Petit bonus ...
Pour cette dernière soirée Portées-Portraits de la saison, nous vous proposons
dès 19h, un atelier d'écriture sur le thème du courage et de la résistance,
animé par Geneviève Damas. Une manière ludique et joyeuse d'aborder la
thématique. Que vous soyez féru.e.s d'écriture ou que vous ayez envie de vous y
plonger pour la première fois, vous êtes les bienvenu.e.s !
A Walk in the Burren
Description
********** English **********
The live-streamed performance in County Clare, Ireland, centers around an ancient Irish tradition: walking barefoot. This symbolic act encapsulates a metaphorical journey of self-discovery and reconnection with heritage. Walking barefoot through the Burren, an ancient and rugged limestone landscape, this performance embodies an exploration of identity and place, transcending borders to forge connections across cultures and to foster unity and shared experience, [la1] despite physical separation.
Erin Besch (she, her) is a multidisciplinary artist, explores identity and sense of place informed by a deep affinity to Irish landscape and heritage. She holds bachelor's degrees in both Psychology and Visual Art (Union College), a master [la2] in Art Education (University of Florida) and is engaged in a Master of Fine Art degree in Studio Art (Burren College of Art).
www.erinbesch.com
********** Français **********
Diffusée en direct depuis le comté de Clare, en Irlande, la performance s'articule autour d'une ancienne tradition irlandaise : marcher pieds nus.
Cet acte symbolique incarne un voyage métaphorique de découverte de soi et de reconnexion au patrimoine. En marchant pieds nus dans le Burren, un paysage calcaire ancien et accidenté, cette performance donne corps à une exploration de l'identité et du lieu, transcendant les frontières pour forger des liens entre les cultures et favoriser l'unité et l'expérience partagée, en dépit de la séparation physique.
Artiste pluridisciplinaire, Erin Besch (elle, la) explore l'identité et le sens du lieu en s'appuyant sur une profonde affinité avec les paysages et le patrimoine irlandais. Elle est titulaire d'une licence en psychologie et en arts visuels (Union College), d'un master en éducation artistique (University of Florida) et termine actuellement un master en arts plastiques (Burren College of Art).
Website: www.erinbesch.com
Info & Réservation
1 Photo
Événements suggérés
********** English **********
The projects of Danh Vo –born in Vietnam and raised in Denmark– weave personal
intimacy into broader themes of history, power and memory. He takes objects
steeped in historical and design contexts and realigns them in his installations
and sculptures. Aestheticised in a new way, they amplify and transcend their
pasts. When invited to participate in this year’s festival, Vo put forth a
recently acquired 1970s Fiat hearse. He wished to repurpose the sleekly designed
vehicle, with its large windows and spacious interior, as a mobile flower shop
nomadically serving the people of Brussels. He collab- orated with young car
mechanics and electromechanics in training at a local school (Athénée Royal de
la Rive Gauche, Laeken) to collectively design the transformation of the hearse.
They worked together for months, taking art and floriculture courses, and
composing bouquets using plant and mechanical components. Two worlds that seemed
far apart now come together in this constant shift of meaning found at the
centre of Vo’s artistic practice. The result is a new aesthetic venture, a
visually iconic mobile sculpture circulating the city. Vo’s work is a complex
image of our society with multiple conflicting registers, a memento mori, a
chariot spreading beauty in the urban sphere.
********** Nederlands **********
Danh Vo –geboren in Vietnam en opgegroeid in Denemarken– verweeft in zijn werk
persoonlijke onderwerpen met bredere thema’s zoals geschiedenis, macht en geheu-
gen. Hij gebruikt hiervoor objecten met een beladen historische context en
design, en herschikt ze tot installaties en sculpturen. Hun nieuwe esthetiek
versterkt én overstijgt het verleden. Speciaal voor deze festivaleditie ging Vo
aan de slag met een Fiat lijkwa- gen uit de jaren ‘70. Hij bouwde het strak
vormgegeven voertuig, met zijn grote ramen en ruime interieur, om tot een
mobiele bloemenwinkel. Voor de transformatie van de lijkwagen werkte Vo samen
met Brusselse studenten auto- en elektromechanica van het Athénée Royal de la
Rive Gauche in Laken. De studenten volgden ook kunst- en bloemschiklessen, en
stelden boeketten samen met zowel organische als mechanische componenten. Twee
werelden die ver uit elkaar lijken te liggen, vloeien zo samen, naar analogie
met de voortdurende verschuiving van betekenissen die centraal staat in Vo’s
artistieke praktijk. Het resultaat is een iconische sculptuur die de stad
doorkruist tijdens het festival. Vo’s creatie schept een gelaagd beeld van onze
maatschappij met haar tegenstrijdige registers, een memento mori in de vorm van
een wagen die schoonheid rondstrooit in de stedelijke ruimte.
********** Français **********
Danh Vo est né au Vietnam et a grandi au Danemark. Ses projets artistiques
entremêlent l’intimité et des réflexions liées à l’histoire, au pouvoir ou à la
mémoire. Il réalise des sculptures et des installations à partir d’objets au
contexte historique et au design mar- qués, qu’il réarrange autrement pour leur
trouver une nouvelle fonction et une nouvelle vie, plus ambiguë. Invité par le
festival, Danh Vo a proposé de réaffecter un corbillard Fiat des années 1970 à
la fonction de magasin de fleurs mobile. Pour transformer ce véhicule aux larges
fenêtres et à l’intérieur spacieux, il a travaillé collectivement avec de jeunes
étudiants en mécanique et électromécanique à l’Athénée Royal de la Rive Gauche à
Bruxelles. Ils y ont travaillé des mois, suivant aussi des cours d’art et d’art
floral afin de pouvoir composer des bouquets à base d'éléments végétaux et méca-
niques. Deux mondes qui semblaient très éloignés se rejoignent dans un
glissement de sens permanent, caractéristique de la pratique artistique de Danh
Vo. En résulte une aventure esthétique, une sculpture mobile emblématique
parcourant la ville. L’œuvre de Vo offre une image complexe de notre société aux
registres contradictoires, un memento mori, un char pour disséminer de la beauté
dans la ville.
Dans Europe connexion, Alexandra Badea dépeint le trajet d’un lobbyiste qui met
tout en œuvre pour modifier les textes de lois votés au Parlement Européen afin
de servir les intérêts de l’agro- business. Le lobbyiste parle, il s’empare des
mots avec élégance les lisse au besoin sous d’autres plus fréquentables. Qui
pourrait douter de lui ? Pourtant derrière chacun de ses succès, réside un
désastre pour l’humanité…
Le G.I.E.C. crie. Le monde est sourd. Notre système économique engloutit le
vivant dans une boulimie démesurée. Nous sommes devenus nos propres prédateurs.
Les monstres mythologiques étaient censés inspirer au public « terreur et pitié
», les nôtres, devenus prescripteurs des normes et règles de nos vies, y
substituent « fiabilité et admiration », aidés du pouvoir de la rhétorique qui
transfigure le réel, et dont Alexandra Badea nous invite à disséquer les
mécanismes impitoyables, dans une écriture au scalpel aussi politique que
poétique qui glace par le réalisme de ses propos, ne nous laissant à son issue
qu’une rage salvatrice.
La reprise d’un succès en phase avec l’actualité qui, sans didactisme, nous nous
encourage à combattre l’inertie du temps.
********** Français **********
Le QUEERBARET, c'est la rencontre entre stand-up, slam et drag pour un cabaret
éclectique et surtout... résolument QUEER ! 10 artistes de la communauté se
rassemblent pour vous proposer une soirée à la fois drôle et émouvante. Après
leurs performances, si vous souhaitez tester vos blagues, dire un slam ou faire
une performance de 3 minutes max, cela sera possible durant la petite scène
ouverte de fin de soirée !
********** Nederlands **********
QUEERBARET is waar stand-up, slam en drag samenkomen voor een eclectisch cabaret
dat... resoluut QUEER is! 10 artiesten uit de gemeenschap komen samen om je een
avond te bieden die zowel grappig als ontroerend is. Als je wilt, kun je na hun
optredens je grappen uitproberen, een slam doen of een performance van maximaal
3 minuten geven tijdens het kleine open podium aan het einde van de avond!
********** English **********
QUEERBARET is where stand-up, slam, and drag come together for an eclectic
cabaret that is... resolutely QUEER! 10 artists from the community gather to
offer you an evening that is both funny and moving. If you'd like, after their
performances, you can try out your jokes, do a slam, or give a performance of up
to 3 minutes during the small open stage at the end of the evening!
********** English **********
'Into Thin Air', contemporary dance (55 mins) | May 14, 2024 | 1 PM, 5 PM @
Korean Cultural Center
〈Into Thin Air〉 is a trash art based, real life inspired visual theater piece.
It is about emptiness. It deals with the disappearance of value and cause, the
loss of the present in the rush for a better future. Into Thin Air is set in a
world of commercial values and soap opera morals. The piece's dramatic aspects,
filled with dark humor, are derived from the true stories if there are 9
participants. As the piece unfolds, the dancers stretch their physical
boundaries, as the characters in the piece are stretching their realistic
boundaries to fit comics-like prototypes. Through rhythmical movement sections
and beautifully crude visual imagery, short stories emerge, exposing a vast
emotional field in which the 9 characters' virtuosity move around.
'Dance Speaks', contemporary dance (83 mins) | May 16, 2024 | 1 PM, 5 PM @
Korean Cultural Center
is a lecture performance featuring dancers from various fields, including
traditional Korean dance, contemporary dance, ballet, and street dance, who
reflect on contemporary dance through dance and narrative, focusing on the
specific body of the dancer. Dancers' bodies embody the illusion of beauty on
stage, but in reality, they are often injured or deformed as professionals who
use their bodies. In the performance, the dancers tell autobiographical stories
about their bodies and use their own experiences with health and injury to
critique the illusions that surround dance, and also show their dedication to
dance on stage.
'Dallae Story', non-verbal puppet show (70 mins) | June 6, 2024 | 1 PM, 5 PM @
Korean Cultural Center
is a story of three families who cherish the simple things in their lives
together. It is a story of childhood memories that everyone has, and how the
small pleasures of a happy and warm day can help us through the inevitable hard
times. The unique form of actors and puppets performing together uses a variety
of media, including objects, theater, mime, Korean dance, shadow play, and 3D
video. It is a non-verbal puppet theater that uses lyrical dance and implied
gestures to convey the content, making it easy for anyone to understand and
relate to.
********** Français **********
'Into Thin Air', danse contemporaine (55 minutes) | 14 mai, 2024 | 13h, 17h @
Centre Culturel Coréen
〈Into Thin Air〉 est une pièce de théâtre visuel inspirée de la vie réelle, basée
sur l'art de la récupération. Elle traite de la vacuité. Elle aborde la
disparition de la valeur et de la cause, la perte du présent dans la course vers
un avenir meilleur. Into Thin Air est située dans un monde de valeurs
commerciales et de morales de feuilleton. Les aspects dramatiques de la pièce,
empreints d'humour noir, sont tirés des véritables histoires de ses 9
participants. Au fur et à mesure que la pièce se déroule, les danseurs
repoussent leurs limites physiques, tout comme les personnages de la pièce
repoussent leurs limites réalistes pour correspondre à des prototypes de bande
dessinée. À travers des sections de mouvements rythmiques et des images
visuelles magnifiquement crues, des histoires courtes émergent, exposant un
vaste champ émotionnel dans lequel les 9 personnages virtuoses évoluent.
'Dance Speaks', danse contemporaine (83 minutes) | 16 mai, 2024 | 13h, 17h @
Centre Culturel Coréen
est une performance de conférence mettant en vedette des danseurs de divers
domaines, y compris la danse traditionnelle coréenne, la danse contemporaine, le
ballet et la danse de rue, qui réfléchissent à la danse contemporaine à travers
la danse et le récit, en mettant l'accent sur le corps spécifique du danseur.
Les corps des danseurs incarnent l'illusion de la beauté sur scène, mais en
réalité, ils sont souvent blessés ou déformés en tant que professionnels
utilisant leurs corps. Dans la performance, les danseurs racontent des histoires
autobiographiques sur leurs corps et utilisent leurs propres expériences en
matière de santé et de blessures pour critiquer les illusions qui entourent la
danse, et montrent également leur dévouement à la danse sur scène.
'Dallae Story', spectacle de marionnettes non verbal (70 minutes) | 6 juin, 2024
| 13h, 17h @ Centre Culturel Coréen
est l'histoire de trois familles qui chérissent les choses simples de leur vie
ensemble. C'est une histoire de souvenirs d'enfance que tout le monde a, et
comment les petits plaisirs d'une journée heureuse et chaleureuse peuvent nous
aider à traverser les moments difficiles inévitables. La forme unique d'acteurs
et de marionnettes travaillant ensemble utilise une variété de médias, y compris
des objets, du théâtre, du mime, de la danse coréenne, du théâtre d'ombres et de
la vidéo 3D. C'est un théâtre de marionnettes non verbal qui utilise la danse
lyrique et des gestes implicites pour transmettre le contenu, le rendant facile
à comprendre et à se rapporter pour tout le monde.
********** Nederlands **********
'Into Thin Air', hedendaagse dans (55 minuten) | 14 mei, 2024 | 13.00 uur, 17.00
uur @ Koreaans Cultureel Centrum
〈Into Thin Air〉 is een visueel theaterstuk geïnspireerd op het echte leven,
gebaseerd op de kunst van het recyclen. Het gaat over de leegte. Het besproken
het verdwijnen van waarde en oorzaak, het verlies van het heden in de haast naar
een betere toekomst. Into Thin Air speelt zich af in een wereld van commerciële
waarden en soapachtige moraal. De dramatische aspecten van het stuk, doorspekt
met zwarte humor, zijn gebaseerd op de ware verhalen van de 9 deelnemers.
Beweeglijke het stuk zich ontvouwt, verleggen de dansers hun fysieke grenzen,
net zoals de personages in het stuk hun realistische grenzen verleggen om bij
stripachtige prototypen te passen. Door ritmische bewegingssecties en prachtige
regel van visuele beelden komen korte verhalen naar voren, waarin een
uitgestrekt overdekt veld wordt blootgelegd waarin de 9 personages zich virtuoos
bewegen.
'Dance Speaks', hedendaagse dans (83 minuten) | 16 mei, 2024 | 13.00 uur, 17.00
uur @ Koreaans Cultureel Centrum
is een lezing-performance met dansers uit verschillende disciplines, waaronder
traditionele Koreaanse dans, hedendaagse dans, ballet en straatdans, die
reflecteren op hedendaagse dans door middel van dans en verhaal, met de nadruk
op het specifieke lichaam van de danser. Hoewel de lichamen van de dansers op
het podium de illusie van schoonheid belichamen, maar in werkelijkheid zijn ze
vaak voorkomend of misvormd als professionals hun lichaam gebruiken. In de
voorstelling vertellen de dansers autobiografische verhalen over hun lichamen en
gebruiken ze hun eigen ervaringen met gezondheid en blessures om de illusies
rondom dans te bekritiseren, en tonen ze ook hun toewijding aan dans op het
podium.
'Dallae Story', woordeloze poppenshow (70 minuten) | 6 juni, 2024 | 13.00 uur,
17.00 uur @ Koreaans Cultureel Centrum
is het verhaal van drie families die de eenvoudige dingen in hun leven
koesteren. Het is een verhaal van jeugdherinneringen die iedereen heeft, en hoe
de kleine geneugten van een gelukkige en warme dag ons kunnen helpen door de
lastige tijden heen te komen. De unieke vorm van acteurs en poppen die samen
optreden maakt gebruik van een verscheidenheid aan media, waaronder objecten,
theater, mime, Koreaanse dans, schimmenspel en 3D-video. Het is een woordeloos
poppentheater dat gebruik maakt van lyrische dans en impliciete gebaren om de
inhoud over te brengen, waardoor het voor iedereen gemakkelijk te begrijpen en
te relateren is.
********** English **********
A solo figure stands at the edge of the proscenium stage – the place often used
for speeches and stand-up comedy – and silently morphs from one pose to the
next, like a body shaped by time. Iconic and mundane images emerge in a
dramaturgy that exposes a nuanced embodiment of what it means to sustain a
place, a pose, a representation. Maria Hassabi merges the strength and
vulnerability one experiences on stage – to be uncovered. She frames her
signature style of stillness, slowness and aesthetic precision, and invites her
audience to awaken their own references to a parade of images as they unfold.
What happens when the process of an image is revealed? In a contemporary culture
fiercely flooded by images, does it lose its appeal when compared to our
expectations? Hassabi has presented her work in the world’s leading museums and
exhibition contexts, and at the festival in 2014 and 2017. On Stage is
undoubtedly one of her most radical and personal works, offering a feminist
reflection and a piercing insight into her artistic trajectory. Before an
audience, Maria Hassabi’s intensity is visible, almost tangible, in a work of
rare power that leaves no one indifferent.
********** Français **********
Une personne se tient au bord du proscenium – l’espace de l’avant-scène souvent
utilisé pour les discours ou le stand-up – et passe en silence d’une pose à une
autre. La bande sonore va et vient, comme si elle suivait les mouvements du
vent, ou comme si elle était l’écho de bruits lointains qui refléterait une
histoire qui n’a pas encore eu lieu. Subtilement, des références iconiques et
des images du quotidien émergent et interrogent ce que signifie occuper un lieu
et prendre position. Dans un solo tout en nuance, Maria Hassabi fusionne le
pouvoir et la vulnérabilité que l’on peut ressentir lorsqu’on “est” sur scène.
Dans son style caractérisé par la lenteur, les silences et la précision
esthétique, elle éveille l’imagination du public par un défilé d’images
séquentielles. Que se passe-t-il lorsque le processus de création d’une image
est exposé ? Dans un monde inondé d’images, ne perdent-elles pas rapidement leur
attrait ? Hassabi, qui a présenté son travail dans les plus grands musées du
monde et au festival en 2014 et 2017, offre avec On Stage l’une de ses œuvres
les plus radicales et personnelles ; une réflexion féministe et un regard
approfondi sur sa trajectoire artistique. Une œuvre d’une rare puissance qui
rend l’intensité de Hassabi visible, presque tangible, en face-à-face avec le
public.
********** Nederlands **********
Een figuur staat aan de rand van het proscenium – het deel van de scène dat vaak
gebruikt wordt voor toespraken en stand-up comedy – en transformeert geruisloos
van de ene pose in de andere. Geluid komt en gaat en lijkt de echo te zijn van
een soundtrack ergens ver weg, van een verhaal dat nog moet plaatsvinden.
Iconische en alledaagse beelden duiken op in een dramaturgie die een
genuanceerde belichaming voorstelt van wat het betekent om een plaats in te
nemen, een houding aan te nemen. Maria Hassabi versmelt de kracht met de
kwetsbaarheid van het ‘op scène staan’. Ze doet dit in haar kenmerkende stijl
vol stilte, traagheid en esthetische precisie, en wakkert de fantasie van het
publiek aan via een parade van opeenvolgende beelden. Wat gebeurt er wanneer de
totstandkoming van een beeld wordt blootgelegd? Verliest het niet al snel zijn
aantrekkingskracht, in een wereld die overspoeld wordt door beelden? Hassabi
presenteerde haar werk in ’s werelds meest toonaangevende musea en op het
festival in 2014 en 2017. On Stage is ongetwijfeld één van haar meest radicale
en persoonlijke werken, met een feministische boodschap. Een performance die
Hassabi’s intensiteit zichtbaar, bijna tastbaar maakt en een fascinerende inkijk
geeft in haar artistieke traject.
********** English **********
Can a choreography intertwine different movements, like those of a human body
and the flow of goods in a globalised world? Artist Kwame Boafo lives and works
in Accra, Ghana, where he plans to open an institute of movement and philosophy.
Accra is also the port city through which European end-of-life cars enter the
West African market, often after being reconditioned in Brussels. With
Threshold, Boafo creates a beautiful solo using visually refined images and
movements relating to car fragments to unfold a poetic dialogue between
choreography and commercial history. He collaborated with artist Percy Nii
Nortey, known to use found objects and materials from mechanical workshops in
Ghana to tell the stories collected by these end-of-life cars. For this
performance, he created a curtain out of Ghanaian fabrics used to clean the
vehicles that arrive from Brussels. Now, presented in the monumental atrium of
the Arts et Métiers building – located in the canal area from which cars usually
depart – Threshold appears as a visceral composition, dancing in the unexpressed
spaces between our presence, environmental degradation and consumerism. In this
performance, we suddenly feel the human and non-human movements in our global
economy.
********** Français **********
Une chorégraphie peut-elle entrelacer différentes échelles de mouvement, comme
celles du corps humain et celles des flux de marchandises d’un monde globalisé ?
Kwame Boafo vit à Accra, au Ghana, où il travaille à l’ouverture d’un institut
de mouvement et philosophie. Accra est aussi la ville portuaire par laquelle les
vieilles voitures européennes – souvent réparées à Bruxelles – arrivent sur le
marché ouest-africain. Avec Threshold, Boafo crée un magnifique solo aux images
et aux mouvements raffinés évoquant des pièces de voitures, déployant un
dialogue poétique entre la chorégraphie et l’histoire commerciale. Pour ce
projet, Boafo collabore avec l’artiste Percy Nii Nortey, qui recycle des
matériaux provenant d’ateliers mécaniques au Ghana pour mettre en lumière les
histoires que racontent ces voitures en fin de vie. Nortey a créé un rideau à
partir des tissus ghanéens utilisés pour nettoyer les véhicules venus de
Bruxelles. Présenté dans l’atrium monumental des Arts et Métiers – une école
technique implantée le long du canal, la zone d’où partent les voitures –
Threshold apparaît comme une composition viscérale qui explore par la danse les
espaces qui se cachent entre notre présence, la dégradation de l’environnement
et le consumérisme. Une performance qui rend soudainement visible les mouvements
humains et non-humains de notre économie mondialisée.
********** Nederlands **********
Kan een choreografie de bewegingen van een menselijk lichaam met die van de
eindeloze goederenstroom in onze geglobaliseerde wereld laten versmelten?
Kunstenaar Kwame Boafo woont en werkt in Accra (Ghana) waar hij een instituut
voor beweging en filosofie wil openen. Accra is ook de havenstad waarlangs
afgedankte auto's uit Europa de West-Afrikaanse markt binnenkomen, vaak na een
opknapbeurt in Brussel. Boafo maakt met Threshold een prachtige solo waarin hij
visueel verfijnde beelden en bewegingen die verwijzen naar auto-onderdelen inzet
om een poëtische dialoog op gang te brengen tussen choreografie en commerciële
geschiedenis. Hij werkt hiervoor samen met kunstenaar Percy Nii Nortey die
voorwerpen en materialen uit autowerkplaatsen in Ghana gebruikt om de verhalen
van de afgedankte wagens te vertellen. Speciaal voor deze voorstelling maakte
hij een gordijn van Ghanese stoffen waarmee de voertuigen worden opgepoetst.
Threshold – gepresenteerd in het atrium van het Arts et Métiers gebouw, gelegen
in de kanaalzone van waaruit auto’s meestal vertrekken – is een rauwe
compositie, op het kruispunt tussen onze aanwezigheid, milieuvervuiling en
consumentisme. Een performance die de menselijke en niet-menselijke bewegingen
van onze wereldeconomie voelbaar maakt.
********** English **********
Thirteen performers dance and sing their hearts out, as if in ecstasy. They move
as one global body through scenes reminiscent of street life, at times evoking a
procession. Periodically, one will escape the dance only to be lovingly reunited
with the group. They sing traditional and contemporary Mozambican songs, gospel
and baroque motifs. Choreographer Idio Chichava found inspiration in the
migratory movements of groups of people and the dance rituals of the Makonde
people living in Mozambique and neighbouring countries. He believes only bodies
that dance and sing simultaneously express themselves fully and exist in synergy
with others. Vagabundus depicts life as a constant coming together and being
together in a group, and migration as a possibly emotional, spiritual and
collective journey. Chichava explores the expressiveness of the body and points
the way to our true selves celebrating life with a pared-down stage design
carried entirely by the explosive impact of dance and voices. This dazzling
dance production invites us to recognise that our identity is strengthened by
the community, through an overwhelming group performance showcasing song and
dance as a means of resistance and a ritual of survival.
********** Nederlands **********
Dertien performers dansen en zingen zich de ziel uit het lijf, als in extase. Ze
bewegen als één lichaam in scènes die aan het straatleven doen denken en
associaties met processies oproepen. Bij momenten ontspringt iemand de dans om
vervolgens liefdevol terug in de groep te worden opgenomen. Ze zingen
traditionele en hedendaagse Mozambikaanse liederen, gospel- en barokmotieven.
Choreograaf Idio Chichava liet zich inspireren door de migratiebewegingen van
groepen mensen en de dansrituelen van het Makonde-volk dat in Mozambique en
aangrenzende landen leeft. Hij gelooft dat alleen lichamen die tegelijkertijd
dansen en zingen zichzelf volledig uitdrukken en in synergie met anderen
bestaan. Vagabundus toont het leven als een constant samenkomen en samenzijn in
groep, en migratie als een mogelijk emotionele, spirituele en collectieve reis.
Chichava verkent de expressiviteit van het lichaam en wijst de weg naar ons ware
zelf, het leven vierend in een uitgepuurde scenografie die volledig wordt
gedragen door de explosieve impact van dans en stem. Een wervelende
dansvoorstelling die uitnodigt om te erkennen dat onze identiteit wordt
versterkt vanuit de gemeenschap, en een overdonderende groepsperformance die
zang en dans toont als verzetsmiddel en overlevingsritueel.
********** Français **********
Treize performeur·euses dansent avec frénésie et chantent à tue-tête, comme en
extase. Iels se déplacent comme un seul corps dans des scènes qui rappellent
tantôt la vie dans la rue, tantôt une procession. Par moments, l’un·e ou l’autre
s’échappe pour ensuite, tendrement, réintégrer le groupe. Le chorégraphe Idio
Chichava s’inspire des mouvements migratoires et des rituels de danse du peuple
Makondé, vivant principalement au Mozambique et dans les pays voisins. Selon
lui, seuls les corps qui dansent et chantent simultanément s’expriment
pleinement et peuvent exister en synergie avec les autres. Vagabundus dépeint la
vie comme un rassemblement et un regroupement constants et la migration comme un
voyage qui pourrait être émotionnel, spirituel et collectif. Chansons
mozambicaines traditionnelles et contemporaines sont chantées et superposées à
du gospel et des motifs baroques. Avec une scénographie épurée, entièrement
portée par l’impact explosif de la danse et des voix, Chichava explore
l’expressivité du corps et célèbre la vie en nous renvoyant vers notre véritable
identité. Un spectacle éblouissant qui souligne la capacité de la communauté à
renforcer notre identité, une performance collective bouleversante qui déploie
le chant et la danse comme moyen de résistance et comme rituel de survie.
********** Français **********
Queer up, le stand up 100% queer and proud !
Pour l’occasion, Shoot 4 the moon et Les Sous-Entendu·es ont décidé de
s’associer pour proposer un stand up filmé en multicam avec la volonté d’en
faire une web série.
Les artistes que l’on t’a réservé pour cette soirée sont plus drôles que lae
plus drôle de tes potes on a nommé : Letizia (avec.un.z), Moana, Nazilta, Taïla,
Emilie Croon !
********** Nederlands **********
Queer up, stand up 100% queer en trots!
Voor deze gelegenheid hebben Shoot 4 the moon en Les Sous-Entendu-es de handen
ineengeslagen voor een stand-up show gefilmd in multicam met als doel er een
webserie van te maken.
De artiesten die we deze avond voor je in petto hebben zijn grappiger dan de
grappigste van je maten: Letizia (with.a.z), Moana, Nazilta, Taïla en Emilie
Croon!
********** English **********
Queer up, stand up 100% queer and proud!
To mark the occasion, Shoot 4 the moon and Les Sous-Entendu-es have teamed up to
put on a stand-up show filmed in multicam with the aim of turning it into a web
series.
The performers we've got in store for you this evening are funnier than the
funniest of your mates: Letizia (with.un.z), Moana, Nazilta, Taïla and Emilie
Croon!
********** English **********
How do we feel the impact of events which are so much larger than us, move
through us, and animate and activate our bodies all the time? Ten performers
enact a glacially morphing tableau vivant on a mobile raft-like stage. Their
voices generate a score that crescendos and resonates as they clutch, careen and
cleave in a space too small to contain them, spilling off the edges. The scenes
shown reference at times images from classical iconography. Tenderness and
violence, sensuality and brute force cohabitate. The audience sits all around as
if watching a boxing match, embanking the performers, close enough to smell
their sweat and feel the steam of the spiralling scenes. Celebrated American
choreographer Faye Driscoll returns to the festival with a multi-sensory flesh
and breath sculpture made of bodies, sounds, scents, liquids and objects. She
pushes her performers to their limits in this compelling, adventurous work,
presented in the impressive Horta Hall, originally an exhibition space for
sculptures. Weathering is an ode to the inexhaustible physical power of queer
bodies.
********** Nederlands **********
Hoe voelen we de impact van gebeurtenissen die onze lichamen bewegen en
bezielen, maar zoveel groter zijn dan onszelf? Tien performers verbeelden een
steeds veranderend tableau vivant op een ronddraaiend vlot-achtig platform. Hun
stemmen genereren een partituur die crescendo’s en resonanties laat horen
terwijl ze elkaar vastgrijpen, wegduwen, en heen en weer slingeren over een
oppervlak dat te klein is om hen te bevatten en uit zijn voegen dreigt te
barsten. De getoonde scènes refereren bij momenten aan beelden uit de klassieke
iconografie. Tederheid en geweld, sensualiteit en brute kracht worden met elkaar
verzoend. Het publiek zit rondom rond, als kijkend naar een bokswedstrijd, en
kan de performers bijna aanraken, hun zweet ruiken en de stomende scènes
proeven. De gevierde Amerikaanse choreografe Faye Driscoll keert terug naar het
festival met een multisensoriële levende sculptuur van vlees en adem, van
lichamen, geluiden, geuren, sappen en objecten. Ze drijft haar performers tot
het uiterste in dit meeslepende, avontuurlijke werk, gepresenteerd in de
indrukwekkende Hortahal, oorspronkelijk een tentoonstellingsruimte voor
beeldhouwwerken. Weathering is een ode aan de onuitputtelijke fysieke kracht van
queer lichamen.
********** Français **********
Comment ressentons-nous l’impact d’événements qui, malgré le fait qu’ils nous
dépassent, parviennent à nous traverser, nous animer et activer nos corps ? Sur
un plateau rotatif qui ressemble à un radeau, dix performeur·euses, en constante
évolution, composent des images qui ressemblent à des tableaux vivants issus
d’un univers queer. Leurs voix génèrent une partition qui va crescendo et
résonne à mesure qu’iels s’agrippent mutuellement, se balancent et se repoussent
sur une surface trop petite pour les contenir, menaçant de déborder. Par
moments, des images issues de l’iconographie classique semblent se dessiner.
Tendresse, violence, sensualité et force brute cohabitent. Assis autour de la
scène comme s’il assistait à un match de boxe, le public peut ressentir la sueur
et l’ardeur de scènes étourdissantes. La célèbre chorégraphe états-unienne Faye
Driscoll revient au festival avec une sculpture multisensorielle faite de chair
et de souffle, de corps, de sons, d’odeurs, de fluides et d’objets. Elle pousse
ses performeur·euses jusqu’à leurs limites dans un spectacle fascinant et
aventureux, présenté dans l’impressionnant Hall Horta, qui était à l’origine
conçu comme une salle d’exposition pour sculptures. Weathering est une ode à
l’inépuisable puissance physique des corps queer et à leurs évolutions.