Het verhaal van Gent
Description
In 2020 bestaat het STAM tien jaar. Tijd voor een verjongingskuur van de vaste tentoonstelling. Vanaf 7 december 2020 flaneer je in ‘Het verhaal van Gent’ nieuwe stijl tussen perkamenten abten, ondernemende vrouwen, verliefde rebellen en zelfzuchtige weldoeners van de middeleeuwen tot nu. Je ziet en voelt de stad groeien en veranderen van vorm. Je ontdekt unieke objecten en natuurlijk is er ook een verse versie van onze (nog altijd even gigantische) luchtfoto.
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Événements suggérés
From Saturday 13 April to Sunday 1 September 2024, the Bruges Triennial brings
Spaces of Possibility to the streets of the historic city centre and Zeebrugge.
The contemporary art and architectural installations are on view for almost five
whole months. For our fourth edition, we’ve invited twelve international artists
and architects to hold a mirror up to the dormant potential of the ever-changing
city. How can a UNESCO World Heritage City, where preservation is central, deal
with concepts such as change and sustainability? And how can contemporary art
and architecture create a new framework for these issues? Through their artistic
interventions, the artists and architects challenge existing sites, connect
urban areas and search for hidden beauty.
– 13.04 - 01.09.2024
– Bruges city centre and Zeebrugge
– always open, always free
– triennalebrugge.be
Pour cette quatrième édition, la Triennale de Bruges part à la recherche du
potentiel caché de la ville. Comment une ville historique, inscrite au
patrimoine mondial de l’Unesco et axée sur la préservation de son passé,
appréhende-t-elle des concepts tels que le changement et la durabilité, et
comment l’art contemporain et l’architecture peuvent-ils créer un nouveau cadre
à cet effet?
Artistes et architectes participants: Iván Argote (CO), Bangkok Project Studio
(TH), Mariana Castillo Deball (MX), Counterspace (ZA), Mona Hatoum (LB | UK),
Ivan Morison (UK), Norell/Rodhe (SE), Shingo Masuda + Katsuhisa Otsubo
Architects (JP), Studio Ossidiana (NL), SO-IL (US), Adrien Tirtiaux (BE) en
Traumnovelle (BE)
triennalebrugge.be | @triennalebrugge
LaVallée, lieu emblématique de la scène artistique bruxelloise, est fière
d'annoncer le vernissage de l'exposition collective "Cracked Perspective,
mettant en lumière le travail de quatre artistes résidents. L'exposition se
tiendra du 12 au 28 avril 2024.
Ammo est illustrateur et affichiste. Elzo, artiste numérique. Hell’O est un duo
d'artistes peintres composé de Jérôme Meynen et Antoine Détaille. Studio
Biskt, duo multidisciplinaire associant la céramiste Charlotte Gigan au
designer industriel Martin Duchesne.
Portés par leur amitié et leur passion commune, Charlotte, Martin, Ammo,
Jérôme, Antoine et Elzo unissent leurs forces pour donner naissance à une
exposition d'envergure. Une ode à l'art, à l’amitié révélant ainsi
l'harmonie
cachée entre leurs univers distincts. Le lien entre ces quatre artistes est
d’avantage de l'ordre du concept, des influences : végétal, psychédélisme,
motifs géométriques, .. se ressemblant surtout dans leur façon d'entreprendre
et de vivre ce travail artistique.
Chacun de ces artistes maîtrise parfaitement son moyen d'expression, offrant au
public une diversité d'univers artistiques contemporains.Les visiteurs seront
transportés à travers des transitions et des installations scénographiques
innovantes, perturbant leur perception pour les plonger dans les univers uniques
créés par chaque artiste.
********** English **********
Referencing Roman archaeology and architecture, from mosaics to temples and
public baths, Ticca’s series blends Grand Tour reveries and homoerotic subjects,
landscape painting and sculptural nudity, shuffling all at once sport scenes and
Graeco-Roman mythology, the underground of Brussels and historical artifacts.
Ticca’s evocative, nostalgic and dazzling works are embedded within the space,
creating an ideal bridge between the past and the now, a lost Arcadia and
mundane contemporary materialism. Inscribed in the frame of the chapel, his
work pursues the search of an elsewhere that can be found here, now, and every
day, playing with the fetishization of the past and popular culture, the full
Southern
sunshine and the chiaroscuro of North Europe and, eventually, a tongue-in-cheek
irony, tinged with a contemplative, after-holiday amazement.
********** Nederlands **********
Verwijzend naar Romeinse archeologie en architectuur, van mozaïeken tot
tempels en openbare baden, vermengt Ticca's serie Grand Tour mijmeringen en
homo-erotische onderwerpen, landschapsschilderkunst en sculpturale naaktheid,
en schuifelt tegelijkertijd met sportscènes en Grieks-Romeinse mythologie, de
ondergrondse van Brussel en historische artefacten.
Ticca's suggestieve, nostalgische en oogverblindende werken zijn ingebed in de
ruimte en vormen een ideale brug tussen het verleden en het nu, een verloren
Arcadië en mondain hedendaags materialisme. Zijn werk is gegraveerd in het
frame van de kapel en streeft de zoektocht na naar een elders dat hier, nu en
elke
dag kan worden gevonden. Het speelt met de fetisjering van het verleden en de
populaire cultuur, de volle zuidelijke zon en het clair-obscur van Noord-Europa
en
uiteindelijk een ironie met een knipoog, getint met een contemplatieve
verwondering na de vakantie.
********** Français **********
Tout en réfléchissant à l'archéologie et l'architecture romaine, aux mosaïques,
aux
temples, aux bains publics, la série de Ticca mélange suggestions issues du
Grand
Tour et sujets homoérotiques, les genres classiques picturales du paysage et du
nu,
et fait rencontrer des scènes du sport avec la mythologie gréco-romaine, le
métro
de Bruxelles avec des artefacts archéologiques.
Les œuvres de Ticca, à la fois évocatrices, nostalgiques et éclatantes,
s'intègrent
dans l'espace pour créer des ponts idéals : le passé est connecté au présent, et
l'Arcadie perdue est retrouvée à travers un matérialisme mondain contemporain.
Inscrites dans le cadre de la chapelle, les œuvres de l’artiste italien
cherchent un
ailleurs qui peut être retrouvé ici, maintenant et tous les jours, tout en
jouant
avec la fétichisation du passé et la culture populaire, la lumière du Sud et le
clair-
obscur de l'Europe du Nord. Finalement, une ironie nuancée se mélange avec un
émerveillement contemplatif, souvenir des vacances d'été.
Fr - Depuis sa création en 1908, la société Olivetti s’est imposée par le
développement de produits mythiques comme ses machines à écrire, mais aussi par
sa relation étroite avec le monde de l’art. Durant près de trois décennies,
l’artiste belge, Jean-Michel Folon travaillera à de nombreuses reprises pour
Olivetti, livrant des affiches, des produits publicitaires, mais aussi nombre de
livres et de dessins animés d’une immense créativité. L’exposition Olivetti ·
Folon, en collaboration avec le Museo Civico Pier Alessandro Garda,
l’Associazione Archivio Storico Olivetti et la Fondation Folon, présente la
riche collaboration artistique entre l’entreprise italienne de design Olivetti
et l’artiste Jean-Michel Folon.NL - Sinds de oprichting in 1908, heeft Olivetti
naam gemaakt met de ontwikkeling van legendarische producten zoals hun
schrijfmachines, maar ook door hun hechte relatie met de kunstwereld. Bijna drie
decennia lang werkte de Belgische kunstenaar Jean-Michel Folon voor Olivetti.
Hij produceerde posters en reclameproducten, maar ook een aantal uiterst
creatieve boeken en cartoons. De Olivetti · Folon tentoonstelling, in
samenwerking met het Museo Civico Pier Alessandro Garda, de Associazione
Archivio Storico Olivetti en de Fondation Folon, presenteert de rijke artistieke
samenwerking tussen het Italiaanse designbedrijf Olivetti en de kunstenaar
Jean-Michel Folon.EN - Since its founding in 1908, Olivetti has made a name for
itself through the development of legendary products such as its typewriters,
but also through its close relationship with the world of art. Belgian artist
Jean-Michel Folon worked for Olivetti on numerous occasions over a period of
almost three decades, producing posters and advertising products, as well as a
number of immensely creative books and cartoons. The Olivetti · Folon
exhibition, in collaboration with the Museo Civico Pier Alessandro Garda, the
Associazione Archivio Storico Olivetti and the Fondation Folon, presents the
rich artistic collaboration between the Italian design company Olivetti and the
artist Jean-Michel Folon.
********** English **********
Former WIELS resident, Michaela Schweighofer presents a new body of work in
AFFILIATE, a new space in the city centre to present works by alumni of the
WIELS Residency Programme.
********** Français **********
Pour son exposition personnelle à Affiliate, Michaela Schweighofer a créé une
nouvelle série de sculptures.
Artiste autrichienne basée à Bruxelles et à Vienne, Michaela Schweighofer
travaille la sculpture tout en intégrant régulièrement l'installation, le texte
et les conférences dans sa pratique artistique. Intéressée par les questions
relatives à la société, à la politique et au féminisme, Michaela fait appel à
divers matériaux et des techniques pour étudier ces questions. En 2020, Forum
Stadtpark a publié son livre FROM THE PROP TO THE INSIDE, une anthologie
théorique et subjective dans laquelle elle interroge sa propre pratique en
écrivant et rassemblant des textes sur le concept de sculpture en tant
qu'accessoire et de la scène en tant qu'installation.
********** Nederlands **********
Voormalig WIELS-residente, Michaela Schweighofer, presenteert een nieuwe reeks
sculpturen in AFFILIATE, een nieuwe ruimte in het centrum van de stad om werk te
presenteren van alumni van het WIELS Residentieprogramma.
Photographe féministe, bidouilleur, Charly Desoubry nous propose une plongée
dans ses addictions. Se laissant guider par ses muses, toujours à ses côtés, il
nous livre une part de lui-même. Le bruissement d’un bas, une cigarette allumée,
des lèvres posées sur un burger, un paquet de soucoupes acidulées, autant
d’images qui naissent dans son esprit, d’inspirations, de tentations qui
titillent sa créativité. D’un éclairage cinématographique au néon d’une nuit
d’errance, les muses se confondent en addictions laissant la photographie comme
un exutoire à ses déviances. À consommer sans modération !
"The Day the Sky Hung Low", Ella Littwitz’s second solo exhibition at Harlan
Levey Projects, revisits the deserted geography around the Dead Sea, which has
inspired her practice for nearly a decade. It is in this inhospitable setting
that she finds extreme geography, geologic forces, and characteristics in the
shifting landscape that inform her work as they lead her to reflections on the
political, social, historical and cultural realities in the region.
The centerpiece of the exhibition, a new video titled "Ontology of the Void",
ponders the way millennia-long terrestrial processes are echoed in politics,
addressing a geological timescale as a means to think about the intractable
conflicts of the present. This metaphor is narrated as the viewer watches
accumulating piles of potash, a material that has been extracted from the waters
of the Dead Sea, while an ROV deposits an ingot of magnesium in the sea-bed.
This metal ingot, made of minerals extracted from that same location, in being
returned to the original source will soon dissolve again. Underlying this
extractive frenzy, the Dead Sea itself is rapidly disappearing. The name of this
terminal lake, which was once a metaphor for the impossibility of life to exist
in such salinity, is rapidly becoming prophetic.
The image of the artist rappelling down an 80-meter deep chimney-like cave in
Mount Sodom was filmed with a 360-degree video camera, which gives the
impression that she is floating in a time-and-space warp. As she descends, the
narrator tells the tale (and possible geological future) of the biblical
mountain of Sodom, “a symbol of society that sinned and was destined for
destruction.” We learn that as the mountain grows throughout the ages, the
future erosion will release Lot’s wife (an existing, almost abstract rock
formation on the banks of the Dead Sea) from her eternal punishment.
Apocryphally called Edith, Lot’s wife was turned into a pillar of salt as
punishment for looking back to the destruction of Sodom and Gomorrah (Genesis
19). The two mirrored images that comprise the work "Edith" are made out of 3D
scans of the actual salt pillar facing itself. One of the images is looking
“backwards” The other, by looking the opposite way, must be looking “forwards”.
One looks to a past of destruction, the other then looks at an uncertain future,
but it remains to the viewers to decide which way each is looking – and what
exactly would be the difference between the past and the future, between what
one "Edith" and the other are contemplating.
All other works in the exhibition present geological features that are also a
metaphor to subjective sentiments and experiences. "Longing" is the bronze cast
of a crack in the ground. The exact origin of the crack is irrelevant, as the
title clearly reflects an emotional and social state of “cracking” rather than a
geological one. Likewise, the work "Tears" presents three sculptural crystals
that were taken from the bed of the Dead Sea. These are columns of salt that
grow invisibly until they reach the water surface and the sun. When they are
uprooted, and displaced, the salt that forms them starts slowly crying. These
“tears”, when dripped onto the bronze base, will trigger another eternal process
of oxidation, with the salt column itself ultimately disappearing.
The most personal works in the exhibition are perhaps a series of photographs
titled "The Day the Sky Hung Low". Through a complex process, Littwitz used a
photographic camera sensitive only to light outside of the visible spectrum. In
this way, the photographs of the sky record the unseen radiation. These images
were produced in relation to a disease the artist contracted from exposure to
radiation while undergoing radiation treatments that helped her body heal. The
title recalls the sense of the sky falling on one’s head when confronted by
life-threatening circumstances. The sky, of course, never actually falls at all.
There is a dissonance between physical and emotional realities, disappointment
when one doesn’t change with the other. Under each unique print is a time stamp.
A bit like a doomsday clock, the numbers show the hours and minutes counting
down to midnight, the end of the day the image was taken.
All the works presented relate to movement and dynamism: elements that grow up
from the sea bed, cracks that emerge, descending into darkness, staring up to
the sky. With varying degrees of futility, all search for the invisible and
ungraspable processes that take place inside the tiny microcosms of cells in our
bodies, as well as in millennial geological processes. When unchecked and
unseen, all of these long processes will end in a catastrophic collapse.
L’humanité, dans toute sa splendeur et sa complexité, est un chef-d’œuvre
d’imperfections qui se tissent harmonieusement pour former une perfection
singulière. C’est dans la nature même de l’Homme d’être imparfait, de porter en
lui des fissures et des failles qui, loin d’être des défauts, sont les fils
invisibles tissant la trame de sa grandeur.
L’ambition de cette exposition est dans un premier temps de rendre hommage à des
blessures qui ont tracées la vie de ces différents portraits, tout en faisant un
parallèle avec le Kintsugi. Cet art japonais ancestral qui invite à réparer un
objet cassé en soulignant ses cicatrices de poudre d’or, au lieu de les cacher.
Réparé, consolidé, embelli, il porte fièrement ses blessures, et il devient.
Paradoxalement d’autant plus précieux qu’il a été brisé…
En fin de compte, c’est la fragilité de l’humanité qui la rend riche et
éternellement fascinante. Les imperfections ne sont pas des obstacles à la
perfection, mais plutôt les éléments qui la définissent. C’est dans la danse
délicate entre lumière et ombre que l’Homme trouve sa véritable splendeur,
créant un chef-d’œuvre toujours en évolution, toujours inachevé, mais infiniment
inestimable.
D’origine marocaine et kabyle, Hinde Kebbache est née et a grandi à Bruxelles.
Petite, elle collectionnait de nombreux souvenirs : tickets de concerts, de
métros, objets trouvés… qui lui rappelaient un moment précis. Cet attrait
nostalgique de sa personnalité se traduit aujourd’hui à travers sa photographie
; cet art qui capture de manière immuable des instants uniques dans le temps.