********** English **********
Nana Osei-Twum Barima is a talented harp-lute player, singer, percussionist, and
dancer from Ghana. As a member of the Akan people, Nana learned to play the
seperewa, a beautifully resonant harp-lute, at a young age. This instrument was
revived by his grandfather and taken around the world by his uncle. Nana also
plays eight other instruments, including the delicate mbira (thumb piano) and
various percussion instruments like the water drum, the Ghanaian percussion box,
and bamboo percussion. Every musical journey with him is an exciting escape.
Double bassist Lara Rosseel is one of the rising stars in the jazz world. In
recent years, she has made a significant impression with the Lara Rosseel Band,
releasing the brilliant album “De Grote Vrouw.” Chris Joris says this about her:
Lara Rosseel is a true poet on the double bass and a gifted composer. A quiet
soul with deep respect and love for music, she explores it in many directions
and forms. Moving from classical studies to jazz, she also tunes in to folk
music from various cultures. Improvisation is her best companion, and when she’s
in the right environment, Lara lets her intuitive playing flow freely. Warm and
touching in ballads, her groove is never far away, gently swaying like a boat on
a sunny river.
********** Nederlands **********
De jonge getalenteerde harpluitspeler, zanger, percussionist en danser Nana
Osei-Twum Barima komt uit Ghana. Dit lid van het Akan-volk legde zich op jonge
leeftijd toe op de seperewa-harpluit, een prachtig klinkend instrument dat door
zijn grootvader terug leven werd in geblazen, en waarmee zijn oom de wereld
rondreisde. Nana Osei-Twum Barima speelt nog acht andere instrumenten zoals de
subtiele mbira (duimpiano) en een scala aan percussie zoals de dij- en
waterkalebas, de Ghanese percussiebox én bamboe-percussie. Nana neemt zijn
publiek steevast mee in een spannend muzikaal parcours.
Contrabassiste Lara Rosseel is dan weer één van de rijzende sterren aan het
jazzfirmament. Zo maakte ze de afgelopen jaren indruk met de Lara Rosseel band
waarmee ze het schitterende album ‘De Grote Vrouw” uitbracht.
“Ze is een ware poëet op de contrabas en een begaafd componiste. De stille ziel
met respect en liefde voor de muziek, die ze wil ontdekken en die, wat haar
betreft, vele kanten uitgaat en meerdere gezichten draagt. Vanuit de Klassieke
studies naar de jazz evoluerend, stelt zij haar oor en ziel open voor
volksmuziekvormen en diverse culturen. Improvisatie wordt haar sterke metgezel,
en wanneer ze zich in de juiste biotoop weet van eerlijke interactie, krijgt
haar intuïtief spel de vrije loop. Warm en aandoenlijk is zij in ballades en
zodra ze geniet van de vibe, deint haar “groove” als een bootje op een zonnige
rivier”, aldus Chris Joris.
John of Ruysbroeck College
Locatie
Aankomende evenementen
Evenementen in het verleden
********** English **********
Trio O3 is composed by Eugénie Defraigne, Léna Kollmeier and Lydie Thonnard. The
trio came to life thanks to the common interest of the three musicians in
today's vibrant music.
After having defined their very own universe, the three musicians presented
their first project, 'Echos de la Terre' in 2017 at the Espace Senghor in
Brussels. In 2018, the Trio O3 was the winner of the Supernova Competition, and
a year later they won the prize for best interpretation of a contemporary work
as well as a third prize at the Opus 2019 international competition.
The trio has performed in several festivals and concert halls in Belgium, such
as Flagey in Brussels and the Palais des Beaux-Arts in Charleroi. They have also
been invited to the 'Ars Musica' festival in November 2020 and to the 'Belgian
Music Days' in 2022.
Since 2020, the musicians have been promoting Belgian music (premieres of works
by Adrien Tsilogiannis, Sarah Wéry, Jonah Blumenthal, Max Charue, Virginie
Tasset and Fabian Fiorini) at home and abroad, notably at the Arvo Pärt Center
in Estonia as part of the Nargenfestival. Alongside their various trio projects,
they collaborate with other musicians such as mezzo-soprano Frauke Elsen, with
whom they offer an all-female contemporary repertoire to be presented this
October at the LOOP Festival in Brussels.
7.00 PM: doors open
7.30 PM: concert
9.00 PM: guided tour and drinks
********** Français **********
Le Trio O3 est composé d'Eugénie Defraigne, Léna Kollmeier et Lydie Thonnard. Le
trio est né de l'intérêt commun des trois musiciennes pour la musique
contemporaine.
Après avoir défini leur propre univers, les trois musiciennes ont présenté leur
premier projet, « Echos de la Terre » en 2017 à l'Espace Senghor à Bruxelles. En
2018, le Trio O3 est lauréat du concours Supernova, et un an plus tard, ils
remportent le prix de la meilleure interprétation d'une œuvre contemporaine
ainsi qu'un troisième prix au concours international Opus 2019.
Le trio s'est produit dans plusieurs festivals et salles de concert en Belgique,
tels que Flagey à Bruxelles et le Palais des Beaux-Arts de Charleroi. Ils ont
également été invités au festival « Ars Musica » en novembre 2020 et aux «
Belgian Music Days » en 2022.
Depuis 2020, les musiciens font la promotion de la musique belge (créations
d'œuvres d'Adrien Tsilogiannis, Sarah Wéry, Jonah Blumenthal, Max Charue,
Virginie Tasset et Fabian Fiorini) en Belgique et à l'étranger, notamment au
Arvo Pärt Center en Estonie dans le cadre du Nargenfestival. Parallèlement à
leurs divers projets en trio, ils collaborent avec d'autres musiciens tels que
la mezzo-soprano Frauke Elsen, avec laquelle ils proposent un répertoire
contemporain entièrement féminin qui sera présenté en octobre prochain au LOOP
Festival à Bruxelles.
19h00 : ouverture des portes
19 h 30 : concert
21h00 : visite guidée et boissons
********** Nederlands **********
Trio O3 is samengesteld door Eugénie Defraigne, Léna Kollmeier en Lydie
Thonnard. Het trio ontstond dankzij de gemeenschappelijke interesse van de drie
muzikanten in de levendige muziek van vandaag.
Nadat ze hun eigen universum hadden gedefinieerd, presenteerden de drie
muzikanten hun eerste project 'Echos de la Terre' in 2017 in de Espace Senghor
in Brussel. In 2018 was het Trio O3 de winnaar van de Supernova Competition en
een jaar later wonnen ze de prijs voor de beste interpretatie van een hedendaags
werk en een derde prijs op de internationale wedstrijd Opus 2019.
Het trio trad op in verschillende festivals en concertzalen in België, zoals
Flagey in Brussel en het Palais des Beaux-Arts in Charleroi. Ze zijn ook
uitgenodigd voor het festival 'Ars Musica' in november 2020 en voor de
'Belgische Muziekdagen' in 2022.
Sinds 2020 promoten de muzikanten Belgische muziek (premières van werken van
Adrien Tsilogiannis, Sarah Wéry, Jonah Blumenthal, Max Charue, Virginie Tasset
en Fabian Fiorini) in binnen- en buitenland, met name in het Arvo Pärt Center in
Estland in het kader van het Nargenfestival. Naast hun verschillende
trioprojecten werken ze samen met andere musici, zoals mezzosopraan Frauke
Elsen, met wie ze een volledig vrouwelijk hedendaags repertoire brengen dat in
oktober wordt gepresenteerd op het LOOP Festival in Brussel.
19.00 uur: deuren open
19.30 uur: concert
In the afternoon of the same day, artists Jana Visser and Fanny Libert will give
a guided tour for those who want to hear first-hand what inspires them. It's
free but reservation is recommended.
Jana Visser explores a logic of reciprocity and becoming through the framework
of her weaving practice. She is interested in the relationship between weaving,
breathing and thinking.
Image: installation view of 'axis mundi I' & 'axis mundi II'
********** English **********
Take a deep breath and dive into our upcoming exhibition Breathing Matter!
For her first Belgian solo exhibition, Breathing Matter, textile artist Jana
Visser (South Africa) sets the house vibrating to the rhythm of breathing. The
weavings conceal and reveal as they propel the proverbial oxygen through the
house, reinforcing certain relationships between matter, time and space. The
inward and outward passage of the breath provides a symbolic reflection on
weaving which also depends on the rhythms and entanglements of the
outward-giving horizontal weft and the inward-receiving vertical warp. It is as
if each length of thread is a measured breath imbued with metamorphic and
transformative potential. Weaving is process, but it also becomes image, whereby
the structural warp or traces of weft threads remain visible - resulting in a
delicate balance between strength and fragility. Breathing Matter invites the
visitor to embrace the process, and let go of beginning and end in a conscious
and present awareness of the senses.
Fanny Libert (Belgium) is building an original sound oeuvre through various
collaborations with musicians. In Breathing Matter, she gives the textile works
and the house their own score, adding layers to unravel. The installation takes
possession of the space and offers a moment of expectation and suspension.
Silence becomes sound. The visitor is challenged to actively engage with the
artworks. The artist creates the space and openness necessary for general
awareness by paying attention to coincidences; the more or less fortuitous
encounters of a ray of light through the blinds, a door slamming a few floors
down and the visitor's privileged presence in their liminal space.
********** Français **********
Pour sa première exposition solo belge, Breathing Matter, l'artiste textile Jana
Visser (Afrique du Sud) fait vibrer la maison au rythme de la respiration. En
propulsant l'oxygène métaphorique à travers la maison, les tissages cachent et
révèlent, renforçant certaines relations entre la matière, le temps et l'espace.
L’inspiration et l’expiration fournissent une réflexion symbolique sur le
tissage qui dépend également des rythmes et des enchevêtrements de la trame
horizontale qui donne vers l'extérieur et de la chaîne verticale qui reçoit vers
l'intérieur. C'est comme si chaque longueur de fil était un souffle, mesuré,
imprégné d'un potentiel métamorphique et transformateur. Le tissage est
processus, mais il devient aussi image, car la chaîne structurelle ou les traces
de fils de la trame restent visibles, ce qui crée un équilibre délicat entre
force et fragilité. Breathing Matter invite le visiteur à s’engager dans le
processus et à se détacher du début et de la fin dans une conscience
intentionelle et présente des sens.
Fanny Libert (Belgique) construit une œuvre sonore originale à travers diverses
collaborations avec des musiciens. Dans Breathing Matter elle donne aux œuvres
textiles et à l’espace leur propre partition, ajoutant des couches à démêler.
L'installation prend possession des lieux et offre un moment d'attente et de
suspension. Le silence devient son. Le visiteur est invité à s'engager
activement dans les œuvres d'art. L'artiste crée l'espace et l'ouverture
nécessaires à une prise de conscience générale, en prêtant attention aux
coïncidences ; aux rencontres plus ou moins fortuites d'un rayon de lumière au
travers d’une tenture, d'un claquement de porte quelques étages plus bas et de
la présence privilégiée du visiteur en leur interstice.
********** Nederlands **********
Voor haar eerste Belgische solotentoonstelling, Breathing Matter, laat
textielkunstenaar Jana Visser (Zuid-Afrika) het huis zinderen op het ritme van
de ademhaling. De weefwerken verbergen en onthullen terwijl ze de
spreekwoordelijke zuurstof door het huis stuwen, waardoor bepaalde relaties
tussen materie, tijd en ruimte worden versterkt. Het in- en uitademen biedt een
symbolische reflectie op het weven, dat ook afhankelijk is van het ritme en de
verstrengeling van de naar buiten gerichte horizontale inslag en de naar binnen
gerichte verticale ketting. Het is alsof elke draadlengte een afgemeten
ademhaling is die doordrongen is van metamorfisch en transformerend potentieel.
Weven is proces, maar het wordt ook beeld, waarbij de structurele ketting of
sporen van inslagdraden zichtbaar blijven - wat resulteert in een delicaat
evenwicht tussen kracht en breekbaarheid.
Breathing Matter nodigt de bezoeker uit om het proces te omarmen en begin en
einde los te laten in een intentioneel en aanwezig bewustzijn van de zintuigen.
Fanny Libert (België) bouwt aan een origineel geluidsoeuvre door middel van
verschillende samenwerkingen met muzikanten. In Breathing Matter geeft ze de
textiele werken en het huis hun eigen partituur en voegt lagen toe om te
ontrafelen. De installatie neemt bezit van de ruimte en biedt een moment van
verwachting en opschorting. Stilte wordt geluid. De bezoeker wordt uitgedaagd om
zich actief te verhouden tot de kunstwerken. De kunstenaar creëert de ruimte en
openheid die nodig zijn voor een algemeen bewustzijn, door aandacht te schenken
aan toevalligheden; de min of meer toevallige ontmoetingen van een lichtstraal
door de jaloezieën, een deur die een paar verdiepingen lager dichtslaat en de
bevoorrechte aanwezigheid van de bezoeker in hun tussenruimte.
Join the vibrant Belgian contemporary art fair Art Brussels in April, where more
than 170 leading galleries present their artists and more than 26.000 visitors
gather at the iconic Brussels Expo.
********** English **********
Queens Brussels is delighted to announce the prolongation of the exhibition
Iconostasis featuring a duo of visual artists, Gianluca Cosci and Sébastien
Forthomme. The exhibition presents a selection of their most recent works,
highlighting both the affinities and disparities of the artists’ individual
practices. The exhibition is designed as a dialogue between two unique artistic
personalities, presenting an enriching visual exchange.
The title, Iconostasis, refers to the Eastern Christian tradition in Byzantine
churches of a solid screen of stone, wood, or metal, usually separating the
sanctuary from the nave. The iconostasis had originally been some sort of simple
partition between the altar and the congregation. It then became a row of
columns, and the spaces between them were eventually filled with icons.
Quite surprisingly we do not find any other reference to Christianity or faith
in general in this exhibition. The silent power conveyed by the artworks evokes
a feeling of being mesmerized each in its own individual manner, reminiscent of
Colour Field paintings. Through their elegiac tones, the artworks draw viewers
into their own sphere, inviting closer encounters with their physicality which
become both a boundary and a contact point between immanence and the sublime. In
that respect the artists’ creations function as a sort of laic iconostases that
project us into introspective and existential meditations.
In his practice Gianluca Cosci investigates the different interpretations of
iconoclasm concerning the concept of visual obliteration using existing artworks
as palimpsests and creating new pieces through painting and photography. In his
work the artist examines the auratic potency of images when subjected to
iconoclastic interventions. Cosci’s eclectic oeuvre converges towards the
dichotomy between the visible and invisible, perception and imagination. In his
investigations the artist aims to convey the concept of 'hidden' by partially
veiling images and denying visions. Ultimately, Gianluca Cosci examines the
enigma of images and how their allure can be amplified when they are concealed
or erased: visual negation can eventually serve as a means for the viewer to
adhere to the Duchampian principle of actively engaging in the interpretation
and finalisation of the artwork, as the crucial and supreme contribution to the
artistic experience.
In the photographic works of Sébastien Forthomme exists a comparable sensibility
towards the negation of the visible in the form of abstract compositions and
blurred images. His photographs suggest mystical dimensions through an aesthetic
quest that start from the visible only to ascend towards a mesmerising inner
voyage made of sinuous shapes and sensuous colours. Forthomme’s practice can be
identified with a journey towards the absolute that could indeed have affinities
to that material separation made of icons that prevents optical vision in favour
of another, more transcendent one. ‘It is not doubt but certainty that drives us
mad', said Nietzsche. Our society is a knowledge society based on scientific
laws dating back to Galileo. Anything that escapes these formalised laws is
beyond our horizon. The artist attempts to set this knowledge aside and invoke a
more fundamental and innate perception.
Biography
Gianluca Cosci (1970, Italy) completed a BA in painting at the Accademia di
Belle Arti, Bologna. Between 1999 and 2011 he lived and worked in London where
he obtained Master degrees in fine art at Chelsea College of Art and in art and
design at the Institute of Education, University of London. In 2011 he moved to
Brussels where he currently lives and works. He is expected to defend his Ph.D.
in the arts at LUCA School of Art/KU Leuven University in December 2023 titled
“The Denied Image: Art Interventions Between Iconoclasm and Institutional
Critique”.
Sébastien Forthomme (1976, Belgium) studied at the Agnès Varda School of
Photography in Brussels. He was a photographer for the Opéra Royal de la Monnaie
between 2008 and 2015. He then embarked on an artistic research and exhibited in
Brussels and Amsterdam, among other places. His work expresses his research into
doubt, the limits of perception and knowledge, and the human-nature 'continuum'.
********** Français **********
Queens Brussels a le plaisir d'annoncer la prolongation de l'exposition
Iconostasis qui présente un duo d'artistes visuels, Gianluca Cosci et Sébastien
Forthomme. L'exposition présente une sélection de leurs œuvres les plus
récentes, soulignant à la fois les affinités et les disparités des pratiques
individuelles des artistes. L'exposition est conçue comme un dialogue entre deux
personnalités artistiques uniques, présentant un échange visuel enrichissant.
Le titre, Iconostasis, fait référence à la tradition chrétienne orientale des
églises byzantines qui consiste en un écran solide de pierre, de bois ou de
métal, séparant généralement le sanctuaire de la nef. À l'origine, l'iconostase
était une sorte de simple cloison entre l'autel et l'assemblée. Elle s'est
ensuite transformée en une rangée de colonnes, et les espaces entre celles-ci
ont finalement été remplis d'icônes.
De manière assez surprenante, nous ne trouvons aucune autre référence au
christianisme ou à la foi en général dans cette exposition. La puissance
silencieuse véhiculée par les œuvres d'art évoque un sentiment d'hypnose,
chacune à sa manière, rappelant les peintures Colour Field. Par leurs tons
élégiaques, les œuvres d'art attirent les spectateurs dans leur propre sphère,
invitant à des rencontres plus étroites avec leur physicalité qui devient à la
fois une frontière et un point de contact entre l'immanence et le sublime. À cet
égard, les créations des artistes fonctionnent comme des sortes d'iconostases
laïques qui nous projettent dans des méditations introspectives et
existentielles.
********** Nederlands **********
Queens Brussels kondigt met trots de verlenging aan van de tentoonstelling
Iconostasis met een duo beeldende kunstenaars, Gianluca Cosci en Sébastien
Forthomme. De tentoonstelling presenteert een selectie van hun meest recente
werken en belicht zowel de affiniteiten als de verschillen van de individuele
praktijken van de kunstenaars. De tentoonstelling is opgezet als een dialoog
tussen twee unieke artistieke persoonlijkheden en biedt een verrijkende visuele
uitwisseling.
De titel, Iconostasis, verwijst naar de Oosters-christelijke traditie in
Byzantijnse kerken van een solide scherm van steen, hout of metaal, dat meestal
het heiligdom scheidt van het schip. De iconostase was oorspronkelijk een soort
eenvoudige afscheiding tussen het altaar en de congregatie. Daarna werd het een
rij zuilen en de ruimtes ertussen werden uiteindelijk gevuld met iconen.
Verrassend genoeg vinden we in deze tentoonstelling geen enkele andere
verwijzing naar het christendom of het geloof in het algemeen. De stille kracht
van de kunstwerken roept een gevoel van betovering op, elk op zijn eigen
individuele manier, dat doet denken aan Colour Field-schilderijen. Door hun
elegische tonen trekken de kunstwerken de toeschouwers hun eigen sfeer binnen en
nodigen ze uit tot nauwere ontmoetingen met hun lichamelijkheid, die zowel een
grens als een contactpunt wordt tussen immanentie en het sublieme. In dat
opzicht fungeren de creaties van de kunstenaars als een soort iconostasen die
ons projecteren in introspectieve en existentiële meditaties.
Belgian Fingerprints
For their first major project, Koi Collective commissioned six promising young
Belgian composers to write a composition. The project has three different
objectives: to give these composers the opportunity to develop, expanding the
Belgian repertoire for saxophone and piano and discovering the collective's
contemporary style.
For 2023, Maarten Vergauwen (sax) and Emmy Wils (piano) will give the honour to
six other Belgian composers during a second edition of this unique concept.
The composers of the second edition who will give their best at Queens Brussels
are F. Libert, L. Denies, M. De Naegel, E. Koçia, S. Thijs and B. Windelinckx.
Expect a full evening's programme filled with sparkling contemporary music
introduced by the composers themselves.
7.00 PM: doors open
7.30 PM: concert
8.30 PM: guided tour & drinks
Iconostasis by Gianluca Cosci & Sébastien Forthomme
12november 2023
-16december 2023
********** English **********
Opening 12/11/2023 from 2-6 pm
with performance by Sara Koller
Exhibition 12/11/2023 - 16/12/2023
Friday & Saturday from 11am - 6pm and by appointment
Queens Brussels is delighted to invite you to the opening of our upcoming
exhibition Iconostasis featuring a duo of visual artists, Gianluca Cosci and
Sébastien Forthomme. The exhibition presents a selection of their most recent
works, highlighting both the affinities and disparities of the artists’
individual practices. The exhibition is designed as a dialogue between two
unique artistic personalities, presenting an enriching visual exchange.
“ Perhaps the Doors, Curtains, Surface Pictures, Panes of Glass, etc. are
metaphors of despair, prompted by the dilemma that our sense of sight causes us
to apprehend things, but at the same time restricts and partially precludes our
apprehension of reality.” (Gerhard Richter)
The title, Iconostasis, refers to the Eastern Christian tradition in Byzantine
churches of a solid screen of stone, wood, or metal, usually separating the
sanctuary from the nave. The iconostasis had originally been some sort of simple
partition between the altar and the congregation. It then became a row of
columns, and the spaces between them were eventually filled with icons.
Quite surprisingly we do not find any other reference to Christianity or faith
in general in this exhibition. The silent power conveyed by the artworks evokes
a feeling of being mesmerized each in its own individual manner, reminiscent of
Colour Field paintings. Through their elegiac tones, the artworks draw viewers
into their own sphere, inviting closer encounters with their physicality which
become both a boundary and a contact point between immanence and the sublime. In
that respect the artists’ creations function as a sort of laic iconostases that
project us into introspective and existential meditations.
In his practice Gianluca Cosci investigates the different interpretations of
iconoclasm concerning the concept of visual obliteration using existing artworks
as palimpsests and creating new pieces through painting and photography. In his
work the artist examines the auratic potency of images when subjected to
iconoclastic interventions. Cosci’s eclectic oeuvre converges towards the
dichotomy between the visible and invisible, perception and imagination. In his
investigations the artist aims to convey the concept of 'hidden' by partially
veiling images and denying visions. Ultimately, Gianluca Cosci examines the
enigma of images and how their allure can be amplified when they are concealed
or erased: visual negation can eventually serve as a means for the viewer to
adhere to the Duchampian principle of actively engaging in the interpretation
and finalisation of the artwork, as the crucial and supreme contribution to the
artistic experience.
In the photographic works of Sébastien Forthomme exists a comparable sensibility
towards the negation of the visible in the form of abstract compositions and
blurred images. His photographs suggest mystical dimensions through an aesthetic
quest that start from the visible only to ascend towards a mesmerising inner
voyage made of sinuous shapes and sensuous colours. Forthomme’s practice can be
identified with a journey towards the absolute that could indeed have affinities
to that material separation made of icons that prevents optical vision in favour
of another, more transcendent one. ‘It is not doubt but certainty that drives us
mad', said Nietzsche. Our society is a knowledge society based on scientific
laws dating back to Galileo. Anything that escapes these formalised laws is
beyond our horizon. The artist attempts to set this knowledge aside and invoke a
more fundamental and innate perception.
********** Français **********
Queens Brussels a le plaisir de vous inviter à l'inauguration de notre
exposition Iconostasis, qui met en scène deux artistes visuels, Gianluca Cosci
et Sébastien Forthomme. L'exposition est conçue comme un dialogue entre deux
artistes, présentant un échange visuel enrichissant.
********** Nederlands **********
Queens Brussels nodigt u uit voor de opening van onze tentoonstelling
Iconostasis met de beeldende kunstenaars, Gianluca Cosci en Sébastien Forthomme.
De tentoonstelling is opgezet als een dialoog tussen twee artiesten en biedt een
verrijkende visuele uitwisseling.
********** English **********
Veronika Harcsa and Nora Thiele have both an exceptional background in music.
Reconnecting people with music in an active sense has become important to them.
Their plan is to create a repertoire based on new original compositions, where
the audience is gently invited at certain points to join the music. This
interactive concert of a new format will let the audience reconnect with the
experience of making sound, as part of the compositions. The repertoire will be
song based, but with room to improviseand be flexible. The first concert of the
project will be at Queens Brussels.
********** Français **********
Veronika Harcsa et Nora Thiele ont toutes deux une formation musicale
exceptionnelle. Il est devenu important pour elles de reconnecter les gens avec
la musique de manière active. Leur projet est de créer un répertoire basé sur de
nouvelles compositions originales, où le public est gentiment invité à certains
moments à se joindre à la musique. Ce concert interactif d'un nouveau format
permettra au public de renouer avec l'expérience de la création de sons, en tant
que partie intégrante des compositions. Le répertoire sera basé sur des
chansons, mais laissera une place à l'improvisation et à la flexibilité. Le
premier concert du projet aura lieu au Queens Brussels.
********** Nederlands **********
Veronika Harcsa en Nora Thiele hebben allebei een bijzondere achtergrond in
muziek. Mensen opnieuw in contact brengen met muziek in een actieve zin is
belangrijk voor hen geworden. Hun plan is om een repertoire te creëren op basis
van nieuwe originele composities, waarbij het publiek op bepaalde momenten
voorzichtig wordt uitgenodigd om mee te doen met de muziek. Dit interactieve
concert van een nieuw formaat laat het publiek opnieuw contact maken met de
ervaring van het maken van geluid, als onderdeel van de composities. Het
repertoire zal gebaseerd zijn op songs, maar met ruimte om te improviseren en
flexibel te zijn. Het eerste concert van het project zal plaatsvinden in Queens
Brussels.
********** English **********
Veronika Harcsa and Nora Thiele have both an exceptional background in music.
Reconnecting people with music in an active sense has become important to them.
Their plan is to create a repertoire based on new original compositions, where
the audience is gently invited at certain points to join the music. This
interactive concert of a new format will let the audience reconnect with the
experience of making sound, as part of the compositions. The repertoire will be
song based, but with room to improvise and be flexible. The first concert of the
project will be at Queens Brussels.
For those who wish to immerse themselves in their music before the concert,
Veronika and Nora will animate a short workshop. Experience is not required.
Registration is not necessary for the workshop, just arrive on time.
After the concert both artists will host a jam session open to the public. Are
you a musician? Come join us for an late evening jam session.
Instruments already present are the following: a grand piano, an electric piano,
bass amplifier, percussion instruments.
6.00 PM: doors open
6.30 PM: workshop (only with ticket for the concert)
7.30 PM: concert
8.30 PM: guided tour
9.00 PM: jam session (included with ticket for the concert, if you don't go to
the concert, you have to buy a ticket for the jam session)
********** Français **********
Veronika Harcsa et Nora Thiele ont toutes deux une formation musicale
exceptionnelle. Il est devenu important pour elles de reconnecter les gens avec
la musique de manière active. Leur projet est de créer un répertoire basé sur de
nouvelles compositions originales, où le public est gentiment invité à certains
moments à se joindre à la musique. Ce concert interactif d'un nouveau format
permettra au public de renouer avec l'expérience de la création de sons, en tant
que partie intégrante des compositions. Le répertoire sera basé sur des
chansons, mais laissera une place à l'improvisation et à la flexibilité. Le
premier concert du projet aura lieu au Queens Brussels.
********** Nederlands **********
Veronika Harcsa en Nora Thiele hebben allebei een bijzondere achtergrond in
muziek. Mensen opnieuw in contact brengen met muziek in een actieve zin is
belangrijk voor hen geworden. Hun plan is om een repertoire te creëren op basis
van nieuwe originele composities, waarbij het publiek op bepaalde momenten
voorzichtig wordt uitgenodigd om mee te doen met de muziek. Dit interactieve
concert van een nieuw formaat laat het publiek opnieuw contact maken met de
ervaring van het maken van geluid, als onderdeel van de composities. Het
repertoire zal gebaseerd zijn op songs, maar met ruimte om te improviseren en
flexibel te zijn. Het eerste concert van het project zal plaatsvinden in Queens
Brussels.
The Lion's Auspices by Caroline Andrin & Ana Guedes
01oktober 2023
-21oktober 2023
********** English **********
Caroline Andrin (Switzerland, 1972) is a renowned ceramic artist. She works with
found/assembled objects and materials, transforming them according to context
and location. When she visited Queens Brussels, she was immediately struck by
the atypical interior, which became the starting point for the current
exhibition.
She was particularly inspired by the Egyptian frescoes lining the stairwell. The
paintings come to life as objects. A lion, a gazelle, a snake and birds are all
representations that evoke the forces and powers of ancient Egypt.
New works called 'rhytons' have been created. A rhyton is a ritual cup used in
many ancient cultures in the Middle East and elsewhere. They are generally in
the shape of an animal, with an opening at the bottom through which one can
drink.
Scientists believe that the first cultural invention was a kind of container,
designed to hold the food gathered, and then a kind of transport net. This very
first container, a thing containing something else, would have been made by
women gatherers using the fibres they found on the spot.
In the same way, the artist works with what she has on hand. To make the
rhytons, she uses leather gloves, which she has been collecting for several
years, as moulds. The objects obtained by casting in these flexible moulds are
covered with terra sigillata in tones that reflect the colours of the different
rooms in the house and mark the ritual in progress.
The Lion's Auspices will transport you into an enigmatic universe. Visitors will
enjoy a transformative experience at Queens Brussels.
Sound artist Ana Guedes (Portugal, 1981) develops her artistic practice through
a vocabulary of instrument building, multidisciplinary performances and
installations, sound pieces and modes of scoring.
The artist weaves connections between past and present, focuses on the hollow
spaces of historical narratives and how to frame the absence.
Inception of Threnody is a sound installation that explores the sonic properties
of glass surfaces. An alphabet of glass sound emerges and a performative
graphical score activates its dormant acoustic possibilities.
The visitor is invited to experience the spaces not only visually but also
sonically.
********** Français **********
Caroline Andrin (Suisse, 1972) est une artiste céramiste de renom. Elle
travaille avec des objets et des matériaux trouvés/assemblés, qu'elle transforme
en fonction du contexte et du lieu. Lorsqu'elle a visité le Queens Brussels,
elle a été immédiatement frappée par l'intérieur atypique, qui est devenu le
point de départ de l'exposition actuelle.
Elle a été particulièrement inspirée par les fresques égyptiennes qui bordent la
cage d'escalier. Les tableaux prennent vie en tant qu'objets. Un lion, une
gazelle, un serpent, des oiseaux sont autant de représentations qui évoquent les
forces et les pouvoirs de l'Égypte ancienne.
De nouvelles œuvres appelées "rhytons" ont été créées. Un rhyton est une coupe
rituelle utilisée dans de nombreuses cultures anciennes du Moyen-Orient et
d'ailleurs. Ils ont généralement la forme d'un animal, avec une ouverture au
fond par laquelle on peut boire.
Les scientifiques pensent que la première invention culturelle a été une sorte
de récipient, destiné à contenir la nourriture recueillie, puis une sorte de
filet de transport. Ce tout premier récipient, une chose contenant autre chose,
aurait été fabriqué par les femmes cueilleuses à l'aide des fibres qu'elles
trouvaient sur place.
De la même manière, l'artiste travaille avec ce qu'elle a sous la main. Pour
réaliser les rhytons, elle utilise comme moules des gants de cuir qu'elle
collectionne depuis plusieurs années. Les objets obtenus par coulage dans ces
moules souples sont recouverts de terra sigillata dans des tons qui reflètent
les couleurs des différentes pièces de la maison et marquent le rituel en cours.
Les Auspices du Lion vous transporteront dans un univers énigmatique. Les
visiteurs vivront une expérience transformatrice au Queens Brussels.
L'artiste sonore Ana Guedes (Portugal, 1981) développe sa pratique artistique à
travers un vocabulaire de construction d'instruments, de performances et
d'installations multidisciplinaires, de pièces sonores et de modes de notation.
L'artiste tisse des liens entre le passé et le présent, se concentre sur les
espaces creux des récits historiques et sur la manière d'encadrer l'absence.
Inception of Threnody est une installation sonore qui explore les propriétés
sonores des surfaces en verre. Un alphabet de sons de verre émerge et une
partition graphique performative active ses possibilités acoustiques dormantes.
Le visiteur est invité à faire l'expérience des espaces non seulement
visuellement, mais également sur le plan sonore.
********** Nederlands **********
Caroline Andrin (Zwitserland, 1972) is een gerenommeerd keramisch kunstenaar. Ze
werkt met gevonden/gemonteerde objecten en materialen, die ze transformeert
naargelang de context en de locatie. Toen ze Queens Brussels bezocht, werd ze
meteen getroffen door het atypische interieur, dat het uitgangspunt werd voor de
huidige tentoonstelling.
Ze werd vooral geïnspireerd door de Egyptische fresco's in het trappenhuis. De
schilderijen komen tot leven als objecten. Een leeuw, een gazelle, een slang en
vogels zijn allemaal voorstellingen die de krachten en machten van het oude
Egypte oproepen.
Er zijn nieuwe werken gemaakt die 'rhytons' worden genoemd. Een rhyton is een
rituele beker die in veel oude culturen in het Midden-Oosten en elders werd
gebruikt. Ze hebben meestal de vorm van een dier, met een opening aan de
onderkant waardoor men kan drinken.
Wetenschappers geloven dat de eerste culturele uitvinding een soort container
was, ontworpen om het verzamelde voedsel in te bewaren, en vervolgens een soort
transportnet. Deze allereerste container, een ding dat iets anders bevatte, zou
zijn gemaakt door vrouwen die voedsel verzamelden met vezels die ze ter plekke
vonden.
Op dezelfde manier werkt de kunstenaar met wat ze bij de hand heeft. Om de
rhytons te maken, gebruikt ze leren handschoenen, die ze al jaren verzamelt, als
mallen. De voorwerpen die worden verkregen door het gieten in deze flexibele
mallen worden bedekt met terra sigillata in tinten die de kleuren van de
verschillende kamers in het huis weerspiegelen en het lopende ritueel markeren.
The Lion's Auspices voert je mee naar een raadselachtig universum. Bezoekers
zullen genieten van een transformerende ervaring in Queens Brussels.
Geluidskunstenaar Ana Guedes (Portugal, 1981) ontwikkelt haar artistieke
praktijk door middel van een vocabulaire van instrumentenbouw,
multidisciplinaire performances en installaties, geluidsstukken en manieren van
scoren.
De kunstenares weeft verbindingen tussen verleden en heden, focust op de holle
ruimtes van historische verhalen en hoe de afwezigheid te omkaderen.
Inception of Threnody is een geluidsinstallatie die de sonische eigenschappen
van glazen oppervlakken onderzoekt. Er ontstaat een alfabet van glasgeluid en
een performatieve grafische partituur activeert de sluimerende akoestische
mogelijkheden.
De bezoeker wordt uitgenodigd om de ruimtes niet alleen visueel maar ook sonisch
te ervaren.