********** English **********
In her second solo exhibition at the Michèle Schoonjans Gallery, Amélie Scotta
presents a series of works exploring the notions of habitat and landscape
through colour and organic materials, brought to life through both drawing
(wood, bark, rock, etc.) and paper (mineral, vegetable, etc.).
In the Withdraw series, the artist works in two stages, superimposing two layers
of drawing and two types of perspective. The first layer, applied quickly and
randomly across the entire surface of the paper in coloured ink, can evoke the
atmospheric dimension of a landscape. The bright, unnatural colours and the
invisibility of the gesture give the impression of a luminous, radiant surface.
Here and there, accidents of material accentuate the effect of a printed image
that has been doctored, washed out and deteriorated. The second layer, drawn in
graphite, somehow constrains, obstructs or limits these infinite expanses.
Created slowly and meticulously in pencil, the motifs of trellis, wire netting
and other barriers reflect the artist's preoccupation with the question of
confinement. The idea of withdrawal, whether voluntary or not, has already been
evoked in earlier works, notably the Reclusoirs, sculptures inspired by the
small enclosed buildings in which penitents lived in the Middle Ages. But the
contrast between the immateriality of the coloured surface and the repetitive
pattern of the drawing also speaks to us of what is said beyond the edge of the
paper.
ABOUT THE ARTIST
Born in Nantes in 1983, Amélie Scotta is a visual artist and teacher based in
Brussels. She holds degrees in Design (HEAR Strasbourg, 2008) and Visual Arts
(ENSAV La Cambre, Brussels, 2016).
Since 2013, her work has been shown in numerous exhibitions in Belgium (Le
Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des Beaux-Arts,
European Parliament, etc.) and abroad (Villa Méditerranée in Marseille, Arabic
Culture House in Berlin, Matadero in Madrid, as well as Magasins Généraux,
Palais de Tokyo and Carreau du Temple in Paris). She has also held residencies
at the Casa de Velázquez in Madrid, the Cité Internationale des Arts in Paris,
the Moonens Foundation and the Boghossian Foundation in Brussels. She is the
winner of the Prix international de la Ville de Tournai in 2021, the Prix Cocof
and the Prix Carré sur Seine in 2020.
From the Jeddah Tower to the disused factories of Roubaix, from the Rio stadium
to the Versailles of the people, from medieval recluses to the scaffolding of
Brussels, it is in an intuitive way that the artist questions architecture in
all its forms. Approached primarily through drawing, but also through sculpture
and photography, construction allows her to speak of the human being, the one
who both inhabits and builds.
In more recent works, Amélie Scotta takes a more sensorial approach to landscape
and habitat, working with colour and materials. She addresses the issue of
withdrawal, a position in relation to the world that can provide protection,
confinement or liberation. Her relationship with urban planning is also leading
her increasingly towards projects in the public space.
********** Français **********
Dans sa deuxième exposition personnelle à la Michèle Schoonjans Gallery, Amélie
Scotta présente une série d’œuvres explorant les notions d’habitat et de paysage
au travers de la couleur ou de matières organiques, amenées aussi bien par le
dessin (bois, écorce, roche…) que par le support du papier (minéral, végétal…).
Dans la série Withdraw, la dessinatrice travaille en deux temps, superposant
deux couches de dessin et deux types de perspectives. La première strate,
appliquée à l’encre colorée, de manière rapide et aléatoire sur toute la surface
du papier, peut évoquer un paysage dans sa dimension atmosphérique. Les couleurs
vives, non naturelles et l’invisibilité du geste donnent l’impression d’une
surface lumineuse et irradiante. Çà et là, des accidents de matière accentuent
l’effet d’image imprimée qui aurait été trafiquée, délavée, détériorée. La
seconde strate, dessinée au graphite, vient en quelque sorte contraindre,
obstruer ou limiter ces étendues infinies.
Réalisés au crayon, de manière lente et minutieuse, les motifs de treillis, de
grillages et autres barrières nous renvoient à la préoccupation de l’artiste
pour la question de l’enfermement. Le repli, volontaire ou non, est déjà évoqué
dans des travaux antérieurs, notamment les Reclusoirs, des sculptures inspirées
des petits édifices clos dans lequel vivaient des pénitentes du Moyen-âge. Mais
ce contraste entre l’immatérialité de la surface colorée et le motif répétitif
du dessin, nous parle aussi de ce qui se raconte au-delà du bord du papier.
A PROPOS DE L’ARTISTE
Née à Nantes en 1983, Amélie Scotta est une artiste plasticienne et enseignante
basée à Bruxelles. Elle est diplômée en Design (HEAR Strasbourg, 2008) et en
arts visuels (ENSAV La Cambre, Bruxelles, 2016).
Depuis 2013, son travail a été présenté dans de nombreuses expositions en
Belgique (Le Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des
Beaux-Arts, Parlement européen…) et à l'étranger (Villa Méditerranée à
Marseille, Arabic Culture House à Berlin, Matadero à Madrid, mais aussi Magasins
Généraux, Palais de Tokyo et Carreau du Temple à Paris). Elle a notamment été
résidente à la Casa de Velázquez à Madrid, à la Cité Internationale des Arts à
Paris, à la Fondation Moonens et à la Fondation Boghossian à Bruxelles. Elle est
lauréate du Prix international de la Ville de Tournai en 2021, du Prix Cocof et
du prix Carré sur Seine en 2020.
De la Jeddah Tower aux usines désaffectées de Roubaix, en passant par le stade
de Rio, le Versailles du peuple, les reclusoirs médiévaux ou les échafaudages
bruxellois, c’est de manière intuitive que l’artiste interroge l’architecture
sous toutes ses formes. Abordée principalement par le dessin, mais aussi par la
sculpture ou la photographie, la construction lui permet de parler de l’humain,
celui qui, tout à la fois, habite et édifie.
Dans des travaux plus récents, Amélie Scotta approche le paysage et l’habitat de
manière plus sensorielle, en passant par un travail de la couleur et de la
matière. Elle y aborde la question du repli, une position face au monde qui peut
apporter protection, enfermement ou libération. Son rapport à l’urbanisme
l’amène également de plus en plus vers
des projets dans l’espace public.
********** Nederlands **********
In haar tweede solotentoonstelling in de Michèle Schoonjans Gallery presenteert
Amélie Scotta een serie tekeningen die, naast de problematiek van de
leefomgeving, de landschapsconcepten onderzoekt door middel van kleur of
organische materialen, die zowel door het onderwerp van de tekening als door de
papieren drager (mineraal, plantaardig, enz.) worden ingebracht.
In de serie Withdraw werkt de kunstenares in twee fasen, waarbij ze gebruik
maakt van verschillende lagen in de tekening en van twee soorten perspectief. De
eerste laag, die snel en willekeurig met gekleurde inkt over het hele
papieroppervlak wordt aangebracht, kan de atmosferische dimensie van een
landschap oproepen. De heldere, onnatuurlijke kleuren en de afwezigheid van het
gebaar geven de indruk van een lichtgevend, stralend oppervlak. Hier en daar
accentueren ongelukjes met het materiaal het effect van een afgedrukte
afbeelding, die is bewerkt, uitgewassen of beschadigd. De laag grafiet, die in
een later stadium wordt aangebracht, beperkt, belemmert of begrenst op de een of
andere manier deze oneindige uitgestrektheid.
De grafiettekeningen, die langzaam en minutieus met potlood zijn gemaakt, tonen
rasterwerk, hekken en andere barrières en weerspiegelen de preoccupatie van de
kunstenaar met het vraagstuk van zich opgesloten te voelen. Het idee van zich
terugtrekken, vrijwillig of niet, werd al opgeroepen in eerdere werken, met name
de Reclusoirs, sculpturen geïnspireerd op de kleine afgesloten gebouwen waarin
boetelingen in de Middeleeuwen leefden. Maar dit contrast tussen de
niet-materiële aard van het gekleurde oppervlak en het repetitieve patroon van
de tekening spreekt ook tot ons over wat er voorbij de rand van het papier
gebeurt, in wat bekend staat als het buitenbeeld. Net als het raam, dat zowel
verbergt als zichtbaar maakt, laat de muur toch de horizon zien, waardoor we ons
een mogelijke ontsnapping kunnen voorstellen.
OVER DE KUNSTENARES
Amélie Scotta, geboren in Nantes in 1983, is beeldend kunstenaar en docente in
Brussel. Ze behaalde een diploma in Design (HEAR Straatsburg, 2008) en in
Visuele Kunsten (ENSAV La Cambre, Brussel, 2016).
Sinds 2013 is haar werk te zien geweest in talrijke tentoonstellingen in België
(Le Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des
Beaux-Arts, Europees Parlement, enz.) en in het buitenland (Villa Méditerranée
in Marseille, Arabic Culture House in Berlijn, Matadero in Madrid, evenals in
Magasins Généraux, Palais de Tokyo en Carreau du Temple in Parijs). Ze heeft ook
residenties gehad in het Casa de Velázquez in Madrid, de Cité Internationale des
Arts in Parijs, de Moonens Stichting en de Boghossian Stichting in Brussel. Ze
is de winnaar van de Prix international de la Ville de Tournai in 2021, de Prix
Cocof en de Prix Carré sur Seine in 2020.
Van de toren van Jeddah tot de verlaten fabrieken van Roubaix, van het stadion
van Rio tot het Versailles van het volk, van middeleeuwse kluizenaars tot de
steigers van Brussel, de kunstenares stelt intuïtief de architectuur in al haar
vormen ter discussie. Ze benadert de architectuur voornamelijk door middel van
tekenen, maar ook door middel van beeldhouwen en fotografie.Door de constructie
kan ze spreken over de mens, degene die zowel bewoont als bouwt.
In haar meer recente werk kiest Amélie Scotta voor een meer zintuiglijke
benadering van landschap en leefomgeving, waarbij ze gebruik maakt van zowel
kleur als materialen. In haar meer recente werk kiest Amélie Scotta voor een
meer zintuiglijke benadering van landschap en leefomgeving, waarbij ze gebruik
maakt van zowel kleur als materialen. Ze gaat in op het thema van het zich
terugtrekken, een positie ten opzichte van de wereld die bescherming,
afzondering of bevrijding kan brengen. In haar meer recente werk kiest Amélie
Scotta voor een meer zintuiglijke benadering van landschap en leefomgeving,
waarbij ze gebruik maakt van zowel kleur als materialen. Ze gaat in op het thema
van het zich terugtrekken, een positie ten opzichte van de wereld die
bescherming, afzondering of bevrijding kan brengen. Haar fascinatie voor
stedenbouw leidt haar ook steeds meer naar projecten in de openbare ruimte.
Sara Imloul - 'Images contact'
Description
********** English **********
Since 2008, Sara Imloul has developed a practice focused on symbolic and autobiographical photography, staging her contrasting black-and-white images born out of inner visions and memories.
*Since her studies at the ETPA in Toulouse, Imloul has been using calotype, a process developed by Henri Fox Talbot in 1840 that allows a contact print to be made from a paper negative. Imloul edits each negative by hand, mixing drawings and collages with her photographic prints, manually composing her own unique story.
*Contrary to digital manipulation, and instead of returning to the medium’s origins, Imloul’s black-and-white images are conceived as true theatrical pictures, seemingly straight out of the 19th century. Imloul has chosen slowness, the Arte Povera of photography.
For her first exhibition at Hopstreet Gallery, Sara Imloul focuses on the series Das Schloss (2014), complemented by a number of photographs from the series Négatifs (2012) and Chez Moi (2020-2021).
In Imloul’s second series, Négatifs (2012), the small size of the calotypes is striking, but so is their special finesse. Imloul exposed the paper directly in her 4x5-inch camera, creating unique negative images on baryta paper.
*The series Das Schloss (2014), which takes its name from the family home in Lorraine, takes this investigation even further. It organises a photographic in-camera session with her nearest and dearest and her ancestors. In order to better tell the story of this place through traces and small touches, Imloul arranges intimate sketches in front of her imposing room. They are based on the model of a family constellation, a term borrowed from group therapy that aims to solve family problems by exchanging roles. A reflection on identity and the introspective dimension is at work here, with the expression of the “I” operating through play. Role-playing, mask-playing and staging games are thus brought together by the magic of photography. And the photographer invests in the tenuous gap that separates reconstitution and recollection, reality and representation. ImIouI conjures up an apparition, revealing an evanescent image that is expressed like a reminiscence. Such a practice is based on questioning the medium’s indexical power, which is capable of materialising thought and generating the fictional repetition of past events.
Chez Moi is a series that Imloul conceived during the lockdown and realised entirely in her Parisian flat. Following in the footsteps of the Dadaists, whom she regards as her predecessors, she uses the collage technique. Images of alligators, gazelles and pelicans are integrated into the works. She lovingly refers to them as her “innocent children”. After all, animals are victims of an increasingly guilty world that cuts us off from beauty and life. Violent reality is never far away; the photographs can only sublimate it.
*Conveying a theatrical sense of composition, these detailed scenography’s, props and sets are arranged with a surveyor’s precision. They require meticulous preparation, built around texts and sketches. The exposure times are long, with no room left for improvisation. lmloul is, above all, looking for an image as close as possible to the threshold of her imagination. Having become pure plastic elements, the people close to her, whom she uses as models, adopt fixed attitudes and sometimes even emphatic gestures. The faces are hidden, the monstration of the bodies fragmented, the metonymy moving them into a blurred register with no vanishing point. Underlying enigma and latent tension are sovereign, designating a photograph experienced as a labyrinthine space where loss is combined with discovery.
Sara Imloul (b. 1986) lives and works in Paris and was awarded the Levallois Prize in 2019 for the series Passages, de L’Ombre aux Images (2015-2018).
She has published two monographs with Éditions Filigranes: Passages in 2022 and Das Schloss in 2014.
Her work was exhibited at the Manuel Riviera-Ortiz Foundation in a duo show with Elina Brotherus during the Rencontres de la Photographie d’Arles 2022.
* Maud de la Forterie, Artpress n°488, May 2021
********** Français **********
Depuis 2008 Sara Imloul déploie une photographie symbolique et autobiographique en s’attachant à fixer dans l’obscurité de ses noirs et blancs des visions intérieures nées du souvenir.
*Depuis ses études à l’EPTA de Toulouse, Sara Imloul utilise le calotype, procédé mis au point par Henri Fox Talbot en 1840 qui permet, à partir d’un négatif papier, d’obtenir un tirage par contact.
Chaque négatif est retravaillé à la main. Imloul mêle dessin et collage à ses tirages photographiques, et compose à la main sa narration singulière.
*À rebours de la manipulation digitale, renouant bien plutôt avec les origines du médium, les images en noir et blanc d’Imloul sont alors pensées comme de véritables tableaux théâtraux qui semblent tout droit sortis du 19e siècle. Imloul a choisi la lenteur, l'Arte Povera de la photographie.
Pour sa première exposition personnelle à la galerie Hopstreet, Sara Imloul se concentrera sur la série Das Schloss, complétée par un certain nombre de photographies des séries Négatifs (2012) et Chez Moi (2020-2021).
Ses calotypes se distinguent par leur petit format et par leur grande préciosité́ avec sa deuxième série
Négatifs (2012). Imloul a exposé́ directement le papier dans sa chambre photographique 4x5 pouces,
créant ainsi des œuvres uniques en négatif sur papier baryté.
*Imloul poursuit avec la série Das Schloss (2014), qui tire son nom de la maison de famille sise en Lorraine, ordonnant alors un huis clos photographique de ses proches et de ses ancêtres. Afin de mieux raconter l’histoire de ce lieu, montré par traces et petites touches, elle ordonne, face à son imposante chambre, des saynètes intimistes sur le modèle d’une constellation familiale, terme emprunté à la thérapie de groupe qui entend dénouer les problèmes de famille en échangeant les rôles. Réflexion sur l’identité et dimension introspective sont ici à l’œuvre, l’expression du je passant alors par le jeu : jeux de rôles, jeux de masques et jeux de mise en scène sont ainsi réunis par la magie de la photographie. Et la photographe d’investir l’interstice ténu qui sépare la reconstitution de la remémoration, la réalité de la représentation, Imloul suscitant alors une apparition, révélant une image évanescente qui s’énonce telle une réminiscence. Pareille pratique procède d’une interrogation sur les pouvoirs d’indexation du médium, capable de matérialiser la pensée, de générer le redoublement fictionnel des évènements passés.
Chez Moi est une série conçue pendant le confinement, réalisée entièrement dans son appartement parisien. En digne héritière de ses prédécesseurs dadaïstes, elle recourt désormais au collage et intègre à ses prises de vue des images d’alligator, de gazelle ou de pélican qu’elle appelle tendrement ses « innocents », victimes d’un monde de plus en plus coupable de nous couper de la beauté et de la vie. La violence du réel n’est jamais loin; la photographie la sublime simplement.
*Véhiculant un sens théâtral de la composition, ces méticuleuses scénographies, accessoires et décors à l’appui, sont réglées avec une précision de géomètre et nécessitent une préparation minutieuse, échafaudée autour de textes et de croquis. Les temps de pose sont longs, aucune place n’est laissée à l’improvisation, Imloul recherchant avant tout une image au plus près du seuil de son imagination. Devenus purs éléments plastiques, ses proches qu’elle emploie comme modèles adoptent ainsi des attitudes figées, parfois même une gestuelle appuyée. Les visages sont dissimulés, la monstration des corps comme fragmentée, la métonymie les déplaçant alors dans un registre trouble, sans point de fuite. Énigme sous-jacente et tension latente sont souveraines, désignant ainsi une photographie vécue comme un espace labyrinthique où la perte se conjugue à la découverte.
Sara Imloul °1986 (vit et travaille à Paris.) a reçu le prix Levallois en 2019. Elle a publié deux monographies aux Éditions Filigranes : Passages, en 2022 et Das Schloss, en 2014.
Elle a été exposée à la Fondation Manuel Riviera-Ortiz en duo show avec Elina Brotherus dans le cadre
des Rencontres de la Photographie d’Arles 2022.
Lauréate du Prix Levallois 2019 pour la série Passages, de l'Ombre aux Images.
* Maud de la Forterie, Artpress n°488, mai 2021
********** Nederlands **********
Sinds 2008 Sara Imloul beoefent een symbolische en autobiografische vorm van fotografie, doordat ze in haar raadselachtige zwart-wit foto’s innerlijke beelden probeert vast te leggen die ontstaan zijn uit haar herinnering.
*Sinds haar studie aan de EPTA in Toulouse gebruikt ze de calotypie, een procédé dat in 1840 door Henri Fox Talbot werd ontwikkeld en waarmee een contactafdruk kan worden gemaakt vanuit een papieren negatief.
Imloul bewerkt elk negatief met de hand, mengt tekeningen en collages met haar fotografische afdrukken en componeert zo handmatig haar eigen unieke verhaal.
*Ten opzichte van de digitale manipulatie is haar werk tegendraads; het keert veeleer terug naar de oorsprong van het medium. Ze bedenkt haar zwart-witbeelden als echte theaterscènes die recht uit de 19e eeuw lijken te komen. Imloul heeft gekozen voor traagheid, de Arte Povera van de fotografie.
Voor haar eerste tentoonstelling bij Hopstreet Gallery focust Sara Imloul op de reeks Das Schloss (2014), aangevuld met een aantal foto’s uit de series Négatifs (2012) en Chez Moi (2020-2021).
In Imlouls tweede reeks Négatifs (2012) valt het kleine formaat van de calotypes op, maar ook de bijzondere finesse. Imloul belichtte het papier rechtstreeks in haar 4x5 inch camera en creëerde zo unieke werken in negatief op barietpapier.
*De daaropvolgende reeks heet Das Schloss (2014), naar het familiehuis in Lotharingen, en vormt een fotografisch “huis clos”, een fotoreeks “achter gesloten deuren”, van Imlouls familieleden en voorouders. Het verhaal van deze plek wordt aangebracht via sporen en subtiele toetsen. Om het beter te vertellen, ensceneert Imloul, voor het oog van haar imposante camera, kleine intimistische sketches, naar het model van wat in de groepstherapie een familieopstelling wordt genoemd. De therapie probeert familiale probleemsituaties te ontwarren door de familieleden onderling van rol te doen wisselen. De reeks reflecteert over de eigen identiteit en heeft een introspectieve dimensie, waarbij het “ik” zich uitdrukt via het spel : rollenspel, maskerade en enscenering vinden elkaar binnen de magische wereld van de fotografie. De fotografe zelf bevindt zich op de dunne scheidingslijn tussen reconstructie en herinnering, tussen werkelijkheid en representatie. Imloul doet iets verschijnen en onthult een vluchtig beeld dat zich aandient als was het een herinnering. Een dergelijke manier van werken is slechts mogelijk omdat Imloul het indexerende vermogen van het medium fotografie onderzoekt: foto’s zijn immers in staat om gedachten te materialiseren en om de gebeurtenissen uit het verleden te ontdubbelen door er een tweede, fictieve versie van te genereren.
Chez Moi is een reeks die Imloul heeft geconcipieerd tijdens de lockdown en die ze volledig in haar Parijse appartement heeft gerealiseerd. In het spoor van de dadaïsten, van wie ze zichzelf als een erfgename ziet, gebruikt ze hier de collagetechniek. Beelden van alligators, gazellen en pelikanen worden geïntegreerd in de opnames. Ze noemt ze liefkozend haar “onschuldige kinderen”: de dieren zijn immers het slachtoffer van een almaar schuldiger wereld die ons van de schoonheid en het leven afsnijdt. De gewelddadige werkelijkheid is nooit ver weg; de foto’s kunnen haar enkel sublimeren.
*Al deze zorgvuldige scenografieën, compleet met rekwisieten en decors, getuigen van een theatraal gevoel voor compositie. Ze worden neergezet met meetkundige precisie en vereisen een nauwgezette voorbereiding, die wordt opgebouwd rond teksten en schetsen. De belichtingstijden zijn lang, en er is geen ruimte voor improvisatie, want Imloul streeft in de eerste plaats naar een beeld dat zo dicht mogelijk bij de drempel van haar verbeelding ligt. De personen uit haar omgeving die zij als model gebruikt, worden zuiver plastische elementen; hun houding is star en hun gebaren soms zelfs overdreven nadrukkelijk. De gezichten zijn versluierd; de lichamen worden als het ware gefragmenteerd getoond; de metonymie verschuift ze naar een onbestemd register, zonder verdwijnpunt. Wat overheerst is een onderliggende raadselachtigheid en een latente spanning: deze foto’s zijn labyrinten waarin je verdwaalt en tegelijk op ontdekking gaat.
Sara Imloul (°1986, woont en werkt in Parijs) ontving in 2019 de Levallois-prijs. Ze publiceerde twee monografieën bij Éditions Filigranes: Passages in 2022 en Das Schloss in 2014.
Ze stelde tentoon bij de Manuel Riviera-Ortiz Foundation in een duo show met Elina Brotherus in het kader van de Rencontres de la Photographie d’Arles 2022.
De Levallois Prijs 2019 kreeg ze voor de serie Passages, de l’Ombre aux Images.
* Maud de la Forterie, Artpress n°488, mei 2021
Information sur la date
2023-03-16: 13:00:00 - 18:00:00
2023-03-17: 13:00:00 - 18:00:00
2023-03-18: 13:00:00 - 18:00:00
2023-03-23: 13:00:00 - 18:00:00
2023-03-24: 13:00:00 - 18:00:00
2023-03-25: 13:00:00 - 18:00:00
2023-03-30: 13:00:00 - 18:00:00
2023-03-31: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-01: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-06: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-07: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-08: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-13: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-14: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-15: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-19: 18:00:00 - 21:00:00
2023-04-20: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-21: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-22: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-27: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-28: 13:00:00 - 18:00:00
2023-04-29: 13:00:00 - 18:00:00
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