À flor da pele

Description


********** English **********

A glass. A mug. A plate. A spoon. A fork. A knife. Chopsticks. A bowl. A cup. A kettle. A pot. A pan. A tablecloth. A candle.

What are we feeding? Why are we here? What do you want to give? What are you receiving? Where is it coming from? Do you think with your mouth? Did someone make it for you? Do you sometimes make it for yourself? What stayed? Did you bring it with you? Do you miss it? Do you miss them? Can you share it with others? Do you want more? Did you have enough? Are you going inside? Is it there? Can you find it?

À flor da pele is about emotions being so present as if they were at the surface of the skin, where skin is as soft and fragile as a flower, and you could be on the verge of blooming or exploding. It is a portuguese expression that directly translates to "flower of the skin".

Drawing from the emotions felt by the experiences of immigration and loss, a space of warmth is created, conjuring memories of friendship, home and community. Embracing the present and the past with stories of people and the knowledge received from them.

In this performance, we meditate on practices of care, by evoking memories and rituals deriving from our origins, objects and foods carried through time along with their stories of grief and love.

Do you feel warm now?

Matilde Gazeau Frade is a Portuguese artist and book designer based in Brussels. She works around devotion and grief, love and loss, the everyday and the poetic, the slowness and the complexity of the artistic practice which take form in books, performances, installations, poems and lists of feelings.


Sara Pasternacki is a Portuguese artist based in Brussels. Sara’s approach to art has been characterized by her interest in creating a bridge between our inner and outer worlds, to play and bring into the physical realm people's desires, fantasies, stories and experiences. Her research finds its form and shapes in performance, installation and drawing.


********** Français **********

Un verre. Une tasse. Une assiette. Une cuillère. Une fourchette. Un couteau. Des baguettes. Un bol. Une tasse. Une bouilloire. Une marmite. Une casserole. Une nappe. Une bougie.

Que nourrissons-nous ? Pourquoi sommes-nous ici ? Que voulez-vous donner ? Que recevez-vous ? D'où cela vient-il ? Pensez-vous avec votre bouche ? Est-ce que quelqu'un l'a fait pour vous ? Vous arrive-t-il de le faire vous-même ? Qu'est-ce qui est resté ? L'avez-vous emporté avec vous ? Cela vous manque-t-il ? Vous manquent-ils ? Pouvez-vous le partager avec d'autres ? En voulez-vous plus ? En avez-vous eu assez ? Allez-vous à l'intérieur ? Est-ce que c'est là ? Pouvez-vous le trouver ?

À flor da pele parle d'émotions présentes comme à la surface de la peau, où la peau est aussi douce et fragile qu'une fleur, et où l'on peut être sur le point d'éclore ou d'exploser. Il s'agit d'une expression portugaise qui se traduit directement par "fleur de la peau".

S'inspirant des émotions ressenties lors des expériences d'immigration et de perte, un espace de chaleur est créé, évoquant des souvenirs d'amitié, de maison et de communauté. Embrassant le présent et le passé avec des histoires de personnes et des enseignements reçus d'elles.

Dans cette performance, nous méditons sur les pratiques de soins, en évoquant des souvenirs et des rituels dérivés de nos origines, des objets et des aliments transportés à travers le temps avec leurs histoires de chagrin et d'amour.

Avez-vous chaud maintenant ?

Matilde Gazeau Frade (elle, la) est une artiste et designeuse de livres portugaise basée à Bruxelles. Elle parle d’hommage et de deuil, d’amour et de perte, du quotidien et du poétique, de la lenteur et de la complexité de la pratique artistique, du mal du pays et de la solitude à travers ses livres, performances, installations, poèmes et listes sentimentales.

Sara Pasternacki (elle, la) est une artiste portugaise basée à Bruxelles. L'approche artistique de Sara se caractérise par son intérêt pour la création d'un pont entre nos mondes intérieur et extérieur, pour jouer et transposer dans le domaine physique les désirs, les fantasmes, les histoires et les expériences des gens. Ses recherches prennent forme à travers la performance, l'installation et le dessin.

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Chattes sur un toi brûlant Colette Collerette présente "Chattes sur un toi brûlant" - Burlesque Show Avec Colette Collerette, Petula Goldfever, Edgar Falzar et Ernesto Coyotte. On n'est pas là pour poser du lino ! --- Le Cabaret Mademoiselle vous accueille chaque semaine dans son humble demeure pour des performances étonnantes et décoiffantes ! Ouverture des portes à 20h00. Performances en plusieurs parties dès 21h00.
********** English ********** With his first solo exhibition in Belgium, Hsu Che-Yu presents a series of objects and works that together form an original landscape on the idea of mourning. The impressive triptych Three Episodes of Mourning Exercises takes centre stage, consisting of three of his latest video works and as many stories about loss. Zoo Hypothesis recounts the animal-to-animal mourning ritual created by zookeepers who trained animals to kneel and perform gestures of worship to commemorate animals that have died due to warfare. In Blank Photograph, the memories of a terrorist bomber are juxtaposed with his brother's suicide in the family home, presenting death as a tension between the individual and the collective. Finally, Gray Room is a tribute to the artist's deceased grandmother, recalling the experience of bodily perception in her house while contemplating death and memory from a material perspective. To produce his video works, Che-Yu works with the 3D scanning technique also used by the Taiwanese police to collect forensic evidence, identify fragmented or decomposing bodies and examine crime scenes. Multiple exercises in mourning that explore the representations, constructions and alienations of memory and death as an intimate event. A breathtaking experience. ********** Français ********** Pour sa première exposition en Belgique, Hsu Che-Yu présente une série d’objets et d’œuvres qui créent ensemble un paysage inédit sur l’idée du deuil, dont l’impressionnant triptyque Three Episodes of Mourning Exercises. Composé de trois vidéos, il nous raconte autant de façons de se représenter la mort. Zoo Hypothesis relate le rituel de deuil animalier créé par des gardien·nes de zoo de Taipei, qui ont entraîné des animaux à se prosterner pour commémorer des animaux morts à la suite de la deuxième guerre mondiale. Dans Blank Photograph, les souvenirs d’un auteur d’attentats à la bombe sont juxtaposés au suicide de son frère dans la maison familiale, représentant le décès comme objet de tension entre l’individu et la collectivité. Gray Room est un hommage à la grand-mère de l’artiste, qui rappelle l’expérience physique vécue dans sa maison à partir d’une perspective matérielle de la mémoire. Pour réaliser ces œuvres vidéographiques, Che-Yu se sert de la technique de scanning 3D, aussi utilisée par la police taïwanaise pour recueillir des preuves médico-légales, identifier des corps fragmentés ou examiner des scènes de crime. Des exercices de deuil qui explorent les représentations, les constructions et les aliénations de la mémoire et la mort en tant qu’événement intime. Une expérience à couper le souffle. ********** Nederlands ********** Met zijn eerste solotentoonstelling in België presenteert Hsu Che-Yu een reeks objecten en werken die samen een bijzonder landschap vormen rond het idee van rouw. Het indrukwekkende drieluik Three Episodes of Mourning Exercises staat centraal, bestaande uit drie van zijn recentste videowerken die elk een verhaal van verlies vertellen. Zoo Hypothesis zoomt in op een dier-tot-dier rouwritueel, waarbij verzorgers dieren trainden om andere – door oorlogsgeweld omgekomen – dieren te herdenken. In Blank Photograph worden de herinneringen van een terroristische bommenlegger en de zelfmoord van zijn broer in het ouderlijke huis naast elkaar geplaatst, waarbij de dood verschijnt als een spanning tussen het individu en het collectief. Gray Room, tot slot, is een eerbetoon aan de overleden grootmoeder van de kunstenaar. Het werk brengt de fysieke ervaring van haar huis in herinnering, en benadert de dood en het geheugen vanuit een materieel perspectief. Voor de creatie van deze video-installatie werkt Che-Yu met de 3D-scantechniek die ook door de Taiwanese politie wordt gebruikt om forensisch bewijs te verzamelen, lichamen te identificeren en plaatsen delict te onderzoeken. Meerdere oefeningen in rouw die de representaties, constructies en vervormingen van het geheugen, en de dood als intieme gebeurtenis verkennen. Een adembenemende ervaring.
********** English ********** Under 30? Then make sure to attend our operas on the Young Opera Nights: one date in the run when you and hundreds of other young opera lovers enjoy a free reception and an exclusive event. The Turn of the Screw (10.5) Catch your breath after this thriller during a free reception, followed by an aftertalk (in French) with principal cello Sébastien Walnier. Tickets    Turandot (27.6) Start ticket sale: May 3 In the new 2024-25 season, we treat you to a personal welcome, a free drink, a free programme book and an after-event for the following productions: Siegfried (28.9.2024) The Time of Our Singing (25.10.2024) Fanny and Alexander (13.12.2024) Götterdämmerung (15.2.2025) I Grotteschi - Part I: Miro (17.4.2025) I Grotteschi - Part I: Godo (2.5.2025) Carmen (14.6.2025) GET YOUR FREE 'YOUNG OPERA' MEMBERSHIP HERE ********** Nederlands ********** Jonger dan 30? Woon onze opera’s dan zeker bij op de Young Opera Nights: één datum in de speelreeks waarop we je samen met honderden andere jonge operaliefhebbers persoonlijk onthalen op een gratis receptie en exclusief event. The Turn of the Screw (10.5) Kom even op adem na deze thriller tijdens een gratis receptie, gevolgd door een aftertalk (in het Frans) met onze eerste cellist Sébastien Walnier.   Tickets    Turandot (27.6) Start ticketverkoop: 3 mei In het nieuwe seizoen 2025-25 geniet je van een gratis drankje en programmaboek, een persoonlijk onthaal en een after-event bij de volgende voorstellingen: Siegfried (28.9.2024) The Time of Our Singing (25.10.2024) Fanny and Alexander (13.12.2024) Götterdämmerung (15.2.2025) I Grotteschi - Part I: Miro (17.4.2025) I Grotteschi - Part I: Godo (2.5.2025) Carmen (14.6.2025) WORD GRATIS LID VAN ‘YOUNG OPERA’ ********** Français ********** Vous avez moins de 30 ans ? Alors, ne manquez pas nos soirées « Young Opera » : une soirée pour chaque production d’opéra, où nous vous accueillons vous et d’autres jeunes amateurs, et où vous profitez d’une réception gratuite et d’un événement exclusif. The Turn of the Screw (10.5) Détendez vous après ce thriller haletant avec une réception gratuite suivie d'un aftertalk en compagnie de notre violoncelliste Sébastien Walnier (en français)   Tickets   Turandot (27.6) Ouverture de vente : 3 mai Dans la nouvelle saison 2024-25, vous profitez d’un accueil personnalisé, d’une boisson gratuite, d’un programme offert et d’une rencontre après les représentations suivantes : Siegfried (28.9.2024) The Time of Our Singing (25.10.2024) Fanny and Alexander (13.12.2024) Götterdämmerung (15.2.2025) I Grotteschi - Part I: Miro (17.4.2025) I Grotteschi - Part I: Godo (2.5.2025) Carmen (14.6.2025) ADHÉREZ GRATUITEMENT À « Young Opera »
********** English ********** Our opening party will take you on a global ride of sounds. DJ ********** Français ********** Notre soirée d'ouverture va vous plonger dans un mix de sons et d’ambiance. C’est le DJ ********** Nederlands ********** Het openingsfeest neemt je mee op een trip van verschillende geluiden en sferen. DJ
A one-off collaboration between American singer, poet and guitarist Mike Doughty (founder and frontman of Soul Coughing, one half of Ghost of Vroom), American cellist and bassist Andrew ‘Scrap’ Livingston (the other half of Ghost of Vroom) and Belgian producers Husk Husk (KVS, Victoria & Albert Museum (UK), ARKO Arts Theater (KR), Ex Elettrofonica (IT)), and London-based, Korean choreographer Sung Im Her (P.A.R.T.S, Needcompany, The Place (UK)), and Greek dancer, performer and choreographer Martha Pasakopoulou (Marina Abramovic, Tino Sehgal). Artwork: Daniel Sterckx (Créahmbxl)
********** English ********** Nacera Belaza is known for her meticulous, minimalist and mesmerising choreography. Born in Algeria and now living in France, she translates diverse influences and dance traditions into addictive kinetic scores which cannot leave you unmoved. This is dance in its purest form, which needs to be experienced rather than understood. Two core research principles in Belaza’s body of work are ‘the circle’ and ‘rhythm’. In previous creations presented at the festival, Le Cercle (2019) and L’Onde (2021), she uncovered these research principles separately with determination and depth. Now they come together for the first time: on the one hand, the power of the circle in space, tracing its orbit around an unchanging centre, as if organising the disorder of disparate lives; on the other, the rhythm digging into time, lifting up bodies to grant them a dazzling freedom. Combined, the confrontation becomes a ritual practice opening up to a perpetual motion, a loophole to infinity. In this unique experience, the audience surrounds the dancers to contain their incredible energy. Not to be missed! ********** Français ********** Nacera Belaza est connue pour ses chorégraphies méticuleuses, minimalistes et envoûtantes. Née en Algérie et résidant actuellement en France, elle a développé une pratique chorégraphique qui traduit des influences et des traditions de danse diverses en des partitions cinétiques captivantes qui ne peuvent laisser indifférent·e. C'est de la danse dans sa forme la plus pure, qui s’expérimente plus qu’elle ne se comprend. Dans Le Cercle (2019) et L'Onde (2021), précédemment présentées au festival, elle travaillait successivement deux des principes de recherche fondamentaux de son œuvre, le cercle et le rythme. Avec La Nuée, Belaza réunit pour la première fois ces deux principes : d’une part, la puissance du cercle dans l’espace qui trace sa propre orbite autour d’un centre immuable, comme si on y organisait le désordre de vies disparates ; d’autre part, le rythme qui creuse le temps et soulève les corps pour leur accorder une liberté fulgurante. Une confrontation qui se transforme en une pratique rituelle et s’ouvre sur un mouvement perpétuel, voire une faille vers l’infini. Une expérience unique à ne pas manquer, avec une énergie incroyable contenue par le public assis en cercle autour des danseur·euses. ********** Nederlands ********** Nacera Belaza – geboren in Algerije en nu gevestigd in Frankrijk – staat bekend om haar precieze, minimalistische en betoverende choreografieën. Ze vertaalt diverse invloeden en danstradities in verslavende kinetische composities die niet onberoerd laten. Het is dans in zijn puurste vorm, die eerder ervaren dan begrepen wil worden. Twee kernprincipes in het werk van Belaza zijn ‘de cirkel’ en ‘ritme’. In Le Cercle (2019) en L’Onde (2021), eerder te zien op het festival, legde ze deze onderzoeksprincipes ieder afzonderlijk. Nu komen ze voor het eerst samen: enerzijds de kracht van de cirkel in de ruimte, die zijn baan trekt rond een onveranderlijk middelpunt, alsof het de wanorde van uiteenlopende levens organiseert; anderzijds het ritme dat in de tijd graaft en lichamen optilt om ze een duizelingwekkende vrijheid te schenken. Door de confrontatie tussen beide ontstaat een rituele praktijk die zich ontvouwt tot een eeuwigdurende beweging, een achterpoortje naar de oneindigheid. Een unieke ervaring waarbij het publiek in een cirkel rond de onbedwingbare energie van de dansers zit. Niet te missen!
********** English ********** Nacera Belaza is known for her meticulous, minimalist and mesmerising choreography. Born in Algeria and now living in France, she translates diverse influences and dance traditions into addictive kinetic scores which cannot leave you unmoved. This is dance in its purest form, which needs to be experienced rather than understood. Two core research principles in Belaza’s body of work are ‘the circle’ and ‘rhythm’. In previous creations presented at the festival, Le Cercle (2019) and L’Onde (2021), she uncovered these research principles separately with determination and depth. Now they come together for the first time: on the one hand, the power of the circle in space, tracing its orbit around an unchanging centre, as if organising the disorder of disparate lives; on the other, the rhythm digging into time, lifting up bodies to grant them a dazzling freedom. Combined, the confrontation becomes a ritual practice opening up to a perpetual motion, a loophole to infinity. In this unique experience, the audience surrounds the dancers to contain their incredible energy. Not to be missed! ********** Français ********** Nacera Belaza est connue pour ses chorégraphies méticuleuses, minimalistes et envoûtantes. Née en Algérie et résidant actuellement en France, elle a développé une pratique chorégraphique qui traduit des influences et des traditions de danse diverses en des partitions cinétiques captivantes qui ne peuvent laisser indifférent·e. C'est de la danse dans sa forme la plus pure, qui s’expérimente plus qu’elle ne se comprend. Dans Le Cercle (2019) et L'Onde (2021), précédemment présentées au festival, elle travaillait successivement deux des principes de recherche fondamentaux de son œuvre, le cercle et le rythme. Avec La Nuée, Belaza réunit pour la première fois ces deux principes : d’une part, la puissance du cercle dans l’espace qui trace sa propre orbite autour d’un centre immuable, comme si on y organisait le désordre de vies disparates ; d’autre part, le rythme qui creuse le temps et soulève les corps pour leur accorder une liberté fulgurante. Une confrontation qui se transforme en une pratique rituelle et s’ouvre sur un mouvement perpétuel, voire une faille vers l’infini. Une expérience unique à ne pas manquer, avec une énergie incroyable contenue par le public assis en cercle autour des danseur·euses. ********** Nederlands ********** Nacera Belaza – geboren in Algerije en nu gevestigd in Frankrijk – staat bekend om haar precieze, minimalistische en betoverende choreografieën. Ze vertaalt diverse invloeden en danstradities in verslavende kinetische composities die niet onberoerd laten. Het is dans in zijn puurste vorm, die eerder ervaren dan begrepen wil worden. Twee kernprincipes in het werk van Belaza zijn ‘de cirkel’ en ‘ritme’. In Le Cercle (2019) en L’Onde (2021), eerder te zien op het festival, legde ze deze onderzoeksprincipes ieder afzonderlijk. Nu komen ze voor het eerst samen: enerzijds de kracht van de cirkel in de ruimte, die zijn baan trekt rond een onveranderlijk middelpunt, alsof het de wanorde van uiteenlopende levens organiseert; anderzijds het ritme dat in de tijd graaft en lichamen optilt om ze een duizelingwekkende vrijheid te schenken. Door de confrontatie tussen beide ontstaat een rituele praktijk die zich ontvouwt tot een eeuwigdurende beweging, een achterpoortje naar de oneindigheid. Een unieke ervaring waarbij het publiek in een cirkel rond de onbedwingbare energie van de dansers zit. Niet te missen!
********** Français ********** L'intention de ce spectacle est de visibiliser auprès de toustes les questions de genre et LGBTQIA+. La conférence invite les jeunes et les moins jeunes à se questionner sur l'orientation sexuelle et l'identité de genre. Avec un message de lutte contre les discriminations, elle analyse et décrit les mouvements de luttes des personnes LGBTQIA+. Un personnage de conférencière psychorigide et loufoque mène avec précision le déroulé de son intervention, tandis que les souvenirs qui la submergent se dévoilent en slam. A mi-chemin entre la conférence qui apporte des savoirs théoriques et le récit de vie, le parcours d’une personne au cœur du sigle de L jusqu’à Q. Ponctuée de jeux, d'échanges et d'humour, elle rend accessible et décrypte l'histoire d'une lutte. La conférence parodiée est suivie d'un échange avec le public. ********** Nederlands ********** Het doel van de show is om mensen bewust te maken van gender- en LGBTQIA+-kwesties. De conferentie nodigt jong en oud uit om hun seksuele geaardheid en genderidentiteit in twijfel te trekken. Met een anti-discriminatie boodschap analyseert en beschrijft ze de strijd van LGBTQIA+ mensen. Een psychorigide en maffe spreker leidt de procedure met precisie, terwijl de herinneringen die haar overweldigen worden onthuld in slam poetry. Halverwege tussen een lezing met theoretische kennis en een levensverhaal, de reis van een persoon in het hart van het acroniem van L naar Q. Doorspekt met spelletjes, uitwisselingen en humor wordt het verhaal van een worsteling toegankelijk gemaakt en ontcijferd. De geparodieerde lezing wordt gevolgd door een discussie met het publiek. ********** English ********** The aim of the show is to raise awareness of gender and LGBTQIA+ issues. The conference invites young and old alike to question their sexual orientation and gender identity. With an anti-discrimination message, she analyses and describes the struggles of LGBTQIA+ people. A psychorigid and zany lecturer leads the proceedings with precision, while the memories that overwhelm her are revealed in slam poetry. Halfway between a lecture providing theoretical knowledge and a life story, the journey of a person at the heart of the acronym from L to Q. Punctuated by games, exchanges and humour, it makes the story of a struggle accessible and deciphers it. The parodied lecture is followed by a discussion with the audience.
********** English ********** ‘Die Kunst der Fuge occupies an almost mythical place in the oeuvre of Johann Sebastian Bach. Not only on account of its vast scope and impenetrability, but also because Bach worked on it until his death, which gives the listener the impression that this is his musical testament.’ — Bernard Foccroulle Anne Teresa De Keersmaeker continues her exploration of Johann Sebastian Bach’s oeuvre with the work that, in a sense, is the pinnacle of his life’s work: Die Kunst der Fuge. The remarkable thing about this cycle of eighteen canons and fugues, performed live by Bernard Foccroulle on the organ of the Cathedral of St Michael and St Gudula, is the exceptional power of imagination that emanates from what is ultimately a minimum of musical material: the first theme consists of only twelve notes, spread over four measures. The choreography, developed with Radouan Mriziga, starts out from the same principle by working on four lines and in the intermediate space. In addition, the choreography is also inspired by the circumstances in which Bach composed Die Kunst der Fuge. He worked on this cycle until the end of his life, and the final fugue, composed with the musical notes reflecting the letters of his surname, was never finished. This incompleteness resonates forcefully with our current sense of powerlessness as we face a global catastrophe, despite being at the height of our powers. THIS Production is part of TROIKA DANCE ********** Français ********** « Die Kunst der Fuge occupe une place mythique dans l’œuvre de J.S. Bach, tant en raison de son ampleur et de sa densité que parce qu’elle nous parvient inachevée. Bach travaillait à son édition au moment de sa mort, ce qui lui confère une dimension testamentaire. » – Bernard Foccroulle Anne Teresa De Keersmaeker poursuit son exploration de l’œuvre de Johann Sebastian Bach avec la pièce qui en constitue d’une certaine manière le couronnement : Die Kunst der Fuge. Ce qui frappe dans ce cycle de dix-huit canons et fugues, interprété en direct par Bernard Foccroulle sur l’orgue de la cathédrale Saints-Michel-et-Gudule, c’est l’extraordinaire imagination qui se déploie à partir d’un matériau musical en fin de compte minimal : le thème initial compte douze notes seulement, réparties sur quatre mesures.  La chorégraphie, créée en collaboration avec Radouan Mriziga, suit le même principe et est construite selon quatre lignes et l’espace qui les sépare. Elle s’inspire également des circonstances dans lesquelles Bach a composé son Die Kunst der Fuge. Il a travaillé à ce cycle jusqu’à la fin de sa vie, et la dernière fugue, composée sur les notes correspondant aux lettres de son patronyme dans la notation musicale allemande, est restée inachevée. Cette incomplétude entre en forte résonance avec notre sentiment actuel d’impuissance au seuil d’une catastrophe planétaire, et ce, alors que nous avons atteint des sommets de savoir-faire. ********** Nederlands ********** “Die Kunst der Fuge neemt een bijna mythische plaats in binnen het oeuvre van Johann Sebastian Bach. Niet alleen door zijn enorme reikwijdte en ondoordringbaarheid, maar ook omdat Bach er tot zijn dood aan heeft gewerkt, wat de luisteraar de indruk geeft dat het hier om zijn muzikale testament gaat.” — Bernard Foccroulle Anne Teresa De Keersmaeker zet haar verkenning van het œuvre van Johann Sebastian Bach verder met het werk dat er in zekere zin de bekroning van vormt: Die Kunst der Fuge. Opmerkelijk aan deze cyclus van achttien canons en fuga’s, door Bernard Foccroulle live uitgevoerd op het orgel van de Sint-Michiels- en Sint-Goedelekathedraal, is de buitengewone verbeeldingskracht die voortvloeit uit wat uiteindelijk een minimum aan muzikaal materiaal is: het eerste thema bestaat uit slechts twaalf noten, verspreid over vier maten. De choreografie, die samen ontwikkeld wordt met Radouan Mriziga, vertrekt vanuit hetzelfde principe door te werken op vier lijnen, en in de ruimte daartussen. Daarnaast is ze ook geïnspireerd door de omstandigheden waarin Bach Die Kunst der Fuge componeerde. Hij werkte tot het einde van zijn leven aan deze cyclus, en de laatste fuga, gecomponeerd met de muzieknoten die de letters van zijn achternaam weerspiegelen, werd nooit afgewerkt. Het is een onvolledigheid die sterk resoneert met ons huidige gevoel van machteloosheid, nu we oog in oog staan met een globale catastrofe, terwijl we ons op het hoogtepunt van ons kunnen bevinden. DEZE VOORSTELLING MAAKT DEEL UIT VAN TROIKA DANCE
********** Français ********** En tant que personnes LGBTQIA+ qui s’identifient avec un label, on a des difficultés à être vu.e.s de cette manière. Souvent, on est invalidé.e.s par des personnes qui ont une idée spécifique de qui on devrait être, avec des règles et des idées reçues qu’on nous impose afin de nous mettre dans une case. Dès qu’on n’adhère à ces critères, on nous retire les droits à cette identification. Cette soirée poésie laissera les poètes et poétesses queer participant.e.s s’exprimer sur leur expérience personnelle avec le label auquel iels s’identifient, et le sentiment d’illégitimité qui s’ensuit. Que cela soit à cause des autres personnes, ou de leur propre idée de qui iels devraient être pour mieux convenir. Un exposition photo mettant en lumière des photographes et modèles LGBTQIA+ sera également présentée lors de la soirée. Rejoignez-nous lors de cet événement qui brisera le silence sur cette validité stigmatisée! ********** Nederlands ********** Als LGBTQIA+ mensen die zich identificeren met een label, hebben we er moeite mee om op deze manier gezien te worden. We worden vaak ontkracht door mensen die een specifiek idee hebben van wie we zouden moeten zijn, met regels en vooropgezette ideeën die ons worden opgelegd om ons in een hokje te stoppen. Zodra we niet aan deze criteria voldoen, wordt ons het recht ontnomen om geïdentificeerd te worden. Tijdens deze poëzieavond kunnen de deelnemende queer dichters praten over hun persoonlijke ervaring met het label waarmee ze zich identificeren en het gevoel van illegitimiteit dat daaruit voortvloeit. Of dit nu komt door andere mensen, of door hun eigen idee van wie ze zouden moeten zijn om er beter bij te horen. Er is ook een fototentoonstelling met LGBTQIA+ fotografen en modellen. Kom naar dit evenement om het stilzwijgen over deze gestigmatiseerde validiteit te doorbreken! ********** English ********** As LGBTQIA+ people who identify with a label, we have difficulty being seen in this way. We are often invalidated by people who have a specific idea of who we should be, with rules and preconceived ideas imposed on us in order to put us in a box. As soon as we don't adhere to these criteria, our right to be identified is taken away. This poetry evening will allow the queer poets taking part to talk about their personal experience of the label with which they identify, and the feeling of illegitimacy that follows. Whether this is because of other people, or their own idea of who they should be to fit in better. There will also be a photo exhibition featuring LGBTQIA+ photographers and models. Join us at this event that will break the silence on this stigmatised validity!