Théâtre National

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Tot19mei

********** English ********** Italy, the late 1990s. Olga, a 40-year-old woman with two children, is a devoted mother and wife. She does her best to lead a life in perfect harmony with what society imposes on her. One day, her husband leaves her for a young woman, as in the most pathetic soap opera. Her whole world collapses. In the grip of a permanent feeling of danger, Olga sinks into a state of rage. She becomes vulgar, violent, grotesque. After she has removed her make-up and given up appearances, an unexpected woman emerges. Scandalous and powerful. Almost mythical, she steps forward in all her tragedy: a contemporary Medea, who no longer needs to kill to exist. In this adaptation of Elena Ferrante’s book, actress and director Gaia Saitta plays this woman, accompanied by her children and her dog. Trading her oppressed body for a resistant one, she lets herself go, finally liberated. Everything has to be rebuilt, starting with language. The audience, scattered on and off the stage, is both part of and witness to this transformation. Gaia Saitta is an associate artist at the Théâtre National Wallonie-Bruxelles Première Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles Corealisation Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles ********** Français ********** Dans l’Italie de la fin des années 1990, Olga, 40 ans et deux enfants, est une mère et une épouse dévouée. Elle tente de mener une vie en parfaite adéquation avec ce que la société lui impose. Un beau jour, son mari la quitte pour une jeune fille, comme dans le plus pathétique des feuilletons. Et tout son univers s’écroule. En proie à un sentiment de danger permanent, Olga sombre alors dans un état de rage, elle devient vulgaire, violente, grotesque. Une fois le maquillage retiré et les apparences dissipées, c’est une femme inattendue qui prend place. Scandaleuse et puissante. Presque mythique, elle apparaît dans toute sa tragédie : une Médée contemporaine, qui n’a plus besoin de tuer pour exister. Dans cette adaptation du livre d’Elena Ferrante, l’actrice et metteuse en scène Gaia Saitta incarne cette femme, accompagnée de ses enfants et de son chien. Délaissant un corps opprimé pour un corps résistant, elle s’abandonne, enfin libérée. Tout est à reconstruire, à commencer par les mots. Le public, dispersé sur le plateau et en dehors, est à la fois partie et témoin de cette transformation. Gaia Saitta est artiste associée au Théâtre National Wallonie-Bruxelles Première Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coréalisation Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles ********** Nederlands ********** In het Italië van het einde van de jaren 1990 is Olga met haar 40 jaar en twee kinderen een toegewijde moeder en echtgenote. Ze probeert een leven te leiden dat perfect past bij wat de maatschappij haar oplegt. Op een dag verlaat haar man haar voor een jong meisje, zoals in de meest pathetische soapseries. En haar hele wereld stort in. Ze valt ten prooi aan een gevoel van permanente dreiging en glijdt af naar een staat van woede. Ze wordt vulgair, gewelddadig, grotesk. Als de make-up is verwijderd en de schijn is opgeheven, neemt een onverwachte vrouw haar plaats in. Schandalig en machtig, haast mythisch verschijnt ze in al haar tragiek: een hedendaagse Medea, die niet meer hoeft te doden om te bestaan. In deze bewerking van het boek van Elena Ferrante speelt actrice en regisseuse Gaia Saitta deze vrouw, vergezeld door haar kinderen en haar hond. Ze wisselt haar onderdrukte lichaam in voor een weerbaar lichaam, en laat zich gaan, eindelijk bevrijd. Alles moet opnieuw worden opgebouwd, te beginnen met de woorden. Het publiek, verspreid over en naast de scène, is zowel deel als getuige van deze transformatie. Gaia Saitta is een artiest verbonden met het Théâtre National Wallonie-Bruxelles Première Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles Corealiasatie Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles

Théâtre National

La Vie secrète des vieux

28mei

01juni

Brussel|Theater

********** English ********** No, sex is not slated for obsolescence. An advocate of documentary art, director Mohamed El Khatib continues to bring intimate stories to the stage. In La vie secrète des vieux, we take a closer look at our elders. Participants in the twilight of their lives tell us their love stories. How do you experience love in a worn-out body that alters its vitality day after day? A tender and beautiful show that paints a nostalgic picture of our love lives. Mohamed El Khatib is an associate artist at the Théâtre National Wallonie-Bruxelles Première Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles Corealisation Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles ********** Français ********** Non, le sexe n’est pas frappé d’obsolescence. Adepte de l’art documentaire, le metteur en scène Mohamed El Khatib continue d’habiter la scène par l’intime. Avec La vie secrète des vieux, nous partons à la rencontre de nos aîné·es. Des participant·es au crépuscule de leur existence nous content leurs histoires de cœur. Dans un corps usé qui altère jour après jour la vitalité, comment se vit l’amour ? Un spectacle beau et fragile qui dresse un tableau nostalgique de nos bilans amoureux. Mohamed El Khatib est artiste associé au Théâtre National Wallonie-Bruxelles Première Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coréalisation Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles ********** Nederlands ********** Nee, op seks zit geen sleet. Regisseur Mohamed El Khatib, een adept van de documentaire kunst, blijft het toneel met intimiteit inpalmen. Met La Vie secrète des vieux gaan we onze ouderlingen ontmoeten. In de avonddeemstering van hun leven vertellen ze ons hun hartsverhalen. Hoe wordt de liefde ervaren in een versleten lichaam dat dag na dag de vitaliteit aantast? Een mooie, broze voorstelling die een nostalgisch beeld schetst van ons liefdesleven. Mohamed El Khatib is een artiest verbonden met het Théâtre National Wallonie-Bruxelles Première Coproductie Théâtre National Wallonie-Bruxelles Corealisatie Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles

Théâtre National

Bovary

12april 2025

19april 2025

Brussel|Tonen, Opera

********** English ********** We know this woman, we know her story: to fill the void of her existence, Emma Bovary seeks attention and lovers. A first, all-consuming but illusory love affair is the start of a chronicle marked by repressed desires, fleeting moments of feverish happiness and lies meant to cover up reality – until they no longer can. With Madame Bovary, Gustave Flaubert revolutionized literature in 1856. The story of the adulterous doctor’s wife taking her own life sent such a shock wave through France that it resulted in a court case. To this day, Emma Bovary continues to fascinate and we sympathize with her inevitable downfall. Perhaps there lurks in each of us the feeling ‘Madame Bovary, c’est moi.’ Driven by their shared love of this nineteenth-century cult novel, Harold Noben and Michael De Cock will now work together for the first time on a contemporary opera version: Bovary. The director of the KVS wrote the libretto as a dramatic quasi-monologue, following up for the opera his theatre adaptation with co-director Carme Portaceli. Harold Noben, one of Belgium’s leading up-and-coming composers, already displayed his literary sensitivity at La Monnaie in À l'extrême bord du monde (2020), an opera about the last days of Stefan Zweig. Again, he delivers a richly varied and accessible score that, following Flaubert, is about nothing yet contains everything. ********** Français ********** Nous connaissons cette femme et son histoire : pour surmonter la vacuité de son existence, Emma Bovary se met en quête d’attention et d’amants. Une première liaison passionnée, bien qu’illusoire, marque le début d’une chronique ponctuée de désirs réprimés, de brefs instants de bonheur fébrile et de mensonges destinés à dissimuler la vérité… jusqu’à ce qu’elle éclate au grand jour. Avec la parution de Madame Bovary en 1856, Flaubert amorça une véritable révolution littéraire. Ce récit, mettant en scène la femme adultère d’un médecin qui finit par s’ôter la vie, souleva une telle onde de choc en France qu’il valut même un procès à son auteur. Aujourd’hui encore, Emma Bovary fascine, et sa chute annoncée suscite l’empathie. Peut-être qu’en chacun et chacune de nous résonne parfois un « Madame Bovary, c’est moi » ? Portés par leur engouement partagé pour ce roman culte du XIXe siècle, Harold Noben et Michael De Cock entament leur première collaboration en travaillant à une interprétation contemporaine : Bovary. Le directeur du KVS livre ici un quasi-monologue dramatique, prolongement lyrique de l’adaptation pour le théâtre qu’il avait déjà signée en collaboration avec Carme Portaceli. Harold Noben, l’un des grands talents émergents de la composition en Belgique, avait déjà démontré sa sensibilité littéraire à la Monnaie avec À l’extrême bord du monde (2020), un opéra relatant les derniers jours de Stefan Zweig. Cette fois encore, il propose une partition éclectique et accessible qui, en écho à Flaubert, parle en apparence de rien, mais renferme en réalité tout. ********** Nederlands ********** We kennen deze vrouw, we kennen haar verhaal: in een poging om de leegte van het bestaan te bedwingen, gaat Emma Bovary op zoek naar aandacht en minnaars. Een eerste, allesverterende maar illusoire liefdesaffaire is het begin van een kroniek gekenmerkt door onderdrukte verlangens, vluchtige momenten van koortsig geluk en leugens die de realiteit moeten toedekken – tot ze dat niet meer kunnen. Met Madame Bovary bracht Gustave Flaubert in 1856 een revolutie teweeg in de literatuur. Het verhaal van de overspelige doktersvrouw die zich van het leven berooft, joeg zo’n schokgolf door Frankrijk dat het tot een rechtszaak kwam. Tot vandaag blijft Emma fascineren en leven we mee met haar onafwendbare ondergang. Misschien overvalt elk van ons wel eens het gevoel “Madame Bovary, c’est moi”? Gedreven door hun gezamenlijke liefde voor deze negentiende-eeuwse cultroman werken Harold Noben en Michael De Cock nu voor het eerst samen aan een hedendaagse operaversie: Bovary. De KVS-directeur schrijft het libretto als een dramatische quasi-monoloog en geeft daarmee een lyrisch vervolg aan zijn theaterbewerking met co-regisseur Carme Portaceli. Harold Noben, een van ‘s lands grootste opkomende componisten, etaleerde zijn literaire feeling al eerder in de Munt met À l’extrême bord du monde (2020), een opera over de laatste dagen van Stefan Zweig. Ook nu levert hij een rijkgeschakeerde en toegankelijke partituur af die – Flaubert achterna – over niets gaat en toch alles bevat.

Théâtre National

Evenementen in het verleden

Multiple Bad Things - Back to Back Theatre｜Kunstenfestivaldesarts

10mei

13mei

Brussel|Theater

********** English ********** In a warehouse, three employees approach a possibly pointless but visibly difficult team-building assignment. As the group struggles to work together, differences between the participants soon come to a head. Their physical limits, ability to cooperate and sense of responsibility will all be tested. Civility slips, bad behaviour escalates and reality distorts. Who’s in and who’s out? Who will be the scapegoat? Back to Back Theatre is a company of self-identifying disabled people whose The Shadow Whose Prey the Hunter Becomes was a revelation during the 2022 festival edition. This year, inspired by team-building and Australian migration policy, they return with a theatrical metaphor for inclusion and exclusion. The soundtrack features collected field recordings of “bad things” and the set design demands physical participation from the actors to reach its full manifestation. In a world where self-righteous, indignant voices often drown out the most disenfranchised and vulnerable, this unconventional performance is not so different from reality. Using powerful imagination and plenty of humour, Back to Back Theatre holds up a mirror so we can all take a good long look. Welcome to this workplace at the end of civilisation! ********** Français ********** Dans un hangar, trois employé·es s’attèlent à un exercice de team building sans doute inutile et visiblement compliqué. Alors qu’iels tentent péniblement de coopérer, les tensions entre les participant·es s’exacerbent. Les limites corporelles, la capacité à coopérer et le sens des responsabilités de chacun·e sont mis à l’épreuve. Finie la politesse, les écarts de conduite se multiplient. Qui reste, qui faut-il éliminer ? Qui sera le bouc émissaire ? Back to Back Theatre, une compagnie dont certain·es membres s’identifient comme personnes porteur·euses de handicap, fut une des révélations du festival en 2022 avec The Shadow Whose Prey the Hunter Becomes. S’inspirant cette fois du contexte d’un team building qui s’entrelace avec des réflexions sur la politique migratoire australienne, cette nouvelle création nous propose une métaphore sur l’inclusion et l'exclusion. La bande-son nous accompagne dans toutes sortes de « mauvaises choses », alors que la scénographie, elle, ne se révèle pleinement qu’avec la participation des comédien·nes. Dans un monde où des voix cyniques semblent trop souvent vouloir étouffer celles des plus vulnérables, Back to Back Theatre nous tend un miroir dans une performance pleine d'humour et une imagination prolifique. Bienvenue sur ce lieu de travail de la fin de la civilisation ! ********** Nederlands ********** In een onbestemd magazijn proberen drie werknemers een onduidelijke maar zichtbaar moeilijke teambuildingsopdracht tot een goed eind te brengen. Terwijl ze verwoede pogingen ondernemen om samen te werken, komen de verschillen tussen de deelnemers al snel op scherp te staan. De grenzen van het eigen lichaam en van ieders verantwoordelijkheidszin worden zwaar op de proef gesteld. Fatsoen schiet erbij in en wangedrag escaleert. Who’s in & who’s out? En wie krijgt finaal de schuld? Back to Back Theatre – een gezelschap van spelers met een handicap – was tijdens festivaleditie 2022 een revelatie met The Shadow Whose Prey the Hunter Becomes. Dit jaar verwelkomen we hen opnieuw met deze theatrale metafoor rond inclusie en exclusie, geïnspireerd door teambuildings en het Australische migratiebeleid. De soundtrack laat verzamelde field recordings van allerhande “bad things” horen en het decorontwerp vraagt letterlijk een fysieke inspanning van de acteurs. In een wereld waarin zelfgenoegzame stemmen de meest kwetsbaren vaak lijken te verstikken, verschilt deze onconventionele voorstelling niet zo hard van de werkelijkheid. Met een sterke verbeeldingskracht en veel humor houdt Back to Back ons een spiegel voor. Welkom op deze werkplek aan het einde van de beschaving!

Théâtre National

Multiple Bad Things

10mei

12mei

Brussel|Theater

********** English ********** The works of Back to Back Theatre, an Australian company, question politics, ethics and philosophy. Its members are people with various disabilities. Multiple Bad Things is about a small group of people who find themselves alone in a vast, unknown void. They are looking for a refuge, a safe haven away from modern life, from war, from the climate emergency … This sculptural shelter, both functional and imagined, will be built throughout the performance. Struggling to live together in difficult conditions, the characters are exposed to questions of inclusion, identity and intersectionality. An original, unconventional show that erases our mental and physical boundaries through a powerful act of the imagination. Première Corealisation Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles ********** Français ********** Les œuvres de Back to Back Theatre, compagnie théâtrale australienne composée de personnes porteuses de handicaps divers, questionnent la politique, l’éthique et la philosophie. Multiple Bad Things met en scène un petit groupe de gens qui se retrouvent seuls dans un vide immense et inconnu. I·Els cherchent un refuge, une sécurité hors de la vie moderne, de la guerre, de l’urgence climatique. Cet abri, sculptural, à la fois utilitaire et fantasmé, sera construit progressivement tout au long de la représentation. S’efforçant de vivre ensemble dans des conditions difficiles, les personnages s’exposent à des questions d’inclusion, d’identité et d’intersectionnalité. Un spectacle original, non conventionnel, qui gomme, par un imaginaire puissant, nos frontières mentales et physiques. Première Coréalisation Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles ********** Nederlands ********** De werken van het Back to Back Theatre, een Australisch theatergezelschap van mensen met uiteenlopende handicaps, stellen politiek, ethiek en filosofie ter discussie. Multiple Bad Things gaat over een kleine groep mensen die alleen staan in een grote, onbekende leegte. Ze zijn op zoek naar een schuilplaats, een veilige plek weg van het moderne leven, de oorlog, de klimatologische noodsituatie. Dit schuiloord is plastisch, tegelijkertijd utilitair en fantasievol, en wordt in de loop van de voorstelling gaandeweg opgebouwd. In hun worsteling om samen te leven in moeilijke omstandigheden, stellen de personages zich bloot aan vragen over inclusie, identiteit en intersectionaliteit. Een originele, onconventionele voorstelling die met een sterke verbeeldingskracht onze mentale en fysieke grenzen uitwist. Première Corealisatie Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles

Théâtre National

Je ne serai plus jamais sage

25april

-12:40

Brussel|Verschillende

********** Français ********** Je ne serai plus jamais sage Lisette et Albertine, rencontre de deux souffles Une rencontre entre Lisette Lombé, notre poétesse nationale et l'oeuvre d'Albertine Sarrazin (1937-1967) : une comète de la littérature française qui a marqué son temps. "Je vous parle de retomber en amour pour une poétesse. Lue trop jeune, trop vite, trop avidement. Lue avant d'être mère, avant d'être militante, avant d'être écrivaine. Je vous parle d'invitation à l'irrésolution, de fougue et de lyrisme. Je vous parle de murs, de fugues, de blessures, de multiples prisons. Je vous parle d’une autre époque et de la nôtre. Chorale, collage, hasard de rencontres. Lila Boses (documentariste), Vanessa Desclaux (critique d'art) et Agnès Geoffray (photographe) en parleront aussi. Je vous parle de vies de comètes, de transfuges, d’ovnis littéraires, d’écriture fleuve, de méandres, d’oubli et de retour en grâce après l’oubli. Je vous parle de mes doutes, de ma rive, de miroirs et de repoussoirs. Je vous parle en lectrice et en autrice. Je vous parle de grand choc esthétique. Je vous parle d'accepter d'autres endroits de révolution que les siens. Je vous parle d’amours incandescents. Je vous parle de matrimoine. Je vous parle de souffle. Je vous parle d’Albertine Sarrazin." — Lisette Lombé Artiste plurielle, passe-frontières, Lisette Lombé s’anime à travers des pratiques poétiques, scéniques, plastiques, militantes et pédagogiques. Ses espaces d’écriture et de luttes s’appuient sur sa propre chair métissée, son parcours de femme, de mère, d’enseignante. En dérivent des collages, des performances, des livres et des ateliers, passeurs de rage et d’éros. Co-fondatrice du Collectif L-SLAM, elle a été récompensée, en 2017, en tant que Citoyenne d'Honneur de la Ville de Liège, pour sa démarche d'artiviste et d’ambassadrice du slam aux quatre coins de la Francophonie. En 2020, elle a reçu un Golden Afro Artistic Awards pour son roman Vénus Poética (éd. L'Arbre à Paroles) et le Prix Grenades/RTBF pour son recueil Brûler brûler brûler (éd. l'Iconoclaste). Elle est la nouvelle poétesse nationale de Belgique pour 2024 et 2025. Photo Lisette Lombé : Mustapha Mezmizi ********** Nederlands ********** Les Midis de la Poésie brengt geënsceneerde voordrachten, literaire lezingen, workshops en poëtische aperitieven, die telkens de kans bieden om thema’s te verkennen die onze tijd en de poëzie in de brede zin bezighouden. Auteurs, regisseurs, kunstenaars behandelen een literaire kwestie of een aanverwant creatief proces, en spreken over bekende en minder bekende auteurs die hun werk hebben beïnvloed. Ze treden op samen met acteurs en actrices die hun geselecteerde teksten voordragen. 07.11.2019 : Sept femmes et plus / Lydie Salvayre & Justine Lequette Zeven vrouwen. Zeven emblematische figuren uit de literatuur met overvolle levens. Ze schreven uit passie – die voor sommigen in zelfmoord eindigde. Het zijn unieke, veeleisende vrouwen die in hun oeuvre hun persoonlijke leed overstijgen. Ze onderhielden een tragische relatie met het leven van alledag, dat ze middelmatig en oninteressant vonden. Maar wordt die ‘alledaagsheid’ nu niet juist als een historisch gegeven beleefd? Het dagelijkse leven in het vooroorlogse Parijs, tijdens de Roaring Twenties, in het stalinistische Rusland… Hoe doe je een oeuvre herleven via het levensverhaal van zijn auteur? Lydie Salvayre beoefent die ‘portretkunst’ – die de 20ste-eeuwse filosoof E.M. Cioran en de 19de-eeuwse literatuurcriticus Sainte-Beuve vóór haar al met groot succes bedreven – door schrijfsters uit te kiezen die haar leven hebben beïnvloed en dus haar werk hebben gevoed: Emily Brönte (1818-1848), Colette (1873-1954), Virginia Woolf (1882-1941), Djuna Barnes (1892-1982), Marina Tsvetaeva (1892-1941), Ingeborg Bachmann (1926-1973) en Sylvia Plath (1932-1963). Ze waren de luis in de pels, zorgden voor schandaal en gaven uiteindelijk door hun getuigenissen mee gestalte aan de wereld waaronder ze zo hadden geleden. Hun werken zijn inmiddels literaire monumenten. Lydie Salvayre brengt ze weer tot leven door hun levens, hun schoonheid, hun excessen, hun rebellie, maar ook hun duistere kant en hun wanhoop te beschrijven. 23.01.2020 : Nous voulons comprendre « Autre Chose » - Anne Carson Avec Edouard Louis, traducteur du texte d’Antigonick de Anne Carson & Claire Stavaux, éditrice à l’Arche éditeur En compagnie de Sophie Creuz, chroniqueuse littéraire à l’Echo et Musiq3 (RTBF) et libraire. “Het gezag had alleen maar vat op mij als een kind / dat oesters wantrouwde, de flikken scheef aanzag ... / geen haar op mijn hoofd was het wat dan ook verschuldigd.” (Ossip Mandelstam) Omdat je met poëzie je gedachten kan verbergen achter raadselachtige metaforen, is die kunstvorm effectief tegen dictaturen. Hoe staat het eigenlijk met de poëzie in democratieën? Kan ze de krijtlijnen verplaatsen? En als de functie van poëzie nu eens was om uit te drukken wat de krantenkoppen verzwijgen? 25.04.2020 : Et nous n’aurons pas besoin de foudre pour tisser des soleils / Felwine Sarr (Midi Minuit) “Poëzie maakt niet blind. Haar gezellin is de helderheid van geest – de wonde die de zon het dichtst benadert, aldus René Char. De wereld op poëtische wijze benaderen, dat is ook vervuld zijn van haar ondoorgrondelijke mysterie, van de duistere gelaagdheid der dingen, van de flikkerlichtjes die niets liever willen dan door ons enthousiasme uit te groeien tot licht.” (Felwine Sarr) 07.05.2020 : Raoul Collectif Raoul Collectif kiest al tien jaar lang voor collectieve creatie. Hun laatste voorstelling, Une cérémonie, is ontstaan als een proeftuin waar ze Don Quichot, Henri Michaux, Antonin Artaud en de surrealistische schrijfexperimenten met elkaar kruisen. Les Midis de la Poésie nodigt de acteurs uit om een aantal teksten die hen inspireren voor te lezen en te vertellen waarom ze hen aangrijpen. ********** English ********** Midis de la Poésie offers reading performances, literary lectures, workshops and poetic aperitifs which are opportunities to address current topics and poetry in the widest sense. Authors, directors, and artists lecture on specific literary questions or questions related to the creative process, as well as discuss well known and lesser known authors who have influenced their work. Actors are present to perform readings of the texts being discussed. 07.11.2019 : Sept femmes et plus / Lydie Salvayre & Justine Lequette Seven women. Seven emblematic women of literature who lived life to the fullest. Their relation to writing is passionate, and for some of them, was a path to suicide. Original and demanding they transcended their personal pain in their works. Their everyday life, which they considered mediocre and without interest, they lived as tragic. But is not this “everyday rut” what marked history? Pre war Paris, the Roaring Twenties, Stalinist Russia. How does one create a work through the life of an author? Lydie Salvayre takes on this task following in the footsteps of Cioran and Sainte-Beuve, choosing as subjects those women whose books affected her life and her work: Emily Brönte (1818-1848), Colette (1873-1954), Virginia Woolf (1882-1941), Djuna Barnes (1892-1982), Marina Tsvetaeva (1892-1941), Ingeborg Bachmann (1926-1973) et Sylvia Plath (1932-1963). Upsetting and scandalous, they bore witness in their way to the world from which they suffered as much as they changed it. Their works are now literary monuments. Lydie Salvayre brings them back to life by writing their stories, their history, their beauty, their outsized actions, their rebellion but also their dark side and their despair. 25.04.2020 : Et nous n’aurons pas besoin de foudre pour tisser des soleils / Felwine Sarr (Midi Minuit) “Poetry does not blind. Lucidity, which René Char called the wound that is closest to the sun, is its companion. To live the world poetically is also to live it in its unplumbed mystery, in the sinister heft of things, in the flickering glints that are waiting only for us to expand them into light with our eagerness.” (Felwine Sarr) 23.01.2020 : Nous voulons comprendre « Autre Chose » - Anne Carson Avec Edouard Louis, traducteur du texte d’Antigonick de Anne Carson & Claire Stavaux, éditrice à l’Arche éditeur En compagnie de Sophie Creuz, chroniqueuse littéraire à l’Echo et Musiq3 (RTBF) et libraire. “I was a child in the world of the powerful. / I was frightened of oysters and looked at guardsmen distrustfully. / I am not bound to it by even the tiniest fragment of my soul.” (Osip Mandelstam) Because it allows us to hide what we think in cryptic metaphors, poetry is one of the arts that can face up to dictatorship. But how does poetry do in a democracy? Can it effectuate change? Could poetry express that which the headlines don’t? 07.05.2020 : Raoul Collectif The Raoul Collectif has been engaged in collective creation for ten years. It was conceived as a laboratory in which Don Quixote, Henri Michaux, Antonin Artaud and Surrealist funny business encounter each other. Their latest production, Une Cérémonie, is an opportunity for Les Midis de la Poésie to invite actors to talk about what inspires them to get to work.

Théâtre National

Le présent qui déborde - Christiane Jatahy

25april

27april

Brussel|Tonen

********** English ********** "It may be a play, but it starts out like a film. The heart of the work is in the cinema," Christiane Jatahy says of the play."It is through cinema that we arrive on the stage.” This story is 3000 years old, but it is replayed every day in cinema, but also in Homer's ‘Odyssey.’ All over the world, people cross borders in search of asylum or a home. The film travels through Jenin, Palestine, refugee camps in Lebanon and Greece, downtown Johannesburg, the Amazon rainforest and ends up in Rio de Janeiro. The context of the filming may be documentary, but the whole thing is primarily fiction. The actors in these communities take Homer's verses to speak about their reality. The actors are manifestations of Odysseus, Penelope and Telemachus, they draw a straight line from ancient Greek characters to each of us, present, in the theatre. For some people in exile or in countries at war, only the present exists, the past is already too far away or almost destroyed, and the future is unthinkable. Only the time of waiting remains. A present that overflows. • Born in Rio de Janeiro, Christiane Jatahy has degrees in theatre and journalism, and a Masters degree in art and philosophy. In January 2022, Christiane Jatahy was awarded the Golden Lion at the Venice Biennale for her entire theatrical work. Created in 2020, ‘Le présent qui déborde’, was filmed in Palestine, Lebanon, South Africa, Greece and the Amazon. The film is in dialogue with theatre and mixes fiction with real stories of refugee artists. This production by Théâtre National Wallonie-Bruxelles has been performed at the Avignon Festival and has toured in Europe, Asia and the United States. ********** Français ********** “C’est peut-être une pièce, mais ça débute comme un film. Le cœur du travail se trouve dans le cinéma,” dit Christiane Jatahy de cette pièce. “C’est à travers le cinéma que nous arrivons sur le plateau”. A travers le cinéma mais aussi à travers l’‘Odyssée’ d’Homère: cette histoire est vieille de 3000 ans mais elle se rejoue pourtant tous les jours. Partout dans le monde, des hommes et des femmes traversent des frontières à la recherche d’une terre d’asile ou d’un foyer. Le fim traverse Jénine, en Palestine, des camps de réfugié·es au Liban et en Grèce, le centre-ville de Johannesburg, la forêt amazonienne et fini à Rio De Janeiro. Le contexte de ces tournages est peut-être documentaire, mais l’ensemble est avant tout une fiction. Les acteur·ices de ces communautés prennent les vers d’Homère pour parler de leur réalité. Les acteur.ices sont des manifestations d’Ulysse, de Pénélope et de Télémaque, iels tirent une ligne droite des personnages de la Grèce antique jusqu’à chacun·e de nous, présent·es dans le théâtre. Pour certaines personnes en situation d’exil ou dans les pays en guerre, seul le présent existe, le passé est déjà trop loin d’elles ou presque détruit, et le futur est inenvisageable. Ne subsiste alors que le temps de l’attente. Un présent qui déborde. • Née à Rio de Janeiro, Christiane Jatahy est diplômée en théâtre, en journalisme, et titulaire d’un Master en art et philosophie. Christiane Jatahy a reçu en janvier 2022 le Lion d’Or de la Biennale de Venise pour l’ensemble de son oeuvre théâtrale. Créé en 2020, ‘Le présent qui déborde’, a été filmé en Palestine, au Liban, en Afrique du Sud, en Grèce et en Amazonie. Ce film dialogue avec le théâtre et mélange la fiction avec des histoires réelles d’artistes réfugié·es. Cette production du Théâtreational Wallonie-Bruxelles a été montrée au festival d’Avignon et a tourné en Europe, en Asie et aux États-Unis. ********** Nederlands ********** "Het is dan wel een toneelstuk, maar het begint als een film. Het hart van het werk ligt in de film," vertelt Christiane Jatahy over deze voorstelling. "Het is via de film dat we op het toneel aankomen.” Via cinema, maar ook via de Odyssee van Homerus: dit verhaal is 3000 jaar oud, maar het wordt elke dag opnieuw gespeeld. Overal ter wereld steken mensen grenzen over op zoek naar asiel of een thuis. De film reist door Jenin, Palestina, vluchtelingenkampen in Libanon en Griekenland, de binnenstad van Johannesburg, het regenwoud van de Amazone en eindigt in Rio de Janeiro. De context van de opnames mag dan documentair zijn, het geheel is vooral fictie. De acteurs uit deze gemeenschappen gebruiken de verzen van Homerus om over hun werkelijkheid te praten. De acteurs zijn manifestaties van Odysseus, Penelope en Telemachus, ze trekken een rechte lijn van de personages van het oude Griekenland naar ieder van ons aanwezig in het theater. Voor sommige mensen in ballingschap of in landen in oorlog bestaat alleen het heden, het verleden is al te ver weg of bijna vernietigd, en de toekomst is ondenkbaar. Alleen de tijd van het wachten blijft over. Een heden dat overloopt. • Christiane Jatahy, geboren in Rio de Janeiro, is afgestudeerd in theater en journalistiek, en heeft een master in kunst en filosofie. In januari 2022 ontving Christiane Jatahy de Gouden Leeuw op de Biënnale van Venetië voor haar volledige artistieke theateroeuvre. The Overflowing Present', gemaakt in 2020, werd gefilmd in Palestina, Libanon, Zuid-Afrika, Griekenland en het Amazonegebied. De film is in dialoog met het theater en mengt fictie met echte verhalen van gevluchte kunstenaars. Deze productie van het Théâtre National Wallonie-Bruxelles was te zien op het Festival van Avignon en toerde door Europa, Azië en de Verenigde Staten.

Théâtre National

Le Présent qui déborde

25april

27april

Brussel|Theater

********** English ********** The second part of a diptych (after Ithaque – Notre Odyssée 1), Le Présent qui déborde tackles the question of migration with infinite depth. Christiane Jatahy spent a year meeting these people forced into exile. From Palestine to Lebanon via Greece, South Africa and Brazil, the Brazilian film-maker and director recorded the accounts of refugees through the prism of Homer and his Odyssey. She gives them a voice in a lively, sensitive space where spectators are actively involved in the artistic creation. Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles Corealisation Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles ********** Français ********** Deuxième opus d’un diptyque dont Ithaque – Notre Odyssée 1, constitue le premier volet, Le Présent qui déborde aborde avec une profondeur infinie la question migratoire. Pendant un an, Christiane Jatahy est allée à la rencontre de ces existences contraintes à l’exil. De la Palestine au Liban, en passant par la Grèce, l’Afrique du Sud et le Brésil, la cinéaste et metteuse en scène brésilienne a recueilli les témoignages de réfugié·es sous le prisme d’Homère et de son Odyssée. Elle leur donne la parole dans un espace vivant, sensible, où la·e spectateur·ice est partie prenante de la création artistique. Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coréalisation Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles ********** Nederlands ********** Na Ithaque – Notre Odyssée I, het eerste deel van dit tweeluik, gaat Le Présent qui déborde onmetelijk diep in op het migratievraagstuk. Een jaar lang ging Christiane Jatahy op pad om deze tot ballingschap gedwongen mensen te ontmoeten. Van Palestina tot Libanon, via Griekenland, Zuid-Afrika en Brazilië, verzamelde de Braziliaanse filmmaakster en regisseuse de getuigenissen van vluchtelingen, met als invalshoek Homeros en diens Odyssee. Ze geeft hen het woord in een levendige, meelevende ruimte waar de toeschouwer betrokken partij is bij de artistieke creatie. Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles Corealisatie Kaaitheater, Théâtre National Wallonie-Bruxelles

Théâtre National

Carmen.

09april

13april

Brussel|Muziek & Concert, Theater,...

********** English ********** François Gremaud has undertaken to revisit three great tragic female figures of the classical performing arts: Phèdre (theatre), Giselle (ballet) and Carmen (opera). Carmen, one of the most famous opéras comiques, is about a rebellious and seductive young bohemian woman who is tragically murdered by her former lover. In keeping with his unique way of turning a lesson into an art form, the author/director offers us a ‘reduction’ of Bizet’s work, tailor-made for a single performer: Rosemary Standley, the singer of the group Moriarty, among others. On stage she will share with us not only the story of Carmen, but also the musical and textual aesthetics of this opera, the historical context of its creation. Despite the tragic outcome of the story, there will be joy and wonder. These are emotions that the performing arts can release, arts which, against all odds, never cease to celebrate the profound happiness of being in the world. ********** Français ********** François Gremaud s’est attelé à revisiter trois grandes figures féminines tragiques des arts vivants classiques : Phèdre (théâtre), Giselle (ballet) et Carmen (opéra). Carmen, l’un des plus fameux opéras comiques, met en scène une jeune bohémienne rebelle et séductrice, qui finira tragiquement assassinée par son ancien amant. Fidèle à sa manière unique d’ériger la pédagogie en art, l’auteur et metteur en scène nous propose une « réduction » de l’œuvre de Bizet écrite sur mesure pour une interprète seule : Rosemary Standley, chanteuse, entre autres, du groupe Moriarty. Celle-ci partage sur scène non seulement l’histoire de Carmen, mais aussi l’esthétique musicale et textuelle de cet opéra et le contexte historique de sa création. Malgré l’issue tragique du récit, il y aura de la joie et de l’émerveillement. Des émotions que peuvent provoquer ces arts que l’on dit vivants et qui, envers et contre tout, ne cessent de célébrer le bonheur profond d’être au monde. ********** Nederlands ********** François Gremaud heeft drie grote tragische vrouwenfiguren uit de klassieke podiumkunsten opnieuw onder de loep genomen: Phèdre (theater), Giselle (ballet) en Carmen (opera). Carmen, een van de beroemdste komische opera’s, gaat over een rebelse en verleidelijke jonge zigeunerin die op tragische wijze door haar ex-minnaar wordt vermoord. Trouw aan zijn unieke manier om pedagogie tot kunst te verheffen, biedt de auteur/regisseur ons een “reductie” van Bizets werk die op maat werd geschreven voor één enkele vertolkster: Rosemary Standley, zangeres van onder andere de groep Moriarty. Zij deelt op het toneel niet alleen het verhaal van Carmen, maar ook de muzikale en tekstuele esthetiek van deze opera, de historische context van zijn creatie. Ondanks de tragische afloop van het verhaal zal er vreugde en verwondering zijn. Emoties die kunnen worden opgeroepen door deze “levende” kunsten die, ondanks alles, nooit ophouden met het diepe geluk te vieren om in deze wereld te mogen vertoeven.

Théâtre National

Maison chaos

03april

13april

Brussel|Tonen

********** English ********** Author, poet, slammer, Afrofeminist, LGBTQIA+ activist and permanent exile, Jöelle Sambi is one of the most committed figures on the current scene. Her latest creation, Maison chaos, uses forms as diverse as slam, lyrical song, electronic music, video and sound. Maison chaos is a show woven from committed poetry that tells of the paths we take to escape violence. The violence that pushes us to dwell on a painful memory or to seek refuge elsewhere. To take to the road to escape one’s inner demons. To listen to the wrinkles of our tormented bodies. Joëlle Sambi is an associate artist at the Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles → Free for members of Different Class ********** Français ********** Autrice, poétesse, slameuse, afroféministe, activiste LGBTQIA+, exilée permanente, Joëlle Sambi est l’une des figures les plus engagées de la scène actuelle. Sa nouvelle création, Maison chaos, fait appel à des formes aussi diverses que le slam, le chant lyrique, la musique électronique, la vidéo et le son. C’est un spectacle tissé de poésie engagée qui raconte les chemins que l’on emprunte pour échapper à la violence. Celle qui pousse à se recroqueviller sur une mémoire douloureuse, ou à se réfugier ailleurs. À prendre la route pour fuir ses démons intérieurs. À écouter les rides de nos corps tourmentés. Joëlle Sambi est artiste associée au Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles → Gratuit pour les membres de Different Class ********** Nederlands ********** Schrijfster, dichteres, slammer, afrofeministe, LGBTQIA+ activiste en permanente ballinge: Joëlle Sambi is een van de meest geëngageerde figuren van de huidige scene. Haar nieuwe creatie, Maison chaos, maakt gebruik van zo uiteenlopende vormen als slam, lyrische zang, elektronische muziek, video en geluid. Ze werd geweven uit geëngageerde poëzie en vertelt over de wegen die we kiezen om aan het geweld te ontsnappen. Aan het geweld dat ons ineen doet krimpen bij een pijnlijke herinnering of elders een toevlucht doet zoeken. Aan het geweld dat ons op weg doet gaan om aan onze innerlijke demonen te ontsnappen, om te luisteren naar de groeven in onze gekwelde lichamen. Joëlle Sambi is een artiest verbonden met het Théâtre National Wallonie-Bruxelles Coproductie Théâtre National Wallonie-Bruxelles → Gratis voor leden van Different Class

Théâtre National

Alma

26maart

30maart

Brussel|Muziek & Concert, Theater

********** English ********** The myth of Faust illustrates the individual anxieties and ambitions that characterize an era. Director Fabrice Murgia and cabaret artist Peggy Lee Cooper revisited the tale and have imbued it with the world of reality TV and social networks. The curtain opens on the finale of a show in which the contestant, Faust, on the verge of losing, calls on the devil to get her back in the race. The pact she signs will help her to rise to the top, but at what price? A blend of various influences, Alma is a sulphurous and daring show that combines the traditions of glamorous cabaret with musical comedy à l’anglaise. Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles ********** Français ********** Le mythe de Faust illustre les inquiétudes et les ambitions individuelles qui caractérisent une époque. Le metteur en scène Fabrice Murgia et l’artiste de cabaret Peggy Lee Cooper s’en emparent et l’imprègnent de l’univers de la télé-réalité et des réseaux sociaux. Le rideau s’ouvre sur la finale d’une émission où la candidate Faust, sur le point de perdre, fait appel au diable pour reprendre pied. Le pacte qu’elle signe va lui permettre une ascension fulgurante. Mais quel en sera le prix ? Condensé d’influences multiples, Alma est un spectacle sulfureux et audacieux qui allie traditions du cabaret glamour et comédie musicale à l’anglaise. Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles ********** Nederlands ********** De mythe van Faust toont de individuele angsten en ambities die een tijdperk kenmerken. Regisseur Fabrice Murgia en cabaretière Peggy Lee Cooper gaan ermee aan de slag en dompelen ze onder in de wereld van reality-tv en sociale netwerken. Het doek gaat op tijdens de finale van een tv-show waarin deelneemster Faust, die op het punt staat te verliezen, de duivel aanroept om het tij te doen keren. Het pact dat ze tekent zal haar in staat stellen een razendsnelle remonte te maken, maar tegen welke prijs? Alma is een condensaat van verschillende invloeden, een zwavelachtige en gedurfde voorstelling die de tradities van glamoureus cabaret en Britse musical vermengt. Coproductie Théâtre National Wallonie-Bruxelles

Théâtre National

Pour un temps sois peu

26maart

06april

Brussel|Theater

L’existence des personnes trans interroge de façon douloureuse le bien fondé des différentes assignations, qu’elles soient de genre, de sexe ou de classe. Dans ce seule en scène au style unique, Laurène Marx raconte son histoire de femme trans. Elle nous fait part des questionnements que la société impose au parcours des personnes qui tentent de fuir la binarité. De son rapport au féminisme. Des micro-agressions. Des macro-agressions. De la difficulté d’aimer et de choisir ses amours dans un monde à la sexualité hétéronormée.À travers une langue trash, parfois violente et une adresse directe, la performeuse implique le public et le force à se demander en permanence si on parle à lui ou de lui.Parce que la minorité peut remettre en question les certitudes de la majorité.

Théâtre National

Blind

21maart

23maart

Brussel|Tonen, Dans

********** English ********** ‘In a world where we think we’re free, where everything seems normal and where every gesture becomes ephemeral, are we free to think for ourselves?’ Blind denounces the conscious and unconscious blindness of citizens, fed by a system that generates unattainable desires. Five dancers – from Belgium, Spain, France and Senegal – face the same story in different places around the world. Each carrying their own experience, they react in their own way. Steeped in spirituality, krump acts as an outlet for their emotions, a real means of expressing their deep identity, of cultivating their heritage. Hendrickx Ntela is an associate artist at the Théâtre National Wallonie-Bruxelles Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles Federated diffusion with Charleroi danse ********** Français ********** « Dans un monde où nous pensons être libres, où tout semble normal et où tout geste devient éphémère, sommes-nous libres de penser par nous-mêmes ? » Blind dénonce l’aveuglement conscient et inconscient des citoyen·nes, nourri par un système générateur de désirs inatteignables. Cinq danseur·ses – de Belgique, Espagne, France et Sénégal – font face à une même histoire dans différents endroits du monde. Charriant son propre vécu, chacun·e réagit à sa façon. Empreinte de spiritualité, la danse krump agit comme exutoire de leurs émotions, véritable moyen d’exprimer leur identité profonde, de cultiver leur patrimoine. Hendrickx Ntela est artiste associée au Théâtre National Wallonie-Bruxelles Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles Diffusion fédérée avec Charleroi danse ********** Nederlands ********** ”Zijn wij vrij om zelfstandig te denken in een wereld waarin wij onszelf ongebonden wanen, waarin alles normaal lijkt en elk gebaar vluchtig wordt?” Blind is een aanklacht tegen de bewuste en onbewuste blindheid van burgers, veroorzaakt door een systeem dat onbereikbare verlangens voortbrengt. Vijf dansers – uit België, Spanje, Frankrijk en Senegal – worden geconfronteerd met hetzelfde verhaal in verschillende delen van de wereld. Ieder van hen reageert op zijn of haar eigen manier. Krump-dans is een spirituele uitlaatklep voor hun emoties, een manier om hun diepste identiteit uit te drukken en hun erfgoed in stand te houden. Hendrickx Ntela is een artiest verbonden met het Théâtre National Wallonie-Bruxelles. Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles Gefederaliseerde verspreiding met Charleroi danse

Théâtre National

Over

Théâtre National, Boulevard Emile Jacqmainlaan 111-115, Brussel, Brussels Hoofdstedelijk Gewest 1000, België