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Aankomende evenementen

Hannibal
11september
-
20mei 2025
Brussel|Tonen, Dans,...
********** English ********** It is in the third century BC that the Carthaginian general Hannibal Barca embarked on a mind-boggling journey: marching with 70,000 soldiers and 40 elephants, he entered Italy via Spain, France and the Alps, in an attempt to shake the Roman empire to its foundations. Hannibal ad portas! This new creation by Michael De Cock and Junior Mthombeni tells the story of the Punic Wars and the birth of Europe from the perspective of the Carthaginian uber-general. It is a performance about great clashes. The Punic Wars as a metaphor for all the conflicts being fought on the edges of the continent today. The figure of Hannibal as a lens through which we can explore the different visions of contemporary Europe. For, absurd as it may seem, the idea that there are once again ‘barbarians’ at the Southern borders of Europe, ready to wipe out its history, seems to be resurfacing. Through the unique synergy of opera and slam, contemporary dance and acting, Hannibal opens a window onto the past, present and future of the West. For the makers, Henry Purcell’s opera Dido and Aeneas – about the betrayal of the Carthaginian queen, the mythical origin for the conflict between Europe and North Africa – is the starting point of a performance in which the fusion of arts and cultures is ultimately not something to be feared, but celebrated.    This production is part of Troika Dance ********** Français ********** IIIe siècle av. J.-C. À la tête d’une armée composée de 70 000 soldats et de 40 éléphants, le général carthaginois Hannibal Barca entreprend un périple vertigineux qui doit le mener en Italie, via l’Espagne, la France et les Alpes. Son but ? Ébranler l’Empire romain jusque dans ses fondations. Hannibal ad portas!  Dans leur nouvelle création, Michael De Cock et Junior Mthombeni racontent cette histoire à travers les yeux du généralissime carthaginois. Un spectacle sur les affrontements majeurs, où les guerres puniques tiennent lieu de métaphore des conflits qui font actuellement rage aux frontières du Vieux Continent, et la figure d’Hannibal, de prisme donnant à voir les différentes visions de l’Europe contemporaine. Car, malgré son absurdité, l’idée selon laquelle des « barbares » seraient à nouveau à nos portes, prêts à éradiquer notre histoire, semble refaire surface. Par le biais d’une synergie unique entre opéra et slam, danse contemporaine et théâtre, Hannibal ouvre une fenêtre sur le passé, le présent et l’avenir de l’Occident. Pour les créateurs, l’opéra Dido and Aeneas de Henry Purcell – relatant la trahison de la reine de Carthage, origine mythologique du conflit entre l’Europe et l’Afrique du Nord – sert de point de départ à un spectacle célébrant la fusion des arts et des cultures plutôt que l’appréhendant.  CETTE PRODUCTION FAIT PARTIE DE TROIKA DANCE ********** Nederlands ********** In de derde eeuw v.C. ving de Carthaagse legeraanvoerder Hannibal Barkas zijn duizelingwekkende tocht aan: met 70 000 soldaten en 40 olifanten trok hij via Spanje, Frankrijk en de Alpen Italië binnen, in een queeste het Romeinse rijk op zijn grondvesten te doen daveren. Hannibal ad portas!   Deze nieuwe creatie van Michael De Cock en Junior Mthombeni brengt het verhaal van de Punische oorlogen en het ontstaan van Europa vanuit het perspectief van de Carthaagse supergeneraal. Het is een voorstelling over grote confrontaties. De Punische oorlogen als metafoor voor alle conflicten die vandaag worden uitgevochten aan de randen van het continent. De figuur van Hannibal als een lens waardoor we de verschillende visies op het hedendaagse Europa kunnen verkennen. Want het idee dat er opnieuw ‘barbaren’ aan de Europese zuidgrenzen staan, klaar om de geschiedenis van het continent uit te wissen, lijkt, hoe absurd ook, te herleven. Via de unieke synergie tussen opera en slam, hedendaagse dans en acteerwerk, opent Hannibal daarom een raam op het verleden, het heden en de toekomst van het Avondland. Henry Purcells opera Dido and Aeneas – over het verraad aan de Carthaagse koningin, de mythische oorsprong voor het conflict tussen Europa en Noord-Afrika – is voor de makers het vertrekpunt van een voorstelling waarin de versmelting van kunsten en culturen uiteindelijk niet wordt gevreesd, maar gevierd.  Deze voorstelling maakt deel uit van Troika Dance
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HAMEL
06november
-
07november
Brussel|Tonen
********** English ********** The hall lights are still on when the sound of trickling, rippling water slowly fills the room. What follows is a musically intense and visually poetic performance that moves among and around the audience.  In HAMEL, YouYou Group starts in the 13th century fairy tale about Pied Piper of Hamelin. The Pied Piper exterminated the rats in the troubled town of Hamelin with the power of music, but then used the same trick to kidnap the children when his fee was not paid.  This vocal performance turns the river where the rats drowned into the protagonist which flows through the solid theatre architecture in the performers' voices. YouYouGroup delves into enchanting musical practices as instruments and connects them with a powerful and pared-down stage design.  • YouYou Group started as a collective effort to understand how a specific use of voice can instantly create a sense of belonging and community. Through various techniques related to the youyou or trill cry, the group brings deeply vibrant vocal performances that thrill spaces and audiences. The group now brings its engaging approach with a ritualistic slant to the theatre.  Each YouYou Group creation builds on the practices the group has developed and nurtured since its start in 2014, thanks to all its members. ********** Français ********** Les lumières de la salle sont encore allumées lorsque le son de l'eau qui coule et ondule remplit petit à petit la salle. Il s'ensuit une performance musicalement intense et visuellement poétique qui se déplace parmi et autour du public.  Pour HAMEL, le YouYou Group part du conte de fées du 13e siècle du Joueur de flûte de Hamelin. Celui-ci a exterminé les rats de la ville d'Hamelin grâce au pouvoir de sa musique, mais il a utilisé la même ruse pour enlever les enfants lorsqu'il n'a pas été payé.  La rivière dans laquelle les rats se sont noyés devient le protagoniste de cette performance vocale, s'écoulant à travers l'architecture en dur du théâtre par l'intermédiaire des voix des interprètes. Le YouYouGroup se penche sur des pratiques musicales immersives qui provoquent des changements dans l’espace et chez celleux qui l’écoutent et les associe à une scénographie puissante et épurée.  • YouYou Group est né d'une tentative collective de comprendre comment une utilisation spécifique de la voix peut instantanément créer un sentiment de connexion et de communauté. Grâce à diverses techniques liées au youyou ou au son de trille, le groupe propose des performances vocales profondément vibrantes qui font frémir les espaces et les publics. Le groupe amène à présent au théâtre son approche irrésistible dotée d’une propension rituelle.  Chaque création du groupe YouYou s'appuie sur les pratiques que le groupe a développées et nourries depuis sa formation en 2014, grâce à tous·tes ses membres. ********** Nederlands ********** De zaallichten zijn nog aan wanneer het geluid van druppelend, kabbelend water de zaal beetje bij beetje vult. Wat volgt is een muzikaal intense en visueel poëtische performance die zich tussen en rond het publiek beweegt.  Voor HAMEL vertrekt YouYou Group van het 13e eeuwse sprookje over de rattenvanger van Hamelen. De rattenvanger roeide de ratten in de geplaagde stad Hamelen uit met de kracht van muziek, maar gebruikte dezelfde truc om de kinderen te ontvoeren toen zijn honorarium niet betaald werd.  De rivier waarin de ratten verdronken, wordt de hoofdpersoon in deze vocale performance en stroomt via de stemmen van de performers door de solide theaterarchitectuur. YouYou Group verdiept zich in meeslepende muzikale praktijken die verandering in ruimtes en mensen teweegbrengen en verbindt ze met een krachtige en uitgepuurde scenografie.  • YouYou Group startte als collectieve poging om te begrijpen hoe een specifiek gebruik van de stem meteen een gevoel van verbondenheid en gemeenschap kan creëren. Via diverse technieken die verband houden met de ‘youyou’ of trilkreet brengt de groep diep vibrerende vocale optredens die ruimtes en publiek doen zinderen. De groep brengt nu haar innemende aanpak met een rituele inslag naar het theater. Elke creatie van de YouYou Group bouwt voort op de praktijken die de groep sinds haar oprichting in 2014 heeft ontwikkeld en gekoesterd, bij de gratie van al haar leden.
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Soliloquio
20november
-
21november
Brussel|Tonen
********** English ********** “My name is Tiziano Cruz, I am from a town called San Francisco that belongs to the Valle Grande department of the province of Jujuy, in the North of Argentina. I was born and grew up on the border between Chile and Bolivia; nine indigenous communities have passed through the lands where I spent my childhood: the Atacama, the Kollas, the Guarani, the Tobas, the Ocloyas, the Omaguacas, the Tilianes and the Toaras. From this place, I think this piece which I have called Soliloquio (I woke up and hit my head against the wall).”Soliloquio is a tribute to erased indigenous cultures, performed together by Tiziano Cruz and the Andean communities of Brussels, shouted under the open sky, on the streets that lead to the theatre, to then push its doors wide open. By forging links and building bridges with local groups, the artist attempts, through dance, to reconnect with a culture that has been brutally fractured by colonialism, to reactivate a lost collective memory.Drawing on childhood memories and on 58 letters Cruz wrote to his mother during the pandemic, Soliloquio deploys dense poetics and poignant imagery, exposing how the lower classes have been increasingly marginalized while indigenous bodies in a white­-dominated capitalist system have been made invisible. Tiziano Cruz enters the previously unreachable field of contemporary theatre with a manifesto for the recognition of differences, a scathing critique of those in power who perpetuate discrimination, exclusion and injustice, including the art world. As generous as it is urgent, Soliloquio is an invitation to build the future instead of simply waiting for it. • Tiziano Cruz (Jujuy, Argentina) is an interdisciplinary artist whose work brings together visual and theatrical language, performance and artistic intervention in public space. Tiziano has been a grantee of the Fondo Nacional de las Artes and the Instituto Nacional del Teatro ARG. He was the winner of the Bienal de Arte Joven 2019 and winner of the ANTI award, Finland, 2023. He founded Cultural Management Platform ULMUS, dedicated to the mediation between different cultural organizations in Argentina and neighbouring countries. His works have toured Chile, Brazil, Mexico, Canada, Portugal, Spain, Switzerland, Germany, Finland and the USA. ********** Français ********** « Je m'appelle Tiziano Cruz, je suis originaire d'une ville appelée San Francisco qui est située dans le département de Valle Grande de la province de Jujuy, au nord de l'Argentine. Je suis né et ai grandi à la frontière du Chili et de la Bolivie ; neuf communautés indigènes ont traversé les terres où j'ai passé mon enfance : les Atacama, les Kollas, les Guarani, les Tobas, les Ocloyas, les Omaguacas, les Tilianes et les Toaras. C'est à partir de ce lieu que j'ai pensé à cette pièce que j'ai appelée Soliloquio (I woke up and hit my head against the wall) ». Soliloquio est un hommage aux cultures indigènes effacées, joué ensemble par Tiziano Cruz et les communautés andines de Bruxelles, crié à ciel ouvert, dans les rues qui mènent au théâtre, pour ensuite en pousser les portes. En tissant des liens et en construisant des ponts avec des groupes locaux, l'artiste tente, par le biais de la danse, de renouer avec une culture brutalement fracturée par le colonialisme, de réactiver une mémoire collective perdue.S'appuyant sur des souvenirs d'enfance et sur 58 lettres qu'il a écrites à sa mère pendant la pandémie, Soliloquio déploie une poétique dense et une imagerie poignante, en exposant la manière dont les classes inférieures ont été de plus en plus marginalisées tandis que les corps indigènes ont été rendus invisible au sein d'un système capitaliste dominé par les Blanc·hes. Tiziano Cruz pénètre dans le champ jusque-là inaccessible du théâtre contemporain avec un manifeste pour la reconnaissance des différences, une critique cinglante des détenteur·ices du pouvoir qui perpétuent la discrimination, l'exclusion et l'injustice, y compris dans le monde de l'art. Aussi généreux qu'urgent, Soliloquio est une invitation à construire l'avenir plutôt que l'attendre. • Tiziano Cruz (Jujuy- Argentine) est un artiste interdisciplinaire dont le travail associe fondamentalement le langage visuel et théâtral, la performance et l'intervention artistique dans l'espace public. Tiziano a été boursier du Fondo Nacional de las Artes et de l'Instituto Nacional del Teatro ARG. Il fut lauréat de la Bienal de Arte Joven 2019 et lauréat du prix ANTI, Finlande, 2023. Il est le fondateur de la plateforme de gestion culturelle ULMUS, dédiée à la médiation entre différentes organisations culturelles en Argentine et dans les pays voisins. Ses œuvres ont fait le tour du Chili, du Brésil, du Mexique, du Canada, du Portugal, de l'Espagne, de la Suisse, de l'Allemagne, de la Finlande et des États-Unis. ********** Nederlands ********** “Mijn naam is Tiziano Cruz, ik kom uit een plaats die San Francisco heet en deel uitmaakt van het departement Valle Grande in de provincie Jujuy, in het noorden van Argentinië. Ik ben geboren en opgegroeid op de grens tussen Chili en Bolivia. Negen inheemse gemeenschappen hebben het land doorkruist waar ik mijn jeugd heb doorgebracht: de Atacama, de Kollas, de Guarani, de Tobas, de Ocloyas, de Omaguacas, de Tilianes en de Toaras. Vanuit deze plek bedenk ik dit stuk dat ik Soliloquio (I woke up and hit my head against the wall) heb genoemd.”  Soliloquio is een eerbetoon aan uitgewiste inheemse culturen, uitgevoerd door Tiziano Cruz en de Andesgemeenschappen van Brussel. Het stuk schreeuwt onder de open hemel, in de straten die naar het theater leiden, om vervolgens die theaterdeuren wijd open te duwen. De kunstenaar smeedt banden en bouwt bruggen met lokale groepen, en tracht zo opnieuw contact te leggen met een cultuur wreed verscheurd door kolonialisme. Zo reactiveert hij een verloren gegaan collectief geheugen.  Tijdens de pandemie schreef Cruz achtenvijftig brieven aan zijn moeder. Vertrekkend vanuit die brieven én jeugdherinneringen, is Soliloquio doordrenkt van een rijke poëtica en aangrijpende beelden. Die leggen bloot hoe de lagere klassen steeds verder de marge in belanden, terwijl een wit, dominant kapitalisme de inheemse lichamen onzichtbaar maakt. Tiziano Cruz betreedt het voordien onbereikbaar terrein van hedendaags theater met een manifest dat verschillen wil erkennen. Zo formuleert hij een vernietigende kritiek op machtshebbers die discriminatie, uitsluiting en onrecht in stand houden – inclusief de kunstwereld. Soliloquio is even genereus als urgent en nodigt ons allen uit om aan de toekomst te bouwen in plaats van erop te wachten. • Tiziano Cruz (Jujuy, Argentinië) is een interdisciplinair kunstenaar wiens werk visuele en theatrale taal, performance en artistieke interventie in de openbare ruimte samenbrengt. Tiziano heeft een beurs ontvangen van het Fondo Nacional de las Artes en het Instituto Nacional del Teatro ARG. Hij was de winnaar van de Bienal de Arte Joven 2019 en winnaar van de ANTI award, Finland, 2023. Hij richtte Cultureel Beheersplatform ULMUS op, gewijd aan de bemiddeling tussen verschillende culturele organisaties in Argentinië en aangrenzende landen. Zijn werk is opgevoerd in Chili, Brazilië, Mexico, Canada, Portugal, Spanje, Zwitserland, Duitsland, Finland en de VS.
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Dido and Aeneas
04januari 2025
-
05januari 2025
Brussel|Tonen, Dans,...
********** English ********** Haunted by the image of Troy drowning in blood and flames, Aeneas travels the seas. He lands in Carthage, home to the beautiful Dido. At first cold and fearful, the princess soon develops an all-consuming passion for the Trojan and accepts his proposal of marriage. But a message urges Aeneas to continue his journey without delay. In despair, he breaks off their engagement and returns to port to prepare his ship. At the last moment, Aeneas turns around and declares his love for Dido once again, but Dido rejects him before slowly dying of a broken heart.  Based on Henry Purcell’s essential baroque opera, choreographer Blanca Li revisits the myth of Dido and Aeneas for ten dancers in this decisively contemporary production. Drawing on her experience in film, fashion and music – including prestigious collaborations with the likes of Pedro Almodóvar, Daft Punk and Beyoncé – she ingeniously blends song and dance in a refined scenography full of striking images.  This production is part of Troika Dance ********** Français ********** Hanté par l’image de Troie noyée dans le sang et les flammes, Énée parcourt les mers. Il accoste à Carthage où vit la magnifique Didon. D’abord froide et craintive, la princesse se consume ensuite d’une passion dévorante pour le Troyen et accepte sa demande en mariage. Mais un message enjoint à Énée de poursuivre sa route sans délai. Désespéré, il rompt leurs fiançailles et retourne au port pour préparer son navire. Au dernier moment, Énée fait volte-face, déclare à nouveau son amour pour Didon qui le rejette avant de mourir, lentement, le cœur brisé.   Sur base de l’incontournable opéra baroque de Henry Purcell, la chorégraphe Blanca Li revisite le mythe de Didon et Énée pour dix danseurs et danseuses dans ce spectacle résolument contemporain. Forte de son expérience au cinéma, dans la mode et la musique — à travers des collaborations prestigieuses avec, entre autres, Pedro Almodóvar, Daft Punk et Beyoncé —, elle mêle avec ingéniosité le chant et la danse dans une scénographie épurée pleine d’images marquantes.  CETTE PRODUCTION FAIT PARTIE DE TROIKA DANCE ********** Nederlands ********** Achtervolgd door het beeld van zijn vaderstad Troje, die ten onder ging in een poel van bloed en vuur, reist Aeneas over de zeeën. Hij landt in Carthago, waar de betoverende Dido woont. De prinses reageert aanvankelijk kil en bevreesd, maar valt vervolgens ten prooi aan een allesverslindende passie voor de Trojaan en accepteert zijn huwelijksaanzoek. Aeneas krijgt echter de opdracht om onverwijld zijn tocht voort te zetten. Wanhopig verbreekt hij hun verloving en keert terug naar de haven om zijn schip klaar te maken voor de afvaart. Op het laatste moment bedenkt Aeneas zich: hij verklaart Dido opnieuw zijn liefde, maar zij wijst hem af alvorens langzaam te sterven, met een gebroken hart.  Op basis van Henry Purcells gelijknamige barokopera bewerkt choreografe Blanca Li de mythe van Dido en Aeneas voor tien dansers en danseressen in een resoluut hedendaagse productie. Ze put uit haar ervaringen in de film-, mode- en muziekwereld – onder meer dankzij prestigieuze samenwerkingen met artiesten als Pedro Almodóvar, Daft Punk en Beyoncé – en combineert zang en dans op ingenieuze wijze in een strakke scenografie vol poëtische beelden.  Deze voorstelling maakt deel uit van Troika Dance
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Amours Aveugles
23januari 2025
-
24januari 2025
Brussel|Tonen, Dans,...
********** English ********** Impossible love, a theme as old as humankind, portrayed and sung by the very greatest. For their latest dance creation, Rosalba Torres Guerrero and Koen Augustijnen take their inspiration from Claudio Monteverdi’s opera L’Orfeo and his dramatic madrigal Il Combattimento di Tancredi e Clorinda. Two stories about iconic couples whose doomed love affair also captivated many other baroque composers. Amours Aveugles, performed musically by two accordionists alongside soprano Liesbeth Devos and tenor Ed Lyon, does not shy away from the great emotions these works evoke. Nor from the big questions: How can we become so blinded by love that we commit the irrevocable? Why do we sometimes inflict the most pain on those we love the most? And what meaning can myths still have today in our uber-digitized and highly individualized world?  This production is part of Troika Dance ********** Français ********** L’amour impossible : ce thème vieux comme le monde a été mis en mots et en musique par les plus grands. Pour leur nouvelle création chorégraphique, Rosalba Torres Guerrero et Koen Augustijnen s’inspirent de l’opéra L’Orfeo et du madrigal dramatique Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, deux œuvres de Claudio Monteverdi consacrées à deux couples maudits emblématiques dont se sont également emparés bien d’autres compositeurs baroques. Servi par deux accordéonistes, la soprano Liesbeth Devos et le ténor Ed Lyon, Amours Aveugles n’élude ni les grandes émotions que convoquent ces œuvres, ni les grandes questions : comment pouvons-nous nous laisser aveugler au point de commettre des actes irrévocables ? Pourquoi nous arrive-t-il de blesser celles et ceux à qui nous tenons le plus ? Quel sens, enfin, les mythes ont-ils encore dans la société actuelle, surnumérisée et hyperindividuelle ?  CETTE PRODUCTION FAIT PARTIE DE TROIKA DANCE ********** Nederlands ********** Onmogelijke liefde: een thema zo oud als de mensheid, beschreven en bezongen door de allergrootsten. Voor hun nieuwe danscreatie halen Rosalba Torres Guerrero en Koen Augustijnen hun inspiratie bij Claudio Monteverdi’s opera L’Orfeo en het dramatische madrigaal Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, twee verhalen over emblematische, gedoemde liefdesparen die ook heel wat andere barokcomponisten in de ban hebben gehouden. Amours Aveugles, muzikaal gedragen door twee accordeonisten, sopraan Liesbeth Devos en tenor Ed Lyon, gaat de grote emoties die deze werken oproepen niet uit de weg. De grote vragen evenmin: hoe kunnen we zo verblind raken dat we overgaan tot onherroepelijke daden? Waarom doen we soms diegene die we het liefst zien, het meest pijn? En wat kunnen mythes nog betekenen in de overgedigitaliseerde en hyperindividuele wereld van vandaag?   Deze voorstelling maakt deel uit van Troika Dance
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Umuko
14maart 2025
-
15maart 2025
Brussel|Tonen, Dans
********** English ********** “It's been 28 years since I moved away from my native land. 28 years that I live in new lands. 28 years that I root myself elsewhere. First, London, then Paris and today Marseille. 28 years that I haven't forgotten ‘umuko’, that tree that illuminates my childhood. That tree that resonates only in the native language. That bright red tree, earth red, which links me to what begins, to what is lost and found again, when I return, to what continues...”Dorothée Munyaneza left but always returned, tirelessly, to her motherland. She returned to listen to those who make the Rwanda of tomorrow, but who nevertheless do not forget, the ‘brand new ancients’ to borrow the words of Kae Tempest.Munyaneza, together with five young artists, invoke ‘umuko’, a bright red tree deeply rooted in her childhood memories of Rwanda. At the foot of ‘umuko’ - healer tree, ancestor tree, guardian of stories - they celebrate the creativity, boldness and freedom of a new generation. The interplay of bodies, poetry, song and traditional Inanga music links the world of yesterday with that of tomorrow. She brings together the stories of these vulnerable, strong, rebellious and flamboyant young people, who shine with the same radiance as the vermilion flowers of umuko. • Choreographer, artistic director, author and musician Dorothée Munyaneza (°Kigali, 1982) is developing a fiery body of work. By taking hold of memory and the body, she starts from reality and carries the voices of those who are silenced, to make the silences heard and to see the scars of History. Munyaneza recently performed at the Kaaitheater with Mailles, and Toi, Moi, Tituba. ********** Nederlands ********** "Het is 28 jaar geleden dat ik verhuisde uit mijn geboorteland. 28 jaar dat ik in een nieuw land woon. 28 jaar dat ik mezelf elders wortel. Eerst Londen, daarna Parijs en nu Marseille. 28 jaar dat ik umuko niet vergeten ben, die boom die mijn kindertijd verlicht. Die boom die alleen weerklinkt in de moedertaal. Die felrode boom, aarderood, die me verbindt met wat begint, met wat verloren gaat en weer gevonden wordt, als ik terugkeer, met wat doorgaat..."Dorothée Munyaneza verliet, maar keerde steeds onvermoeibaar terug naar haar moederland. Daar luisterde ze naar hen die het Rwanda van morgen maken, maar die desondanks de ‘gloednieuwe ouden’ - om de woorden van Kae Tempest te lenen – niet vergeten.Munyaneza roept samen met vijf jonge kunstenaars umuko in herinnering, een felrode boom die diepgeworteld is in haar jeugdherinneringen aan Rwanda. Aan de voet van umuko - boom van genezers en voorouders, en bewaker van verhalen - vieren ze de creativiteit, durf en vrijheid van een nieuwe generatie. Het samenspel van lichamen, poëzie, zang en traditionele Inangamuziek verbindt de wereld van gisteren met die van morgen. Ze brengt de verhalen samen van deze kwetsbare, sterke, rebelse en flamboyante jonge mensen, die stralen met dezelfde glans als de vermiljoenkleurige bloemen van umuko. • Choreografe, artistiek leider, auteur en muzikante Dorothée Munyaneza (°Kigali, 1982) ontwikkelt een vurig oeuvre. In haar grip op geheugen en lichaam, vertrekt ze vanuit de realiteit en draagt de stemmen van hen die tot zwijgen zijn gebracht met zich mee. Zo laat ze stiltes horen en onthult ze de littekens van de geschiedenis. Recent stond Munyaneza in Kaaitheater met Mailles, en Toi, Moi, Tituba.
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Evenementen in het verleden

The School of Conviviality: Dumpling Tales - Mirra Markhaëva & ruangrupa/GudSkul & Globe Aroma｜Kunstenfestivaldesarts
28mei
-
29mei
Brussel|Verschillende
********** English ********** Sometimes a unique atmosphere is found around the kitchen table; we are with others in ways that would not be possible elsewhere. Indonesian collective ruangrupa/GudSkul unfolds the beauty of informal conditions and how knowledge circulates through them. How can being around the kitchen table create the optimal conditions to let things happen? To explore this question, the collective collaborates with Mirra Markhaëva, an artist who is active in the artistic workspace of Globe Aroma and developed Dumpling Tales, a series of performative dinners. Guests learn about three types of dumplings originating in various places and cultures. Why dumplings? Due to their form, they are often a metaphor for hospitality; making dumplings requires patience, physical effort and the desire to share time with people. The School of Conviviality: Dumpling Tales is open for two days, and it's possible to register for one evening or both. A group of people learns about, makes and eats dumplings together. It's the starting point to meet other people and celebrate the art of telling stories that can be personal, collective, traditional, invented or true. Welcome to this school where collective cooking, music, conversations, karaoke and sharing stories might come together. ********** Français ********** Une atmosphère unique règne parfois autour de la table de la cuisine ; la manière dont nous sommes présent·es avec les autres ne se retrouve nulle part ailleurs. Le collectif indonésien ruangrupa/GudSkul met en lumière la beauté de ces situations informelles et comment le savoir peut y circuler. Comment le fait d’être autour de la table de la cuisine peut-il générer les conditions optimales pour que des choses s’y passent ? Pour répondre à cette question, le collectif collabore avec l’initiative bruxelloise Dumpling Tales, une série de dîners performatifs créés par l’artiste Mirra Markhaeva à l'espace de création Globe Aroma, lors de laquelle les convives découvrent trois types de dumplings issus de géographies et cultures diverses. Pourquoi des dumplings ? Leur forme est une métaphore de l’hospitalité et leur confection requiert de la patience, une certaine implication physique et un désir de partager du temps ensemble. The School of Conviviality: Dumpling Tales est ouverte pendant deux jours, avec possibilité d’inscription pour une ou deux soirées. Un groupe fabrique et mange des dumplings comme point de départ à la rencontre et à la célébration de l’art de raconter des récits personnels, collectifs, traditionnels, fictifs ou réels. Une école où se mêlent cuisine collective, musique – voire peut-être même karaoké –, conversations et partage d’histoires. ********** Nederlands ********** Er hangt soms een unieke sfeer rond de keukentafel; een manier van samenzijn die we nergens anders vinden. Het Indonesische collectief ruangrupa/GudSkul brengt de schoonheid van informele settings aan het licht en hoe kennis er circuleert. Kan samen tijd doorbrengen rond de keukentafel optimale voorwaarden creëren om dingen te laten gebeuren? Om deze vraag te onderzoeken, gaat het collectief in zee met kunstenares Mirra Markhaëva die vanuit de artistieke werkplek Globe Aroma Dumpling Tales, een reeks van performatieve diners, ontwikkelde. Deelnemers worden uitgenodigd om drie soorten dumplings te maken én te proeven, afkomstig uit verschillende streken en culturen. Omwille van hun vorm staan dumplings vaak symbool voor gastvrijheid; dumplings maken vergt geduld, een fysieke inspanning en een verlangen om tijd door te brengen met anderen. The School of Conviviality: Dumpling Tales loopt gedurende twee dagen, inschrijven kan voor één of beide avonden. We bereiden en eten samen dumplings, wat een aanleiding vormt voor ontmoeting en het vertellen van – persoonlijke, overgeleverde, verzonnen of waargebeurde – verhalen. Een school waar collectief koken, muziek, gesprekken, karaoke en storytelling kunnen samenkomen.
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The Circle & The Public Storyteller - Bouchra Khalili｜Kunstenfestivaldesarts
27mei
-
01juni
Brussel|Tonen
********** English ********** In 1974, admist a hunger strike by undocumented workers in Paris, the Movement of Arab Workers created a singular political action: presenting a candidate for the imminent presidential elections. They chose a member of their Al Assifa theatre group, an 18-year-old Tunisian hunger striker using the pseudonym Djellali Kamal. The campaign was conceived as a public performance highlighting the denial of civil rights to migrants and projecting self-agency. Artist Bouchra Khalili now creates a video installation, consisting of two video works that form a unique dialogue reconnecting distant geographies and times. With The Circle, she reconstructed the incredible adventure of this powerful action from fifty years ago. With The Public Storyteller, a new commission by the festival, she films a halqa, a centuries-old practice of public storytelling in Morocco, to people arranged in a circle. In this halqa, Djellali’s campaign is narrated by a storyteller in Marrakesh, implicitly forming a new circle linking the diaspora and North Africa. What does this gap between 1974 and 2024 tell us, a few days before a new election? How can invisibilised identities become visible? Khalili emphasises the importance of remembering past political strategies as a practice of intergenerational transmission for the present and future. ********** Français ********** En 1974, en pleine grève de la faim de travailleur·euses sans papiers à Paris, le Mouvement des travailleurs arabes (MTA) lançait une action politique des plus singulières : la présentation d’un candidat pour les élections présidentielles en la personne de Djellali Kamal, un jeune gréviste de la faim tunisien de 18 ans, choisi au sein de leur troupe de théâtre Al Assifa. Cette campagne électorale, conçue comme une performance, soulignait le déni des droits des travailleur·euses immigré·es et défendait l’autogestion. À travers deux œuvres vidéographiques, l’artiste Bouchra Khalili construit un dialogue unique entre cette campagne et des lieux et des moments éloignés. Dans The Circle, elle retrace l’incroyable aventure de l’action du MTA, vieille de 50 ans. Dans The Public Storyteller, créé pour le festival, elle filme une halqa, une pratique ancestrale de récit public au Maroc, dans laquelle un narrateur raconte la campagne de Djellali. Mises ensemble, ces œuvres forment un nouveau cercle implicite qui relie la diaspora et l’Afrique du Nord. Que nous raconte cet hiatus entre 1974 et 2024, quelques jours avant les élections ? Comment rendre visible des identités invisibilisées ? Khalili souligne l’importance de se souvenir des stratégies politiques passées comme un moyen de transmission intergénérationnel, pour le présent et pour l’avenir. ********** Nederlands ********** In 1974 organiseerde de Mouvement des travailleurs arabes (MTA) een unieke politieke actie tijdens een hongerstaking van arbeiders zonder papieren in Parijs. Ze kwamen met een eigen kandidaat voor de nakende presidentsverkiezingen: een 18-jarig Tunesisch lid van hun theatergroep Al Assifa, onder het pseudoniem Djellali Kamal. De campagne werd opgevat als een publieke performance om burgerrechten voor migranten en recht op zelfbeschikking te eisen. Artieste Bouchra Khalili creëert nu een video-installatie, bestaande uit twee videowerken die een unieke dialoog vormen tussen verafgelegen gebieden en tijden. In The Circle reconstrueerde ze de krachtige actie van de MTA. Met The Public Storyteller, een opdracht van het festival, filmt ze een halqa, een eeuwenoude Marokkaanse praktijk van openbaar verhalen vertellen aan toehoorders in een cirkel. In deze halqa wordt Djellali's campagne beschreven door een verteller in Marrakesh, waarmee impliciet een nieuwe cirkel wordt gevormd die de diaspora en Noord-Afrika met elkaar verbindt. Wat vertelt deze actie ons vijftig jaar later, aan de vooravond van nieuwe verkiezingen? Hoe kunnen we onzichtbare identiteiten zichtbaar maken? Khalili brengt politieke strategieën uit het verleden in herinnering en benadrukt het belang van intergenerationele overdracht voor heden en toekomst.
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The Window of Spaceship ‘In-Between’ - Toshiki Okada / chelfitsch｜Kunstenfestivaldesarts
18mei
-
20mei
Brussel|Theater
********** English ********** The spaceship ‘In-Between’ travels through the universe with a crew of four humans and an android tasked with exporting the Japanese language to other galaxies. Toshiki Okada creates this theatrical gem, in which a science fiction reality meets the everyday poetry of group dynamics in a confined space. For this project, he decided to work with four actors who are not native Japanese speakers. By making them custodians of Japanese culture, Okada reminds us that language simply belongs to those who speak it while using the spaceship as a metaphor to critically reflect on Japan’s colonial past in Southeast Asia, its linguistic expansion and the politics of language. Before our eyes, the four humans interact with the android and an alien that appears on board while the spaceship passes through a space time tunnel. Together, they open a delicate dialogue on origins and nostalgia for the earth. From the window, we observe them, or perhaps they observe us, those who remain on earth. Suddenly, ‘In-Between’ isn’t just the name of a spaceship or a tunnel between two areas of the galaxy, but a hymn to the identities that exist beyond a defined one, in between. Toshiki Okada returns to the festival with a performance of rarefied beauty, suspended in the absence of gravity. ********** Français ********** Le vaisseau spatial « In-Between » (« Entre-Deux ») traverse l’univers avec un équipage, composé de quatre humains et un androïde, chargé d’exporter la langue japonaise vers d’autres galaxies. Toshiki Okada crée un petit bijou théâtral dans lequel la science-fiction côtoie la poésie ordinaire d’un groupe confiné dans un espace. Les quatre acteur·ices choisi·es par Okada partagent un point commun : le japonais n’est pas leur langue maternelle. En les désignant comme gardien·nes de la culture japonaise, Okada nous rappelle que le langage appartient avant tout à celles et ceux qui le parlent. On pourrait voir en ce vaisseau spatial une métaphore critique du passé colonial japonais en Asie du Sud-Est, de l’expansion du japonais ou encore des politiques linguistiques. Les êtres humains interagissent sous nos yeux avec l’androïde et un extraterrestre apparu à bord lors d’un passage dans un tunnel spatio-temporel. Iels mènent ensemble un dialogue délicat sur les origines et la nostalgie de la Terre. Par une fenêtre, nous les observons, ou peut-être est-ce elleux qui nous observent – nous, resté·es sur Terre. Au-delà du nom d’un vaisseau, « In-Between » devient un hymne aux entre-deux et aux identités qui dépassent les identités définies. Toshiki Okada revient au festival avec une performance d’une rare beauté, suspendue en apesanteur. ********** Nederlands ********** Ruimteschip ‘In-Between’ reist door het universum met vier mensen en een androïde aan boord. Hun missie: de Japanse taal exporteren naar andere sterrenstelsels. Toshiki Okada vermengt in zijn nieuwste theaterparel een sciencefiction-werkelijkheid met de alledaagse poëzie van groepsdynamieken in een besloten ruimte. Hij ging hiervoor in zee met vier acteurs die het Japans niet als moedertaal hebben. Door hen tot bewakers van de Japanse cultuur te maken, herinnert Okada ons eraan dat taal simpelweg toebehoort aan wie ze spreekt. Het ruimteschip lijkt een metafoor die aanzet tot kritisch denken over Japans koloniaal verleden in Zuidoost-Azië, de expansie van het Japans en over taalpolitiek in het algemeen. Terwijl het ruimteschip door een ruimtetijd-tunnel suist, communiceren de bemanningsleden met de androïde en een buitenaards wezen dat aan boord verschijnt. Samen voeren ze een spitsvondig gesprek over afkomst en heimwee naar de aarde. Door het raam observeren wij hen – of misschien observeren zij ons. Plots is ‘In-Between’ niet enkel de naam van een ruimteschip maar wordt het een lofzang op alle identiteiten die zich ‘tussenin’ de geijkte hokjes bevinden. Okada keert terug naar het festival met deze magisch-realistische voorstelling van een zeldzame schoonheid.
KVS Bol
Mamela Nyamza - Hatched ensemble - Kunstenfestivaldesarts
11mei
-
13mei
Brussel|Tonen, Dans
********** English ********** Ten dancers timidly balance en pointe with their backs to the audience while Camille Saint-Saëns’ The Swan plays. So opens HATCHED ENSEMBLE. While hiding their faces, they display small, handcrafted ironwork sculptures. The captivating choreography is the brainchild of South African artist Mamela Nyamza, who unapologetically demystifies and deconstructs the history of dance while trampling the norms and standards of the classics. Using simple household materials – clothes pegs, a clothes line, plastic ponchos and red aprons – the dancers evoke images of domestic labour that evolve in precise and touching fashion. Referencing Western classical music, dance and South African vocal scores, they juxtapose the movement vocabularies of diverse cultures. The dancers convey deeply personal stories that challenge race and gender norms, their movements peppered with moments of miniaturised ballet performed with frantic, joyful release. Minor gestures and major sensitivity combine to open up an entire universe unknown to dance history, overflowing with urgency and subtle virtuosity. ********** Français ********** Dix danseur·euses se tiennent en équilibre sur les pointes, dos au public, alors que Le Cygne de Camille Saint-Saëns résonne. Ainsi s’ouvre HATCHED ENSEMBLE. Tout en cachant leurs visages, les danseur·euses dévoilent de petites sculptures en fer fabriquées à la main. Cette chorégraphie captivante est une création de l’artiste sud-africaine Mamela Nyamza qui démystifie et déconstruit résolument l’histoire de la danse en bousculant les normes et les standards classiques. Avec de simples articles ménagers – pinces et cordes à linge, ponchos en plastique et tabliers rouges – et d’une manière à la fois précise et touchante, les danseur·seuses construisent des images évoquant des tâches domestiques. Iels juxtaposent des vocabulaires gestuels issus de cultures diverses, des références à la musique classique occidentale et des compositions vocales et de danses sud-africaines, tout en nous partageant des récits intimes qui défient les normes de race et de genre. Une chorégraphie exceptionnelle, présentée pour la première fois en Europe, émaillée de références subtiles au ballet et exécutée avec une liberté frénétique et une joie délivrante. Gestes mineurs et sensibilité majeure s’imbriquent et débordent d’un sentiment d’urgence et de virtuosité pour faire éclore un univers jusqu’alors inconnu de l’histoire de la danse. ********** Nederlands ********** Camille Saint-Saëns’ De Zwaan weerklinkt, tien dansers balanceren verlegen op hun pointes met de rug naar het publiek. Dit is de openingsscène van HATCHED ENSEMBLE. Terwijl ze hun gezichten verbergen, tonen ze kleine handgemaakte beeldjes van ijzerdraad. De betoverende choreografie is een creatie van de Zuid-Afrikaanse choreografe Mamela Nyamza. Ze is gekend om de manier waarop ze de dansgeschiedenis genadeloos ontleedt en demystificeert, en daarbij de klassieke normen en standaarden bevraagt. Met precieze en aandoenlijke gebaren, en eenvoudige materialen – wasknijpers, een waslijn, plastic poncho’s en rode schorten – roepen de dansers beelden van huishoudelijke arbeid op. Ze plaatsen de bewegingstaal van verschillende culturen, Zuid-Afrikaanse zangpartijen, en westerse klassieke muziek en dans naast elkaar. De performers delen persoonlijke verhalen die ras- en gendernormen uitdagen, terwijl hun bewegingen evolueren van schuchter ballet naar uitzinnige, vreugdevolle ontlading. Kleine gebaren en grote gevoeligheden – overlopend van urgentie en virtuositeit – brengen een tot nog toe onbekend universum in de geschiedenis van de dans tot leven.
KVS Bol
Ali
21april
-
27april
Brussel|Tonen, Opera
********** English ********** No one flees for fun. Ali is 12 years old when he leaves Somalia. He travels the dangerous road from the Horn of Africa to the heart of Europe. Along the way, friendships are made despite the hardships and hope is found amidst the horror. Ali has to cross several countries, a desert and the Mediterranean along with hundreds of migrants seeking a better future. He arrives at the Brussels South railway station in 2019, alone, without knowing a word of French or Dutch. He is 14 years old …   This incredible epic is the true story of Ali Abdi Omar, adapted for the opera in collaboration with Ali himself. This moving creation reconstructs all the stages of his journey. A sensory experience where electronic music, voice, string and wind instruments, percussion and dance pay a vibrant tribute to the resilience of a young boy forced, like so many others, to leave his family and home in order to survive. ********** Français ********** Nul ne fuit par plaisir. Ali a douze ans quand il quitte la Somalie. Il emprunte la dangereuse route qui mène de la Corne de l’Afrique au cœur de l’Europe. En chemin, des amitiés se lient malgré les épreuves, l’espoir côtoie l’horreur. Il lui faut traverser plusieurs pays, un désert et la Méditerranée, au milieu de centaines de migrants en quête d’un avenir meilleur. Quand il arrive, seul, à la gare de Bruxelles-Midi en 2019, ne connaissant pas un mot de français ni de néerlandais, il a quatorze ans…   Cette épopée est l’histoire vraie d’Ali Abdi Omar, adaptée en opéra par les compositeurs Grey Filastine, Walid Ben Selim et Brent Arnold, et par le metteur en scène Ricard Soler Mallol. Réalisée en collaboration avec Ali lui-même, cette création reconstruit avec émotion toutes les étapes de son voyage. Une expérience sensorielle où musique électronique, voix, instruments à cordes et à vents, percussions et danse rendent un vibrant hommage à la résilience d’un jeune garçon forcé, comme tant d’autres, de quitter sa famille et son foyer pour survivre. ********** Nederlands ********** Niemand slaat voor zijn plezier op de vlucht. Ali is twaalf als hij uit Somalië vertrekt en de gevaarlijke reis van de Hoorn van Afrika tot hartje Europa aanvat. Hij doorkruist een hele reeks landen, de woestijn en de Middellandse Zee, tussen honderden migranten die ook op zoek zijn naar een betere toekomst. Onderweg smeedt hij, ondanks de beproevingen, vriendschappen en vindt hij te midden van de verschrikking ook hoop. Hij komt in 2019 aan in het station Brussel-Zuid, helemaal alleen, zonder een woord Frans of Nederlands te kunnen. Hij is dan veertien... Het waargebeurde verhaal van Ali Abdi Omar komt nu tot leven in een nieuwe opera, gecreëerd in nauwe samenwerking met Ali zelf. Een zintuiglijke ervaring waarin elektronische muziek, stem, snaar- en blaasinstrumenten, percussie en dans een aangrijpend eerbetoon brengen aan de veerkracht van een tiener die, zoals zovele lotgenoten, zijn familie en zijn thuis moest achterlaten om te overleven.
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Inside the Music
17april
-18:30
Brussel|Tonen, Opera
********** English ********** The music of Ali is the result of a whole new approach to opera composition. In their score, Grey Filastine, Walid Ben Selim and Brent Arnold combine the propulsive power of electro beats and live percussion with the nuance of an orchestral sound and the raw, direct emotion of the human voice. It is music at the crossroads of different styles, influences and modes, able to express the most diverse landscapes and emotional states of Ali’s journey. A week before opening night, we welcome the three composers for an accessible introductory talk at the KVS TOP. They will introduce you to the world of contemporary opera composition, where the combination of digital software, pre-recorded soundscapes and live music offers limitless possibilities. The evening will end with a convivial reception in the KVS Bar. ********** Français ********** Ali n’est pas seulement une histoire fascinante : le projet propose aussi une nouvelle approche de l’opéra. En partant d’échantillons de travail de musique électronique et de voix, des expérimentations ont été réalisées sur un logiciel numérique avant la création d’une partition orchestrale.  Comment Grey Filastine, Walid Ben Selim et Brent Arnold ont-ils collaboré ensemble ? Comment ont-ils fusionné leurs différents styles musicaux, leurs différentes influences et méthodes de travail pour aboutir à une seule œuvre ? Comment ont-ils trouvé les sonorités idéales pour représenter chaque étape du voyage d’Ali ? Afin de répondre à ces questions, nous accueillerons l’équipe de composition au grand complet ! Lors de cette rencontre, au Studio KVS TOP, les trois compositeurs vous dévoileront tous les secrets de fabrication de ce nouvel opéra. La soirée se clôturera par une réception conviviale au KVS Bar. ********** Nederlands ********** Ali vertrekt niet alleen van een navrant, waargebeurd levensverhaal, maar ook van een heel nieuwe benadering van operacompositie. De partituur van Grey Filastine, Walid Ben Selim en Brent Arnold combineert de stuwende kracht van electrobeats en live-percussie met de nuance van een orkestrale sound en de rauwe, directe emotie van de menselijke stem. Het is muziek op het kruispunt van verschillende stijlen, invloeden en procédes, in staat om de meest diverse landschappen en gevoelstoestanden van Ali’s tocht te verklanken. Een week voor de première ontvangen we de drie componisten in de KVS TOP voor een toegankelijke ‘talk’ over hun partituur en de schier eindeloze mogelijkheden om authentieke livemuziek te verrijken via digitale software en vooraf opgenomen soundscapes. De avond wordt afgesloten met een gezellige receptie in de KVS Bar.
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Art Nouveau, Musique et Franc-Maçonnerie
25november 2023
-16:30
Brussel|Verschillende
********** Français ********** À la fin du XIXe siècle, la musique va elle-aussi jouer un rôle dans ce mouvement Art Nouveau qui se veut pluridisciplinaire. A ce titre, Bruxelles, la deuxième ville la plus industrialisée du monde après Manchester, est une plaque tournante pour la diffusion de ce style avant-gardiste. De nombreux compositeurs et musiciens sont membres de différentes loges à travers le monde comme Maurice Kufferath, directeur du Théâtre de la Monnaie, qui insuffle un rayonnement à la création musicale. Le cycle de conférence se donne dans le temple maçonnique décoré dans le style Art Nouveau de la rue du Persil : Victor Horta et la Franc-Maçonnerie (29 avril), Autour de Paul Hankar (24 juin), Philippe Wolfers et Franc-Maçonnerie (30 septembre), Art Nouveau, Musique et Franc-Maçonnerie (25 novembre). ********** Nederlands ********** Op het einde van de 19de eeuw speelde muziek ook een rol in de Art Nouveau-beweging, die multidisciplinair gericht was. In dit opzicht was Brussel, na Manchester de meest geïndustrialiseerde stad ter wereld, een knooppunt voor de verspreiding van deze avant-gardistische stijl. Talrijke componisten en musici zijn lid van verschillende loges over de hele wereld, zoals Maurice Kufferath, directeur van het Munttheater, die verantwoordelijk is voor de verspreiding van de invloed van de muzikale creatie. De serie van conferenties wordt in het Frans gegeven en neemt plaats in de maçonnieke tempel versierd in de Art Nouveau stijl in de Peterseliestraat: Victor Horta en de Vrijmetselarij (29 april), Rond Paul Hankar (24 juni), Philippe Wolfers en de Vrijmetselarij (30 september) en Art Nouveau, Muziek en Vrijmetselarij (25 november). ********** English ********** At the end of the 19th century, music also played a role in the Art Nouveau movement, which was intended to be multidisciplinary. In this respect, Brussels, the second most industrialised city in the world after Manchester, was a hub for the spread of this avant-garde style. Numerous composers and musicians are members of various lodges throughout the world, such as Maurice Kufferath, director of the Théâtre de la Monnaie, who is responsible for spreading the influence of musical creation. The series of conferences will be given in French and will take place in the Masonic temple decorated in the Art Nouveau style in rue du Persil: Victor Horta and Freemasonry (29 April), Paul Hankar and Freemasonry (24 June), Philippe Wolfers and Freemasonry (30 September) and Art Nouveau, Music and Freemasonry (25 November).
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Cascade - Meg Stuart / Damaged Goods
25oktober 2023
-
26oktober 2023
Brussel|Tonen, Dans
********** English ********** In CASCADE, Meg Stuart and seven dancers reset the clock, challenging reality to take on new forms. Balancing on the edge of a world that is rapidly disappearing, they plunge into another dimension. They go in search of a secret passage, a future playground and refuge. They find their driving force in disruption. Running, falling and getting up again capsizes their bodies as their principles transform and take on new interpretations. CASCADE is an unconditional surrender to what we do not know about the other person. Following an international tour, the show returns to Brussels for what may be your last chance to see it here. • American choreographer Meg Stuart lives and works in Brussels and Berlin. Her company Damaged Goods has a long-term collaboration with Kaaitheater, where she showed most of her work. For CASCADE, she joins hands with the French scenographer and theatre maker Philippe Quesne – who over the past decade has presented his own shows at Kaaitheater with his Vivarium Studio. Composer and musician Brendan Dougherty created the live music.  “A brilliant piece about time, uncertainty, openness and solidarity. A perfect interplay of moving bodies with Brendan Dougherty's music and Philippe Quesne's stage and lighting design.” — Tanzschrift  “CASCADE leaves you with only two choices: drift along with this trip or say no. Coming along – no matter how wild the rollercoaster – turns out to be a choice that rewards you richly.” — Pzazz ********** Français ********** Dans CASCADE, Meg Stuart et sept danseurs remettent les pendules à l'heure, défiant la réalité de prendre de nouvelles formes. En équilibre sur le bord d'un monde qui disparaît rapidement, iels plongent dans une autre dimension. Iels se lancent à la quête d'un passage secret, d'un terrain de jeu et d'un refuge pour l'avenir. Iels puisent leur force motrice dans la disruption. Courir, tomber et se relever fait chavirer leurs corps, tandis que leurs principes se transforment et acquièrent de nouvelles interprétations. CASCADE est un abandon inconditionnel à ce que nous ignorons de l'autre. La pièce retourne à Bruxelles, à l’issue d'une tournée internationale.  • La chorégraphe américaine Meg Stuart vit et travaille à Bruxelles et à Berlin. Sa compagnie Damaged Goods collabore depuis longtemps avec le Kaaitheater, où elle a présenté la plupart de ses œuvres. Pour CASCADE, elle s'associe au scénographe et metteur en scène de théâtre français Philippe Quesne - qui, avec son Vivarium Studio, a également présenté ses propres spectacles au Kaaitheater au cours de la dernière décennie. Le compositeur et musicien Brendan Dougherty a créé la musique en live.  « Une pièce brillante sur le temps, l'incertitude, l'ouverture et la solidarité. Une interaction parfaite entre les corps en mouvement, la musique de Brendan Dougherty et la scénographie et les éclairages de Philippe Quesne ». — Tanzschrift  « CASCADE ne vous propose qu’une seule alternative: vous laisser emporter par ce voyage ou le refuser. Se laisser emporter - aussi impétueuses que soient les montagnes russes - s'avère être un choix qui vous récompense largement. » — Pzazz ********** Nederlands ********** In CASCADE resetten Meg Stuart en zeven dansers de klok, en dagen ze de werkelijkheid uit om nieuwe vormen aan te nemen. Balancerend op de rand van een wereld die in snel tempo verdwijnt, storten ze zich in een andere dimensie. Ze gaan op zoek naar een geheime doorgang, naar een toekomstige speeltuin en toevluchtsoord. In de ontwrichting vinden ze hun drijvende kracht. Het rennen, vallen en weer opstaan laat hun lichamen kapseizen, terwijl hun principes transformeren en nieuwe invullingen krijgen. CASCADE is een onvoorwaardelijke overgave aan wat we niet weten over de ander. Na een internationale tour keert de voorstelling terug naar Brussel, voor wat mogelijk je laatste kans is om ze hier te zien!  • De Amerikaanse choreografe Meg Stuart woont en werkt in Brussel en Berlijn. Haar gezelschap Damaged Goods heeft een langdurige samenwerking met het Kaaitheater, waar ze het meeste van haar werk toonde. Voor CASCADE slaat ze de handen samen met Franse scenograaf en theatermaker Philippe Quesne – die de afgelopen tien jaar met zijn Vivarium Studio ook eigen voorstellingen in het Kaaitheater presenteerde. Componist en muzikant Brendan Dougherty creëerde de livemuziek.  “Een briljant stuk over tijd, onzekerheid, openheid en solidariteit. Een perfect samenspel van bewegende lichamen met de muziek van Brendan Dougherty en het toneel- en lichtontwerp van Philippe Quesne.” — Tanzschrift  “CASCADE laat je maar twee keuzes: meedrijven met deze trip of nee zeggen. Meedrijven blijkt - hoe wild de roetsjbaan ook is - een keuze die je rijkelijk beloont.” — Pzazz
KVS Bol
Horizon - Manuela Infante
11oktober 2023
-
14oktober 2023
Brussel|Theater
********** English ********** Manuele Infante has long been exploring how the boundary between that which is human and non-human is created only then to demolish it. In Horizon, she interacts with her father, with whom she shares an unbridled curiosity for the unknown. Although they approach the subject from different angles – he an astronomer, she an artist – one topic keeps cropping up in their conversations: the horizon.   That horizon, that unknown domain, appears not just in the distance. The horizon is also within us, scattered throughout our bodies, lives and histories. What is more unknown than our own psyche?   Manuele Infante explores multi-dimensional horizons together with Diego Noguera, her faithful companion, and four actors (Andie Dushime, Valentijn Dhaenens, Mieke De Groote and Pitcho Womba Konga).  • Manuela Infante Güell is a Chilean theatre-maker, dramatist, screenwriter and musician with international appeal. Known for her theatrical staging of contemporary theoretical issues, she creates work that cross the line between music, theatre and philosophy. In 2021, Kaaitheater and KVS jointly presented its show How to turn to stone. Complementing this new show Horizon, Infante's research is also the focus of the Things we know we will never know edition of More-Than-Human Encounters. ********** Français ********** Manuele Infante explore depuis longtemps la manière dont la frontière entre l'humain et le non-humain est fabriquée pour ensuite la démanteler. Pour Horizon, elle s'est engagée avec son père, avec qui elle partage une curiosité effrénée pour l'inconnu. Bien qu'ils abordent le sujet sous des angles différents - il est astronome tandis qu'elle est artiste - un sujet revient sans cesse dans leurs conversations : l'horizon.   Cet horizon, ce domaine inconnu, ne s’étend pas uniquement au loin. L'horizon est aussi présent en nous, disséminé dans notre corps, notre vie, notre histoire. Qu'y a-t-il de plus inconnu que notre propre psyché ?  Avec Diego Noguera, son fidèle compagnon, et quatre acteur·ices (Andie Dushime, Valentijn Dhaenens, Mieke De Groote et Pitcho Womba Konga), Manuela Infante explore des horizons multidimensionnels.  • Manuela Infante Güell est une metteuse en scène de théâtre, dramaturge, scénariste et musicienne chilienne de renommée internationale. Connue pour ses mises en scène théâtrales de questions théoriques contemporaines, elle crée des œuvres à la croisée de la musique, du théâtre et de la philosophie. En 2021, le Kaaitheater et le KVS ont présenté conjointement sa performance How to turn to stone. En complément de cette nouvelle performance Horizon, la recherche d'Infante est également au centre de l'édition Things we know we will never know de More-Than-Human Encounters. ********** Nederlands ********** Manuele Infante onderzoekt al langer hoe de grens tussen het menselijke en het niet-menselijke wordt gefabriceerd, om deze vervolgens te slopen. Voor Horizon gaat ze in gesprek met haar vader, met wie ze een tomeloze nieuwsgierigheid naar het onbekende deelt. Hoewel ze het onderwerp vanuit een andere hoek benaderen – hij is een astronoom, zij een artiest – blijft één onderwerp opduiken in hun gesprekken: de horizon.   Die horizon, dat onbekende domein, ligt niet enkel in de verte. De horizon zit ook in ons, verspreid doorheen ons lichaam, ons leven en onze geschiedenis. Wat is er onbekender dan onze eigen psyche?   Samen met Diego Noguera, haar trouwe compagnon, en vier acteurs (Andie Dushime, Valentijn Dhaenens, Mieke De Groote en Pitcho Womba Konga), verkent Manuele Infante de multi-dimensionale horizonnen.  • Manuela Infante Güell is een Chileense theatermaker, dramaturg, scenario-schrijver en muzikant met internationale uitstraling. Ze is gekend voor haar theatrale ensceneringen van hedendaagse theoretische vraagstukken en maakt werk dat zich op de grens bevindt tussen muziek, theater en filosofie. In 2021 presenteerden Kaaitheater en KVS samen haar voorstelling How to turn to stone. Aanvullend aan deze nieuwe voorstelling Horizon, staat Infante’s onderzoek ook centraal in de Things we know we will never know editie van More-Than-Human Encounters.
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Philippe Wolfers et la Franc-Maçonnerie
30september 2023
-16:30
Brussel|Verschillende
********** Français ********** Philippe Wolfers (1858-1929) étudie la sculpture à l'Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles avant d'entrer dans l'atelier d'orfèvrerie de son père Louis Wolfers, lui-même franc-maçon. Il se démarque par sa production d’argenterie et de sculpture chryséléphantine dans le style Art Nouveau et par ses créations joaillières d’un naturalisme exceptionnel. Le magasin Wolfers Frères, réalisé par Victor Horta, est la référence pour les arts décoratifs au début du XXe siècle. Philippe Wolfers est initié à la Loge Les Vrais Amis de l’Union et du Progrès Réunis en 1885. Le cycle de conférence se donne dans le temple maçonnique décoré dans le style Art Nouveau de la rue du Persil : Victor Horta et la Franc-Maçonnerie (29 avril), Autour de Paul Hankar (24 juin), Philippe Wolfers et Franc-Maçonnerie (30 septembre), Art Nouveau, Musique et Franc-Maçonnerie (25 novembre). ********** Nederlands ********** Philippe Wolfers (1858-1929) studeerde beeldhouwkunst aan de Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles voordat hij toetrad tot het goudsmidsatelier van zijn vader Louis Wolfers, die zelf vrijmetselaar was. Hij onderscheidt zich door zijn productie van zilverwerk en chryselephantine beeldhouwwerk in Art Nouveau stijl en door zijn uitzonderlijk naturalistische juwelenontwerpen. De winkel van Wolfers Frères, ontworpen door Victor Horta, was de referentie voor de decoratieve kunsten aan het begin van de 20ste eeuw. Philippe Wolfers wordt in 1885 ingewijd in de Loge Les Vrais Amis de l'Union et du Progrès Réunis. De serie van conferenties wordt in het Frans gegeven en neemt plaats in de maçonnieke tempel versierd in de Art Nouveau stijl in de Peterseliestraat: Victor Horta en de Vrijmetselarij (29 april), Rond Paul Hankar (24 juni), Philippe Wolfers en de Vrijmetselarij (30 september) en Art Nouveau, Muziek en Vrijmetselarij (25 november). ********** English ********** Philippe Wolfers (1858-1929) studied sculpture at the Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles before joining the goldsmith's workshop of his father Louis Wolfers, who was a Freemason. He distinguishes himself by his production of silverware and chryselephantine sculpture in the Art Nouveau style and by his exceptionally naturalistic jewelry designs. The Wolfers Frères boutique, designed by Victor Horta, is the benchmark for the decorative arts in the early 20th century. Philippe Wolfers is initiated in the Lodge Les Vrais Amis de l'Union et du Progrès Réunis in 1885. The series of conferences will be given in French and will take place in the Masonic temple decorated in the Art Nouveau style in rue du Persil: Victor Horta and Freemasonry (29 April), Paul Hankar and Freemasonry (24 June), Philippe Wolfers and Freemasonry (30 September) and Art Nouveau, Music and Freemasonry (25 November).
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