********** English **********
In her second solo exhibition at the Michèle Schoonjans Gallery, Amélie Scotta
presents a series of works exploring the notions of habitat and landscape
through colour and organic materials, brought to life through both drawing
(wood, bark, rock, etc.) and paper (mineral, vegetable, etc.).
In the Withdraw series, the artist works in two stages, superimposing two layers
of drawing and two types of perspective. The first layer, applied quickly and
randomly across the entire surface of the paper in coloured ink, can evoke the
atmospheric dimension of a landscape. The bright, unnatural colours and the
invisibility of the gesture give the impression of a luminous, radiant surface.
Here and there, accidents of material accentuate the effect of a printed image
that has been doctored, washed out and deteriorated. The second layer, drawn in
graphite, somehow constrains, obstructs or limits these infinite expanses.
Created slowly and meticulously in pencil, the motifs of trellis, wire netting
and other barriers reflect the artist's preoccupation with the question of
confinement. The idea of withdrawal, whether voluntary or not, has already been
evoked in earlier works, notably the Reclusoirs, sculptures inspired by the
small enclosed buildings in which penitents lived in the Middle Ages. But the
contrast between the immateriality of the coloured surface and the repetitive
pattern of the drawing also speaks to us of what is said beyond the edge of the
paper.
ABOUT THE ARTIST
Born in Nantes in 1983, Amélie Scotta is a visual artist and teacher based in
Brussels. She holds degrees in Design (HEAR Strasbourg, 2008) and Visual Arts
(ENSAV La Cambre, Brussels, 2016).
Since 2013, her work has been shown in numerous exhibitions in Belgium (Le
Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des Beaux-Arts,
European Parliament, etc.) and abroad (Villa Méditerranée in Marseille, Arabic
Culture House in Berlin, Matadero in Madrid, as well as Magasins Généraux,
Palais de Tokyo and Carreau du Temple in Paris). She has also held residencies
at the Casa de Velázquez in Madrid, the Cité Internationale des Arts in Paris,
the Moonens Foundation and the Boghossian Foundation in Brussels. She is the
winner of the Prix international de la Ville de Tournai in 2021, the Prix Cocof
and the Prix Carré sur Seine in 2020.
From the Jeddah Tower to the disused factories of Roubaix, from the Rio stadium
to the Versailles of the people, from medieval recluses to the scaffolding of
Brussels, it is in an intuitive way that the artist questions architecture in
all its forms. Approached primarily through drawing, but also through sculpture
and photography, construction allows her to speak of the human being, the one
who both inhabits and builds.
In more recent works, Amélie Scotta takes a more sensorial approach to landscape
and habitat, working with colour and materials. She addresses the issue of
withdrawal, a position in relation to the world that can provide protection,
confinement or liberation. Her relationship with urban planning is also leading
her increasingly towards projects in the public space.
********** Français **********
Dans sa deuxième exposition personnelle à la Michèle Schoonjans Gallery, Amélie
Scotta présente une série d’œuvres explorant les notions d’habitat et de paysage
au travers de la couleur ou de matières organiques, amenées aussi bien par le
dessin (bois, écorce, roche…) que par le support du papier (minéral, végétal…).
Dans la série Withdraw, la dessinatrice travaille en deux temps, superposant
deux couches de dessin et deux types de perspectives. La première strate,
appliquée à l’encre colorée, de manière rapide et aléatoire sur toute la surface
du papier, peut évoquer un paysage dans sa dimension atmosphérique. Les couleurs
vives, non naturelles et l’invisibilité du geste donnent l’impression d’une
surface lumineuse et irradiante. Çà et là, des accidents de matière accentuent
l’effet d’image imprimée qui aurait été trafiquée, délavée, détériorée. La
seconde strate, dessinée au graphite, vient en quelque sorte contraindre,
obstruer ou limiter ces étendues infinies.
Réalisés au crayon, de manière lente et minutieuse, les motifs de treillis, de
grillages et autres barrières nous renvoient à la préoccupation de l’artiste
pour la question de l’enfermement. Le repli, volontaire ou non, est déjà évoqué
dans des travaux antérieurs, notamment les Reclusoirs, des sculptures inspirées
des petits édifices clos dans lequel vivaient des pénitentes du Moyen-âge. Mais
ce contraste entre l’immatérialité de la surface colorée et le motif répétitif
du dessin, nous parle aussi de ce qui se raconte au-delà du bord du papier.
A PROPOS DE L’ARTISTE
Née à Nantes en 1983, Amélie Scotta est une artiste plasticienne et enseignante
basée à Bruxelles. Elle est diplômée en Design (HEAR Strasbourg, 2008) et en
arts visuels (ENSAV La Cambre, Bruxelles, 2016).
Depuis 2013, son travail a été présenté dans de nombreuses expositions en
Belgique (Le Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des
Beaux-Arts, Parlement européen…) et à l'étranger (Villa Méditerranée à
Marseille, Arabic Culture House à Berlin, Matadero à Madrid, mais aussi Magasins
Généraux, Palais de Tokyo et Carreau du Temple à Paris). Elle a notamment été
résidente à la Casa de Velázquez à Madrid, à la Cité Internationale des Arts à
Paris, à la Fondation Moonens et à la Fondation Boghossian à Bruxelles. Elle est
lauréate du Prix international de la Ville de Tournai en 2021, du Prix Cocof et
du prix Carré sur Seine en 2020.
De la Jeddah Tower aux usines désaffectées de Roubaix, en passant par le stade
de Rio, le Versailles du peuple, les reclusoirs médiévaux ou les échafaudages
bruxellois, c’est de manière intuitive que l’artiste interroge l’architecture
sous toutes ses formes. Abordée principalement par le dessin, mais aussi par la
sculpture ou la photographie, la construction lui permet de parler de l’humain,
celui qui, tout à la fois, habite et édifie.
Dans des travaux plus récents, Amélie Scotta approche le paysage et l’habitat de
manière plus sensorielle, en passant par un travail de la couleur et de la
matière. Elle y aborde la question du repli, une position face au monde qui peut
apporter protection, enfermement ou libération. Son rapport à l’urbanisme
l’amène également de plus en plus vers
des projets dans l’espace public.
********** Nederlands **********
In haar tweede solotentoonstelling in de Michèle Schoonjans Gallery presenteert
Amélie Scotta een serie tekeningen die, naast de problematiek van de
leefomgeving, de landschapsconcepten onderzoekt door middel van kleur of
organische materialen, die zowel door het onderwerp van de tekening als door de
papieren drager (mineraal, plantaardig, enz.) worden ingebracht.
In de serie Withdraw werkt de kunstenares in twee fasen, waarbij ze gebruik
maakt van verschillende lagen in de tekening en van twee soorten perspectief. De
eerste laag, die snel en willekeurig met gekleurde inkt over het hele
papieroppervlak wordt aangebracht, kan de atmosferische dimensie van een
landschap oproepen. De heldere, onnatuurlijke kleuren en de afwezigheid van het
gebaar geven de indruk van een lichtgevend, stralend oppervlak. Hier en daar
accentueren ongelukjes met het materiaal het effect van een afgedrukte
afbeelding, die is bewerkt, uitgewassen of beschadigd. De laag grafiet, die in
een later stadium wordt aangebracht, beperkt, belemmert of begrenst op de een of
andere manier deze oneindige uitgestrektheid.
De grafiettekeningen, die langzaam en minutieus met potlood zijn gemaakt, tonen
rasterwerk, hekken en andere barrières en weerspiegelen de preoccupatie van de
kunstenaar met het vraagstuk van zich opgesloten te voelen. Het idee van zich
terugtrekken, vrijwillig of niet, werd al opgeroepen in eerdere werken, met name
de Reclusoirs, sculpturen geïnspireerd op de kleine afgesloten gebouwen waarin
boetelingen in de Middeleeuwen leefden. Maar dit contrast tussen de
niet-materiële aard van het gekleurde oppervlak en het repetitieve patroon van
de tekening spreekt ook tot ons over wat er voorbij de rand van het papier
gebeurt, in wat bekend staat als het buitenbeeld. Net als het raam, dat zowel
verbergt als zichtbaar maakt, laat de muur toch de horizon zien, waardoor we ons
een mogelijke ontsnapping kunnen voorstellen.
OVER DE KUNSTENARES
Amélie Scotta, geboren in Nantes in 1983, is beeldend kunstenaar en docente in
Brussel. Ze behaalde een diploma in Design (HEAR Straatsburg, 2008) en in
Visuele Kunsten (ENSAV La Cambre, Brussel, 2016).
Sinds 2013 is haar werk te zien geweest in talrijke tentoonstellingen in België
(Le Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des
Beaux-Arts, Europees Parlement, enz.) en in het buitenland (Villa Méditerranée
in Marseille, Arabic Culture House in Berlijn, Matadero in Madrid, evenals in
Magasins Généraux, Palais de Tokyo en Carreau du Temple in Parijs). Ze heeft ook
residenties gehad in het Casa de Velázquez in Madrid, de Cité Internationale des
Arts in Parijs, de Moonens Stichting en de Boghossian Stichting in Brussel. Ze
is de winnaar van de Prix international de la Ville de Tournai in 2021, de Prix
Cocof en de Prix Carré sur Seine in 2020.
Van de toren van Jeddah tot de verlaten fabrieken van Roubaix, van het stadion
van Rio tot het Versailles van het volk, van middeleeuwse kluizenaars tot de
steigers van Brussel, de kunstenares stelt intuïtief de architectuur in al haar
vormen ter discussie. Ze benadert de architectuur voornamelijk door middel van
tekenen, maar ook door middel van beeldhouwen en fotografie.Door de constructie
kan ze spreken over de mens, degene die zowel bewoont als bouwt.
In haar meer recente werk kiest Amélie Scotta voor een meer zintuiglijke
benadering van landschap en leefomgeving, waarbij ze gebruik maakt van zowel
kleur als materialen. In haar meer recente werk kiest Amélie Scotta voor een
meer zintuiglijke benadering van landschap en leefomgeving, waarbij ze gebruik
maakt van zowel kleur als materialen. Ze gaat in op het thema van het zich
terugtrekken, een positie ten opzichte van de wereld die bescherming,
afzondering of bevrijding kan brengen. In haar meer recente werk kiest Amélie
Scotta voor een meer zintuiglijke benadering van landschap en leefomgeving,
waarbij ze gebruik maakt van zowel kleur als materialen. Ze gaat in op het thema
van het zich terugtrekken, een positie ten opzichte van de wereld die
bescherming, afzondering of bevrijding kan brengen. Haar fascinatie voor
stedenbouw leidt haar ook steeds meer naar projecten in de openbare ruimte.
Julie Cockburn - 'Same but different’
05november 2023
-22december 2023
Meunier Museum
Musée Meunier, Abdijstraat 59 Rue de l'Abbaye, Ixelles, Région de Bruxelles-Capitale 1050, Belgique
Description
********** English **********
Hopstreet Gallery is pleased to present Julie Cockburn’s second solo exhibition at the gallery.
Cockburn is well-known for her altered found photographs, immaculately crafted with hand embroidery, using a graphic visual language to bring the displaced photographs from their past into the present.
In ‘Same but Different’, Cockburn continues to add to the ongoing series she has been working on for decades, revisiting her motifs of dancing dots, masks, and concentric circles, exploring themes of similarity both within each series and within the individual works themselves. Those themes include generic landscapes, formal portraits and full body poses. “I’m on a quest for perfection in the execution I guess,” she says, “Using repetition and precision in order to articulate more clearly something inside me that I’m forever attempting to make manifest”.
The found images Cockburn chooses share crucial similarities within their groupings. The new ‘Flare’ landscape series, for example, uses a suite of found amateur landscape photographs, some under- exposed, some double-printed, to which Cockburn adds playful, ombré, suspended balloons of colour, giving the photographs depth of field and a magical, will-o-the-wisp quality. In ‘Yin’ and ‘Yang’, Cockburn sourced two identical photographs of an unknown, mid-century sitter. In an exercise to highlight the human condition, Cockburn has stitched a series of shapes, identical in position but different in colour and hue. This subtly shifted similarity accentuates the everchanging thoughts and emotions we all feel on a moment to moment, day to day basis.
‘Drawing – Gamut 1970-2023’, a looped video imperceptibly changing colour over a few minutes is derived from one of Cockburn’s own childhood drawings. It highlights the tricks time plays with our perception, and how difficult it is to see things when we are too close to them.
Cockburn hints at Derrida’s ‘La Différance’ when she talks about her interventions. “I suppose I’m trying to highlight everyone’s individual reaction and feelings when looking at a photograph by making my own responses visible on the surface, using a very personal and carefully honed visual language. I use the idiosyncrasies of each photo as my inspiration - the colour, posture, patina, format and composition - and I grab the ‘feeling’ they instil in me as a guide to the pattern I impose.” Indeed, graphic intervention is a hallmark in the lexicon of Cockburn’s response to the narrative in each found image. The two large scale embroidered trees, ‘Tree – Red’ and ‘Tree – Yellow’, again derived from a single photograph, emphase on the surface the individual a subtle meanings that we all bring to looking at an image.
********** Français **********
Hopstreet Gallery a le plaisir de présenter la deuxième exposition personnelle de Julie Cockburn à la galerie.
Le travail de Julie Cockburn est bien connu : il consiste à altérer des photographies trouvées, en y apportant des broderies minutieusement exécutées à la main. L’artiste a développé un langage visuel graphique propre pour ramener les photographies déplacées de leur passé vers le présent.
Dans « Same but Different », Cockburn continue d’enrichir les séries sur lesquelles elle travaille depuis des décennies, revisitant ses motifs de points dansants, de masques et de cercles concentriques, et explorant des thèmes de similitude à la fois à l’intérieur de chaque série et dans les œuvres individuelles elles-mêmes. Ces thèmes comprennent des paysages génériques ainsi que des portraits en pied et rapprochés. « Ce que je recherche, je suppose, est la perfection dans l’exécution », dit l’artiste. « J’utilise la répétition et la précision afin d’exprimer plus clairement quelque chose qui est en moi et que j’essaie sans cesse de rendre manifeste. »
Les images trouvées choisies par Cockburn sont regroupées en séries selon certaines similitudes cruciales. La nouvelle série de paysages « Flare », par exemple, utilise une série de photographies de paysages amateurs trouvées, certaines sous-exposées, d’autres imprimées en double, auxquelles Cockburn ajoute des ballons suspendus, ludiques et présentant des dégradés de couleurs, qui donnent à ces photos, non seulement une profondeur de champ, mais aussi une qualité magique, comme s’il s’agissait de feux follets. Dans « Yin » et « Yang », Cockburn a déniché deux portraits identiques d’un modèle inconnu du milieu du siècle dernier. Elle les a utilisés pour mettre en lumière la condition humaine, en cousant sur ces photos une série de formes qui se trouvent à la même position mais présentent des couleurs et des nuances différentes. Cette similitude subtilement décalée accentue le glissement constant des pensées et des émotions que nous ressentons tous d’un moment à l’autre, d’un jour à l’autre.
« Drawing – Gamut 1970-2023 » est une vidéo en boucle qui change imperceptiblement de couleur en quelques minutes, et qui est dérivée d’un des dessins d’enfance de l’artiste elle-même. Elle met en évidence à quel point notre perception est altérée par les ruses du temps, et combien il est difficile de voir les choses lorsque nous en sommes trop proches.
Parlant de ses interventions, Cockburn renvoie au concept de « la Différance » développé par Derrida. « J’essaie probablement de mettre en évidence la réaction et les sentiments individuels de chacun d’entre nous, lorsque nous regardons une photographie, en rendant mes propres réponses visibles à la surface, à l’aide d’un langage visuel très personnel et soigneusement affiné. Je m’inspire des particularités de chaque photo – la couleur, la posture, la patine, le format et la composition – et je me laisse guider par le « sentiment » qu’elles m’insufflent pour créer le motif que j’impose. » En effet, l’intervention graphique est la marque lexicale propre par laquelle Cockburn répond à l’histoire que lui raconte chacune de ses images trouvées. Les deux grands arbres brodés, « Tree – Red » et « Tree – Yellow » qui sont à nouveau dérivés d’une seule photographie, soulignent à la surface les significations individuelles et subtiles que nous apportons tous à l’observation d’une image.
********** Nederlands **********
Hopstreet Gallery presenteert met trots de tweede solotentoonstelling van Julie Cockburn in de galerie.
Cockburn staat bekend om haar bewerkte gevonden foto’s, die ze uiterst zorgvuldig met de hand borduurt. Ze ontwikkelde een eigen grafische beeldtaal om de foto’s vanuit hun verleden naar het heden te verplaatsen.
In “Same but Different” zet Cockburn onvermoeid de reeksen verder waaraan ze al tientallen jaren werkt. Ze herneemt haar typische motieven van dansende stippen, maskers en concentrische cirkels, en onderzoekt zoals steeds thema’s van overeenkomst, zowel binnen elke serie als binnen de afzonderlijke werken zelf. Deze thema’s omvatten naamloze generieke landschappen, formele portretten en personen die ten voeten uit zijn afgebeeld. “Ik denk dat ik op zoek ben naar perfectie in de uitvoering,” zegt ze, “ik gebruik herhaling en precisie om iets binnenin mij, dat ik telkens weer probeer te laten zien, duidelijker te verwoorden.”
De gevonden beelden die Cockburn kiest, zijn gegroepeerd volgens cruciale overeenkomsten. De nieuwe landschapsserie “Flare” bijvoorbeeld, maakt gebruik van een reeks gevonden amateurfoto’s van landschappen, sommige onderbelicht, sommige dubbel afgedrukt, waarin Cockburn speelse ballonnen hangt met een kleurverloop in dégradé : ze geven de foto’s scherptediepte en een magische sfeer, als waren het dwaallichten. Voor “Yin” en “Yang” kon Cockburn twee identieke foto’s van een onbekende persoon uit het midden van de vorige eeuw op de kop tikken. In een poging om de menselijke conditie te benadrukken, naaide ze er een reeks vormen op, identiek qua positie, maar verschillend in kleur en tinten. De gelijkenis die hier subtiel verschuift, illustreert de telkens weer veranderende gedachten en emoties die we allemaal voelen van moment tot moment en van dag tot dag.
“Drawing - Gamut 1970-2023” is een video in loops die in een paar minuten onmerkbaar van kleur verandert en die afgeleid is van een van Cockburns eigen kindertekeningen. Hij toont hoe de tijd met listige trucs aan de haal gaat met onze waarneming en hoe moeilijk het is om dingen te zien als we er te dichtbij staan.
Cockburn verwijst naar Derrida’s begrip “la Différance” wanneer ze over haar interventies praat. “Ik denk dat ik probeer om ieders individuele reactie en gevoelens bij het kijken naar een foto in de verf te zetten, door mijn eigen reacties aan de oppervlakte zichtbaar te maken, met behulp van een zeer persoonlijke en zorgvuldig aangescherpte beeldtaal. Ik gebruik de eigenaardigheden van elke foto als inspiratiebron – kleur, houding, patina, formaat en compositie – en ik gebruik het “gevoel” dat ze bij me oproepen als leidraad voor het patroon dat ik opleg.” De grafische interventie is inderdaad een soort stempel, gekozen uit het lexicon waarmee Cockburn reageert op het narratief van elk gevonden beeld. De twee grote geborduurde bomen, “Tree – Red” en “Tree – Yellow” ook weer afgeleid van een enkele foto, benadrukken aan de oppervlakte hoeveel individuele en subtiele betekenissen er meespelen wanneer we kijken naar een afbeelding.
Information sur la date
13:00:00 - 18:00:00
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