********** English **********
This itinerary is a unique guided walk to (re)discover the Art Nouveau façades
and their creators. Townhouses, shops, public buildings, … There are so many
sgraffito decorations to admire on our streets. But how is sgraffito made? Where
does it come from? And who made those beautiful designs? Learn about the
fascinating history of La Belle Epoque and its buildings together with a guide
of the Cauchie House.
In Antwerp, in the period between 1900 and World War I, hundreds of façades were
decorated with sgraffitos. Dozens of architects - including Jules Hofman, Frans
Bollekens, Michel De Braey, Jean-Laurent Hasse and Frans Van Dijk - collaborated
with various designer-performers. During this walk, our guide will take you on
an exciting tour of the Zurenborg neighborhood and in particular of the area
around the Cogels-Osylei.
Meeting point : at the corner of Guldenvliesstraat and Cogels-Osylei (Berchem).
Duration of the visit : 2 hours.
Time slots available :
10am : guided tour in Dutch
13pm : guided tour in French
Guided tours for groups upon request : sgraffito@cauchie.be
********** Français **********
Chaque itinéraire vous convie à une promenade unique pour (re)découvrir les
façades Art nouveau et leurs concepteurs. Maisons de maître, boutiques, édifices
publics, … Nombreux sont les bâtiments décorés de sgraffites. Les
connaissez-vous ? Comment ces décors sont-ils réalisés ? Qui les a dessinés ? Et
d'où vient cette technique ? Accompagné.e.s d’un guide de la Maison Cauchie,
parcourez la ville Belle Époque.
À Anvers, entre 1900 et la Première Guerre mondiale, des centaines de façades
ont été décorées de sgraffites. Des dizaines d'architectes, dont Jules Hofman,
Frans Bollekens, Michel De Braey, Jean-Laurent Hasse et Frans Van Dijk, ont
collaboré avec différents concepteurs. Au cours de cette promenade, nous nous
concentrons sur le quartier de Zurenborg, plus précisément sur la zone autour du
Cogels-Osylei.
Départ de la visite : à l’angle de la Guldenvliesstraat et de la Cogels-Osylei
(Berchem).
Durée de la visite : 2 heures.
Horaire :
10h : visite en néerlandais
13h : visite en français
Visites guidées pour groupes sur demande : sgraffito@cauchie.be
********** Nederlands **********
Een ervaren gids neemt je mee op een unieke wandeling om de Art Nouveau gevels
en hun ontwerpers te (her)ontdekken. Herenhuizen, winkels, openbare gebouwen,
... Er zijn heel wat gebouwen versierd met decoraties in sgraffito-techniek. Ken
je ze? Hoe werden ze gemaakt? Wie waren de ontwerpers? En waar kwam deze
techniek vandaan? Je komt het te weten tijdens een rondleiding die je
terugbrengt naar de Belle Époque en die wordt geleid door een gids van het
Cauchiehuis.
In Antwerpen werden in de periode tussen 1900 en de Eerste Wereldoorlog
honderden gevels versierd met sgraffito decoraties. Tientallen architecten,
waaronder Jules Hofman, Frans Bollekens, Michel De Braey, Jean-Laurent Hasse en
Frans Van Dijk werkten samen met diverse ontwerpers-uitvoerders. Tijdens deze
wandeling concentreren we ons op de wijk Zurenborg, in het bijzonder de omgeving
van de Cogels-Osylei. Je ontdekt de architecturale pareltjes van de Art nouveau
en komt meer te weten over de bouwmeesters van die tijd.
Duur van het bezoek : 2 uur.
Vertrektijden:
10u : rondleiding in het Nederlands
13u : rondleiding in het Frans
Rondleidingen voor groepen zijn ook mogelijk : sgraffito@cauchie.be
![Event](/_next/image?url=https%3A%2F%2Fculturius-prod-web-app-photo-cache-s3.s3.eu-west-1.amazonaws.com%2Fphoto_original_filter%2F642aa9e9442c1796109320.jpeg&w=3840&q=75)
Description
Given a fascinating generation of artists, and centuries-long ancient culture - Georgia is primed for an exploding art scene.
Eristavi Gallery strives to bring this rich selection to interested parties in the Benelux region. The home gallery, located in Antwerp, offers an exclusive collection of pieces, specially curated from the niche circle of artists that are the pillars of Georgian art society.
Eristavi Gallery cordially invites you to the exhibition “Sheep, Humans and Other Animals” by Kartlos Bikashvili, the representative of the new generation of Georgian artists.
Kartlos Bikashvili’s style is distinguished by his strong energy and deep philosophical approaches, which transports you to his unique world. This time, the artist presents his new series made over the last three months, showing the characteristic life of East Georgia in which the artist himself has the integral part and a significant role.
Eristavi Gallery strives to bring this rich selection to interested parties in the Benelux region. The home gallery, located in Antwerp, offers an exclusive collection of pieces, specially curated from the niche circle of artists that are the pillars of Georgian art society.
Eristavi Gallery cordially invites you to the exhibition “Sheep, Humans and Other Animals” by Kartlos Bikashvili, the representative of the new generation of Georgian artists.
Kartlos Bikashvili’s style is distinguished by his strong energy and deep philosophical approaches, which transports you to his unique world. This time, the artist presents his new series made over the last three months, showing the characteristic life of East Georgia in which the artist himself has the integral part and a significant role.
Painting
Art
Gallery
Info & Reservation
Organiser
3 Pictures
Suggested events
********** English **********
In the exhibition MOON RIVER, Bart Vandevijvere and Steven Antonio Manes explore
common ground. They find it in their shared identities. For instance, the
concept of water is inherent in the surname Vandevijvere, which on one hand,
refers to the artist's residence by the River Lys (Leie), and on the other, to
the importance of rippling/movement in his work. Similarly, "Manes" evokes a
metaphor, reminiscent of moonlight, the reflection of the moon. This glow
creates an interplay that encapsulates both surface and universe.Their specific
artistic journeys are thus connected through this onomastics. The moon and its
reflection on the river visually represent their collaboration. In MOON RIVER,
light, time, and space transcend individual artistry.
********** Français **********
Dans l'exposition MOON RIVER, Bart Vandevijvere (°1961) et Steven Antonio Manes
(°1993) cherchent des points communs dans leurs œuvres. Ces points communs se
trouvent déjà dans leurs identités. Il y a, par exemple, la notion d'eau qui se
trouve dans le nom de famille de Bart: Vandevijvere. L’étang fait en effet
référence, d'une part, au lieu de résidence de l'artiste sur les bords de la Lys
(de Leie) et, de l’autre part, à l'importance de l'ondulation et du mouvement
comme celle de l’eau, dans son œuvre.
Le nom Manes semble également être une métaphore. Il évoque le clair de lune, le
reflet de la lune dans l’eau. Cette lueur crée une interaction dans laquelle la
surface et l'univers sont contenus.
Leurs trajectoires particulières artistiques se rejoignent ainsi dans cette
onomastique. La lune et son reflet sur la rivière sont une représentation
visuelle de leur collaboration. La lumière, le temps et l'espace transcendent
l'art individuel dans notre exposition MOON RIVER.
********** Nederlands **********
In de tentoonstelling MOON RIVER zoeken Bart Vandevijvere (1961) en Steven
Antonio Manes (1993) naar raakvlakken. Die vinden ze al terug in hun beider
identiteit. Zo is er bijvoorbeeld het gegeven van water in de familienaam
Vandevijvere. Die verwijst daarmee enerzijds naar de woonplek van de kunstenaar
aan de Leie en anderzijds naar het belang van rimpeling/beweging in zijn werk.
Ook Manes lijkt een metafoor. Die doet denken aan maanlicht, de reflectie van de
maan. Dat schijnsel zorgt voor een wisselwerking waarin zowel oppervlakte als
universum vervat zijn.
Hun specifieke artistieke parcours verbinden zich op die manier in deze
onomastiek. De maan en haar reflectie op de rivier is een beeldende weergave van
hun samenwerking. Licht, tijd en ruimte overstijgen in MOON RIVER het
individuele kunstenaarschap.
********** Nederlands **********
Geen vertaling.
********** Français **********
Jamila a une intelligence émotionnelle bien au-delà de la moyenne.
Les notions d’honnêteté, de sincérité, d’empathie, de joie de vivre, d’amour, de
gaieté permanente, d’écoute et de partage… sont des valeurs qui lui sont propres
et la caractérisent.
Jamila a cette faculté hors du commun de voir la vie sous ses meilleurs angles …
de manière positive. C’est là où se trouve son génie.
De par sa résilience, elle a fait du confinement, un moyen d’exercer un art
qu’est la peinture. Et très vite, ses tableaux, réalisés avec passion, se
suivirent et révélaient en elle, un talent caché qui ne cherchait qu’à
s’exprimer.
On y trouve de la profondeur et de la justesse émotionnelle.
Ces peintures révèlent les regards que peuvent véhiculer notre société où tout
est normé.
Ce qui n’est pas dans la norme est anormal voire une anomalie.
Les 1001 regards sont peut-être l’expression des 1001 regards posés sur
l’artiste durant toute sa vie.
Ces regards, tantôt biaisés, tantôt ambivalents, expriment différentes émotions
telle la tristesse, la surprise, l’indifférence, la colère, la peur, la terreur,
la douleur, le dégoût, le rejet … mais aussi des émotions positives, de joie, de
gaieté, de bonheur et d’amour.
A travers ces 1001 regards, il y a un enjeu sociétal, celui du respect de nos
différences. Cette exposition est une ode à la joie, à la bonne humeur et avant
tout une ode à s’accepter tel que nous sommes.
Le Brussels Gallery Weekend revient pour sa 17ème édition !
Brussels Gallery Weekend est un événement de 4 jours qui marque le début de la
saison artistique en septembre. La prochaine édition aura lieu du 12 au 15
septembre 2024.
Plus de 40 galeries, institutions et autres associations à but non lucratif
ouvrent leur portes au public afin de présenter la diversité et la richesse de
la scène artistique contemporaine bruxelloise. Au sein de cet événement, BGW
organise sa propre exposition “Generation Brussels” qui met en avant une
douzaine de jeunes artistes récemment diplômés et actifs sur la scène belge.
Afin de souligner et soutenir la scène artistique de Bruxelles et son public à
l’échelle nationale et internationale, Brussels Gallery Weekend organise une
variété de projets et d’événements culturels gratuits et accessibles à tous. À
travers l’ensemble de ces évènements, le Brussels Gallery Weekend vise à
promouvoir, développer et centraliser tout ce qui se rapporte à l’art et à la
culture à Bruxelles et au-delà.
Save the date !
Annexée à la programmation du MACS (Grand-Hornu) en tant que projet extra-muros,
l’installation d’Alec De Busschère, "Memory Cache Collection 99", se présente
comme un dédale d’images imprimées sur de fins grands voiles librement suspendus
dans l’espace d’exposition. Cette architecture translucide dans laquelle le
public est invité à déambuler et à se perdre est d’autant plus déroutante que le
moindre courant d’air peut en modifier l’orientation des cloisons grâce à un
ingénieux mécanisme de suspension. Le spectacle de ces images fantomatiques
prend alors une dimension légèrement cinétique, voire cinématographique,
résultant de l’instabilité des voiles, de la circulation des spectateurs comme
des effets de surimpressions et de fondus enchaînés. Labyrinthique et
kaléidoscopique, le dispositif a l’apparence d’un « théâtre de la mémoire », cet
outil mnémotechnique qui localise sur un plan de distribution architectural les
images parcellaires d’une histoire à reconstituer. Cette connotation
archéologique prend aussi son sens quand on sait que ce matériau visuel fut
extrait, en 1999, de la mémoire de plusieurs ordinateurs personnels : des «
fichiers caches »
récupérés par l’artiste pour réaliser, à l’époque, sa vidéo "Keep the cache in
memory". Des images pauvres en informations et qualité, orphelines de leurs
auteurs et de leurs sites internet d’origine s’y enchaînaient les unes aux
autres à un rythme quasi stroboscopique, témoin de la frénésie qui s’était
emparée de toute une génération de navigateurs insomniaques. Vingt-cinq ans plus
tard, Alec De Busschère revient sur cet océan d’archives pour en livrer une
vision diamétralement opposée : des images dont il a diminué le nombre, agrandi
la taille et ralenti la vitesse, comme une manière aussi de leur donner, malgré
leur superficialité, l’épaisseur existentielle d’un geste humain et de sa trace,
même technologique.
Adresse :
Rue du Ruisseau, 37 – 1080 Bruxelles
Vernissage :
30.08.24 | 18h
Exposition :
31.08 > 22.09.24
Horaires :
Mercredi - dimanche | 14h - 19h
L'artiste bruxellois Eric Adam propose une exposition exceptionnelle autour de
l'univers de la Gare Centrale. Ses acryliques révèlent les accents de notre
société actuelle. Elles mettent en lumière le résultat d'une Jonction
destructrice de notre patrimoine architectural...
********** Français **********
Du village issu du Moyen-Âge à la ville d’aujourd’hui, le MoMuse propose un
voyage haut en couleurs à travers Molenbeek-Saint-Jean. Découvrez comment ont
évolué le territoire et la population, les conditions de logement et l’économie,
l’enseignement et les différentes façons de vivre ensemble. En bref, nous vous
faisons vivre les petites histoires de la commune qui s’imbriquent dans la
Grande Histoire !
Ce qu’on y découvre ? Tout un tas de choses !
Vous saviez que le père d’Angèle venait de Molenbeek ? Que les trams étaient
tirés par des chevaux ? Que des vestiges archéologiques ont été retrouvés dans
la commune.
Cet automne, faites le plein d’aventures au MoMuse, avec :
- Les 22 septembre et 21 octobre : une balade littéraire au cœur de Molenbeek
- Du 27 septembre au 7 novembre : une exposition textile au musée : la Maille
des Femmes
- Les 2 ou 3 novembre : suivez une visite insolite au Cimetière Communal
Le MoMuse ouvre ses portes à toute personne souhaitant nous rendre visite, mais
aussi des groupes (scolaire, ASBL, primo-arrivants, PMR,..), avec la possibilité
d’adapter la visite en fonction d’une thématique ou de son public.
Vous souhaitez réserver une visite guidée du musée ? Rien de plus simple !
Contactez et retrouvez-nous par téléphone (02 412 08 12) ou par mail
(momuse@molenbeek.irisnet.be).
Accès facile par :
En métro/tram :
- Comte de Fandre
- Ribaucourt
- Étangs Noirs
En voiture :
- Parking Brunfaut – rue Fernand Brunfaut (gratuit)
Nous sommes ouverts mardi, mercredi et jeudi, de 12h00 à 17h00 et dimanche, de
13h00 à 18h00.
Pour plus d’informations, n’hésitez pas à vous rendre sur notre site :
www.momuse.be. Suivez toutes nos incroyables aventures sur Instagram et sur
Facebook (MoMuse1080) !
À très bientôt, au MoMuse !
********** Nederlands **********
Van het dorp uit de middeleeuwen tot de stad van vandaag biedt MoMuse een
kleurrijke reis door Sint-Jans-Molenbeek. Ontdek hoe het grondgebied en zijn
bevolking, de woonomstandigheden en de economie, het onderwijs en de
verschillende manieren van samenleven evolueerden. Via kleine verhalen nemen we
je mee in de Grotere Geschiedenis van de gemeente waarmee ze zijn verweven!
Wat ontdek je? Een heleboel dingen!
Wist je dat de vader van Angèle uit Molenbeek kwam? Dat trams door paarden
werden getrokken? Dat er archeologische resten zijn gevonden in de gemeente.
Deze herfst kun je avonturen beleven in MoMuse, met :
- 22 september en 21 oktober: een literaire wandeling door het hart van
Molenbeek
- Van 27 september tot 7 november: een textieltentoonstelling in het museum:
Vrouwenbreiwerk
- 2 of 3 november: een ongewone rondleiding op de Gemeentelijke Begraafplaats
MoMuse opent zijn deuren voor iedereen die ons wil bezoeken, maar ook voor
groepen (scholen, vzw's, nieuwkomers, personen met beperkte mobiliteit...), met
de mogelijkheid om het bezoek aan te passen aan een bepaald thema of publiek.
Wil je een rondleiding door het museum boeken? Makkelijker kan het niet!
Contacteer ons per telefoon (02 412 08 12) of per e-mail
(momuse@molenbeek.irisnet.be).
Gemakkelijk bereikbaar:
Met de metro/tram :
- Graaf van Vlaanderen
- Ribaucourt
- Zwarte Vijvers
Met de wagen:
- Parking Brunfaut –Fernand Brunfautstraat (gratis)
We zijn open op dinsdag, woensdag en donderdag van 12u00 tot 17u00 en op zondag
van 13u00 tot 18u00.
Ga voor meer informatie naar onze website: www.momuse.be. Volg al onze
ongelofelijke avonturen op Instagram en Facebook (MoMuse1080)!
Tot zeer binnenkort bij MoMuse!
********** English **********
With what sense of irony does a visual artist announce to the viewer in the
opening of his exhibition that “we see nothing” ?
Of course, challenging ourselves about what an image depicts - in itself a
constant reminder of Magritte’s painting "ceci [still] n’est pas une pipe” -
“has been and remains" the essence of modern painting. Bouchard's work is no
exception to this question, but for him this question is not only the subtext of
his work: it is integrated into the fabric of the work, in the layers of which
it is composed.
Let me explain. His paintings, often begin with a "cloud of points", the graphic
translation of the analysis of a given site generated by the geomatic equipment
known by the acronym LIDAR (Light Detection & Ranging). Despite the nebulous
metaphor that should make us stop and think, LIDAR is an essential tool in
today’s management decision making. The tool is supposed to produce an objective
view of our environment, even if certain features of our environment -
wasteland, watercourses, etc. - end up creating voids, inaccuracies and "data
trails”. This is where the painter steps in and takes over. Without him, in
short, we see nothing, we perceive nothing of the sensitive experience of the
country, that is to say of the landscape. So much so that one is reminded of the
famous quote by the art historian Ernst Gombrich about LIDAR: “the innocent eye
is a myth... “ .
The title of a book “On n’y voit rien” (“we see nothing in it”) can be traced
back to another art historian, Daniel Arasse. This short phrase invites us to
focus on the work of art itself rather than any art commentary if we are finally
to "see something" - hence the subtitle, Descriptions. Describing his work is
far from simple as Bouchard excels in cultivating the indistinct. It’s looks
like a landscape: there are skies, clouds, vegetation, plant elk, mudflows,
heavenly stars. It reminds one of Victor Hugo's romantic landscapes of coffee
ground, or the jagged landscapes of the baroque Hercule Seghers: "Lava, mud,
trees like rags and pebble stones. 1”
But unlike these two glorious ancestors, Bouchard does not compose imaginary
landscapes- quite the contrary. Not only do many of his landscapes derive from
indisputable computer syntheses, but they have their roots in time and space.
Bouchard adds to the stratigraphy of it all by being an uprooted Canadian living
in Belgium. Each of these recordings focuses on an identified space, close to
the places where he has lived. He chooses Belgian linen canvas, which has a
heavy physical characteristic and dates back to a long history of Western
painting. Born in Belgium, Van Eyck, the founding father of Western painting,
taught us how metaphysics can be anchored in the here and now. In a different
moment in history, as if symmetrically, the painter of the Anthropocene faces
another “representation challenge”. As Bouchard says: figuring out the impact of
the industrial activity that defines its era, on human beings and environments.
How can painting make us see this?
While Bouchard's work integrates the long timeframe of geology, it also requires
meticulousness and plenty of time from the viewer because "you can't see
anything" immediately, says the painter. It was once said "art is long", both in
the making and in contemplation. In Bouchard's work, the question of 'doing' is
central to reconciling so many physical and temporal factors. To transcribe the
"data fog", he implements solutions innovative and improbable technical
solutions that go so far as to micro-perforating the canvas. He also knows how
to paint as a meditative process. And so, applying his subtle glazes,
illuminating the back of the canvas with colour, the painter proceeds by
successive ‘mise en abîme’, discards and imperceptible shifts. In the end, the
painting imposes itself with a kind of sovereign and, yes, joyful clarity.
Yves Randaxhe, July 2024
Jérôme Bouchard would like to thank Pierre Hallot, Professor and geomatician at
the University of Liège, Bryan Stepien and Amélie Dor (Relab, Liège) and
Technifutur (Seraing) for their invaluable support.
1 Carl Einstein, (Engravings by Hercule Seghers, in Documents: doctrines,
archaeology, fine arts, ethnography, 1929, (p. 291-297).
Mini Bio
Jérôme Bouchard (1977) was born in Saint-Félicien, Quebec, Canada, and lives and
works in Brussels. His work can be found in public and private collections
including the Montreal Museum of Fine Arts, the Musée national des beaux-arts de
Québec, the Musée d'art contemporain de Montréal, the Musée d'art contemporain
de Joliette, the Hydro-Québec collection and the HBC New York collection. He has
taken part in numerous artists' residencies, including TOKAS in Japan, the
Boghossian Foundation (Villa Empain), RAVI (Liège) and the Cité internationale
des Arts in Paris.
********** Français **********
« on n’y voit rien : tout de suite »
(une exposition de Jérôme Bouchard à la galerie Michèle Schoonjans)
Par quelle antiphrase – ou par quelle ironie ? - un artiste visuel en vient-il à
annoncer au regardeur, en exergue de son exposition, que « l’on n’y voit rien »
?
Certes, s’interroger (et nous avec) sur ce que montre vraiment l’image - quitte
à nous rappeler sans relâche que « ceci n’est [toujours] pas une pipe » - a été
et reste « la grande affaire » de la peinture moderne. Celle de Bouchard n’y
fait pas exception, mais chez lui, cette question-là n’est pas seulement le
sous-texte de sa pratique : elle se trouve intégrée à la matière de l’œuvre,
dans la stratification-même qui la compose.
Expliquons-nous. Au départ de sa peinture, il y a souvent un « nuage de points »
, soit la traduction graphique de l’analyse d’un site donné générée par
l’appareillage géomatique désigné par l’acronyme LIDAR (Light Detection &
Ranging). Malgré la métaphore nébuleuse qui devrait nous mettre la puce à
l’oreille, l’instrument, incontournable aujourd’hui dans la prise de décision en
matière de gestion du territoire, est donc supposé produire une vision objective
de notre environnement. Même si certaines particularités de celui-ci - friches,
cours d’eau, etc. - finissent par induire des trous, des imprécisions, des «
traînées de données ». C’est par là que le peintre s’engouffre, reprend la main
. Car sans lui, en somme, on n’y voit rien, on ne perçoit rien de l’expérience
sensible du pays, c’est-à-dire du paysage. Si bien que l’on pourrait
paraphraser, à propos du LIDAR la citation célèbre de l’historien de l’art Ernst
Gombrich : « the innocent eye is a myth... » .
On n’y voit rien : c’est à un autre historien de l’art, Daniel Arasse, que
remonte cette courte phrase, titre d’un ouvrage qui nous invite ou nous enjoint,
pour enfin « voir quelque chose », à revenir à l’œuvre d’art plutôt qu’à ses
commentaires - d’où le sous-titre de Descriptions. Décrire, ici, n’est pas le
plus simple, tant Bouchard s’entend à cultiver l’indistinct. On dirait un
paysage : il y a des cieux, des nuées, des élans végétaux, des coulures de boue,
des vedute spectrales. On croirait revoir les paysages romantiques au marc de
café de Victor Hugo ou les paysages déchiquetés du baroque Hercule Seghers : «
De la lave, de la boue, des arbres comme des chiffons et des éboulis de galets.
1» Mais à la différence de ces deux glorieux ascendants, Bouchard ne compose pas
de paysage imaginaire – bien au contraire : non seulement beaucoup de ceux-ci
procèdent de synthèses informatiques indiscutables, mais ils manifestent leur
enracinement dans le temps et l’espace – et Bouchard en assure la double
stratigraphie, lui, le Canadien déraciné vivant en Belgique. Chacune de ces
captations porte sur un espace identifié, proche des lieux où il a vécu. Pour
support, il choisit la toile de lin belge, porteuse, jusque dans ses
caractéristiques physiques, de l’histoire longue de la peinture occidentale, née
ici-même. Van Eyck, son père fondateur, nous a appris comment elle permettait
d’ancrer la métaphysique dans l’ici et le maintenant ; à l’autre bout de
l’histoire, comme symétriquement, le peintre de l’anthropocène fait face à un
autre « défi à la représentation », comme le dit Bouchard : figurer l’impact de
l’activité industrielle qui définit son époque, sur les êtres humains et les
environnements. Comment la peinture peut-elle nous faire voir cela ?
Si celle de Bouchard intègre le temps long de la géologie, elle postule aussi
minutie et lenteur. Le regardeur ne gagnera rien sans la même disposition, car «
on n’y voit rien tout de suite », précise le peintre. « L’art est long »,
disait-on autrefois : dans le faire comme dans la contemplation. Chez Bouchard,
la question du « faire » est centrale, dès lors qu’il s’agit de réconcilier,
dans l’œuvre, tant de données physiques et temporelles. Si, pour transcrire le «
brouillard de données », il met en place des solutions techniques innovantes et
improbables qui iront jusqu’à micro-perforer la toile, il sait aussi pratiquer
la peinture comme un processus méditatif. Et ainsi, apposant ses glacis subtils,
éclairant de couleurs jusque l’envers de la toile, le peintre procède par mises
en abîme successives, défaussements, glissements imperceptibles. Pour qu’à la
fin la peinture s’impose avec une sorte d’évidence souveraine et, oui !,
joyeuse.
Yves Randaxhe, juillet 2024
Jérôme Bouchard tient à remercier pour leur très précieuse collaboration M.
Pierre Hallot, professeur et géomaticien à l’Université de Liège, M. Bryan
Stepien et Mme Amélie Dor (Relab, Liège) ainsi que l’asbl Technifutur (Seraing).
1 Carl Einstein, (Gravures d’Hercule Seghers, dans Documents : doctrines,
archéologie, beaux-arts, ethnographie, 1929, (p. 291-297).
Mini Bio
Jérôme Bouchard (1977) est originaire de Saint-Félicien (Québec, Canada), il vit
et travaille à Bruxelles. Son travail fait partie de collections publiques et
privées telles que le Musée des beaux-arts de Montréal, le Musée national des
beaux-arts de Québec, le Musée d’art contemporain de Montréal, le Musée d’art
contemporain de Joliette, la collection Hydro-Québec ainsi que la collection HBC
New York. Il a participé à de nombreuses résidences d’artistes dont le TOKAS au
Japon, la Fondation Boghossian (Villa Empain), le RAVI (Liège), la Cité
internationale des Arts à Paris.
********** Nederlands **********
Met welke antifrase - of welke ironie? - kondigt een beeldend kunstenaar de
toeschouwer bij de opening van zijn of haar tentoonstelling aan dat "je niets
kunt zien"?
Natuurlijk is en blijft het bevragen (en onszelf) van wat het beeld werkelijk
laat zien - zelfs als dat betekent dat we er voortdurend aan herinnerd moeten
worden aan Magritte schilderij “ceci n’est pas une pipe” van de moderne
schilderkunst. Het schilderij van Bouchard vormt daarop geen uitzondering, maar
in zijn geval is deze vraag niet slechts een subtekst van zijn praktijk: hij is
geïntegreerd in het materiaal van het werk, in de gelaagdheid waaruit het is
opgebouwd.
Ik zal het uitleggen. Zijn schilderijen beginnen vaak met een 'puntenwolk', de
grafische vertaling van de analyse van een bepaalde locatie die wordt
gegenereerd door de geomatica-apparatuur die bekend staat onder het acroniem
LIDAR (Light Detection & Ranging). Ondanks de nevelige metafoor die ons zou
moeten waarschuwen, wordt dit instrument, dat tegenwoordig onmisbaar is in de
besluitvorming over landbeheer, verondersteld een objectieve visie van onze
omgeving te produceren. Zelfs als bepaalde kenmerken van onze omgeving -
braakliggende terreinen, waterlopen, enz. - uiteindelijk leiden tot hiaten,
onnauwkeurigheden en “datasporen”.
Dit is waar de schilder tussenbeide komt en het overneemt. Want zonder hem,
kortom, zien we niets, nemen we niets waar van de gevoelige ervaring van het
land, dat wil zeggen van het landschap. Zozeer zelfs dat we de beroemde
uitspraak van kunsthistoricus Ernst Gombrich over LIDAR zouden kunnen
parafraseren: “het onschuldige oog is een mythe...”.
Deze korte zin, de titel van een werk dat ons uitnodigt om terug te keren naar
het kunstwerk in plaats van naar de commentaren, als we eindelijk “iets willen
zien”, is afkomstig van een andere kunsthistoricus, Daniel Arasse - vandaar de
ondertitel Descriptions. Beschrijven is hier niet het gemakkelijkste, gezien
Bouchard voorliefde voor het cultiveren van het onduidelijke. Het ziet eruit als
een landschap: er zijn luchten, wolken, vegetatie, modderstromen, spectrale
sterren. Het is alsof je teruggaat naar Victor Hugo's romantische landschappen,
of naar de grillige landschappen van barokkunstenaar Hercule Seghers: “Lava,
modder, bomen als vodden en kiezelstenen.1”
Maar in tegenstelling tot deze twee glorieuze voorouders componeert Bouchard
geen imaginaire landschappen - integendeel: veel van deze opnames zijn niet
alleen het product van onbetwistbare computersyntheses, maar ze zijn ook
geworteld in tijd en ruimte - en Bouchard, de ontwortelde Canadees die in België
woont, is verantwoordelijk voor hun dubbele stratigrafie. Elk van deze opnames
focust op een geïdentificeerde ruimte, dicht bij de plaatsen waar hij heeft
gewoond. Als drager koos hij Belgisch linnen doek, dat tot in zijn fysieke
kenmerken de lange geschiedenis van de westerse schilderkunst draagt, die hier
is ontstaan. Van Eyck, de grondlegger ervan, leerde ons hoe het metafysica kon
verankeren in het hier en nu; aan de andere kant van de geschiedenis, als
symmetrisch, wordt de schilder van het Antropoceen geconfronteerd met een andere
“uitdaging aan de representatie”, zoals Bouchard het uitdrukt: het in kaart
brengen van de impact van de industriële activiteit die zijn tijdperk bepaalt,
op mens en milieu. Hoe kan de schilderkunst ons dit laten zien?
Hoewel Bouchard werk het lange tijdsbestek van de geologie bevat, is het ook
nauwgezet en langzaam. De kijker zal niets winnen zonder dezelfde houding, want
“je ziet niets meteen”, zegt de schilder. Vroeger werd gezegd dat “kunst veel
tijd kost”, zowel in het doen als in het beschouwen.
In het werk van Bouchard staat de vraag naar “doen” centraal om zoveel fysieke
en tijdelijke elementen met elkaar te verzoenen. Om de “mist van gegevens” te
transcriberen, gebruikt hij innovatieve en onwaarschijnlijke technische
oplossingen die zo ver gaan dat hij het doek microperforeert, maar hij weet ook
hoe hij schilderen als een meditatief proces kan gebruiken. En zo, terwijl hij
zijn subtiele glazuren aanbrengt, de achterkant van het doek verlicht met kleur,
gaat de schilder verder met opeenvolgende mise en abîme, ongedaanmakingen,
onmerkbare verschuivingen. Uiteindelijk dringt het schilderij zich op met een
soort soevereine en, ja, vreugdevolle helderheid.
Yves Randaxhe, Juli 2024
Jérôme Bouchard bedankt Pierre Hallot, Professor en geomatoloog aan de
Universiteit van Luik, Bryan Stepien en Amélie Dor (Relab, Luik) en Technifutur
(Seraing) voor hun onschatbare steun.
1 Carl Einstein, (Engravings by Hercule Seghers, in Documents: doctrines,
archaeology, fine arts, ethnography, 1929, (p. 291-297).
Mini Biografie
Jérôme Bouchard (1977) werd geboren in Saint-Félicien, Quebec, Canada, en woont
en werkt in Brussel. Zijn werk bevindt zich in openbare en privécollecties
waaronder het Montreal Museum of Fine Arts, het Musée National des Beaux-Arts de
Québec, het Musée d’Art Contemporain de Montréal, het Musée d’Art Contemporain
de Joliette, de Hydro-Québec Collectie en de HBC New York Collectie. Hij heeft
deelgenomen aan talrijke kunstenaarsresidenties, waaronder TOKAS in Japan, de
Boghossian Stichting (Villa Empain), RAVI (Luik) en de Cité internationale des
Arts in Parijs.
1.
-> Conférence organisée par La Nombreuse rassemblant Solal Israel, Anaëlle
Prêtre (chargée de projets Expositions au Jacques Franck) et Charlotte Lalau (La
Nombreuse).
À quelle heure ? 18h.
Où ? La Nombreuse, 42 rue du Fort 1060 à Saint-Gilles.
2.
-> Finissage de l'exposition Soon This Place Will Be Too Small, ouvert à tous !
À quelle heure ? Dès 19h.
Où ? Au Jacques Franck, dans l'espace d'exposition et au bar ;)