Ces trois « Leçons » seront ancrées dans le département des antiquités
orientales, avec lequel l’artiste se sent une affinité toute particulière, au
point d’avoir, inconsciemment, recréé des œuvres qui y sont conservées. Dans ces
« Leçons » à deux voix, développées en conversation avec Ariane Thomas, elle
rendra la parole aux œuvres désormais silencieuses du département.
Le musée de la BnF
07december 2022
-31december 2022
58 Rue De Richelieu, 75002 Paris, France
Description
Le mardi de 10h à 20h (nocturne) Du mercredi au dimanche de 10h à 18h Fermé le lundi et les jours fériés Le musée est ouvert les 8 mai, jeudi de l’Ascension, 1er et 11 novembre Fermeture anticipée du site Richelieu les 24 et 31 décembre 2022 (15h00 – dernier créneau de visite du musée : 13h00) Ce billet ne donne accès qu'au musée de la BnF et non aux expositions temporaires. Gratuité du droit d’entrée au musée et aux expositions temporaires : moins de 26 ans (musée de la BnF), personnes invalides civiles et militaires et un accompagnateur par personne, personnes en situation de handicap, demandeurs d’emploi, allocataires des minima sociaux, demandeurs d’asile et réfugiés, Pass Education. Le nouveau musée de la BnF embrasse toute l’étendue des fonds de la Bibliothèque, de l'Antiquité à nos jours, et dévoile près de 900 œuvres exceptionnelles. Des pièces rares y sont exposées comme le Grand Camée de France ou le trône de Dagobert. Vous pouvez y découvrir des manuscrits enluminés ou des œuvres représentatives de moments fondateurs. Ces pièces extraordinaire côtoient des estampes de Rembrandt à Picasso, des photographies de Nadar à Capa, des objets et des costumes.
Tickets
Info:
- Standard - 11,70 €à 14,70 €
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Suggested events
"Timeshot" : voilà le nom de la toute première exposition solo de Saype à Paris
! Le célèbre land artiste français, dont les œuvres monumentales et éphémères
sont connues dans le monde entier, expose son travail à travers des
photographies et dessins à admirer au sein de la galerie Danysz du 26 avril au
15 juin 2024.
Si vous êtes un amoureux de Land Art, alors vous connaissez forcément l’artiste
français Guillaume Legros, plus connu sous le pseudo de Saype. Depuis 2015, le
land artiste dévoile sur les réseaux sociaux ses fascinantes et monumentales
œuvres éphémères, disséminées aux quatre coins du globe (Paris, Buenos Aires,
Liverpool, Genève, Turin, Istanbul, New York, Nairobi, Tokyo, Montréal, La
Plagne...).
Voilà bientôt 10 ans que Saype réalise ainsi des œuvres en noir et blanc et
grandeur nature à même le sol, principalement sur l’herbe, mais aussi parfois
sur la terre, le sable ou encore la neige. Objectif ? « Impacter les mentalités
sans impacter la nature » et, ce, grâce à une peinture dite "éco-responsable",
conçue essentiellement à base de craie et de charbon. « Ça m’a pris 3 ans de
recherche et développement et après 5 ans d'études environnementales » avait
expliqué l’artiste contemporain à nos confrères de France Info en 2023. Aussi,
ses œuvres, aussi poétiques qu’engagées, ont la particularité de s’effacer avec
la nature (herbe qui repousse) et la météo (pluie, orages...).
Il faut dire que le land artiste est du genre prolifique. Depuis 2015, Saype a
réalisé plus d’une cinquantaine d’œuvres, dont 19 autour de son fameux projet «
Beyond Walls ». Ce projet, qui a débuté en 2019 à Paris, dévoile des mains
entrelacées, qui se tendent, se serrent et s’unissent. Une œuvre engagée qui
veut avant tout faire passer un message positif et d’entraide à travers le
monde.
Un travail fascinant que la galerie Danysz a décidé de mettre à l’honneur ce
printemps en organisant la toute première exposition solo de Saype dans la
capitale. Intitulée « Timeshot », cette installation est à ne pas manquer du 26
avril au 15 juin 2024. Annoncée sur les trois niveaux de la galerie, cette
exposition entend témoigner des travaux de Saype à travers des photographies et
dessins du land artiste. Et comme l’entrée est libre, vous auriez vraiment tort
de vous en priver !
Pour couronner le tout, la galerie Danysz annonce un vernissage en présence de
Saype, prévu le jeudi 25 avril de 18h à 21h.
Célèbre pour ses toiles tressées, l'artiste Fran?ois Rouan expose cette fois-ci
à la galerie Templon une
quarantaine de tableaux photographiques inédits créés depuis 2020.
Pendant près de 40 ans, Rouan s'attache à la déconstruction de la notion de
tableau, à travers un
procédé nouveau qui deviendra sa marque de fabrique : le tressage pictural.
Cependant, dès la fin des années 1980, il se tourne vers la photographique, un
procédé qu'il explore et détourne sans relâche depuis 25 ans, en parallèle de
son travail de peintre.
L'exposition déploie une série d'oeuvres photographiques de petit format. Fruits
d'une insatiable expérimentation et exploration d'un medium insaisissable, les
clichés retravaillés se déclinent autour d'une palette volontairement
dépouillée. Tout en retenue, le noir et blanc se marie de temps à autre avec des
nuances corail ou saumon. Cette apparente simplicité chromatique laisse ainsi la
part belle à quelques-uns des questionnements métaphysiques et obsessionnels de
l'artiste : l'image du corps et le mystère de l'origine du monde. « Je suis
intéressée par l'idée de construire un cadre qui parle du corps féminin »
explique Fran?ois Rouan.
Célèbre pour ses toiles tressées, l'artiste Fran?ois Rouan expose cette fois-ci
à la galerie Templon une quarantaine de tableaux photographiques inédits créés
depuis 2020. Pendant près de 40 ans, Rouan s'attache à la déconstruction de la
notion de tableau, à travers un procédé nouveau qui deviendra sa marque de
fabrique : le tressage pictural. Cependant, dès la fin des années 1980, il se
tourne vers la photographique, un procédé qu'il explore et détourne sans relâche
depuis 25 ans, en parallèle de son travail de peintre.
L'exposition déploie une série d'oeuvres photographiques de petit format. Fruits
d'une insatiable expérimentation et exploration d'un medium insaisissable, les
clichés retravaillés se déclinent autour d'une palette volontairement
dépouillée. Tout en retenue, le noir et blanc se marie de temps à autre avec des
nuances corail ou saumon. Cette apparente simplicité chromatique laisse ainsi la
part belle à quelques-uns des questionnements métaphysiques et obsessionnels de
l'artiste : l'image du corps et le mystère de l'origine du monde. « Je suis
intéressée par l'idée de construire un cadre qui parle du corps féminin »
explique Fran?ois Rouan.
Le Musée Maillol à Paris consacre une exposition inédite au photographe Andres
Serrano du 30 avril au 13 octobre 2024.
La photo comme vous ne l'avez jamais vue ! Le Musée Maillol à Paris, en
partenariat avec l'agence Tempora, vous invite à découvrir une exposition
consacrée à Andres Serrano, un artiste qui transcende le cadre de la
photographie traditionnelle, du 30 avril au 13 octobre 2024. À travers cette
exposition, Andres Serrano, qui se définit comme un "artiste avec un appareil
photo", offre un regard sans concession sur des thèmes tels que la religion, la
politique, et les clivages sociaux qui animent l'Amérique d'aujourd'hui.
Andres Serrano, maître dans l'art du portrait, mélange la culture classique,
particulièrement la peinture ancienne, avec les éléments de la pop culture
moderne pour créer des œuvres uniques. Ses photographies, bien que parfois
controversées, sont une réflexion sur l'individu contemporain et les
contradictions de la société américaine. L'exposition met en lumière cette
dualité, illustrée notamment par le phénomène Donald Trump, qui est devenu à la
fois un symptôme et un emblème de cette société schizophrène. L'œuvre de
Serrano, par sa nature souvent provocatrice, invite le spectateur à un
questionnement profond sur les tabous d'une Amérique puritaine.
Le Musée Maillol propose donc une exposition particulièrement révélatrice, avec
plus de 100 clichés emblématiques d'Andres Serrano. L'occasion pour les
visiteurs de découvrir des œuvres qui ont parfois suscité le débat et même le
vandalisme. Certaines pièces, considérées comme choquantes, seront présentées
dans un espace dédié, permettant ainsi une exploration complète et sans censure
de l'œuvre de l'artiste. Ne vous reste plus qu'à y faire un tour !
Cette page peut contenir des éléments assistés par IA, plus d’information ici.
Par l'épée ou par la plume, Victor Hugo a mené plusieurs combats. Découvrez-les
dans l'exposition Victor Hugo s'escrime, présentée du 30 avril au 15 septembre
2024 dans la maison de l'écrivain, place des Vosges à Paris.
Sans conteste, Victor Hugo est l'une des plus grandes figures françaises du XIXe
siècle : il s'est illustré autant par ses œuvres que par ses engagements. La
Maison de Victor Hugo nous propose de redécouvrir ces différents
accomplissements, par le biais du combat et du duel.
Le musée parisien nous invite à venir admirer l'exposition Victor Hugo
s'escrime, du 30 avril au 15 septembre 2024. Une exposition sur le thème du
duel, illustrée par les nombreuses œuvres de l'écrivain, mais aussi par des
documents et objets d'époque, comme la célèbre photographie montrant Victor et
son fils Charles, en plein combat d'escrime.
Si on ne connaît pas de talent particulier pour l'escrime à Victor Hugo, sa
verve et sa plume, elles, étaient bien redoutées. Littérature et politique se
mélangent et se retrouvent dans les combats menés par l'auteur français. De
fait, ses œuvres servent bien souvent de support à ses idées et ses idéaux, et
ses personnages se retrouvent à défendre les valeurs et les croyances de leur
créateur.
Ainsi, l'exposition évoque Ruy Blas ou La Légende des Siècles, des œuvres
incontournables où le duel joue un rôle symbolique important. Faibles contre
forts, équité sociale, justice et injustice des Hommes, fraternité : les idéaux
de l'écrivain sont mis en scène dans ces combats littéraires, qui font écho aux
problèmes politiques de son époque.
Explorez ce thème fascinant, et (re)découvrez Victor Hugo et ses engagements,
dans cette exposition inédite.
Le Centre Pompidou s'intéresse au mobilier et aux objets créés pour les enfants
au XXe siècle, dans une exposition design à découvrir du 25 avril au 12 août
2024.
Meubles, chambres, bureaux d'écoliers, jeux : les designs des mobiliers pour
enfant ont bien changé en un siècle. Le Centre Pompidou nous propose une
rétrospective à la fois historique et artistique, à la découverte de "L'enfance
du design". Une exposition à voir du 25 avril au 12 août 2024 à Paris.
Au XXe siècle, la place, la singularité de l'enfant évolue grandement. Des
théories nouvelles sur l'apprentissage, la structure familiale, l'éducation
donnent à l'enfant une place plus importante dans le schéma social. Ce nouveau
statut social se traduit aussi dans le monde du design et de l'ameublement : les
chambres d'enfants deviennent des espaces à part, pensés pour leurs petits
habitants, avec des objets réalisés sur mesure pour eux.
En Allemagne, en France, au Danemark, en Italie, d'importants designers
imaginent des meubles et des objets originaux, conçus pour les enfants, et pas
pour toute la famille. Peu à peu, les chambres se transforment, devenant des
oasis colorés et joyeux pour les plus jeunes, des endroits conçus pour attiser
leur imagination et favoriser l'apprentissage de nouvelles compétences.
Le design des mobiliers pour enfants évolue en même temps que la société et ses
contraintes. La généralisation de l'école, le changement des normes des
logements, l'apparition de nouveaux matériaux, de théories sur les besoins des
enfants transforment les objets.
Les designers laissent parler leur créativité dans cet univers qui possède ses
propres contraintes, mais aussi ses libertés. Couleurs, objets interactifs,
formes, tailles, objets multifonctions : l'univers de l'enfance offre de
nombreuses opportunités créatives. Le jeu et l'originalité prennent une place de
plus en plus prépondérante dans les choix de design, transformant les chambres
en petits univers merveilleux.
Au fil du siècle et de l'exposition, on voit le mobilier changer et s'adapter,
illustrant le statut de l'enfant dans la société à chaque époque.
Une exposition fascinante pour les fans de design, à découvrir au Centre
Pompidou !
La galerie Itinerrance, nichée dans le 13e arrondissement de Paris, convie Hush
pour sa nouvelle exposition gratuite. Du vendredi 26 avril au samedi 1er juin
2024, retrouvez le street artiste britannique autour d’une expo personnelle
mettant à l’honneur la féminité.
Située dans le 13e arrondissement de Paris, la galerie Itinerrance accueille
régulièrement les œuvres et les installations de talentueux artistes urbains.
Ces dernières années, la galerie Itinerrance a par exemple ouvert ses portes à
l'incontournable Shepard Fairey, mais aussi à Seth, Add Fuel, Inti ou encore
Wen2. Fondée en 2004 par Mehdi Ben Cheikh, cette célèbre galerie parisienne de
street art est également à l’initiative, depuis 2013, de plusieurs projets 'Hors
les murs' réalisés à l’échelle de la ville.
Ce printemps, la galerie de street art parisienne convie un nouvel artiste qui
risque fort de surprendre et de vous en mettre plein les yeux. Son nom ? Hush.
L’artiste britannique, né à Newcastle et considéré comme l’un des 20 artistes
issu de la scène d'art contemporain urbain à suivre de près par le journal
anglais The Independent, va donc dévoiler ses œuvres lors d’une exposition
personnelle à découvrir gratuitement du vendredi 26 avril au samedi 1er juin
2024.
Utilisant différentes techniques artistiques, comme la peinture, la sérigraphie,
le collage, le pochoir ou encore le dessin et le graffiti, Hush est connu pour
mettre à l’honneur la féminité sous toutes ses formes. La féminité sera donc à
l’honneur de cette nouvelle et seconde exposition personnelle de l’artiste Hush
à la galerie Itinerrance.
L’occasion de mieux découvrir et d'admirer son travail autour de ces femmes
énigmatiques, aux multiples visages de modèles venues des quatre coins du monde.
Des toiles et des œuvres à découvrir donc ce printemps, du 26 avril au 1er juin,
à la galerie Itinerrance dans le 13e arrondissement à Paris !
Notez qu'un vernissage de l'exposition personnelle de Hush, ouvert au public,
est prévu le 26 avril à partir de 18h.
La Gaité Lyrique vous invite à découvrir sa nouvelle exposition, Coalition, du
24 avril au 2 juin 2024. Au total, les oeuvres de cinquante artistes vous
attendent pour une immersion dans les liens entre création artistique et
engagement environnemental.
Quand l'art et l'écologie se rencontrent... La Gaîté Lyrique vous invite à
découvrir sa dernière exposition, intitulée Coalition, du 24 avril au 2 juin
2024. Célébrant le quinzième anniversaire de COAL, l'association de référence
pour l'art et l'écologie, l'exposition promet d'aiguiser nos sens et notre
conscience écologique. En rassemblant près de cinquante artistes issus de divers
horizons, cette grande exposition pluridisciplinaire vise à mettre en lumière la
richesse et la variété des démarches artistiques engagées pour l'environnement.
Dans le cadre de la Gaîté Lyrique, connue pour son engagement en faveur d'une
culture régénérative et collaborative, l'exposition incarne une vision partagée
par ses partenaires fondateurs tels qu'Arty Farty, ARTE, makesense, Singa, et
Actes Sud. Ce projet ambitieux s'ancre profondément dans l'idéal d'un lieu
culturel devant assumer non seulement une responsabilité artistique, mais
également sociale et économique. L'objectif ? Aller au-delà de la simple
réduction des impacts environnementaux pour véritablement générer un impact
positif, faisant de la Gaîté Lyrique un modèle de lieu culturel régénératif où
le travail en écosystème occupe une place centrale.
Coalition, sous le commissariat avisé de Lauranne Germond et Sara Dufour, se
distingue par son ampleur et sa diversité. Des artistes de renom aux talents
émergents, tels qu'Angelika Markul, Shaun Gladwell, Hypercomf, et bien d'autres,
s'unissent pour retracer une communauté d'imaginaires. Ces imaginaires se sont
constitués au fil des quinze éditions du Prix COAL, une initiative majeure de
l'association visant à promouvoir, accompagner, et diffuser les artistes qui,
partout dans le monde, témoignent, imaginent, et expérimentent autour de la
révolution écologique. Coalition ne se contente pas de présenter des œuvres ;
elle invite à une prise de conscience des liens qui nous unissent à notre
environnement, à travers une programmation enrichie et accessible gratuitement
au public.
Faire l'expérience de Coalition à la Gaîté Lyrique, c'est donc participer à un
moment unique où l'art et l'écologie se rencontrent pour inspirer, éduquer et
inciter à l'action. LE rendez-vous incontournable pour tous les passionnés
d'art, d'innovation et d'engagement écologique !
Cette page peut contenir des éléments assistés par IA, plus d’information ici.
Le musée du Louvre passe à l'heure des Jeux olympiques, avec une exposition
inédite et sportive. Du 24 avril au 16 septembre 2024, découvrez "L'Olympisme,
une invention moderne, un héritage antique".
Le musée du Louvre se met à l'heure des Jeux olympiques et paralympiques de
Paris. Du 24 avril au 16 septembre 2024, nous avons rendez-vous dans la galerie
Richelieu, pour découvrir une grande exposition consacrée au sport dans les
arts. Ne manquez pas l'exposition L'Olympisme, une invention moderne, un
héritage antique.
En France, on connaît bien Pierre de Coubertin, considéré comme étant le père
des Jeux olympiques modernes. Mais la renaissance de cette immense compétition
sportive est en réalité due au travail de différents chercheurs et artistes. Le
musée du Louvre nous dévoile les secrets de ces Jeux modernes, à travers
différents tableaux, dessins, sculptures, œuvres d'orfèvrerie...
Au XIXe siècle, des fouilles archéologiques en Grèce mettent à jour des trésors
exceptionnels, relançant la passion occidentale pour cette société antique.
Archéologie, étude des langues, Histoire et art : toutes ces disciplines se
retrouvent mêlées dans cette actualité qui inspire les chercheurs comme les
artistes. Au même moment, les tensions et les conflits en Europe poussent les
gouvernements à promouvoir l'activité physique et le sport chez les jeunes, tout
en créant des liens et des interactions culturelles entre les pays.
C'est dans ce contexte particulier que Pierre de Coubertin décide de réinventer
les Jeux olympiques. Historien, militant pour la pratique du sport dans les
écoles, le célèbre baron se pose en rénovateur des Jeux. Pour redonner vie à
cette compétition, il s'appuie sur le travail des universitaires, trouvant son
inspiration dans les sports antiques, qui se dévoilent au fil des fouilles et
des trouvailles archéologiques.
L'exposition du musée du Louvre met également en avant l'autre architecte de ces
Jeux, moins connu, mais dont le rôle a été essentiel. Emile Gilliéron père était
un dessinateur d'origine suisse, vivant en Grèce. Artiste officiel des JO de
1896 et 1906, il créa de nombreuses images d'inspiration antique pour promouvoir
ces Jeux. On lui doit notamment l'invention des trophées des vainqueurs.
Les différentes œuvres du parcours montrent ainsi comment l'art, la science et
l'Histoire ont permis la renaissance de ces Jeux olympiques. Ces disciplines se
mélangent pour donner naissance à un événement nouveau, basé sur une compétition
très anciennes. Cette alliance se retrouve dans de nombreuses œuvres, dont la
première coupe olympique, dessinée par un universitaire et créée par un orfèvre
français. Cette pièce exceptionnelle fut conçue pour le vainqueur de la course
de Marathon, inventée pour les Jeux d'Athènes de 1896.
Ancien et moderne, sport, art et sciences : l'exposition du Louvre nous entraîne
dans un formidable périple, à la découverte de l'Olympisme.