********** English **********
How can we establish a free, peaceful and environmentally friendly society? What
kind of future could we build? In Respublika, techno, film and theatre work in
concert to create a distinct, utopian world. The members of this multilingual
group – brought together by artist Łukasz Twarkowski – conducted a radical
experiment on themselves: for several weeks, they withdrew from civilisation to
the forests of Lithuania, cutting themselves off from everyday concerns. While
exploring the ideas of basic income and utopian societies, actors started DJing
and experimenting with life in a rave community and the political potential of
music and rave. Director Twarkowski documented this process with his camera and
recorded their fears, desires and existential concerns. Using this raw material,
he created a colossal six-hour happening. During the performance, the audience
is free to explore and wander around. Spectators can be simple observers or, if
they want, can sit down at a table with the artists, immerse themselves in the
reconstructed environment of the camp, visit the meditative sauna, and of
course, they can dance! After all, isn’t dancing to rave music in all its
sensual and ritual dimensions also an act of resistance?
********** Français **********
Dans Respublika, techno, cinéma et théâtre convergent pour créer un monde
utopique et différent. Un groupe intergénérationnel d’acteur·ices, réuni par
Łukasz Twarkowski, s’est prêté à une expérimentation radicale : une retraite de
plusieurs semaines dans les forêts lituaniennes, dans le but d’échapper à la
civilisation et aux tracas du quotidien. Tout en explorant les idées de revenu
universel et de sociétés utopiques, les membres du groupe se sont mis à mixer
ensemble, à expérimenter la vie au sein d’une communauté de ravers et le
potentiel politique de la rave. Comment créer une société libre, pacifique et
respectueuse de l’environnement ? Quel type de futur pouvons-nous construire ?
Le metteur en scène Twarkowski a consigné tout le processus, enregistrant sur
caméra leurs peurs, désirs et questions existentielles. Un matériel brut dont il
a tiré un prodigieux événement de six heures. Tout au long de la performance, le
public peut librement circuler, explorer l’espace, être de simples
observateur·ices ou s’attabler avec l’un·e des artistes, se plonger dans le camp
reconstitué, visiter le sauna méditatif et bien sûr danser ! Après tout, danser
aux sons d’une rave, dans toute sa dimension sensuelle et rituelle, n’est-ce pas
aussi un acte de résistance ?
********** Nederlands **********
Hoe kunnen we een vrije, vreedzame en ecologische samenleving creëren? Aan wat
voor toekomst willen we bouwen? In Respublika scheppen techno, film en theater
een utopische wereld. Een meertalige groep van performers – samengebracht door
kunstenaar Łukasz Twarkowski – voerde een radicaal experiment uit: ze trok zich
voor enkele weken terug in de bossen van Litouwen, afgesloten van de beschaving
en dagelijkse beslommeringen. De deelnemers discussieerden er over onderwerpen
als het basisinkomen en utopische samenlevingen, begonnen te DJ’en en gingen
experimenteren met het leven in een rave-gemeenschap en het politieke potentieel
van muziek en rave. Regisseur Twarkowski documenteerde het hele proces met zijn
camera en legde hun angsten, verlangens en existentiële zorgen vast. Met dit
ruwe materiaal creëerde hij vervolgens een imposante zes uur durende happening.
Tijdens de voorstelling is het publiek vrij om rond te lopen en de ruimte te
verkennen. Toeschouwers kunnen gewoon toeschouwer zijn of aan tafel gaan zitten
met de acteurs, ronddwalen in een reconstructie van het kamp, de meditatieve
sauna bezoeken en – hoe kan het ook anders – dansen! Want is raven in al zijn
sensuele en rituele dimensies niet ook een daad van verzet?
Kaaitheater: Pankaj Tiwari - Paper Planes
Beschrijving
PaperPlanes is een poëtische politieke reflectie over klimaatverandering en de relatie tussen het Westen en het Globale Zuiden, over uiteenlopende realiteiten, over dromen, over schaamte. Voor sommigen is het vliegtuig een symbool van hersenloze overconsumptie en voor anderen is het een drager van dromen. Wie mag er vliegen en wiens hoop moet op de grond blijven?
Het publiek, omringd door 15.000 papieren vliegtuigjes - die symbool staan voor de 15.000 euro die niet-EU-burgers moeten betalen om een Europees studentenvisum aan te kunnen vragen - wordt geconfronteerd met de ethiek van vliegen in een geglobaliseerde wereld. PaperPlanes bevraagt kapitalistische opvattingen over milieurechtvaardigheid door middel van beeldende kunst, verhalen, poëtische reflecties en experimenteel geluid en is een zoektocht naar een wenselijke toekomst, weg van al te simplistische narratieven.
Pankaj Tiwari is een hedendaagse kunstenaar, performancemaker en curator uit Balrampur, India, momenteel gevestigd in Amsterdam. Zijn werk brengt Oosterse perspectieven in het Westerse discours over sociopolitieke kwesties.
Nick Verstand is een hedendaagse kunstenaar die onderzoek doet naar de menselijke perceptie door middel van ruimtelijke audiovisuele composities. Zijn autonome installaties en live performances onderzoeken de grens tussen het materiële en het immateriële en worden gecreëerd door middel van collaboratieve ontwerpprocessen gericht op het doorbreken van sociale grenzen.
concept, text, performance Pankaj Tiwari | installation design Nick Verstand | production installation Studio Current | interlocutor Michiel Vandevelde | audio design Marijn Cinjee | motion & light design Wes Broersen | production Wout Panis & Jose Rosenzweig | text advisor Francesca Lazzeri | production assistance Sankrit Kulmanochawong, Nick van der Woude | image Oat Sankrit Kulmanochawong | co-production Fonds Podiumkunsten / Performing Arts Fund NL, Spielart Das Theaterfestival, DE SINGEL, Amste
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"Gaël s'est fait plaquer par sa copine, Juju a perdu son ami et Ti-Cul s'est
énervé sur la personne la plus chère à ses yeux. Alors que chacun cherche à
identifier et résoudre la source de ses maux, ils se retrouvent emportés, malgré
eux, à naviguer à travers leurs relations, leurs souvenirs et leurs pensées les
plus intimes.
Dans un monde où chacun peine à s'exprimer, la construction de soi
s'arrête-t-elle une fois que l'on quitte l'enfance pour entrer dans l'âge adulte
?"
Par Endroits est un projet théâtral à l'initiative d'Alexandre Van Campenhout,
créé collectivement par la Compagnie Cliffhanger.
La pièce a été élaborée à partir de témoignages de personnes venues de Belgique,
France, Suisse et même du Québec, et veut donner la parole aux enfants d'hier
pour la laisser à ceux de demain.
Saurez-vous les écouter ?
********** English **********
Deep inside a salt mine in the Austrian Alps lies an archive created by ceramist
Martin Kunze that he calls “The Memory of Mankind”. Since 2012, he has crafted a
collection of ceramic plates containing text and images to ‘back up’ human
civilisation and preserve all existing knowledge about our modern times. Kunze’s
ultimate aim is to create a time capsule that could last millions of years,
hoping that future civilisations will find the archive and learn about our
story. But what do you want people a million years from now to know about us?
How do you even start? And what gives one man the right to tell the story of
everyone? In this captivating theatre performance, the Swedish director Marcus
Lindeen and the French dramaturge Marianne Ségol ingeniously interweave the tale
of Martin Kunze with other true stories. Among them, we meet a man who suffers
from a rare type of amnesia that wipes his memory clean, and a queer
archaeologist who questions our relationship to history. Bringing the characters
and audience together in the same space, the performance poses an existential
question: why would it be better to remember than to forget?
********** Français **********
Au fond d’une mine de sel des Alpes autrichiennes repose une archive appelée «
La mémoire de l’humanité », qui a été conçue par un céramiste, Martin Kunze.
Depuis 2012, il crée une série de tablettes en céramique contenant des textes et
des images destinés à sauvegarder la civilisation humaine et à préserver les
savoirs issus de notre époque moderne. L’espoir de Kunze est de réaliser une
capsule temporelle qui pourrait traverser des millions d’années et être trouvée
par les civilisations futures, qui découvriraient alors notre histoire. Mais que
souhaite-t-on que l’on sache de nous dans un million d’années ? Par où commencer
? Et pourquoi une seule personne aurait-elle le droit de raconter notre histoire
? Dans un spectacle captivant, le metteur en scène suédois Marcus Lindeen et la
dramaturge française Marianne Ségol entremêlent habilement l’histoire réelle de
Martin Kunze avec d’autres histoires vraies. Dans l’une, un homme souffre d’une
rare forme d’amnésie qui efface toute la mémoire ; dans une autre, un∙e
archéologue queer interroge notre rapport à l’histoire. En réunissant dans le
même espace le public et les protagonistes de ces histoires, Lindeen et Ségol
soulèvent une question existentielle : pourquoi serait-il mieux de se souvenir
plutôt que d’oublier ?
********** Nederlands **********
Diep in een zoutmijn in de Oostenrijkse Alpen ligt een archief dat keramist
Martin Kunze “The Memory of Mankind” noemt. Sinds 2012 is hij bezig met het
creëren van een verzameling keramische platen met daarop tekst en afbeeldingen
om een ‘back-up’ van de menselijke beschaving te maken en alle bestaande kennis
over onze moderne tijd op te slaan. Kunze’s uiteindelijke doel is een
tijdcapsule te fabriceren die miljoenen jaren kan meegaan, in de hoop dat
toekomstige beschavingen het archief zullen vinden en ons verhaal zullen leren
kennen. Maar wat willen we dat men over een miljoen jaar van ons weet? Waar te
beginnen? En wat geeft één man het recht om ieders verhaal te vertellen? In deze
fascinerende theatervoorstelling verweven de Zweedse regisseur Marcus Lindeen en
de Franse dramaturge Marianne Ségol het verhaal van Martin Kunze op ingenieuze
wijze met andere waargebeurde verhalen. Zo ontmoeten we een man die lijdt aan
een zeldzame vorm van geheugenverlies waardoor zijn herinneringen telkens
opnieuw worden uitgewist, en een queer archeoloog die onze relatie tot de
geschiedenis in vraag stelt. Lindeen en Ségol brengen deze personages en het
publiek samen in eenzelfde ruimte, en werpen een existentiële vraag op: waarom
zou onthouden beter zijn dan vergeten?
Venez découvrir le Club des 3x20 du Comme Eddy Club, dans une salle cosy située
au 1er étage du Sister Brussels Café, à 2 pas de la Grand-Place de BXL.
Au menu de ces soirées : 3 humoristes en devenir auront chacun.e 20 minutes pour
vous surprendre, vous faire rire, vous émouvoir !
> Jeudi 21/3 : Flora, Guillaume & Amandine
> Jeudi 18/4 : Bilette, Liane & Vincent Van Parys
> Jeudi 23/5 : Ness, Luis Bellis & Le Duo Complice
+++
FOOD & DRINKS :
Venez plus tôt pour manger et/ou boire un verre sur place avant le spectacle :
carte bio, sans gluten, vegan, bières locales et jus maison !
+++
Le "Comme Eddy Club", c'est un jeu de mots pourri (vous l'avez ?), mais ce sont
surtout des soirées d'humour (presque) tous les jeudis à l'étage du Sister
Brussels Café. Pour être tenu.e au courant de nos activités, suivez-nous sur
Instagram : @commeeddyclub
Une co-production The Sister Brussels Café et Comme Eddy Club, à l'initiative
d'Edgar Kosma (Eddy pour les intimes, vous l'avez cette fois ?)
L’art et les tout-petits, ça commence par un désir d’adultes : artistes, équipe
de programmation et d’accueil, parents, accompagnants. Ensuite, il y a le temps
du spectacle, la réunion du public dans une salle, et l’émergence d’étincelles
individuelles, partagées et amplifiées par la présence des autres. Et enfin, il
y a l’après, et les souvenirs qui creusent des sillons fertiles dans les vies en
devenir.
Musiques, lumières, voix, images, traces, textures, langages, couleurs,
mouvements, regards, tissent des univers que chacun, chacune, traverse au gré de
l’éveil de ses sens. Nous n’avons pas les mots, ni nous, ni les bébés, pour dire
ce que nous vivons au théâtre, mais chacun, chacune de nous partage
mystérieusement un entrelacs d’émotions, avec ses compagnons de voyage. Et en
garde des fragments qui habiteront toujours nos corps et nos imaginaires.
Un wagon sous le bras, le comédien et human beatboxer Laurent Duprat entre en
scène. Il dépose des petits trains à moteur sur le circuit et initie une
chorégraphie ferroviaire et musicale. Avec sa bouche et sa voix, il leur
fabrique des voyages, ouvre des espaces et des chemins sonores et laisse son
empreinte vocale se déployer et flotter comme la fumée de ses locomotives.
Explorant les nouvelles pistes technologiques du théâtre d’objets sonores et
connectés, Track est une odyssée miniature extraordinaire.
De et avec Laurent Duprat – L.O.S. Son et objets connectés : Thomas Sillard.
Développement : Raphael Renaud – KINOKI. Lumière : Alizée Bordeau. Assistanat à
la mise en scène : Adélaïde Poulard. Constructions : Daniel Péraud et Sophie
Burgaud. Scénographie : Olivier Droux. Son : Margaux Robin. Mouvement : Thomas
Guerry. Costumes : Stéfani Gicquiaud. Lumière : Alizée Bordeau ou Anaëlle
Audhui. Son : Thomas Sillard, Margaux Robin ou Félix Mirabel. Circuit métal CAP
chaudronnerie du Lycée Réaumur de Poitiers.
DUREE - 55min
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« Le spectacle des Belges qui veulent simplifier la langue française » : tout
est faux dans cette phrase. Pas « simplifier » mais faire preuve d’esprit
critique. Pas « des Belges », mais des passionnés qui veulent partager les
découvertes des linguistes. Pas même la langue, seulement son orthographe. Car
l’orthographe, c’est pas la langue, juste le code graphique qui permet de la
retranscrire.
Une approche pop et iconoclaste, pour dédramatiser un débat et aussi parce qu’il
faut bien avouer que l’Académie Française a un vrai potentiel comique...
Notez que tout n’est pas faux : il s’agit bien d’un spectacle... Et drôle en
plus.
C'est quand la dernière fois que vous avez changé d’avis ?
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Conférence ludique, instructive, interactive. La Libre Belgique, Guy Duplat,
28.09.16
Le tout agrémenté de fautes légendaires – le fameux « Omar m’a tuer » – et
flagrants délits humoristiques. Le Soir, Catherine Makereel, 16.09.16
Une vraie gourmandise intellectuelle. L’Humanité, Caroline Constant, 22.11.19
Erudit, drôle, bien menée, La Convivialité est un objet scénique atypique qui
titille les méninges. Le Monde, Sandrine Blanchard, 18.11.19
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VOIR LE TEASER : https://vimeo.com/236903278
AFTER SCENE - Je 25.05 après la représentation. Avec l’équipe du spectacle.
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Conception et écriture Arnaud Hoedt et Jérôme Piron - Jeu Philippe Couture,
Arnaud Hoedt, Jérôme Piron, Antoni Severino (en alternance) - Direction
technique Charlotte Plissart - Régie Charlotte Plissart, Clément Papin, Aurélie
Perret (en alternance) - Co-mise en scène Dominique Bréda, Arnaud Pirault et
Clément Thirion - Création vidéo Kévin Matagne - Conseiller technique Nicolas
Callandt. Conseiller artistique Antoine Defoort - Assistanat à la mise en scène
Anaïs Moray – Photo visuel Kévin Matagne - Développement et diffusion Habemus
Papam.
Une création de la compagnie Chantal & Bernadette. En coproduction avec le
Théâtre National/Bruxelles et L’Ancre/Charleroi et Hypothalamus renforcé. Avec
le soutien du Théâtre La Cité/Marseille, de La Bellone/Bruxelles, de la
compagnie La Zouze/Marseille et du Service de la Langue française de la
Fédération Wallonie-Bruxelles et du Centre culturel de Braine L’Alleud. Avec
l’aide du Ministère de la Fédération Wallonie-Bruxelles (Service du théâtre).
Avec Fampitaha, fampita, fampitàna, signifiant la comparaison, la transmission,
la rivalité en malgache, la chorégraphe Soa Ratsifandrihana fabrique une
histoire qu’elle aurait aimé entendre et voir. Entre récits radiophonique,
musical et chorégraphique, ce spectacle diasporique joue entre oralité et
mouvement, pour nous rappeler que nos corps, au même titre que nos paroles ou
nos sons, portent des histoires. Soa s’entoure du guitariste Joël Rabesolo et
des performeur.euses Audrey Merilus et Stanley Ollivier, avec qui elle voyage
vers une errance, une créolisation peut-être.
« La créolisation emporte ainsi dans l’aventure du multilinguisme et dans
l’éclatement inouï des cultures. Mais l’éclatement des cultures n’est pas leur
éparpillement, ni leur dilution mutuelle, il est le signe violent de leur
partage consenti, non imposé. » Édouard Glissant
"Les relations mère-fille peuvent être magnifiquement compliquées".
Car si le lien qui les unit est unique, il est aussi et surtout complexe.
Cette relation l'auteure a souhaité la décomplexer
en proposant une pièce théâtrale aussi drôle qu'émouvante.
La comédienne nous explique : " On parle ici d'une mère particulière parce
qu'elle est encombrante, étouffante, castratrice voire destructrice même.
C'est un personnage très théâtral, ce qui me permet de l'imiter et d'en faire
rire,
mais aussi d'être dans l'émotion car elle peut être touchante et se révéler
d'une fragile flamboyance".
Un spectacle poignant !
********** English **********
In Уя (‘Nest’), we observe a corridor of a small apartment in Bishkek, as if
from the room next door, while several characters pass by: a girl who works in
the Kyrgyz clubbing scene, a boy whose father left to fight with ISIS, an
elderly woman who created an orphanage at home, a far-right nationalist and a
feminist activist. Theater 705, one of the few independent theatres in
Kyrgyzstan and a feminist voice in Central Asia, created Уя (Nest) from recorded
interviews with real people in Kyrgyzstan who answered the same question: what
is home for you? Chagaldak Zamirbekov and his actors weave together these
stories in a cinematographic, hyper-realistic style that reproduces not just the
words of each respondent, but also their pauses and intonations. The characters
in the same space do not seem to see each other, evoking a sense of loneliness
and bewilderment in Kyrgyz society, fertile ground increasingly used to affirm
nationalist ideology. Maybe this house, this nest, is the nation itself, a place
where people can be merely present in the same space or truly live together. Уя
(Nest) paints a portrait of Kyrgyz society on the cusp of hyperbole and realism.
It’s a rare opportunity to confront the intimate revelations of a region absent
from the festival for too long.
********** Français **********
Уя (« Nid ») nous immerge dans le couloir d’un appartement de Bichkek. Comme si
nous étions témoin·tes de scènes depuis une pièce voisine, nous observons des
personnages traverser l’espace : une fille qui travaille dans le milieu du
clubbing kirghize, un garçon dont le père combat avec Daech, une femme âgée qui
a fondé un orphelinat chez elle, un nationaliste d’extrême droite et une
activiste féministe. Chagaldak Zamirbekov et Theater 705, l’un des rares
théâtres kirghizes indépendants et une voix féministe d’Asie centrale, ont créé
Уя (Nest) à partir d’entretiens faits avec des Kirghizes ayant tous·tes répondu
à la même question : qu’est-ce que la maison pour vous ? Leurs récits, jusqu’à
leurs mots et intonations, sont reproduits par les acteur·ices dans un style
cinématographique hyperréaliste. Les personnages partagent un même espace sans
sembler se voir, évoquant un certain sentiment de solitude et de désarroi de la
société kirghize – un terreau fertile pour l’idéologie nationaliste. Cette
maison, ce nid, pourrait-elle être la nation au sein de laquelle nous pourrions
coexister ou vivre véritablement ensemble ? Уя (Nest) dépeint un portrait de la
société kirghize au croisement entre l’hyperbole et le réalisme. Une occasion
rare de tendre l’oreille aux révélations intimes d’une région trop longtemps
absente du festival.
********** Nederlands **********
Met Уя (‘Nest’) kijken we binnen in de gang van een appartementje in Bishkek
waar verschillende personages de revue passeren: een meisje dat in het
Kirgizische nachtleven werkt, een jongen wiens vader is vertrokken om voor IS te
vechten, een oudere vrouw die weeskinderen opvangt, een extreemrechtse
nationalist en een feministische activiste. Theater 705, één van de weinige
onafhankelijke theaters in Kirgizië en een feministische stem in Centraal-Azië,
creëerde Уя (Nest) op basis van interviews met Kirgiziërs. Ze beantwoordden
telkens de vraag: wat is ‘een thuis’ voor jou? In een cinematografische,
hyperrealistische stijl weeft Chagaldak Zamirbekov deze verhalen tot een geheel.
Niet alleen de woorden, maar ook pauzes en intonaties worden trouw
gereproduceerd. De personages delen dezelfde ruimte maar lijken elkaar niet te
zien, wat een gevoel van eenzaamheid en vervreemding oproept, sterk aanwezig in
de Kirgizische samenleving en een vruchtbare bodem voor nationalistische
ideologieën. Misschien is dit huis, dit nest, wel de natie zelf; een plek waar
mensen naast elkaar aanwezig kunnen zijn, of écht kunnen samenleven. Уя (Nest)
schetst een portret van de Kirgizische samenleving op de grens van hyperbool en
realisme.