John of Ruysbroeck College

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Aankomende evenementen

********** English ********** Nana Osei-Twum Barima is a talented harp-lute player, singer, percussionist, and dancer from Ghana. As a member of the Akan people, Nana learned to play the seperewa, a beautifully resonant harp-lute, at a young age. This instrument was revived by his grandfather and taken around the world by his uncle. Nana also plays eight other instruments, including the delicate mbira (thumb piano) and various percussion instruments like the water drum, the Ghanaian percussion box, and bamboo percussion. Every musical journey with him is an exciting escape. Double bassist Lara Rosseel is one of the rising stars in the jazz world. In recent years, she has made a significant impression with the Lara Rosseel Band, releasing the brilliant album “De Grote Vrouw.” Chris Joris says this about her: Lara Rosseel is a true poet on the double bass and a gifted composer. A quiet soul with deep respect and love for music, she explores it in many directions and forms. Moving from classical studies to jazz, she also tunes in to folk music from various cultures. Improvisation is her best companion, and when she’s in the right environment, Lara lets her intuitive playing flow freely. Warm and touching in ballads, her groove is never far away, gently swaying like a boat on a sunny river. ********** Nederlands ********** De jonge getalenteerde harpluitspeler, zanger, percussionist en danser Nana Osei-Twum Barima komt uit Ghana. Dit lid van het Akan-volk legde zich op jonge leeftijd toe op de seperewa-harpluit, een prachtig klinkend instrument dat door zijn grootvader terug leven werd in geblazen, en waarmee zijn oom de wereld rondreisde. Nana Osei-Twum Barima speelt nog acht andere instrumenten zoals de subtiele mbira (duimpiano) en een scala aan percussie zoals de dij- en waterkalebas, de Ghanese percussiebox én bamboe-percussie. Nana neemt zijn publiek steevast mee in een spannend muzikaal parcours. Contrabassiste Lara Rosseel is dan weer één van de rijzende sterren aan het jazzfirmament. Zo maakte ze de afgelopen jaren indruk met de Lara Rosseel band waarmee ze het schitterende album ‘De Grote Vrouw” uitbracht. “Ze is een ware poëet op de contrabas en een begaafd componiste. De stille ziel met respect en liefde voor de muziek, die ze wil ontdekken en die, wat haar betreft, vele kanten uitgaat en meerdere gezichten draagt. Vanuit de Klassieke studies naar de jazz evoluerend, stelt zij haar oor en ziel open voor volksmuziekvormen en diverse culturen. Improvisatie wordt haar sterke metgezel, en wanneer ze zich in de juiste biotoop weet van eerlijke interactie, krijgt haar intuïtief spel de vrije loop. Warm en aandoenlijk is zij in ballades en zodra ze geniet van de vibe, deint haar “groove” als een bootje op een zonnige rivier”, aldus Chris Joris.

Evenementen in het verleden

********** English ********** Trio O3 is composed by Eugénie Defraigne, Léna Kollmeier and Lydie Thonnard. The trio came to life thanks to the common interest of the three musicians in today's vibrant music. After having defined their very own universe, the three musicians presented their first project, 'Echos de la Terre' in 2017 at the Espace Senghor in Brussels. In 2018, the Trio O3 was the winner of the Supernova Competition, and a year later they won the prize for best interpretation of a contemporary work as well as a third prize at the Opus 2019 international competition. The trio has performed in several festivals and concert halls in Belgium, such as Flagey in Brussels and the Palais des Beaux-Arts in Charleroi. They have also been invited to the 'Ars Musica' festival in November 2020 and to the 'Belgian Music Days' in 2022. Since 2020, the musicians have been promoting Belgian music (premieres of works by Adrien Tsilogiannis, Sarah Wéry, Jonah Blumenthal, Max Charue, Virginie Tasset and Fabian Fiorini) at home and abroad, notably at the Arvo Pärt Center in Estonia as part of the Nargenfestival. Alongside their various trio projects, they collaborate with other musicians such as mezzo-soprano Frauke Elsen, with whom they offer an all-female contemporary repertoire to be presented this October at the LOOP Festival in Brussels. 7.00 PM: doors open 7.30 PM: concert 9.00 PM: guided tour and drinks ********** Français ********** Le Trio O3 est composé d'Eugénie Defraigne, Léna Kollmeier et Lydie Thonnard. Le trio est né de l'intérêt commun des trois musiciennes pour la musique contemporaine. Après avoir défini leur propre univers, les trois musiciennes ont présenté leur premier projet, « Echos de la Terre » en 2017 à l'Espace Senghor à Bruxelles. En 2018, le Trio O3 est lauréat du concours Supernova, et un an plus tard, ils remportent le prix de la meilleure interprétation d'une œuvre contemporaine ainsi qu'un troisième prix au concours international Opus 2019. Le trio s'est produit dans plusieurs festivals et salles de concert en Belgique, tels que Flagey à Bruxelles et le Palais des Beaux-Arts de Charleroi. Ils ont également été invités au festival « Ars Musica » en novembre 2020 et aux « Belgian Music Days » en 2022. Depuis 2020, les musiciens font la promotion de la musique belge (créations d'œuvres d'Adrien Tsilogiannis, Sarah Wéry, Jonah Blumenthal, Max Charue, Virginie Tasset et Fabian Fiorini) en Belgique et à l'étranger, notamment au Arvo Pärt Center en Estonie dans le cadre du Nargenfestival. Parallèlement à leurs divers projets en trio, ils collaborent avec d'autres musiciens tels que la mezzo-soprano Frauke Elsen, avec laquelle ils proposent un répertoire contemporain entièrement féminin qui sera présenté en octobre prochain au LOOP Festival à Bruxelles. 19h00 : ouverture des portes 19 h 30 : concert 21h00 : visite guidée et boissons ********** Nederlands ********** Trio O3 is samengesteld door Eugénie Defraigne, Léna Kollmeier en Lydie Thonnard. Het trio ontstond dankzij de gemeenschappelijke interesse van de drie muzikanten in de levendige muziek van vandaag. Nadat ze hun eigen universum hadden gedefinieerd, presenteerden de drie muzikanten hun eerste project 'Echos de la Terre' in 2017 in de Espace Senghor in Brussel. In 2018 was het Trio O3 de winnaar van de Supernova Competition en een jaar later wonnen ze de prijs voor de beste interpretatie van een hedendaags werk en een derde prijs op de internationale wedstrijd Opus 2019. Het trio trad op in verschillende festivals en concertzalen in België, zoals Flagey in Brussel en het Palais des Beaux-Arts in Charleroi. Ze zijn ook uitgenodigd voor het festival 'Ars Musica' in november 2020 en voor de 'Belgische Muziekdagen' in 2022. Sinds 2020 promoten de muzikanten Belgische muziek (premières van werken van Adrien Tsilogiannis, Sarah Wéry, Jonah Blumenthal, Max Charue, Virginie Tasset en Fabian Fiorini) in binnen- en buitenland, met name in het Arvo Pärt Center in Estland in het kader van het Nargenfestival. Naast hun verschillende trioprojecten werken ze samen met andere musici, zoals mezzosopraan Frauke Elsen, met wie ze een volledig vrouwelijk hedendaags repertoire brengen dat in oktober wordt gepresenteerd op het LOOP Festival in Brussel. 19.00 uur: deuren open 19.30 uur: concert
In the afternoon of the same day, artists Jana Visser and Fanny Libert will give a guided tour for those who want to hear first-hand what inspires them. It's free but reservation is recommended. Jana Visser explores a logic of reciprocity and becoming through the framework of her weaving practice. She is interested in the relationship between weaving, breathing and thinking. Image: installation view of 'axis mundi I' & 'axis mundi II'
********** English ********** Take a deep breath and dive into our upcoming exhibition Breathing Matter! For her first Belgian solo exhibition, Breathing Matter, textile artist Jana Visser (South Africa) sets the house vibrating to the rhythm of breathing. The weavings conceal and reveal as they propel the proverbial oxygen through the house, reinforcing certain relationships between matter, time and space. The inward and outward passage of the breath provides a symbolic reflection on weaving which also depends on the rhythms and entanglements of the outward-giving horizontal weft and the inward-receiving vertical warp. It is as if each length of thread is a measured breath imbued with metamorphic and transformative potential. Weaving is process, but it also becomes image, whereby the structural warp or traces of weft threads remain visible - resulting in a delicate balance between strength and fragility. Breathing Matter invites the visitor to embrace the process, and let go of beginning and end in a conscious and present awareness of the senses. Fanny Libert (Belgium) is building an original sound oeuvre through various collaborations with musicians. In Breathing Matter, she gives the textile works and the house their own score, adding layers to unravel. The installation takes possession of the space and offers a moment of expectation and suspension. Silence becomes sound. The visitor is challenged to actively engage with the artworks. The artist creates the space and openness necessary for general awareness by paying attention to coincidences; the more or less fortuitous encounters of a ray of light through the blinds, a door slamming a few floors down and the visitor's privileged presence in their liminal space. ********** Français ********** Pour sa première exposition solo belge, Breathing Matter, l'artiste textile Jana Visser (Afrique du Sud) fait vibrer la maison au rythme de la respiration. En propulsant l'oxygène métaphorique à travers la maison, les tissages cachent et révèlent, renforçant certaines relations entre la matière, le temps et l'espace. L’inspiration et l’expiration fournissent une réflexion symbolique sur le tissage qui dépend également des rythmes et des enchevêtrements de la trame horizontale qui donne vers l'extérieur et de la chaîne verticale qui reçoit vers l'intérieur. C'est comme si chaque longueur de fil était un souffle, mesuré, imprégné d'un potentiel métamorphique et transformateur. Le tissage est processus, mais il devient aussi image, car la chaîne structurelle ou les traces de fils de la trame restent visibles, ce qui crée un équilibre délicat entre force et fragilité. Breathing Matter invite le visiteur à s’engager dans le processus et à se détacher du début et de la fin dans une conscience intentionelle et présente des sens. Fanny Libert (Belgique) construit une œuvre sonore originale à travers diverses collaborations avec des musiciens. Dans Breathing Matter elle donne aux œuvres textiles et à l’espace leur propre partition, ajoutant des couches à démêler. L'installation prend possession des lieux et offre un moment d'attente et de suspension. Le silence devient son. Le visiteur est invité à s'engager activement dans les œuvres d'art. L'artiste crée l'espace et l'ouverture nécessaires à une prise de conscience générale, en prêtant attention aux coïncidences ; aux rencontres plus ou moins fortuites d'un rayon de lumière au travers d’une tenture, d'un claquement de porte quelques étages plus bas et de la présence privilégiée du visiteur en leur interstice. ********** Nederlands ********** Voor haar eerste Belgische solotentoonstelling, Breathing Matter, laat textielkunstenaar Jana Visser (Zuid-Afrika) het huis zinderen op het ritme van de ademhaling. De weefwerken verbergen en onthullen terwijl ze de spreekwoordelijke zuurstof door het huis stuwen, waardoor bepaalde relaties tussen materie, tijd en ruimte worden versterkt. Het in- en uitademen biedt een symbolische reflectie op het weven, dat ook afhankelijk is van het ritme en de verstrengeling van de naar buiten gerichte horizontale inslag en de naar binnen gerichte verticale ketting. Het is alsof elke draadlengte een afgemeten ademhaling is die doordrongen is van metamorfisch en transformerend potentieel. Weven is proces, maar het wordt ook beeld, waarbij de structurele ketting of sporen van inslagdraden zichtbaar blijven - wat resulteert in een delicaat evenwicht tussen kracht en breekbaarheid. Breathing Matter nodigt de bezoeker uit om het proces te omarmen en begin en einde los te laten in een intentioneel en aanwezig bewustzijn van de zintuigen. Fanny Libert (België) bouwt aan een origineel geluidsoeuvre door middel van verschillende samenwerkingen met muzikanten. In Breathing Matter geeft ze de textiele werken en het huis hun eigen partituur en voegt lagen toe om te ontrafelen. De installatie neemt bezit van de ruimte en biedt een moment van verwachting en opschorting. Stilte wordt geluid. De bezoeker wordt uitgedaagd om zich actief te verhouden tot de kunstwerken. De kunstenaar creëert de ruimte en openheid die nodig zijn voor een algemeen bewustzijn, door aandacht te schenken aan toevalligheden; de min of meer toevallige ontmoetingen van een lichtstraal door de jaloezieën, een deur die een paar verdiepingen lager dichtslaat en de bevoorrechte aanwezigheid van de bezoeker in hun tussenruimte.
********** English ********** Queens Brussels is delighted to announce the prolongation of the exhibition Iconostasis featuring a duo of visual artists, Gianluca Cosci and Sébastien Forthomme. The exhibition presents a selection of their most recent works, highlighting both the affinities and disparities of the artists’ individual practices. The exhibition is designed as a dialogue between two unique artistic personalities, presenting an enriching visual exchange. The title, Iconostasis, refers to the Eastern Christian tradition in Byzantine churches of a solid screen of stone, wood, or metal, usually separating the sanctuary from the nave. The iconostasis had originally been some sort of simple partition between the altar and the congregation. It then became a row of columns, and the spaces between them were eventually filled with icons. Quite surprisingly we do not find any other reference to Christianity or faith in general in this exhibition. The silent power conveyed by the artworks evokes a feeling of being mesmerized each in its own individual manner, reminiscent of Colour Field paintings. Through their elegiac tones, the artworks draw viewers into their own sphere, inviting closer encounters with their physicality which become both a boundary and a contact point between immanence and the sublime. In that respect the artists’ creations function as a sort of laic iconostases that project us into introspective and existential meditations. In his practice Gianluca Cosci investigates the different interpretations of iconoclasm concerning the concept of visual obliteration using existing artworks as palimpsests and creating new pieces through painting and photography. In his work the artist examines the auratic potency of images when subjected to iconoclastic interventions. Cosci’s eclectic oeuvre converges towards the dichotomy between the visible and invisible, perception and imagination. In his investigations the artist aims to convey the concept of 'hidden' by partially veiling images and denying visions. Ultimately, Gianluca Cosci examines the enigma of images and how their allure can be amplified when they are concealed or erased: visual negation can eventually serve as a means for the viewer to adhere to the Duchampian principle of actively engaging in the interpretation and finalisation of the artwork, as the crucial and supreme contribution to the artistic experience. In the photographic works of Sébastien Forthomme exists a comparable sensibility towards the negation of the visible in the form of abstract compositions and blurred images. His photographs suggest mystical dimensions through an aesthetic quest that start from the visible only to ascend towards a mesmerising inner voyage made of sinuous shapes and sensuous colours. Forthomme’s practice can be identified with a journey towards the absolute that could indeed have affinities to that material separation made of icons that prevents optical vision in favour of another, more transcendent one. ‘It is not doubt but certainty that drives us mad', said Nietzsche. Our society is a knowledge society based on scientific laws dating back to Galileo. Anything that escapes these formalised laws is beyond our horizon. The artist attempts to set this knowledge aside and invoke a more fundamental and innate perception. Biography Gianluca Cosci (1970, Italy) completed a BA in painting at the Accademia di Belle Arti, Bologna. Between 1999 and 2011 he lived and worked in London where he obtained Master degrees in fine art at Chelsea College of Art and in art and design at the Institute of Education, University of London. In 2011 he moved to Brussels where he currently lives and works. He is expected to defend his Ph.D. in the arts at LUCA School of Art/KU Leuven University in December 2023 titled “The Denied Image: Art Interventions Between Iconoclasm and Institutional Critique”. Sébastien Forthomme (1976, Belgium) studied at the Agnès Varda School of Photography in Brussels. He was a photographer for the Opéra Royal de la Monnaie between 2008 and 2015. He then embarked on an artistic research and exhibited in Brussels and Amsterdam, among other places. His work expresses his research into doubt, the limits of perception and knowledge, and the human-nature 'continuum'. ********** Français ********** Queens Brussels a le plaisir d'annoncer la prolongation de l'exposition Iconostasis qui présente un duo d'artistes visuels, Gianluca Cosci et Sébastien Forthomme. L'exposition présente une sélection de leurs œuvres les plus récentes, soulignant à la fois les affinités et les disparités des pratiques individuelles des artistes. L'exposition est conçue comme un dialogue entre deux personnalités artistiques uniques, présentant un échange visuel enrichissant. Le titre, Iconostasis, fait référence à la tradition chrétienne orientale des églises byzantines qui consiste en un écran solide de pierre, de bois ou de métal, séparant généralement le sanctuaire de la nef. À l'origine, l'iconostase était une sorte de simple cloison entre l'autel et l'assemblée. Elle s'est ensuite transformée en une rangée de colonnes, et les espaces entre celles-ci ont finalement été remplis d'icônes. De manière assez surprenante, nous ne trouvons aucune autre référence au christianisme ou à la foi en général dans cette exposition. La puissance silencieuse véhiculée par les œuvres d'art évoque un sentiment d'hypnose, chacune à sa manière, rappelant les peintures Colour Field. Par leurs tons élégiaques, les œuvres d'art attirent les spectateurs dans leur propre sphère, invitant à des rencontres plus étroites avec leur physicalité qui devient à la fois une frontière et un point de contact entre l'immanence et le sublime. À cet égard, les créations des artistes fonctionnent comme des sortes d'iconostases laïques qui nous projettent dans des méditations introspectives et existentielles. ********** Nederlands ********** Queens Brussels kondigt met trots de verlenging aan van de tentoonstelling Iconostasis met een duo beeldende kunstenaars, Gianluca Cosci en Sébastien Forthomme. De tentoonstelling presenteert een selectie van hun meest recente werken en belicht zowel de affiniteiten als de verschillen van de individuele praktijken van de kunstenaars. De tentoonstelling is opgezet als een dialoog tussen twee unieke artistieke persoonlijkheden en biedt een verrijkende visuele uitwisseling. De titel, Iconostasis, verwijst naar de Oosters-christelijke traditie in Byzantijnse kerken van een solide scherm van steen, hout of metaal, dat meestal het heiligdom scheidt van het schip. De iconostase was oorspronkelijk een soort eenvoudige afscheiding tussen het altaar en de congregatie. Daarna werd het een rij zuilen en de ruimtes ertussen werden uiteindelijk gevuld met iconen. Verrassend genoeg vinden we in deze tentoonstelling geen enkele andere verwijzing naar het christendom of het geloof in het algemeen. De stille kracht van de kunstwerken roept een gevoel van betovering op, elk op zijn eigen individuele manier, dat doet denken aan Colour Field-schilderijen. Door hun elegische tonen trekken de kunstwerken de toeschouwers hun eigen sfeer binnen en nodigen ze uit tot nauwere ontmoetingen met hun lichamelijkheid, die zowel een grens als een contactpunt wordt tussen immanentie en het sublieme. In dat opzicht fungeren de creaties van de kunstenaars als een soort iconostasen die ons projecteren in introspectieve en existentiële meditaties.
Belgian Fingerprints For their first major project, Koi Collective commissioned six promising young Belgian composers to write a composition. The project has three different objectives: to give these composers the opportunity to develop, expanding the Belgian repertoire for saxophone and piano and discovering the collective's contemporary style. For 2023, Maarten Vergauwen (sax) and Emmy Wils (piano) will give the honour to six other Belgian composers during a second edition of this unique concept. The composers of the second edition who will give their best at Queens Brussels are F. Libert, L. Denies, M. De Naegel, E. Koçia, S. Thijs and B. Windelinckx. Expect a full evening's programme filled with sparkling contemporary music introduced by the composers themselves. 7.00 PM: doors open 7.30 PM: concert 8.30 PM: guided tour & drinks
********** English ********** Opening 12/11/2023 from 2-6 pm with performance by Sara Koller Exhibition 12/11/2023 - 16/12/2023 Friday & Saturday from 11am - 6pm and by appointment Queens Brussels is delighted to invite you to the opening of our upcoming exhibition Iconostasis featuring a duo of visual artists, Gianluca Cosci and Sébastien Forthomme. The exhibition presents a selection of their most recent works, highlighting both the affinities and disparities of the artists’ individual practices. The exhibition is designed as a dialogue between two unique artistic personalities, presenting an enriching visual exchange. “ Perhaps the Doors, Curtains, Surface Pictures, Panes of Glass, etc. are metaphors of despair, prompted by the dilemma that our sense of sight causes us to apprehend things, but at the same time restricts and partially precludes our apprehension of reality.” (Gerhard Richter) The title, Iconostasis, refers to the Eastern Christian tradition in Byzantine churches of a solid screen of stone, wood, or metal, usually separating the sanctuary from the nave. The iconostasis had originally been some sort of simple partition between the altar and the congregation. It then became a row of columns, and the spaces between them were eventually filled with icons. Quite surprisingly we do not find any other reference to Christianity or faith in general in this exhibition. The silent power conveyed by the artworks evokes a feeling of being mesmerized each in its own individual manner, reminiscent of Colour Field paintings. Through their elegiac tones, the artworks draw viewers into their own sphere, inviting closer encounters with their physicality which become both a boundary and a contact point between immanence and the sublime. In that respect the artists’ creations function as a sort of laic iconostases that project us into introspective and existential meditations. In his practice Gianluca Cosci investigates the different interpretations of iconoclasm concerning the concept of visual obliteration using existing artworks as palimpsests and creating new pieces through painting and photography. In his work the artist examines the auratic potency of images when subjected to iconoclastic interventions. Cosci’s eclectic oeuvre converges towards the dichotomy between the visible and invisible, perception and imagination. In his investigations the artist aims to convey the concept of 'hidden' by partially veiling images and denying visions. Ultimately, Gianluca Cosci examines the enigma of images and how their allure can be amplified when they are concealed or erased: visual negation can eventually serve as a means for the viewer to adhere to the Duchampian principle of actively engaging in the interpretation and finalisation of the artwork, as the crucial and supreme contribution to the artistic experience. In the photographic works of Sébastien Forthomme exists a comparable sensibility towards the negation of the visible in the form of abstract compositions and blurred images. His photographs suggest mystical dimensions through an aesthetic quest that start from the visible only to ascend towards a mesmerising inner voyage made of sinuous shapes and sensuous colours. Forthomme’s practice can be identified with a journey towards the absolute that could indeed have affinities to that material separation made of icons that prevents optical vision in favour of another, more transcendent one. ‘It is not doubt but certainty that drives us mad', said Nietzsche. Our society is a knowledge society based on scientific laws dating back to Galileo. Anything that escapes these formalised laws is beyond our horizon. The artist attempts to set this knowledge aside and invoke a more fundamental and innate perception. ********** Français ********** Queens Brussels a le plaisir de vous inviter à l'inauguration de notre exposition Iconostasis, qui met en scène deux artistes visuels, Gianluca Cosci et Sébastien Forthomme. L'exposition est conçue comme un dialogue entre deux artistes, présentant un échange visuel enrichissant. ********** Nederlands ********** Queens Brussels nodigt u uit voor de opening van onze tentoonstelling Iconostasis met de beeldende kunstenaars, Gianluca Cosci en Sébastien Forthomme. De tentoonstelling is opgezet als een dialoog tussen twee artiesten en biedt een verrijkende visuele uitwisseling.
********** English ********** Veronika Harcsa and Nora Thiele have both an exceptional background in music. Reconnecting people with music in an active sense has become important to them. Their plan is to create a repertoire based on new original compositions, where the audience is gently invited at certain points to join the music. This interactive concert of a new format will let the audience reconnect with the experience of making sound, as part of the compositions. The repertoire will be song based, but with room to improviseand be flexible. The first concert of the project will be at Queens Brussels. ********** Français ********** Veronika Harcsa et Nora Thiele ont toutes deux une formation musicale exceptionnelle. Il est devenu important pour elles de reconnecter les gens avec la musique de manière active. Leur projet est de créer un répertoire basé sur de nouvelles compositions originales, où le public est gentiment invité à certains moments à se joindre à la musique. Ce concert interactif d'un nouveau format permettra au public de renouer avec l'expérience de la création de sons, en tant que partie intégrante des compositions. Le répertoire sera basé sur des chansons, mais laissera une place à l'improvisation et à la flexibilité. Le premier concert du projet aura lieu au Queens Brussels. ********** Nederlands ********** Veronika Harcsa en Nora Thiele hebben allebei een bijzondere achtergrond in muziek. Mensen opnieuw in contact brengen met muziek in een actieve zin is belangrijk voor hen geworden. Hun plan is om een repertoire te creëren op basis van nieuwe originele composities, waarbij het publiek op bepaalde momenten voorzichtig wordt uitgenodigd om mee te doen met de muziek. Dit interactieve concert van een nieuw formaat laat het publiek opnieuw contact maken met de ervaring van het maken van geluid, als onderdeel van de composities. Het repertoire zal gebaseerd zijn op songs, maar met ruimte om te improviseren en flexibel te zijn. Het eerste concert van het project zal plaatsvinden in Queens Brussels.
********** English ********** Veronika Harcsa and Nora Thiele have both an exceptional background in music. Reconnecting people with music in an active sense has become important to them. Their plan is to create a repertoire based on new original compositions, where the audience is gently invited at certain points to join the music. This interactive concert of a new format will let the audience reconnect with the experience of making sound, as part of the compositions. The repertoire will be song based, but with room to improvise and be flexible. The first concert of the project will be at Queens Brussels. For those who wish to immerse themselves in their music before the concert, Veronika and Nora will animate a short workshop. Experience is not required. Registration is not necessary for the workshop, just arrive on time. After the concert both artists will host a jam session open to the public. Are you a musician? Come join us for an late evening jam session. Instruments already present are the following: a grand piano, an electric piano, bass amplifier, percussion instruments. 6.00 PM: doors open 6.30 PM: workshop (only with ticket for the concert) 7.30 PM: concert 8.30 PM: guided tour 9.00 PM: jam session (included with ticket for the concert, if you don't go to the concert, you have to buy a ticket for the jam session) ********** Français ********** Veronika Harcsa et Nora Thiele ont toutes deux une formation musicale exceptionnelle. Il est devenu important pour elles de reconnecter les gens avec la musique de manière active. Leur projet est de créer un répertoire basé sur de nouvelles compositions originales, où le public est gentiment invité à certains moments à se joindre à la musique. Ce concert interactif d'un nouveau format permettra au public de renouer avec l'expérience de la création de sons, en tant que partie intégrante des compositions. Le répertoire sera basé sur des chansons, mais laissera une place à l'improvisation et à la flexibilité. Le premier concert du projet aura lieu au Queens Brussels. ********** Nederlands ********** Veronika Harcsa en Nora Thiele hebben allebei een bijzondere achtergrond in muziek. Mensen opnieuw in contact brengen met muziek in een actieve zin is belangrijk voor hen geworden. Hun plan is om een repertoire te creëren op basis van nieuwe originele composities, waarbij het publiek op bepaalde momenten voorzichtig wordt uitgenodigd om mee te doen met de muziek. Dit interactieve concert van een nieuw formaat laat het publiek opnieuw contact maken met de ervaring van het maken van geluid, als onderdeel van de composities. Het repertoire zal gebaseerd zijn op songs, maar met ruimte om te improviseren en flexibel te zijn. Het eerste concert van het project zal plaatsvinden in Queens Brussels.
********** English ********** Caroline Andrin (Switzerland, 1972) is a renowned ceramic artist. She works with found/assembled objects and materials, transforming them according to context and location. When she visited Queens Brussels, she was immediately struck by the atypical interior, which became the starting point for the current exhibition. She was particularly inspired by the Egyptian frescoes lining the stairwell. The paintings come to life as objects. A lion, a gazelle, a snake and birds are all representations that evoke the forces and powers of ancient Egypt. New works called 'rhytons' have been created. A rhyton is a ritual cup used in many ancient cultures in the Middle East and elsewhere. They are generally in the shape of an animal, with an opening at the bottom through which one can drink. Scientists believe that the first cultural invention was a kind of container, designed to hold the food gathered, and then a kind of transport net. This very first container, a thing containing something else, would have been made by women gatherers using the fibres they found on the spot. In the same way, the artist works with what she has on hand. To make the rhytons, she uses leather gloves, which she has been collecting for several years, as moulds. The objects obtained by casting in these flexible moulds are covered with terra sigillata in tones that reflect the colours of the different rooms in the house and mark the ritual in progress. The Lion's Auspices will transport you into an enigmatic universe. Visitors will enjoy a transformative experience at Queens Brussels. Sound artist Ana Guedes (Portugal, 1981) develops her artistic practice through a vocabulary of instrument building, multidisciplinary performances and installations, sound pieces and modes of scoring. The artist weaves connections between past and present, focuses on the hollow spaces of historical narratives and how to frame the absence. Inception of Threnody is a sound installation that explores the sonic properties of glass surfaces. An alphabet of glass sound emerges and a performative graphical score activates its dormant acoustic possibilities. The visitor is invited to experience the spaces not only visually but also sonically. ********** Français ********** Caroline Andrin (Suisse, 1972) est une artiste céramiste de renom. Elle travaille avec des objets et des matériaux trouvés/assemblés, qu'elle transforme en fonction du contexte et du lieu. Lorsqu'elle a visité le Queens Brussels, elle a été immédiatement frappée par l'intérieur atypique, qui est devenu le point de départ de l'exposition actuelle. Elle a été particulièrement inspirée par les fresques égyptiennes qui bordent la cage d'escalier. Les tableaux prennent vie en tant qu'objets. Un lion, une gazelle, un serpent, des oiseaux sont autant de représentations qui évoquent les forces et les pouvoirs de l'Égypte ancienne. De nouvelles œuvres appelées "rhytons" ont été créées. Un rhyton est une coupe rituelle utilisée dans de nombreuses cultures anciennes du Moyen-Orient et d'ailleurs. Ils ont généralement la forme d'un animal, avec une ouverture au fond par laquelle on peut boire. Les scientifiques pensent que la première invention culturelle a été une sorte de récipient, destiné à contenir la nourriture recueillie, puis une sorte de filet de transport. Ce tout premier récipient, une chose contenant autre chose, aurait été fabriqué par les femmes cueilleuses à l'aide des fibres qu'elles trouvaient sur place. De la même manière, l'artiste travaille avec ce qu'elle a sous la main. Pour réaliser les rhytons, elle utilise comme moules des gants de cuir qu'elle collectionne depuis plusieurs années. Les objets obtenus par coulage dans ces moules souples sont recouverts de terra sigillata dans des tons qui reflètent les couleurs des différentes pièces de la maison et marquent le rituel en cours. Les Auspices du Lion vous transporteront dans un univers énigmatique. Les visiteurs vivront une expérience transformatrice au Queens Brussels. L'artiste sonore Ana Guedes (Portugal, 1981) développe sa pratique artistique à travers un vocabulaire de construction d'instruments, de performances et d'installations multidisciplinaires, de pièces sonores et de modes de notation. L'artiste tisse des liens entre le passé et le présent, se concentre sur les espaces creux des récits historiques et sur la manière d'encadrer l'absence. Inception of Threnody est une installation sonore qui explore les propriétés sonores des surfaces en verre. Un alphabet de sons de verre émerge et une partition graphique performative active ses possibilités acoustiques dormantes. Le visiteur est invité à faire l'expérience des espaces non seulement visuellement, mais également sur le plan sonore. ********** Nederlands ********** Caroline Andrin (Zwitserland, 1972) is een gerenommeerd keramisch kunstenaar. Ze werkt met gevonden/gemonteerde objecten en materialen, die ze transformeert naargelang de context en de locatie. Toen ze Queens Brussels bezocht, werd ze meteen getroffen door het atypische interieur, dat het uitgangspunt werd voor de huidige tentoonstelling. Ze werd vooral geïnspireerd door de Egyptische fresco's in het trappenhuis. De schilderijen komen tot leven als objecten. Een leeuw, een gazelle, een slang en vogels zijn allemaal voorstellingen die de krachten en machten van het oude Egypte oproepen. Er zijn nieuwe werken gemaakt die 'rhytons' worden genoemd. Een rhyton is een rituele beker die in veel oude culturen in het Midden-Oosten en elders werd gebruikt. Ze hebben meestal de vorm van een dier, met een opening aan de onderkant waardoor men kan drinken. Wetenschappers geloven dat de eerste culturele uitvinding een soort container was, ontworpen om het verzamelde voedsel in te bewaren, en vervolgens een soort transportnet. Deze allereerste container, een ding dat iets anders bevatte, zou zijn gemaakt door vrouwen die voedsel verzamelden met vezels die ze ter plekke vonden. Op dezelfde manier werkt de kunstenaar met wat ze bij de hand heeft. Om de rhytons te maken, gebruikt ze leren handschoenen, die ze al jaren verzamelt, als mallen. De voorwerpen die worden verkregen door het gieten in deze flexibele mallen worden bedekt met terra sigillata in tinten die de kleuren van de verschillende kamers in het huis weerspiegelen en het lopende ritueel markeren. The Lion's Auspices voert je mee naar een raadselachtig universum. Bezoekers zullen genieten van een transformerende ervaring in Queens Brussels. Geluidskunstenaar Ana Guedes (Portugal, 1981) ontwikkelt haar artistieke praktijk door middel van een vocabulaire van instrumentenbouw, multidisciplinaire performances en installaties, geluidsstukken en manieren van scoren. De kunstenares weeft verbindingen tussen verleden en heden, focust op de holle ruimtes van historische verhalen en hoe de afwezigheid te omkaderen. Inception of Threnody is een geluidsinstallatie die de sonische eigenschappen van glazen oppervlakken onderzoekt. Er ontstaat een alfabet van glasgeluid en een performatieve grafische partituur activeert de sluimerende akoestische mogelijkheden. De bezoeker wordt uitgenodigd om de ruimtes niet alleen visueel maar ook sonisch te ervaren.