillende manieren te activeren. Op 17 mei kan je er het
concert Repetition/Erosion van Clara Lévy en Victor Guaita bijwonen. Op 22 mei
sluiten we de expo af met The Performance of Funga, een gesprek tussen Giuliana
Furci, Sara Manente, Augusto Corrieri en Eylül Fidan Akıncı.Samen met Pilar en
VUB Crosstalks presenteert Kaaitheater deze tentoonstelling in het kader van A
Series of More-than-human Encounters. Dit programma belicht verschillende
manieren van zijn en alternatieve vormen van kennis. Met het bos, de bergen en
de diepzee als onze denkgenoten nodigen we je uit om te komen ontdekken wat er
achter de horizon van de menselijke kennis verborgen ligt.Towards a Ruined
Theater maakt ook deel uit van het KunstxWetenschap-programma van Pilar en VUB
Crosstalks. • Sara Manente studeerde dans en semiotiek voor ze naar Brussel
kwam, waar ze werkt als kunstenaar en onderzoeker. Haar projecten vertrekken
vanuit de beelden en materie van levende culturen en schimmels in relatie met
podiumkunsten. In verschillende formats reflecteert ze over de mogelijke
besmetting/overdracht tussen pedagogie, onderzoek, performance en publicatie. •
Deborah Robbiano is een multidisciplinair kunstenaar die met zowel natuurlijke
als door de mens gemaakte gevonden voorwerpen, werkt aan vegetale sculpturen,
decors en installaties. In haar werk laat ze toevallige ontmoetingen en de
levensduur van planten haar proces leiden. Elk element wordt geabstraheerd van
zijn oorspronkelijke vorm en doel. Deze verschuiving maakt het mogelijk om de
vluchtigheid in de vele stadia van vegetale transformatie te vieren. • Sébastien
Tripod studeerde af aan de Gezamenlijke Master in Architectuur van de
Universiteit voor Toegepaste Wetenschappen en Kunsten van West-Zwitserland en de
Luca School of Arts in Gent. Hij werkt samen met verschillende groepen voor
residentieprojecten, waarbij hij milieu- en sociale ecologie bepleit. Sébastien
voelt zich nauw verbonden met de kennis van vakmanschap, is geïnteresseerd in
traditionele bouwtechnieken en in het gebruik van lage technologie. Hij werkt
als zelfstandig architect en is gevestigd in Lausanne sinds 2018.
Modesti Perdriolle Gallery présente un solo show de Samantha McEwen, artiste
anglo-américaine née à Londres en 1960, avec un ensemble d'œuvres des années
1980 à nos jours. A cette occasion sera lancée la première monographie dédiée à
la vie et à l'œuvre de Samantha McEwen publiée par 5 Continents Éditions.
Samantha McEwen arrive à New York à l’âge de 18 ans. Elle s’inscrit à la School
of Visual Arts où elle sympathise avec l’un des étudiants, Keith Haring, puis
Kenny Scharf. New York est alors un village où tous les artistes se côtoient.
Samantha participe à la vie intense de l’East Village. Elle collabore à de
nombreuses expositions aussi bien dans des Clubs qu’à la galerie Tony Schafrazi
en 1985 et 1987.
La fin des années 1980 est marquée par le Sida. New York devient une ville où
l’on ose plus demander des nouvelles de ses proches. Samantha se réinstalle à
Londres. Ce ne sont pas des années faciles pour les artistes femmes. Il faudra
attendre les années 2010 pour voir à nouveau des peintures de Samantha McEwen
dans des lieux renommés, en 2015 à la Pace Gallery de Londres dans une
exposition de groupe en hommage au grand marchand anglais Robert Fraser et en
2017 au MoMA dans l’exposition témoignage 'Club 57, Film, Performance, and Art
in the East Village, New York, 1978-1983'.
Samantha McEwen arrive à New York à l’âge de 18 ans. Elle s’inscrit à la School
of Visual Arts où elle sympathise avec l’un des étudiants, Keith Haring, puis
Kenny Scharf. New York est alors un village où tous les artistes se côtoient.
Samantha participe à la vie intense de l’East Village. Elle collabore à de
nombreuses expositions aussi bien dans des Clubs qu’à la galerie Tony Schafrazi
en 1985 et 1987.
La fin des années 1980 est marquée par le Sida. New York devient une ville où
l’on ose plus demander des nouvelles de ses proches. Samantha se réinstalle à
Londres. Ce ne sont pas des années faciles pour les artistes femmes. Il faudra
attendre les années 2010 pour voir à nouveau des peintures de Samantha McEwen
dans des lieux renommés, en 2015 à la Pace Gallery de Londres dans une
exposition de groupe en hommage au grand marchand anglais Robert Fraser et en
2017 au MoMA dans l’exposition témoignage 'Club 57, Film, Performance, and Art
in the East Village, New York, 1978-1983'.
********** English **********
“The recent works (2023-2024) presented here explore the many potentialities of
painting, while opening up to other techniques such as drawing, embroidery and
ceramics. Her work is ever-changing and multi-faceted. The artist plays with the
material components of her works, such as the canvas, the frame and the support
for her paintings, which she twists, turns and metamorphoses endlessly. A
gradual conquest towards other dimensions, other potential spaces beyond the
imposed framework.” – Catherine Henkinet
********** Français **********
“Les œuvres récentes (2023-2024) ici présentées déclinent les nombreuses
potentialités qu’offre la peinture tout en s’ouvrant à d’autres techniques : le
dessin, la broderie, la céramique. Son travail est sans cesse changeant,
protéiforme car l’artiste joue avec les composantes matérielles de ses œuvres
comme la toile, le châssis ou le support de ses peintures qu’elle détourne,
retourne et métamorphose à l’envi. Une conquête progressive vers d’autres plans,
d’autres espaces possibles hors du cadre imposé. ” – Catherine Henkinet
********** Nederlands **********
"De recente werken (2023-2024) die hier worden gepresenteerd verkennen de vele
mogelijkheden van de schilderkunst, terwijl ze zich ook openstellen voor andere
technieken zoals tekenen, borduren en keramiek. Haar werk is steeds veranderend
en veelzijdig. De kunstenaar speelt met de materiële componenten van haar
werken, zoals het doek, het frame en de drager van haar schilderijen, die ze
eindeloos verdraait, draait en metamorfoseert. Een geleidelijke verovering naar
andere dimensies, andere potentiële ruimtes buiten het opgelegde kader." -
Catherine Henkinet
********** English **********
Since 2012, Louidgi Beltrame has been conducting research in Peru which has led
him to investigate the Nazca geoglyphs and film the practice of José Levis Picón
Saguma, a curandero (traditional healer or shaman). Through films, photographs,
ink drawings on canvas, and a sculpture produced for his exhibition at La Loge,
the artist explores the liminal figure of the huaquero ('clandestine grave
digger'). By maintaining links with the past, huaquería—or clandestine
excavation—could be seen as a form of resistance to colonisation and a forced,
rational interpretation of the world. Here, traditions, spirits, and ancestors
are kept alive by owing to transactional gestures and the transmission of
knowledge.
The exhibition at La Loge is presented in partnership with le Centre d’art
contemporain d’Ivry — le Crédac.
********** Français **********
Depuis 2012, Louidgi Beltrame développe une recherche au Pérou, laquelle l’a
mené à expérimenter les géoglyphes de Nazca, ou à filmer la pratique du
curandero (guérisseur traditionnel ou chamane) José Levis Picón Saguma. À
travers des films, des photos, des encres sur toile et une sculpture, produits
pour l’exposition présentée à La Loge, l’artiste s’intéresse à la figure
liminale du huaquero (« fouilleur de tombes clandestin »). La huaquería —
c’est-à-dire la fouille clandestine — pourrait être perçue comme une forme de
résistance à la colonisation et à l’imposition d’une lecture rationnelle du
monde, en permettant d’assurer des liens avec le passé. Ici, entre les gestes de
transactions et les transmissions de savoirs, traditions, esprits et ancêtres
demeurent vivant·es.
********** Nederlands **********
Sinds 2012 doet Louidgi Beltrame onderzoek in Peru. Zo onderzocht hij de
geogliefen van Nazca en filmde hij de praktijk van de curandero (traditionele
genezer of sjamaan) José Levis Picón Saguma. De tentoonstelling in La Loge richt
zich aan de hand van films, foto's, inktwerken op doek en een sculptuur, op de
liminale figuur van de huaquero, een persoon die illegale opgravingen uitvoert
op precolumbiaanse vindplaatsen. Huaquería – of clandestiene opgraving – kan
worden gezien als een vorm van verzet tegen de kolonisatie en tegen het
opdringen van een rationele kijk op de wereld , omdat het de banden met het
verleden behoudt. Hierdoor blijven tradities, geesten en voorouders levend, te
midden van het uitvoeren van transacties en het overdragen van kennis.
********** English **********
Designed to intrigue and captivate, the Tomb of Saint Acidule stands out at
first glance with its luminous exterior, drawing visitors closer to discovering
its mystery. The structure, a bold combination of steel and Plexiglas, fuses
past and future elements, reflecting the philosophy of Saint Acidule, who never
ceased to defy the customs of her time.
The spellbinding illustrations that adorn the tomb’s exterior are the work of
contemporary artist Elzo Durt, known for his mastery of surrealist art. These
enigmatic images transport viewers into the complex and mystical world of Saint
Acidule, with swirling floral motifs and figures that seem to dance in harmony
with the spirit of Art Nouveau.
Inside, another dimension is unveiled. The darkness invites visitors to plunge
into her tomb. Here, the legacy of Saint Acidule comes to life, revealing her
passions and contradictions and capturing the very essence of this extraordinary
woman.
The Tomb of Saint Acidule transcends the boundaries of a simple art installation
to become a fully-fledged experience of this historic site.
It is a vibrant tribute to an unconventional soul, to her love of Art Nouveau
and her psychedelic explorations that we invite you to discover.
Immerse yourself in the captivating world of Saint Acidule, a free woman from
the imagination whom we would have loved to meet.
********** Français **********
Conçu pour intriguer et captiver, le Tombeau de sainte Acidule se distingue dès
le premier regard par son extérieur lumineux, attirant les visiteurs à
s'approcher et à découvrir son mystère. Cette structure qui combine
audacieusement l'acier et le plexiglass, fusionne les éléments du passé et du
futur, reflétant ainsi la philosophie de sainte Acidule qui ne cessait de défier
les conventions de son époque.
Les illustrations envoûtantes qui ornent l'extérieur du tombeau sont l'œuvre de
l'artiste contemporain Elzo Durt, connu pour sa maîtrise de l'art surréaliste.
Ces images énigmatiques transportent les spectateurs dans l'univers complexe et
mystique de sainte Acidule, avec des motifs floraux tourbillonnants et des
figures qui semblent danser en harmonie avec l'esprit de l'Art nouveau.
À l'intérieur, une autre dimension se révèle. L'obscurité invite les visiteurs à
plonger dans sa tombe. C'est ici que l'héritage de sainte Acidule prend vie,
offrant ses passions et ses contradictions, capturant ainsi l'essence même de
cette femme extraordinaire.
Le Tombeau de sainte Acidule transcende les limites d'une simple installation
artistique pour devenir une expérience à part entière à travers ce lieu de notre
patrimoine chargé d’histoire.
C’est donc un hommage vibrant à une âme non conventionnelle, à son amour pour
l'Art nouveau et ses explorations psychédéliques que nous vous invitons à
découvrir.
Plongez dans l'univers captivant de sainte Acidule. Femme libre sortie de
l’imaginaire que nous aurions aimé rencontrer.
Œuvre réalisée suite à l’appel à collaboration lancé par Urban et l’asbl
Patrimoine & Culture aux acteurs culturels et associatifs bruxellois dans le
cadre de l'Année Art nouveau 2023 sous la coordination générale du Commissaire
Paul Dujardin.
********** Nederlands **********
Het graf van de heilige Acidule, ontworpen om te intrigeren en te boeien, valt
op het eerste gezicht op door zijn lichtgevende buitenkant en trekt bezoekers
dichterbij om zijn mysterie te ontdekken. De structuur, een gedurfde combinatie
van staal en plexiglas, versmelt elementen uit het verleden en de toekomst en
weerspiegelt de filosofie van de heilige Acidule, die nooit ophield de
conventies van haar tijd te tarten.
De betoverende illustraties die de buitenkant van het graf sieren, zijn het werk
van de hedendaagse kunstenaar Elzo Durt, bekend voor zijn meesterschap in
surrealistische kunst. Deze raadselachtige afbeeldingen nemen de kijkers mee
naar de complexe en mystieke wereld van de heilige Acidule, met wervelende
bloemmotieven en figuren die lijken te dansen in harmonie met de geest van Art
Nouveau.
Binnenin wordt een andere dimensie onthuld. De duisternis nodigt bezoekers uit
om in haar graf te duiken. Hier komt de nalatenschap van de heilige Acidule tot
leven, met haar passies en tegenstrijdigheden, die de essentie van deze
buitengewone vrouw vastleggen.
Het graf van de heilige Acidule overstijgt de grenzen van een eenvoudige
kunstinstallatie. Deze plek wordt een volwaardige ervaring van ons erfgoed dat
doordrenkt is van geschiedenis.
Het is een levendig eerbetoon aan een onconventionele ziel, aan haar liefde voor
Art Nouveau en haar psychedelische verkenningen, die we je uitnodigen te
ontdekken.
Dompel jezelf onder in de fascinerende wereld van de heilige Acidule. Een vrije
vrouw uit de verbeelding die we graag hadden ontmoet.
********** English **********
The animal kingdom has long been a source of inspiration for both the visual
arts and jewellery.
True to their philosophy of wearable contemporary jewellery, but also driven by
a sense of humour and the offbeat, Hectare's gallery owners have selected six
artists from near and far to put wildlife in the spotlight. Bestiaire Star
ventures into disturbing, surprising and seductive territory, populated by
hybrid creatures.
The creations of Miriam Arentz, Monika Brugger, Benedikt Fischer, Lore
Langendries, Märta Mattsson and Vivienne Varay play on attraction and repulsion,
without avoiding the question of the materials used: imitated or real,
reinvented or recycled.
The bestiary - an educational picture book - becomes a cabinet of curiosities.
Where the trivial is adorned with the precious, where the object becomes a
story, where the familiar is hijacked and emboldened to the brink of the
strange.
Hectare's Bestiaire Star exhibition is part of the Be.Tour for the second
edition of Brussels Jewellery Week from 25 to 28 April 2024. A festival that
highlights contemporary jewellery and brings together 15 Brussels and
international galleries.
********** Français **********
Le règne animal inspire de longue date tant les arts visuels que les éléments de
parure.
Fidèles à leur philosophie du bijou contemporain portable, mues aussi par un
sens certain de l’humour et du décalage, les galeristes d’Hectare ont
sélectionné six artistes d’ici et d’ailleurs pour mettre la faune à l’honneur.
Bestiaire Star s’aventure dans des territoires inquiétants, surprenants,
séduisants, peuplés d’hybrides créatures.
Les créations de Miriam Arentz, Monika Brugger, Benedikt Fischer, Lore
Langendries, Märta Mattsson et Vivienne Varay mettent en jeu l’attraction et la
répulsion, sans esquiver la question des matériaux convoqués: imités ou
véritables, réinventés ou recyclés.
Le bestiaire – cet imagier à visée éducative – se mue ici en cabinet de
curiosités. Où le trivial se pare de précieux, où l’objet devient histoire, où
la familiarité détournée s’enhardit jusqu’à tutoyer l’étrange.
L’exposition Bestiaire Star d’Hectare s’inscrit dans le Be.Tour de la seconde
édition de la Brussels Jewellery Week du 25 au 28 avril 2024. Un festival qui
met en lumière le bijou contemporain et qui regroupe 15 galeries bruxelloises et
internationales.
********** Nederlands **********
Het dierenrijk is al lang een bron van inspiratie voor zowel de beeldende kunst
als sieraden.
Trouw aan hun filosofie van draagbare hedendaagse sieraden, maar ook gedreven
door gevoel voor humor en het onconventionele, hebben de galeriehouders van
Hectare zes kunstenaars van heinde en verre geselecteerd om wilde dieren in de
schijnwerpers te zetten. Bestiaire Star begeeft zich op verontrustend,
verrassend en verleidelijk terrein, bevolkt door hybride wezens.
De creaties van Miriam Arentz, Monika Brugger, Benedikt Fischer, Lore
Langendries, Märta Mattsson en Vivienne Varay spelen met aantrekking en
afstoting, zonder de kwestie van de gebruikte materialen uit de weg te gaan:
nagemaakt of echt, opnieuw uitgevonden of gerecycled.
Het bestiarium - een educatief prentenboek - wordt een rariteitenkabinet. Waar
het triviale wordt opgesierd met het kostbare, waar het object een verhaal
wordt, waar het vertrouwde wordt gekaapt en uitvergroot tot het randje van het
vreemde.
De tentoonstelling Bestiaire Star van Hectare maakt deel uit van de Be.Tour voor
de tweede editie van de Brussels Jewellery Week van 25 tot 28 april 2024. Een
festival dat hedendaagse juwelen in de kijker zet en 15 Brusselse en
internationale galerijen samenbrengt.
NL / De Elsense geologe Marie Anne Maniet toont een reeks foto’s over de
Maalbeekvallei. Met haar foto's wil ze de aanwezigheid van dit verdwenen water
en de vallei opnieuw laten voelen.
FR / La géologue ixelloise Marie Anne Maniet présente une série de photos sur la
vallée de Maelbeek. Avec ses photos, elle souhaite faire sentir à nouveau la
présence de cette eau évaporée et de la vallée.
Vernissage 27.04 18:00 Gratis/Gratuit
Expo: 27.04 > 31.05 Visits on weekdays 09:00-20:00