Damast design – Ontwerpen met licht en schaduw

Description

Kijk jij ook altijd vol bewondering naar de sierlijke dessins die bijna op magische wijze in strijklicht tevoorschijn komen op een met damast gedekte tafel? Hoe doen ontwerpers dit toch? In deze tentoonstelling duiken we in het ontwerpproces van damast, van de eerste schets tot hét pronkstuk op tafel.

De damasten in de collectie van het TextielMuseum hebben prachtige voorstellingen die subtiel zichtbaar worden in strijklicht. Tot 1900 worden in Nederland de voorstellingen naar bestaande voorbeelden geweven die vaak niet meer zijn terug te voeren op één tekenhand of ontwerper. In het begin van de twintigste eeuw gaan damastweverijen aan kunstenaars opdracht geven om artistieke dessins en voorstellingen te ontwerpen. Vanaf dan kunnen we het proces van de eerste schets naar het uiteindelijke weefsel volgen. Inmiddels is het TextielMuseum zelf opdrachtgever voor ontwerpers die hedendaags damast vormgeven dat in het TextielLab wordt geweven. Vanzelfsprekend worden de maakprocessen vastgelegd en samen met de resultaten bewaard in de collectie. In deze tentoonstelling tonen we het ontwerp- en maakproces voor damasten tafelgoed. Een uniek verhaal vanwege de aansprekende ontwerpers, de bijzondere geschiedenis, de speciale toepassing, de artistieke en technische innovaties en de intrigerende weeftechniek.

Beeld: Ontwerptekening ‘Life of a Tuna Fish’ damast Scholten

Organisateur

Vous organisez cet événement ?

Contactez-nous si vous souhaitez mettre à jour les informations et autres.

Nous contacter

1 Photo

Événements suggérés

Het Maliebaanstation in Utrecht bestaat dit jaar precies 150 jaar. Dit jubileum wordt door het Spoorwegmuseum gevierd met een boeiende tentoonstelling. In diverse ruimtes van het station wordt teruggeblikt op de bouw, de verschillende functies die het station door de jaren heen had en de mensen die er werkten. Op 10 juni 1874 opende de Hollandsche IJzeren Spoorwegmaatschappij een zijtak van de Oosterspoorlijn die liep van Hilversum naar Utrecht. Aan de Maliebaan verrees een monumentaal station als opstapplaats voor de Utrechtse reizigers. Aanvankelijk floreerde het station – je kon er opstappen op de trein naar Parijs- maar gaandeweg verloor het station zijn belangrijke functie en werd het stil. Dichter F. Bordewijk omschreef in 1935 de sfeer in het station treffend als “een lijk boven aarde, dat vaak nog beklemmend onzen droom zal beheerschen”. In 1939 viel het doek en sloot het station voor reizigersvervoer. Het grotendeels verlaten Maliebaanstation wordt nog als rangeer- en goederenstation gebruikt, ook vindt het Bureau van Gevonden Goederen een onderkomen in het station. In de Tweede Wereldoorlog namen de Duitsers bezit van het Maliebaanstation met als zwarte bladzijde de deportatietransporten van Utrechtse Joden. Na de oorlog werd besloten dat het Maliebaanstation de “blijvende behuizing” zou worden van het Spoorwegmuseum. Op 28 november 1953 was het zover, voor een kwartje entree konden bezoekers een gedeelte van het nieuwe museum bezoeken. Pas in november 1954 was het gehele museum klaar en vond de officiële opening plaats. In 2005 werd het station weer in authentieke staat teruggebracht en sindsdien fungeert het als monumentaal entreegebouw van het vernieuwde Spoorwegmuseum.
Kom naar de Spoorweg Spelen en ontdek of jij het in je hebt om lid te zijn van de spoorwegfamilie! Test je kennis, puzzelvermogen, kracht, snelheid, behendigheid en creativiteit bij de verschillende spellen en neem het op tegen de tijd, het spel of je eigen familie. Waar ligt jouw talent? Welk beroep past het beste bij jou? Bij de Spoorweg Spelen kun je ontdekken waar jij goed in bent. Ben je net zo sterk als de stoker, zo snel als de kruier en zo slim als de rangeerder? Ga de strijd aan en ontdek waar jij in uitblinkt!
Dé manier om een kasteel te beleven zoals het hoort: een Garden Party. Tijdens de Garden Party krijg je een rondleiding, kan je ouderwetse tuinspelletjes spelen en strijk je met een picknickmand neer in de kasteeltuin, waar live muziek wordt gespeeld. Net als de kasteelbewoners van weleer hoef je je eigen picknickmand niet te vullen, dat doet de keukenbrigade van Slot Zuylen ‘downstairs’. Met de Garden Party boek je een compleet dagje uit. Of je nu op date gaat met z’n tweeën of met het hele gezin op pad wil. Bewonder eerst het kasteel op je eigen gemak en speel een spelletje croquet. Ga daarna mee met een rondleiding door de prachtige kasteeltuinen. Vervolgens haal je je goed gevulde picknickmand op en spreid je je kleedje op een mooi plekje in de kasteeltuin. Trio Clamore verwelkomt je hier in stijl, met vrolijke noten. In je picknickmand vind je huisgemaakte, vegetarische lekkernijen. De keukenbrigade heeft ze met veel liefde bereid, zoveel mogelijk met groenten en vruchten uit eigen tuin. En dat proef je: luxe belegde broodjes, fruitsalade, taartjes, hartige hapjes en biologische appel/perensap. Voor de liefhebber worden op de party zelf alcoholische dranken verkocht. Voor kinderen worden de hapjes aangepast en zit er een cadeautje in de mand. Als je exclusief wilt reserveren voor je eigen groep, neem dan contact op voor de mogelijkheden en verdere informatie via: horeca@slotzuylen.nl [horeca@slotzuylen.nl]. Data Tijden Inbegrepen Prijs
Deze editie van de Closet Cleaning Market gaat door op Pinkstermaandag 20 mei 2024 aan Bar Brial, Fort 4 in Mortsel Hier kan je via de knop TICKETS, jouw standplaats reserveren! Prijs per meter €9 (€10 per meter overdekt) Je betaalt voor je gekozen aantal meters + een waarborg van €10. Deze krijg je terug op het einde van de dag, wanneer je je standplaats netjes achtergelaten hebt. Drank- en eetkramen zijn NIET toegelaten. Adres: Fortstraat 100 – 2640 Mortsel
Met smartphones en social media belooft technologie ons dichter bij elkaar te brengen. Van nauwe familie tot verre kennissen en onbekenden, iedereen is binnen handbereik, en toch is de eenzaamheid de afgelopen jaren sterk toegenomen. De voortdurende en snelle ontwikkeling van technologie zorgt voor drastische veranderingen in de manier waarop connecties worden gevormd: met elkaar, met onszelf en met de natuur. Is er nog sprake van verbinding in het digitale tijdperk? Biedt technologie wel de connectie die nodig is? Of nemen onze apparaten en digitale connecties langzaam de plaats in van menselijk contact?  Met de nieuwe expositie In Touch verkent IMPAKT [Centrum voor Mediacultuur] vormen van verbinding in tijden van de digitale mensheid. Laat je onderdompelen in interactieve kunstwerken, audiovisuele ervaringen, virtual reality en AI, en ontdek dat de lijn tussen connectie en disconnectie dunner is dan je zou denken. Aan de hand van immersieve en speelse werken ondervind je als bezoeker aan den lijve wat het betekent om een emotionele relatie aan te gaan met technologie en via technologie met de ander, en wat het betekent om verbonden te zijn.  In Touch opent op 22 maart (vrij toegankelijk), en is van 23 maart t/m 4 mei 2024 te bezoeken op woensdag t/m zondag, van 12.00 – 18.00 uur.
Join us at 1646 for an exhibition that examines the hidden powers that rule many parts of our lives. Financial power is a concept that becomes more intangible with each attempt to understand it, often hiding itself in tall buildings. Through extensive research on the development of global capitalism, stock markets and big corporations, artist/filmmaker Bob Demper tries to understand the impact it has on our existence. Demper looks at how the risk taken by the corporate world is almost always a public risk, and how this relentless pursuit of growth has resulted in polarisation, confusion and a lack of understanding of what’s governing our everyday life. At 1646, the audience can walk through carefully crafted film sets. Spaces that make us feel the tension between these opaque financial worlds and our private space, where we find ourselves on the edge of dreams and reality.
********** English ********** Queens Brussels is delighted to announce the prolongation of the exhibition Iconostasis featuring a duo of visual artists, Gianluca Cosci and Sébastien Forthomme. The exhibition presents a selection of their most recent works, highlighting both the affinities and disparities of the artists’ individual practices. The exhibition is designed as a dialogue between two unique artistic personalities, presenting an enriching visual exchange. The title, Iconostasis, refers to the Eastern Christian tradition in Byzantine churches of a solid screen of stone, wood, or metal, usually separating the sanctuary from the nave. The iconostasis had originally been some sort of simple partition between the altar and the congregation. It then became a row of columns, and the spaces between them were eventually filled with icons. Quite surprisingly we do not find any other reference to Christianity or faith in general in this exhibition. The silent power conveyed by the artworks evokes a feeling of being mesmerized each in its own individual manner, reminiscent of Colour Field paintings. Through their elegiac tones, the artworks draw viewers into their own sphere, inviting closer encounters with their physicality which become both a boundary and a contact point between immanence and the sublime. In that respect the artists’ creations function as a sort of laic iconostases that project us into introspective and existential meditations. In his practice Gianluca Cosci investigates the different interpretations of iconoclasm concerning the concept of visual obliteration using existing artworks as palimpsests and creating new pieces through painting and photography. In his work the artist examines the auratic potency of images when subjected to iconoclastic interventions. Cosci’s eclectic oeuvre converges towards the dichotomy between the visible and invisible, perception and imagination. In his investigations the artist aims to convey the concept of 'hidden' by partially veiling images and denying visions. Ultimately, Gianluca Cosci examines the enigma of images and how their allure can be amplified when they are concealed or erased: visual negation can eventually serve as a means for the viewer to adhere to the Duchampian principle of actively engaging in the interpretation and finalisation of the artwork, as the crucial and supreme contribution to the artistic experience. In the photographic works of Sébastien Forthomme exists a comparable sensibility towards the negation of the visible in the form of abstract compositions and blurred images. His photographs suggest mystical dimensions through an aesthetic quest that start from the visible only to ascend towards a mesmerising inner voyage made of sinuous shapes and sensuous colours. Forthomme’s practice can be identified with a journey towards the absolute that could indeed have affinities to that material separation made of icons that prevents optical vision in favour of another, more transcendent one. ‘It is not doubt but certainty that drives us mad', said Nietzsche. Our society is a knowledge society based on scientific laws dating back to Galileo. Anything that escapes these formalised laws is beyond our horizon. The artist attempts to set this knowledge aside and invoke a more fundamental and innate perception. Biography Gianluca Cosci (1970, Italy) completed a BA in painting at the Accademia di Belle Arti, Bologna. Between 1999 and 2011 he lived and worked in London where he obtained Master degrees in fine art at Chelsea College of Art and in art and design at the Institute of Education, University of London. In 2011 he moved to Brussels where he currently lives and works. He is expected to defend his Ph.D. in the arts at LUCA School of Art/KU Leuven University in December 2023 titled “The Denied Image: Art Interventions Between Iconoclasm and Institutional Critique”. Sébastien Forthomme (1976, Belgium) studied at the Agnès Varda School of Photography in Brussels. He was a photographer for the Opéra Royal de la Monnaie between 2008 and 2015. He then embarked on an artistic research and exhibited in Brussels and Amsterdam, among other places. His work expresses his research into doubt, the limits of perception and knowledge, and the human-nature 'continuum'. ********** Français ********** Queens Brussels a le plaisir d'annoncer la prolongation de l'exposition Iconostasis qui présente un duo d'artistes visuels, Gianluca Cosci et Sébastien Forthomme. L'exposition présente une sélection de leurs œuvres les plus récentes, soulignant à la fois les affinités et les disparités des pratiques individuelles des artistes. L'exposition est conçue comme un dialogue entre deux personnalités artistiques uniques, présentant un échange visuel enrichissant. Le titre, Iconostasis, fait référence à la tradition chrétienne orientale des églises byzantines qui consiste en un écran solide de pierre, de bois ou de métal, séparant généralement le sanctuaire de la nef. À l'origine, l'iconostase était une sorte de simple cloison entre l'autel et l'assemblée. Elle s'est ensuite transformée en une rangée de colonnes, et les espaces entre celles-ci ont finalement été remplis d'icônes. De manière assez surprenante, nous ne trouvons aucune autre référence au christianisme ou à la foi en général dans cette exposition. La puissance silencieuse véhiculée par les œuvres d'art évoque un sentiment d'hypnose, chacune à sa manière, rappelant les peintures Colour Field. Par leurs tons élégiaques, les œuvres d'art attirent les spectateurs dans leur propre sphère, invitant à des rencontres plus étroites avec leur physicalité qui devient à la fois une frontière et un point de contact entre l'immanence et le sublime. À cet égard, les créations des artistes fonctionnent comme des sortes d'iconostases laïques qui nous projettent dans des méditations introspectives et existentielles. ********** Nederlands ********** Queens Brussels kondigt met trots de verlenging aan van de tentoonstelling Iconostasis met een duo beeldende kunstenaars, Gianluca Cosci en Sébastien Forthomme. De tentoonstelling presenteert een selectie van hun meest recente werken en belicht zowel de affiniteiten als de verschillen van de individuele praktijken van de kunstenaars. De tentoonstelling is opgezet als een dialoog tussen twee unieke artistieke persoonlijkheden en biedt een verrijkende visuele uitwisseling. De titel, Iconostasis, verwijst naar de Oosters-christelijke traditie in Byzantijnse kerken van een solide scherm van steen, hout of metaal, dat meestal het heiligdom scheidt van het schip. De iconostase was oorspronkelijk een soort eenvoudige afscheiding tussen het altaar en de congregatie. Daarna werd het een rij zuilen en de ruimtes ertussen werden uiteindelijk gevuld met iconen. Verrassend genoeg vinden we in deze tentoonstelling geen enkele andere verwijzing naar het christendom of het geloof in het algemeen. De stille kracht van de kunstwerken roept een gevoel van betovering op, elk op zijn eigen individuele manier, dat doet denken aan Colour Field-schilderijen. Door hun elegische tonen trekken de kunstwerken de toeschouwers hun eigen sfeer binnen en nodigen ze uit tot nauwere ontmoetingen met hun lichamelijkheid, die zowel een grens als een contactpunt wordt tussen immanentie en het sublieme. In dat opzicht fungeren de creaties van de kunstenaars als een soort iconostasen die ons projecteren in introspectieve en existentiële meditaties.
********** Français ********** LES NOCTURNES SONT DE RETOUR À LA MAISON DES ARTS! Nous vous ouvrons les portes le jeudi 25 avril, de 17h à 22h. La visite de l’exposition Encore & Encore. Rituels d’artistes est accessible gratuitement. Mais si vous souhaitez découvrir les endroits cachés de la Maison des Arts, c’est Madame Rosa qui sera votre guide! Madame Rosa est femme de ménage, experte en maisons historiques. Bavarde et extrêmement curieuse, voire indiscrète, elle partage volontiers les anecdotes qu’elle collecte et se permet souvent de désobéir, emmenant les visiteurs dans son sillage. Cette visite théâtralisée est payante et se fait sur inscription uniquement via le site des Nocturnes. Les visites sont données en français uniquement. Horaire des visites: 17:30 – 18:30 19:00 – 20:00 20:30 – 21:30 Tarif: Visite de l'expo et ambiance musicale: Gratuit Visites Madame Rosa: Standard : 6€ Etudiant (-26 ans) : 3€ Enfant de moins de 13 ans : gratuit Durant toute la soirée, profitez d’une ambiance musicale de la Shaft Crew qui diffusera des sons Disco et feel good. L’Estaminet, horeca de la Maison des Arts, sera également ouvert pour vous proposer des boissons variées ! LES NOCTURNES, C’EST QUOI? Tous les jeudis soir du 11 avril au 23 mai, les Nocturnes vous ouvrent les yeux sur les trésors des musées et centres d’art bruxellois. De 17h à 22h, découvrez les expositions du moment et les collections de 43musées grâce à des visites guidées inédites, un accès aux coulisses et réserves ou des ateliers artistiques sur mesure. Réservations et programme complet sur le site de Brussels Museums Nocturnes ********** Nederlands ********** De Nocturnes van La Maison des Arts zijn er weer! Op donderdag 25 april openen wij onze deuren van 17 tot 22 uur. Het bezoek aan de tentoonstelling Keer op keer. Rituelen van kunstenaars is gratis. Ontdek je liever de verborgen hoekjes van La Maison des Arts? Dan is Madam Rosa je gids. Madam Rosa is de huishoudster. En ze weet alles over historische huizen! Ze babbelt graag en is extreem nieuwsgierig. Ze steekt haar neus overal in. Ze roddelt zonder gêne, heeft veel anekdotes en durft bezoekers wel eens stiekem mee te nemen door het huis. Dit theaterbezoek is betalend en enkel toegankelijk op inschrijving. Ga hiervoor naar de website van de Nocturnes. De gidsen zijn Franstalig. Tijdstippen van de bezoeken 17.30 – 18.30 u 19.00 – 20.00 u 20.30 – 21.30 u Prijzen Standaard: € 6 Studenten (-26 jaar): € 3 Kinderen onder 13 jaar: gratis Geniet de hele avond van de muziek van Shaft Crew, met zijn vrolijke discoklanken. Ook het Estaminet, de horecazaak van La Maison des Arts, is geopend voor een heerlijk drankje. Wat zijn de Nocturnes? Elke donderdagavond van 11 april tot 23 mei belichten de Nocturnes de schatten van de Brusselse musea en kunstencentra. Ontdek van 17 tot 22 uur de tentoonstellingen van het moment en de collecties van 43 musea, dankzij unieke geleide bezoeken, een blik achter de schermen en in de opslagplaatsen, of artistieke workshops op maat. Reserveren kan op de website van Brussels Museums Nocturnes. Je vindt er ook het volledige programma.
The first joint exhibition of Hungarian artist, Árpád Forgó and Brussels-based ceramic artist Abel Jallais takes place at the Front Gallery of Liszt Institute, Brussels as an official off program of Art Brussels international contemporary art fair. At the exhibition, through unusual constellations, Forgó’s delicate shaped canvas compositions get in dialogue with the monochrome ceramic objects of Abel Jallais. Despite of working with different medium, their approach and processes share several similarities. They create non-representational objects, which do not intend to generate direct associations; the content of the work is its colour, shape, texture, size and scale. Both artists developed his own basic forms, from which they build the artworks: Jallais is using additions, cut-outs and repetition in his “Bonbonne” series; Forgó is applying different reflection methods, as well as shifting. They create simple and visually controllable pieces that need to be observed and discovered. Árpád Forgó works with basic geometric forms and through isometric transformations; he builds shaped canvas compositions, visualising structures, shapes, measurements and rhythm, as well as planar and spatial relationships. He developed shaped canvas modules in order to build block-like or hollow, symmetrical or asymmetrical compositions. In the recent years, he experiments intensively with different compound painting processes in order to challenge the viewer’s perception not only by the structure but also by the material. Abel Jallais has an attraction to facing unknown objects; therefore, he peals off the functional territories of the archaic objects and transforms them into a free form of interpretation. They become a fictional territory again to explore, offering the opportunity to the passive user to open a new dialogue with the form. Sighing with the eyes, turning around, manipulating to return to a primitive form of primitive apprehension. His practice moves in this interstice. The fictional sense becomes the functional sense. Both artists work with traditional materials, aiming for industrial perfection, still keeping the craftsmanship of the process. Árpád Forgó is a Budapest-based artist. After graduating, he soon started to focus on geometric abstraction and made paintings with tactile feature. He has always been interested in the periphery of painting and sculpture. Since 2015, he creates shaped canvas works and modular compositions. He has exhibited widely, including solos shows at Anya Tish Gallery in Houston; Schlieder Contemporary in Frankfurt; Viltin Gallery, Budapest and Rómer Flóris Museum of Art and History in Győr, Hungary. He has participated in group shows at Ludwig Museum and Vasarely Museum in Budapest and the Museum Ritter in Waldenbuch, Germany. Artist residency programs play an important role in the artist’s career, he was invited to Norway, Australia, Spain, and several times to the United States. For 2019-2020, he was awarded The Pollock-Krasner Foundation grant. Abel Jallais is a French-born ceramic artist living and working in Brussels. After his studies at the College of Fine Arts in Angers, where he concentrated on sculpture and drawing, he spent a year in Colombia, where he did an internship at Campo de Gutierrez artist residency centre, where ceramics played a major role. He had already been working with clay since his teenage years, and this experience strengthened his desire to explore this material further. On his return to Europe, he joined the master’s programme in ceramics at La Cambre National College of Visual Arts in Brussels, graduating in 2018. Since then, he has divided his time between his art practice at Espace Triphasé art studio and his work as a teacher at the Brussels Art Academy and as a teaching assistant at the ceramics department at La Cambre. His works have been exhibited at numerous galleries and art spaces in Brussels, including Galerie Cohérent, Musée du Cinquantenaire, Puls Ceramics Gallery and Espace La Vallée, as well as at international ceramics platforms in Belgium, The Netherlands and France. /// Curator: Gábor Pintér
********** English ********** In this exhibition, K-Dix 80 presents works based on elements that are not, or are no longer, visible in the cemetery. The best example of this is the barrier built by Horta around the tomb, but which has since been lost and of which no representation seems to be available. K-Dix80 wanted to recreate the barrier by drawing on the contemporary collective imagination, and to do so he commissioned artificial intelligence software to reconstitute it. His many unexpected proposals are revealed, as the shadow of one of these virtual barriers is painted on the floor and wall. Other elements evoke the negative of the intervention in the public space, such as the original paving stones replaced by those sculpted by K-Dix80, or the offcuts of the corten steel plates that reproduce the decorative elements sculpted by Horta on the tomb of the Cressonnières family. Emphasis is also placed on the context of the tomb, which stands next to more modest buildings destined to disappear, like those they housed. Various photographic approaches pay tribute to these people in the shadows. ********** Français ********** Dans cette exposition, K-Dix80 présente des œuvres conçues à partir d’éléments qui ne sont pas ou plus visibles au cimetière. Le meilleur exemple en est fourni par la barrière construite par Horta autour de la tombe, mais perdue depuis et dont aucune représentation ne semble disponible. K-Dix80 a voulu recréer la barrière en puisant dans l’imaginaire collectif contemporain, et pour ce faire il a chargé un logiciel d’intelligence artificielle de la reconstituer. Ses nombreuses propositions, pour le moins inattendues, sont dévoilées, alors que l’ombre d’une de ces barrières virtuelles est peinte au sol et sur le mur. D’autres éléments évoquent le négatif de l’intervention dans l’espace public, comme les pavés d’origine remplacés par ceux sculptés par K-Dix80 ou les chutes des plaques d’acier corten qui reprennent les éléments décoratifs sculptés par Horta sur la tombe de la famille des Cressonnières. Un accent est aussi mis sur le contexte de la tombe, voisine d’édifices plus modestes, destinés à disparaître, comme celles et ceux qu’ils abritaient. Diverses approches photographiques rendent hommage à ces personnes de l’ombre. ********** Nederlands ********** In deze tentoonstelling presenteert K-Dix80 werken gebaseerd op elementen die niet of niet meer zichtbaar zijn op de begraafplaats. Het beste voorbeeld hiervan is de barrière die Horta rond het graf bouwde, maar die sindsdien verloren is gegaan en waarvan geen representatie beschikbaar lijkt te zijn. K-Dix80 wilde de barrière herscheppen door te putten uit de hedendaagse collectieve verbeelding en om dat te doen gaf hij kunstmatige intelligentiesoftware de opdracht om de barrière te reconstrueren. Zijn vele onverwachte voorstellen worden onthuld als de schaduw van een van deze virtuele barrières op de vloer en de muur wordt geschilderd. Andere elementen roepen het negatieve van de interventie in de openbare ruimte op, zoals de originele straatstenen die zijn vervangen door de stenen die door K-Dix80 zijn gebeeldhouwd, of de afsnijdingen van de cortenstalen platen die de decoratieve elementen reproduceren die Horta op het graf van de familie Cressonnières heeft gebeeldhouwd. De nadruk wordt ook gelegd op de context van de tombe, die naast bescheidener gebouwen staat die voorbestemd zijn om te verdwijnen, net als de gebouwen die ze herbergden. Verschillende fotografische benaderingen brengen hulde aan deze mensen in de schaduw.