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Plongez dans la magie de la culture chinoise lors de notre incontournable
Semaine Culturelle Chinoise au MigratieMuseumMigration ! Venez vivre des
expériences variées :
Exposition d’Art par des Enfants : Du 26 au 30 août, de 10h00 à 17h00
Sessions Interactives de Kung Fu : Les 26 et 28 août, de 16h00 à 17h00
Concert de Chants Folkloriques Chinois : Le 26 août à 15h30, et le 30 août de
17h00 à 17h40
Dégustation de Thé Chinois : Le 27 juillet, le 3 août, et le 26 août, de 15h00 à
17h00
Explorez les traditions de la Chine à travers des activités riches en couleur et
en diversité. Que vous soyez passionné par l’art, curieux des arts martiaux ou
simplement amateur de découvertes, cette semaine est faite pour vous !
Ne manquez pas cette opportunité unique de (re)découvrir la culture chinoise !
Pour plus d’informations et pour réserver votre visite :
Téléphone : +32 2 609 55 61
Email : res.museum@foyer.be
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Stap binnen in de betoverende wereld van de Chinese cultuur tijdens de Chinese
Culturele Week in MigratieMuseumMigration! Geniet van boeiende activiteiten:
Tentoonstelling van Kinderkunst: Van 26 tot 30 augustus, van 10:00 tot 17:00
Interactieve Kung Fu Sessies: Op 26 en 28 augustus, van 16:00 tot 17:00
Concert van Chinese Volksliederen: Op 26 augustus om 15:30, en op 30 augustus
van 17:00 tot 17:40
Chinese Thee Ceremonie: 27 juli, 3 augustus, en 26 augustus, van 15:00 tot 17:00
Ontdek oude tradities van China in al hun pracht en praal tijdens deze
kleurrijke week. Of u nu een kunstliefhebber bent, geïnteresseerd in
vechtsporten of gewoon op zoek naar nieuwe ervaringen, deze week biedt voor elk
wat wils!
Mis deze unieke kans niet om de fascinerende cultuur van China te ontdekken.
Voor meer informatie en om uw bezoek te reserveren:
Telefoon: +32 2 609 55 61
Email: res.museum@foyer.be
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Step into the world of Chinese culture at our highly anticipated Chinese
Cultural Week at MigratieMuseumMigration! Immerse yourself in a vibrant array of
activities:
Children’s Art Exhibition: August 26-30, from 10:00 AM to 5:00 PM
Interactive Kung Fu Sessions: August 26 and 28, from 4:00 PM to 5:00 PM
Chinese Folk Song Concert: August 26 at 3:30 PM, and August 30 from 5:00 PM to
5:40 PM
Chinese Tea Tasting: July 27, August 3, and August 26, from 3:00 PM to 5:00 PM
Explore the traditions of China through activities bursting with color and
diversity. Whether you’re an art enthusiast, curious about martial arts, or
simply eager for new discoveries, this week is tailor-made for you!
Don’t miss this unique opportunity!
For more information and to book your visit:
Phone: +32 2 609 55 61
Email: res.museum@foyer.be
![Evenement](/_next/image?url=https%3A%2F%2Fculturius-prod-web-app-photo-cache-s3.s3.eu-west-1.amazonaws.com%2Fphoto_original_filter%2F63ee5c0e9c192673518590.jpeg&w=3840&q=75)
VIEWING DEPOT EXH#02 - Spotlight
Beschrijving
********** English **********
‘VIEWING DEPOT EXH#02' turns the spotlight on iconic works by celebrated international artists, including Rudolf Stingel, Lorna Simpson, Jason Rhoades and Bruce Nauman. Artists whose work has until now only rarely been shown in Belgium are also well represented, including Korakrit Arunanondchai, Anne Imhof and Marguerite Humeau.
In the cabinets and throughout the main exhibition, 'SPOTLIGHT' turns its attention on recent acquisitions of works by African and Afro-American artists. Among them are Derek Fordjour, Titus Kaphar, Gerald Lovell and Vaughn Spann. How did they experience this period and how has it affected their work?
********** Français **********
VIEWING DEPOT EXH#02’ met les œuvres iconiques de quatre artistes internationaux sous les projecteurs, parmi lesquels Rudolf Stingel, Lorna Simpson, Jason Rhoades et Bruce Nauman. En outre, certains artistes, dont l’œuvre jusqu’ici peu exposée en Belgique, sont largement représentés, tels entre autres Korakrit Arunanondchai, Anne Imhof et Marguerite Humeau.
Dans les cabinets et répartis sur l’exposition principale, 'SPOTLIGHT' souligne les acquisitions récentes d’artistes africains et afro-américains. Parmi eux Derek Fordjour, Titus Kaphar, Gerald Lovell et Vaughn Spann. Comment ont-ils vécu cette période et dans quelle mesure celle-ci a-t-elle influencé leur œuvre ?
********** Nederlands **********
De nieuwe tentoonstelling “VIEWING DEPOT EXH#02” zet iconische werken van gevierde internationale kunstenaars in de schijnwerpers, onder wie Rudolf Stingel, Jason Rhoades en Bruce Nauman. Ook jonge, opkomende kunstenaars, van wie tot nog toe slechts zelden werk in België te zien was, zijn ruim vertegenwoordigd, met onder meer Korakrit Arunanondchai en Anne Imhof.
In de kabinetten en verspreid over de hoofdtentoonstelling legt “SPOTLIGHT” de klemtoon op recente aanwinsten van Afrikaanse en Afro-Amerikaanse kunstenaars, onder wie Derek Fordjour, Titus Kaphar, Gerald Lovell en Vaughn Spann. Hoe hebben zij deze periode ervaren en wat is de invloed ervan op hun werk?
Kunst
Museum
Datum informatie
2022-05-13: 11:00:00
2022-05-13: 14:00:00
2022-05-13: 18:00:00
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Voorgestelde evenementen
1.
-> Conférence organisée par La Nombreuse rassemblant Solal Israel, Anaëlle
Prêtre (chargée de projets Expositions au Jacques Franck) et Charlotte Lalau (La
Nombreuse).
À quelle heure ? 18h.
Où ? La Nombreuse, 42 rue du Fort 1060 à Saint-Gilles.
2.
-> Finissage de l'exposition Soon This Place Will Be Too Small, ouvert à tous !
À quelle heure ? Dès 19h.
Où ? Au Jacques Franck, dans l'espace d'exposition et au bar ;)
Annexée à la programmation du MACS (Grand-Hornu) en tant que projet extra-muros,
l’installation d’Alec De Busschère, "Memory Cache Collection 99", se présente
comme un dédale d’images imprimées sur de fins grands voiles librement suspendus
dans l’espace d’exposition. Cette architecture translucide dans laquelle le
public est invité à déambuler et à se perdre est d’autant plus déroutante que le
moindre courant d’air peut en modifier l’orientation des cloisons grâce à un
ingénieux mécanisme de suspension. Le spectacle de ces images fantomatiques
prend alors une dimension légèrement cinétique, voire cinématographique,
résultant de l’instabilité des voiles, de la circulation des spectateurs comme
des effets de surimpressions et de fondus enchaînés. Labyrinthique et
kaléidoscopique, le dispositif a l’apparence d’un « théâtre de la mémoire », cet
outil mnémotechnique qui localise sur un plan de distribution architectural les
images parcellaires d’une histoire à reconstituer. Cette connotation
archéologique prend aussi son sens quand on sait que ce matériau visuel fut
extrait, en 1999, de la mémoire de plusieurs ordinateurs personnels : des «
fichiers caches »
récupérés par l’artiste pour réaliser, à l’époque, sa vidéo "Keep the cache in
memory". Des images pauvres en informations et qualité, orphelines de leurs
auteurs et de leurs sites internet d’origine s’y enchaînaient les unes aux
autres à un rythme quasi stroboscopique, témoin de la frénésie qui s’était
emparée de toute une génération de navigateurs insomniaques. Vingt-cinq ans plus
tard, Alec De Busschère revient sur cet océan d’archives pour en livrer une
vision diamétralement opposée : des images dont il a diminué le nombre, agrandi
la taille et ralenti la vitesse, comme une manière aussi de leur donner, malgré
leur superficialité, l’épaisseur existentielle d’un geste humain et de sa trace,
même technologique.
Adresse :
Rue du Ruisseau, 37 – 1080 Bruxelles
Vernissage :
30.08.24 | 18h
Exposition :
31.08 > 22.09.24
Horaires :
Mercredi - dimanche | 14h - 19h
Chaque premier dimanche du mois, le Musée Mode & Dentelle ouvre ses portes
gratuitement.A 14h, notre guide vous emmène à la découverte de l’exposition :
Jules François Crahay. Back in the spotlight.Les places étant limitées, les
réservations pour la visite guidée sont obligatoires via notre plateforme de
réservation.
********** English **********
From 6 September to 18 October, Gilbard welcomes Pauline Vanden Neste and Tom
Lyon to the SAS for ‘Zones’. Working on the canal zone since 2020, the Belgian
photographic duo have created a portrait that questions its reappropriation and
the issues involved in sharing public space. To mark the occasion, they are
putting on an exhibition that takes the SAS as its central point, with the route
taking in the adjacent streets.
The exhibition is open free of charge and without booking on Fridays from 1.30pm
to 6pm, during Gilbard's opening hours.
It is also open by appointment during the rest of the week. Would you like to
organize a guided tour for a group? Contact us at prog@gilbard.be
Opening on Friday 06/09/2024, from 3pm to 7pm, in the presence of the artists.
********** Français **********
Du 6 septembre au 18 octobre, Gilbard accueille Pauline Vanden Neste et Tom Lyon
dans le SAS pour “Zones”. Travaillant sur la zone du canal depuis 2020, le duo
de photographes belges en tire un portrait qui questionne sa réappropriation et
les enjeux liés au partage de l’espace public. Pour l’occasion, iels proposent
une exposition qui prend le SAS comme point central et dont le parcours se
déroule dans les rues adjacentes.
L’exposition est accessible gratuitement et sans réservation les vendredis de
13h30 à 18h, pendant les horaires de permanence de Gilbard.
Également accessible sur rendez-vous le reste de la semaine. Vous voulez
organiser une visite guidée avec un groupe ? Écrivez-nous sur prog@gilbard.be
Vernissage le vendredi 06/09/2024, de 15h00 à 19h, en présence des artistes.
********** Nederlands **********
Van 6 september tot 18 oktober verwelkomt Gilbard Pauline Vanden Neste en Tom
Lyon in het SAS voor “Zones”. Het Belgische fotografenduo, dat sinds 2020 aan de
kanaalzone werkt, heeft een portret gecreëerd dat de herbestemming en de
problematiek van het delen van de openbare ruimte in vraag stelt. Voor de
gelegenheid organiseren ze een tentoonstelling die het SAS als centraal punt
heeft en waarvan de route zich ontvouwt in de aangrenzende straten.
De tentoonstelling is gratis en zonder reservering te bezoeken op vrijdag van
13.30 tot 18.00 uur, tijdens de kantooruren van Gilbard.
De rest van de week is de tentoonstelling op afspraak geopend. Wil je een
rondleiding organiseren voor een groep? Neem dan contact met ons op via
prog@gilbard.be
********** English **********
“On est là” is an interactive multimedia exhibition that highlights the stories
and experiences of Turkish and Moroccan families who immigrated to Belgium
following bilateral agreements. Through immersive installations and poignant
testimonies, this exhibition explores the various aspects of immigration and
integration. You will have the opportunity to discover personal and inspiring
stories that reflect the diversity and resilience of migrants and their
families.
********** Français **********
« On est là » est une exposition multimédia interactive qui met en lumière les
récits et expériences des familles turques et marocaines ayant immigré en
Belgique à la suite des accords bilatéraux. À travers des installations
immersives et des témoignages poignants, cette exposition explore les diverses
facettes de l’immigration et de l’intégration. Vous aurez l’opportunité de
découvrir des histoires intimes et inspirantes, reflétant la diversité et la
résilience des migrants et de leurs descendants.
********** Nederlands **********
“On est là” is een interactieve multimedia-expositie die de verhalen en
ervaringen belicht van Turkse en Marokkaanse families die naar België zijn
gemigreerd na de bilaterale overeenkomsten. Via meeslepende installaties en
aangrijpende getuigenissen verkent deze tentoonstelling de verschillende
facetten van migratie en integratie. U krijgt de kans om inspirerende verhalen
te ontdekken die de diversiteit en veerkracht van migranten en hun nakomelingen
weerspiegelen.
Nicolas VAN HAELEN
Dès son adolescence, Nicolas Van Haelen fut attiré par les arts et la culture.
Lorsqu’il fréquenta les cours de peinture de Felix Eyskens, il découvrit et
adopta la vision impressionniste de son professeur. Il y resta fidèle toute sa
vie... admiratif du Maître et conquis par les effets lumineux et
le dynamisme des couleurs du genre.
En ville ou à la côte, à la campagne ou dans les bois, il n’eut de cesse de
vouloir reproduire les sensations qu’il éprouvait devant le spectacle de la
nature et de redéfinir les paysages pour les rhabiller d’effets et de touches de
couleurs, impressions fugitives d’un décor et d’une ambiance fantasmés ...
Valérie DALLEUR
“Mon travail artistique explore le thème du corps humain et de sa
représentation. Mon processus de création implique une étroite collaboration
avec des modèles vivants, car leur présence physique est indispensable pour
capter l’immensité des possibles que recèle le corps humain. J’aime travailler
sur des grands formats pour pouvoir me déplacer librement et donner libre cours
à mon énergie créative. Pour moi, un grand format est une invitation à pénétrer
dans un autre monde, où les corps deviennent des portes ouvertes sur de
multiples dimensions.”
Azzz
En parallèle de l’exposition, découvrez la collection de “Azzz ”, artiste
bijoutière. “Textiles, bijoux, sculptures...La réunion de ce qui m’anime ! Le
tissage m’ouvre les portes d’une matière qui prendra forme... Le crochet définit
la forme... Le bijou sous forme de broche, de bague, de bracelet, est une
sculpture sous format réduit”.
********** English **********
While some of her drawings involve pencil and paper, many of them are unbound
from the confines of the page and exist as embroideries, sewn leather, bleached
fabric, and even objects. For Jotta, to draw is to draw out—in the sense of
demonstrating, discovering, or fleshing out the potential connections that lie
dormant between disparate images and references. In her hands, to draw is also
to draw from—to take, to appropriate, and to extract from the world. And yet
even the simple act of drawing a line, in its most basic sense, is about
creating links and forging associations and serves as an apt metaphor for her
process more generally. The artist expands the language of drawing by inventing
a field where sketches, stitches, scribbles, silhouettes, scratches, and
scissors contribute to an ecosystem of overlapping gestures. They mirror her
approach as an artist and embody her disregard for the categories and boundaries
that traditionally separate aesthetic registers—including the line between art
and life.
ABOUT THE ARTIST
Ana Jotta (b.1946, Lisbon) has built a body of work that challenges notions of
authorship and that obscures the line between art and life. From the late 1970s
until the late 1980s, she worked in theatre both as an actress and costume and
stage designer. On the side, she started her practice as an artist working
across all media. She has had monographic exhibitions at Kunsthalle Zurich
(2024), Wattis Institute, San Francisco (2023), Casa São Roque - Centro de Arte,
Porto (2019), Temporary Gallery, Cologne (2018), Établissement d'en face,
Brussels (2016), Le Crédac, Ivry-sur-Seine (2016), and Culturgest, Porto (2016).
A first retrospective of her work was presented at the Serralves Museum in Porto
in 2005 and a second one at Culturgest, in Lisbon, in 2014. She lives and works
in Lisbon.
********** Français **********
Si certains de ses dessins sont au crayon, sur papier, de nombreux autres,
affranchis des confins de la page, existent en tant que broderies, cuir cousu,
tissu décoloré, objets variés. Pour Jotta, dessiner, c’est révéler – démontrer,
découvrir ou étoffer les potentielles connexions en dormance entre diverses
images et références. Pour elle, dessiner c’est aussi puiser – saisir,
s’approprier, extraire du monde. Mais le simple acte consistant à tracer un
trait, de la façon la plus élémentaire qui soit, est une manière de créer des
liens, de mettre en rapport, et représente une métaphore appropriée de
l’ensemble de sa pratique. Jotta enrichit le langage du dessin en inventant un
champ où esquisses, points de couture, gribouillis, silhouettes, griffures et
ciseaux contribuent à un écosystème de gestes qui se recoupent. Ils reflètent
son approche artistique et incarnent son indifférence à l’égard des catégories
et des frontières qui délimitent traditionnellement les registres esthétiques –
notamment la distinction entre l’art et la vie.
À PROPOS DE L’ARTISTE
Ana Jotta (née en 1946 à Lisbonne) a créé un corpus d’œuvres qui défie la notion
d’autorialité et brouille la frontière entre l’art et la vie. De la fin des
années 1970 à la fin des années 1980, elle travaille dans le théâtre, à la fois
comme comédienne, costumière et scénographe. Elle développe parallèlement sa
pratique artistique pluridisciplinaire. Elle a fait l’objet d’expositions
monographiques au Kunsthalle, Zurich (2024) ; au Wattis Institute, San Francisco
(2023) ; à la Casa São Roque – Centro de Arte, Porto (2019) ; à la Temporary
Gallery, Cologne (2018) ; à Établissement d’en face, Bruxelles (2016), au
Cédrac, Ivry-sur-Seine (2016) et à Culturgest, Porto (2016). Une première
rétrospective de son œuvre a été présentée au Serralves Musem, Porto, en 2005 ;
une deuxième au Culturgest, Lisbonne (2014). Elle vit et travaille à Lisbonne.
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Sommige tekeningen zijn gemaakt met potlood en papier, maar andere - zoals
borduurwerk, genaaid leer, gebleekte stof en zelfs voorwerpen – gehoorzamen niet
aan de beperkingen van het blad. Voor Jotta is tekenen altijd buiten de lijntjes
kleuren, een kwestie van potentiële verbanden tussen ogenschijnlijk losstaande
beelden en verwijzingen blootleggen, verkennen of gestalte geven. Al tekenend
eigent ze zich ook toe – ze pakt van, put uit en ontleent aan de wereld. En toch
gaat zelfs het tekenen van een simpele lijn over verbanden leggen en associaties
creëren, en dient het als treffende metafoor voor haar werkwijze. De kunstenares
verrijkt de taal van het tekenen door een veld uit te vinden waarin schetsen,
steken, krabbels, krassen, silhouetten en scharen een ecosysteem van
overlappende gebaren vormen. Ze weerspiegelen haar benadering als kunstenares en
belichamen haar onverschilligheid voor de traditionele categorieën en grenzen
die esthetische registers onderscheiden – inclusief de grens tussen kunst en
leven.
OVER DE KUNSTENARES
Ana Jotta (1946, Lissabon) creëerde een oeuvre waarin ideeën rond auteurschap
bevraagd worden en het onderscheid tussen kunst en leven vervaagt. Van eind
jaren 70 tot eind jaren 80 werkte ze in het theater als actrice en als kostuum-
en podiumontwerpster. Daarnaast ging ze als kunstenares aan de slag binnen alle
denkbare media. Er waren monografische tentoonstellingen van haar werk te zien
in Kunsthalle Zurich (2024), Wattis Institute in San Francisco (2023), Casa São
Roque - Centro de Arte in Porto (2019), Temporary Gallery in Keulen (2018),
Établissement d'en face in Brussel (2016), Le Crédac in Ivry-sur-Seine (2016) en
Culturgest in Porto (2016). Haar eerste overzichtstentoonstelling opende in 2005
in het museum van Serralves (Porto), een tweede in 2014 in Culturgest
(Lissabon). Ze woont en werkt in Lissabon.
opening(s)week Pianofabriek
Open LOUD jusqu'au the last woord. curated by SpeakEasy: Spoken Word BXL
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19:30 | Een SpeakEasy activiteit die poëzie toegankelijk maakt voor een breed
publiek. Deze public poetry biedt een platform waar zowel gevestigde dichters
als opkomende talenten hun werk kunnen delen in een open en ondersteunende
omgeving.
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Geen vertaling.
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Jamila a une intelligence émotionnelle bien au-delà de la moyenne.
Les notions d’honnêteté, de sincérité, d’empathie, de joie de vivre, d’amour, de
gaieté permanente, d’écoute et de partage… sont des valeurs qui lui sont propres
et la caractérisent.
Jamila a cette faculté hors du commun de voir la vie sous ses meilleurs angles …
de manière positive. C’est là où se trouve son génie.
De par sa résilience, elle a fait du confinement, un moyen d’exercer un art
qu’est la peinture. Et très vite, ses tableaux, réalisés avec passion, se
suivirent et révélaient en elle, un talent caché qui ne cherchait qu’à
s’exprimer.
On y trouve de la profondeur et de la justesse émotionnelle.
Ces peintures révèlent les regards que peuvent véhiculer notre société où tout
est normé.
Ce qui n’est pas dans la norme est anormal voire une anomalie.
Les 1001 regards sont peut-être l’expression des 1001 regards posés sur
l’artiste durant toute sa vie.
Ces regards, tantôt biaisés, tantôt ambivalents, expriment différentes émotions
telle la tristesse, la surprise, l’indifférence, la colère, la peur, la terreur,
la douleur, le dégoût, le rejet … mais aussi des émotions positives, de joie, de
gaieté, de bonheur et d’amour.
A travers ces 1001 regards, il y a un enjeu sociétal, celui du respect de nos
différences. Cette exposition est une ode à la joie, à la bonne humeur et avant
tout une ode à s’accepter tel que nous sommes.