The first joint exhibition of Hungarian artist, Árpád Forgó and Brussels-based
ceramic artist Abel Jallais takes place at the Front Gallery of Liszt Institute,
Brussels as an official off program of Art Brussels international contemporary
art fair.
At the exhibition, through unusual constellations, Forgó’s delicate shaped
canvas compositions get in dialogue with the monochrome ceramic objects of Abel
Jallais. Despite of working with different medium, their approach and processes
share several similarities. They create non-representational objects, which do
not intend to generate direct associations; the content of the work is its
colour, shape, texture, size and scale.
Both artists developed his own basic forms, from which they build the artworks:
Jallais is using additions, cut-outs and repetition in his “Bonbonne” series;
Forgó is applying different reflection methods, as well as shifting. They create
simple and visually controllable pieces that need to be observed and discovered.
Árpád Forgó works with basic geometric forms and through isometric
transformations; he builds shaped canvas compositions, visualising structures,
shapes, measurements and rhythm, as well as planar and spatial relationships. He
developed shaped canvas modules in order to build block-like or hollow,
symmetrical or asymmetrical compositions. In the recent years, he experiments
intensively with different compound painting processes in order to challenge the
viewer’s perception not only by the structure but also by the material.
Abel Jallais has an attraction to facing unknown objects; therefore, he peals
off the functional territories of the archaic objects and transforms them into a
free form of interpretation. They become a fictional territory again to explore,
offering the opportunity to the passive user to open a new dialogue with the
form. Sighing with the eyes, turning around, manipulating to return to a
primitive form of primitive apprehension. His practice moves in this interstice.
The fictional sense becomes the functional sense.
Both artists work with traditional materials, aiming for industrial perfection,
still keeping the craftsmanship of the process.
Árpád Forgó is a Budapest-based artist. After graduating, he soon started to
focus on geometric abstraction and made paintings with tactile feature. He has
always been interested in the periphery of painting and sculpture. Since 2015,
he creates shaped canvas works and modular compositions. He has exhibited
widely, including solos shows at Anya Tish Gallery in Houston; Schlieder
Contemporary in Frankfurt; Viltin Gallery, Budapest and Rómer Flóris Museum of
Art and History in Győr, Hungary. He has participated in group shows at Ludwig
Museum and Vasarely Museum in Budapest and the Museum Ritter in Waldenbuch,
Germany. Artist residency programs play an important role in the artist’s
career, he was invited to Norway, Australia, Spain, and several times to the
United States. For 2019-2020, he was awarded The Pollock-Krasner Foundation
grant.
Abel Jallais is a French-born ceramic artist living and working in Brussels.
After his studies at the College of Fine Arts in Angers, where he concentrated
on sculpture and drawing, he spent a year in Colombia, where he did an
internship at Campo de Gutierrez artist residency centre, where ceramics played
a major role. He had already been working with clay since his teenage years, and
this experience strengthened his desire to explore this material further. On his
return to Europe, he joined the master’s programme in ceramics at La Cambre
National College of Visual Arts in Brussels, graduating in 2018. Since then, he
has divided his time between his art practice at Espace Triphasé art studio and
his work as a teacher at the Brussels Art Academy and as a teaching assistant at
the ceramics department at La Cambre. His works have been exhibited at numerous
galleries and art spaces in Brussels, including Galerie Cohérent, Musée du
Cinquantenaire, Puls Ceramics Gallery and Espace La Vallée, as well as at
international ceramics platforms in Belgium, The Netherlands and France.
///
Curator: Gábor Pintér
Let's art in Brussels 2024
Description
⬇️NL ➡️FR Let’s art in Brussels 2024 est LA rencontre du monde artistique belge.
17 artistes présenteront leurs tableaux, leurs sculptures, leurs photographies et leurs bijoux. Ensemble, ils mettront en avant la culture belge dans toute sa diversité.
ℹ INFOS PRATIQUES
Dates de l'exposition
Du mardi 12 au dimanche 24 mars 2024
Horaires de l’exposition
Mardis (10-16h)
Mercredis (16-18h)
Jeudis (16-18h) et nocturnes (18h-21h)
Vendredis (16-18h)
Samedis et dimanches (11-18h)
🎫 Entrée gratuite, sans réservation
AU PROGRAMME
Défilé de mode du créateur belge Marco Luca le mercredi 20 mars 2024 entre 16h et 18h.
ℹ Plus d'infos sur l'expo: https://montdepiete.be/nl/blogs/news/expo-lets-art-in-brussels-2024
--
Let's art in Brussels 2024 is DE ontmoetingsplaats voor de Belgische kunstwereld.
17 kunstenaars stellen er hun schilderijen, beeldhouwwerken, foto's, juwelen en andere creaties voor. Samen willen ze de Belgische cultuur in al haar diversiteit in de kijker zetten.
ℹ PRAKTISCHE INFORMATIE
Data van de tentoonstelling
Van dinsdag 12 tot zondag 24 maart 2024
Openingsuren van de tentoonstelling
Dinsdag (10-16u)
Woensdag (16-18u)
Donderdag (16-18u) en nocturnes (18h-21u)
Vrijdag (16-18u)
Zaterdag en zondag (11-18u)
🎫Gratis toegang, zonder reservatie
OP HET PROGRAMMA
Modeshow van de Belgische ontwerper Marco Luca op woensdag 20 maart 2024 tussen 16u en 18u.
ℹ️ Meer informatie over de tentoonstelling
https://montdepiete.be/nl/blogs/news/expo-lets-art-in-brussels-2024
17 artistes présenteront leurs tableaux, leurs sculptures, leurs photographies et leurs bijoux. Ensemble, ils mettront en avant la culture belge dans toute sa diversité.
ℹ INFOS PRATIQUES
Dates de l'exposition
Du mardi 12 au dimanche 24 mars 2024
Horaires de l’exposition
Mardis (10-16h)
Mercredis (16-18h)
Jeudis (16-18h) et nocturnes (18h-21h)
Vendredis (16-18h)
Samedis et dimanches (11-18h)
🎫 Entrée gratuite, sans réservation
AU PROGRAMME
Défilé de mode du créateur belge Marco Luca le mercredi 20 mars 2024 entre 16h et 18h.
ℹ Plus d'infos sur l'expo: https://montdepiete.be/nl/blogs/news/expo-lets-art-in-brussels-2024
--
Let's art in Brussels 2024 is DE ontmoetingsplaats voor de Belgische kunstwereld.
17 kunstenaars stellen er hun schilderijen, beeldhouwwerken, foto's, juwelen en andere creaties voor. Samen willen ze de Belgische cultuur in al haar diversiteit in de kijker zetten.
ℹ PRAKTISCHE INFORMATIE
Data van de tentoonstelling
Van dinsdag 12 tot zondag 24 maart 2024
Openingsuren van de tentoonstelling
Dinsdag (10-16u)
Woensdag (16-18u)
Donderdag (16-18u) en nocturnes (18h-21u)
Vrijdag (16-18u)
Zaterdag en zondag (11-18u)
🎫Gratis toegang, zonder reservatie
OP HET PROGRAMMA
Modeshow van de Belgische ontwerper Marco Luca op woensdag 20 maart 2024 tussen 16u en 18u.
ℹ️ Meer informatie over de tentoonstelling
https://montdepiete.be/nl/blogs/news/expo-lets-art-in-brussels-2024
Sculpture
Painting
Fashion
Art
Info & Reservation
Venue
2 Pictures
Suggested events
********** English **********
From 25 April to 5 May, Brussels will be all about contemporary jewellery! For
its second edition, the Brussels Jewellery Week brings together established and
emerging artists, collectors and an international audience.
Brussels Jewellery Week aims to highlight contemporary jewellery as a creative
and innovative craft. In addition to the main exhibition at MAD Brussels, tours,
lectures and workshops will be organised at various locations around the city.
PARTICLE[S]
In physics, "elementary particles" are the smallest elements that form the
matter and forces of the universe: in constant motion, these small entities are
capable, by fusion, of forming large ensembles, thus forming the basis of all
creation and transformation. In grammar, a particle is a small unchanging
element: fixed, unassuming, it inflects the meaning of a word by connecting with
it.
The concept of PARTICLE[S] can be approached from a purely scientific or
technical standpoint. But it can also be seen, in a world threatened by
pollution, as a metaphor for many human interactions that ultimately form a
critical mass. In the world of contemporary jewelry, we see that each material
consists of the same tiny particles that together, in subtle arrangements, form
a work of art.
********** Français **********
Du 25 avril au 5 mai, Bruxelles se met à l'heure du bijou contemporain ! La
capitale européenne réunit des artistes établis et émergents, des
collectionneurs et un public international pour la deuxième édition de la
Brussels Jewellery Week. Pour rappel, la première édition a eu lieu en 2022,
avec l'exposition principale "In Fieri" au MAD Brussels.
La Brussels Jewellery Week vise à mettre en valeur le bijou contemporain en tant
qu'artisanat créatif et innovant. En plus de l'exposition principale au MAD
Brussels, des visites guidées, des conférences et des ateliers seront organisés
à travers toute la ville.
PARTICLE[S]
En physique, les "particules élémentaires" sont les plus petits éléments qui
forment la matière et les forces de l'univers : en mouvement constant, ces
petites entités sont capables, par fusion, de former de grands ensembles, à la
base de toute création et transformation. En grammaire, une particule est un
petit élément immuable : fixe, discrète, elle infléchit le sens d'un mot en se
liant à lui.
Le concept de PARTICULE[S] peut être abordé d'un point de vue purement
scientifique ou technique. Mais il peut aussi être envisagé, dans un monde
menacé par la pollution, comme une métaphore des nombreuses interactions
humaines qui finissent par former une masse critique. Dans l'univers de la
joaillerie contemporaine, on constate que chaque matériau est constitué des
mêmes minuscules particules qui, ensemble, dans des arrangements subtils,
forment une œuvre d'art.
********** Nederlands **********
Van 25 april tot 5 mei staat Brussel in het teken van hedendaagse juwelen! Voor
haar tweede editie brengt de Brussels Jewellery Week gevestigde en opkomende
kunstenaars, verzamelaars en een internationaal publiek samen.
De Brussels Jewellery Week wil hedendaagse juwelen onder de aandacht brengen als
een creatieve en innovatieve ambacht. Naast de hoofdtentoonstelling bij MAD
Brussels worden er rondleidingen, lezingen en workshops georganiseerd op
verschillende locaties in de stad.
PARTICLE[S]
In de fysica zijn 'elementaire deeltjes' de kleinste elementen waaruit de
materie en de krachten van het universum bestaan: in voortdurende beweging zijn
deze kleine lichamen in staat om, door samensmelting, grote ensembles te vormen
en zo de basis te vormen van alle schepping en transformatie. In de grammatica
is een deeltje een klein onveranderlijk element: vast, bescheiden, het verbuigt
de betekenis van een woord door zich ermee te verbinden.
Het begrip PARTICLE[S] kan benaderd worden vanuit een puur wetenschappelijk of
technisch standpunt. Maar het kan ook gezien worden, in een wereld die bedreigd
wordt door vervuiling, als een metafoor voor vele menselijke interacties die
uiteindelijk een kritische massa vormen. In de wereld van de hedendaagse juwelen
zien we dat elk materiaal bestaat uit dezelfde kleine deeltjes die samen, in
subtiele ordeningen, een kunstwerk vormen.
Exposition de Benjamin Hendlisz et Adrien Roubens, qui vous présentent leur
oeuvres sur toile ou sur objets. Cette exposition est organisée en collaboration
avec le Colllectif Propaganza. Issus du street art, venez découvrir comment ils
ont utiliser leurs techniques (aérosol et peinture acrylique) pour créer des
oeuvres qui peuvent s'intégrer dans harmonieusement dans votre intérieur.
********** English **********
Since 2012, Louidgi Beltrame has been conducting research in Peru which has led
him to investigate the Nazca geoglyphs and film the practice of José Levis Picón
Saguma, a curandero (traditional healer or shaman). Through films, photographs,
ink drawings on canvas, and a sculpture produced for his exhibition at La Loge,
the artist explores the liminal figure of the huaquero ('clandestine grave
digger'). By maintaining links with the past, huaquería—or clandestine
excavation—could be seen as a form of resistance to colonisation and a forced,
rational interpretation of the world. Here, traditions, spirits, and ancestors
are kept alive by owing to transactional gestures and the transmission of
knowledge.
The exhibition at La Loge is presented in partnership with le Centre d’art
contemporain d’Ivry — le Crédac.
********** Français **********
Depuis 2012, Louidgi Beltrame développe une recherche au Pérou, laquelle l’a
mené à expérimenter les géoglyphes de Nazca, ou à filmer la pratique du
curandero (guérisseur traditionnel ou chamane) José Levis Picón Saguma. À
travers des films, des photos, des encres sur toile et une sculpture, produits
pour l’exposition présentée à La Loge, l’artiste s’intéresse à la figure
liminale du huaquero (« fouilleur de tombes clandestin »). La huaquería —
c’est-à-dire la fouille clandestine — pourrait être perçue comme une forme de
résistance à la colonisation et à l’imposition d’une lecture rationnelle du
monde, en permettant d’assurer des liens avec le passé. Ici, entre les gestes de
transactions et les transmissions de savoirs, traditions, esprits et ancêtres
demeurent vivant·es.
********** Nederlands **********
Sinds 2012 doet Louidgi Beltrame onderzoek in Peru. Zo onderzocht hij de
geogliefen van Nazca en filmde hij de praktijk van de curandero (traditionele
genezer of sjamaan) José Levis Picón Saguma. De tentoonstelling in La Loge richt
zich aan de hand van films, foto's, inktwerken op doek en een sculptuur, op de
liminale figuur van de huaquero, een persoon die illegale opgravingen uitvoert
op precolumbiaanse vindplaatsen. Huaquería – of clandestiene opgraving – kan
worden gezien als een vorm van verzet tegen de kolonisatie en tegen het
opdringen van een rationele kijk op de wereld , omdat het de banden met het
verleden behoudt. Hierdoor blijven tradities, geesten en voorouders levend, te
midden van het uitvoeren van transacties en het overdragen van kennis.
********** English **********
Griet Dobbels explores the history of the landscape from various different
perspectives – industrial, political, geological, geographical, demographical
and archaeological – and how its usage changes over time. How do we relate to
that landscape? What are the unique aspects that define a ‘place’ or
‘territory’?
********** Français **********
Griet Dobbels explore l'histoire du paysage sous différents angles - industriel,
politique, géologique, géographique, démographique et archéologique - et la
manière dont son utilisation évolue au fil du temps. Quelle est notre relation à
ce paysage? Quels sont les aspects uniques qui définissent un "lieu" ou un
"territoire"?
********** Nederlands **********
Griet Dobbels onderzoekt in haar werk het landschap vanuit verschillende
perspectieven: politiek, geologisch, geografisch, demografisch en archeologisch.
Hoe gaan wij om met het landschap? Hoe is het landschap veranderd doorheen de
tijd? Wat zijn de unieke kenmerken van een plek of een gebied?
********** English **********
The animal kingdom has long been a source of inspiration for both the visual
arts and jewellery.
True to their philosophy of wearable contemporary jewellery, but also driven by
a sense of humour and the offbeat, Hectare's gallery owners have selected six
artists from near and far to put wildlife in the spotlight. Bestiaire Star
ventures into disturbing, surprising and seductive territory, populated by
hybrid creatures.
The creations of Miriam Arentz, Monika Brugger, Benedikt Fischer, Lore
Langendries, Märta Mattsson and Vivienne Varay play on attraction and repulsion,
without avoiding the question of the materials used: imitated or real,
reinvented or recycled.
The bestiary - an educational picture book - becomes a cabinet of curiosities.
Where the trivial is adorned with the precious, where the object becomes a
story, where the familiar is hijacked and emboldened to the brink of the
strange.
Hectare's Bestiaire Star exhibition is part of the Be.Tour for the second
edition of Brussels Jewellery Week from 25 to 28 April 2024. A festival that
highlights contemporary jewellery and brings together 15 Brussels and
international galleries.
********** Français **********
Le règne animal inspire de longue date tant les arts visuels que les éléments de
parure.
Fidèles à leur philosophie du bijou contemporain portable, mues aussi par un
sens certain de l’humour et du décalage, les galeristes d’Hectare ont
sélectionné six artistes d’ici et d’ailleurs pour mettre la faune à l’honneur.
Bestiaire Star s’aventure dans des territoires inquiétants, surprenants,
séduisants, peuplés d’hybrides créatures.
Les créations de Miriam Arentz, Monika Brugger, Benedikt Fischer, Lore
Langendries, Märta Mattsson et Vivienne Varay mettent en jeu l’attraction et la
répulsion, sans esquiver la question des matériaux convoqués: imités ou
véritables, réinventés ou recyclés.
Le bestiaire – cet imagier à visée éducative – se mue ici en cabinet de
curiosités. Où le trivial se pare de précieux, où l’objet devient histoire, où
la familiarité détournée s’enhardit jusqu’à tutoyer l’étrange.
L’exposition Bestiaire Star d’Hectare s’inscrit dans le Be.Tour de la seconde
édition de la Brussels Jewellery Week du 25 au 28 avril 2024. Un festival qui
met en lumière le bijou contemporain et qui regroupe 15 galeries bruxelloises et
internationales.
********** Nederlands **********
Het dierenrijk is al lang een bron van inspiratie voor zowel de beeldende kunst
als sieraden.
Trouw aan hun filosofie van draagbare hedendaagse sieraden, maar ook gedreven
door gevoel voor humor en het onconventionele, hebben de galeriehouders van
Hectare zes kunstenaars van heinde en verre geselecteerd om wilde dieren in de
schijnwerpers te zetten. Bestiaire Star begeeft zich op verontrustend,
verrassend en verleidelijk terrein, bevolkt door hybride wezens.
De creaties van Miriam Arentz, Monika Brugger, Benedikt Fischer, Lore
Langendries, Märta Mattsson en Vivienne Varay spelen met aantrekking en
afstoting, zonder de kwestie van de gebruikte materialen uit de weg te gaan:
nagemaakt of echt, opnieuw uitgevonden of gerecycled.
Het bestiarium - een educatief prentenboek - wordt een rariteitenkabinet. Waar
het triviale wordt opgesierd met het kostbare, waar het object een verhaal
wordt, waar het vertrouwde wordt gekaapt en uitvergroot tot het randje van het
vreemde.
De tentoonstelling Bestiaire Star van Hectare maakt deel uit van de Be.Tour voor
de tweede editie van de Brussels Jewellery Week van 25 tot 28 april 2024. Een
festival dat hedendaagse juwelen in de kijker zet en 15 Brusselse en
internationale galerijen samenbrengt.
Modesti Perdriolle Gallery présente un solo show de Samantha McEwen, artiste
anglo-américaine née à Londres en 1960, avec un ensemble d'œuvres des années
1980 à nos jours. A cette occasion sera lancée la première monographie dédiée à
la vie et à l'œuvre de Samantha McEwen publiée par 5 Continents Éditions.
Samantha McEwen arrive à New York à l’âge de 18 ans. Elle s’inscrit à la School
of Visual Arts où elle sympathise avec l’un des étudiants, Keith Haring, puis
Kenny Scharf. New York est alors un village où tous les artistes se côtoient.
Samantha participe à la vie intense de l’East Village. Elle collabore à de
nombreuses expositions aussi bien dans des Clubs qu’à la galerie Tony Schafrazi
en 1985 et 1987.
La fin des années 1980 est marquée par le Sida. New York devient une ville où
l’on ose plus demander des nouvelles de ses proches. Samantha se réinstalle à
Londres. Ce ne sont pas des années faciles pour les artistes femmes. Il faudra
attendre les années 2010 pour voir à nouveau des peintures de Samantha McEwen
dans des lieux renommés, en 2015 à la Pace Gallery de Londres dans une
exposition de groupe en hommage au grand marchand anglais Robert Fraser et en
2017 au MoMA dans l’exposition témoignage 'Club 57, Film, Performance, and Art
in the East Village, New York, 1978-1983'.
Samantha McEwen arrive à New York à l’âge de 18 ans. Elle s’inscrit à la School
of Visual Arts où elle sympathise avec l’un des étudiants, Keith Haring, puis
Kenny Scharf. New York est alors un village où tous les artistes se côtoient.
Samantha participe à la vie intense de l’East Village. Elle collabore à de
nombreuses expositions aussi bien dans des Clubs qu’à la galerie Tony Schafrazi
en 1985 et 1987.
La fin des années 1980 est marquée par le Sida. New York devient une ville où
l’on ose plus demander des nouvelles de ses proches. Samantha se réinstalle à
Londres. Ce ne sont pas des années faciles pour les artistes femmes. Il faudra
attendre les années 2010 pour voir à nouveau des peintures de Samantha McEwen
dans des lieux renommés, en 2015 à la Pace Gallery de Londres dans une
exposition de groupe en hommage au grand marchand anglais Robert Fraser et en
2017 au MoMA dans l’exposition témoignage 'Club 57, Film, Performance, and Art
in the East Village, New York, 1978-1983'.
L'exposition MOLENROM : Exploration visuelle des "identités rom" dévoile les
résultats d'ateliers artistiques menés par l'artiste Marion Colard avec les
adolescent.es de l'association Molenrom. À travers une variété d'oeuvres
collectives telles que la photographie, le dessin, la peinture et le monotype,
elle propose des perspectives multiples et personnelles sur les "identités
roms*".
Plongez dans une collection de portraits et d'autoportraits créés par des
enfants de 10 à 15 ans. Cette exposition offre une vision authentique et nuancée
des identités romani, permettant au public de découvrir la diversité et la
complexité de ces communautés au-delà des stéréotypes.
MOLENROM vous invite à une exploration visuelle et émotionnelle, créant un
espace où les récits individuels fusionnent pour former une représentation
vibrante et authentique des habitant.es de Molenbeek.
*Le terme "rom" est utilisé de manière générique pour désigner divers groupes
ethniques et culturels romani. Il ne reflète pas nécessairement la manière dont
chaque individu s'identifie
********** English **********
In her second solo exhibition at the Michèle Schoonjans Gallery, Amélie Scotta
presents a series of works exploring the notions of habitat and landscape
through colour and organic materials, brought to life through both drawing
(wood, bark, rock, etc.) and paper (mineral, vegetable, etc.).
In the Withdraw series, the artist works in two stages, superimposing two layers
of drawing and two types of perspective. The first layer, applied quickly and
randomly across the entire surface of the paper in coloured ink, can evoke the
atmospheric dimension of a landscape. The bright, unnatural colours and the
invisibility of the gesture give the impression of a luminous, radiant surface.
Here and there, accidents of material accentuate the effect of a printed image
that has been doctored, washed out and deteriorated. The second layer, drawn in
graphite, somehow constrains, obstructs or limits these infinite expanses.
Created slowly and meticulously in pencil, the motifs of trellis, wire netting
and other barriers reflect the artist's preoccupation with the question of
confinement. The idea of withdrawal, whether voluntary or not, has already been
evoked in earlier works, notably the Reclusoirs, sculptures inspired by the
small enclosed buildings in which penitents lived in the Middle Ages. But the
contrast between the immateriality of the coloured surface and the repetitive
pattern of the drawing also speaks to us of what is said beyond the edge of the
paper.
ABOUT THE ARTIST
Born in Nantes in 1983, Amélie Scotta is a visual artist and teacher based in
Brussels. She holds degrees in Design (HEAR Strasbourg, 2008) and Visual Arts
(ENSAV La Cambre, Brussels, 2016).
Since 2013, her work has been shown in numerous exhibitions in Belgium (Le
Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des Beaux-Arts,
European Parliament, etc.) and abroad (Villa Méditerranée in Marseille, Arabic
Culture House in Berlin, Matadero in Madrid, as well as Magasins Généraux,
Palais de Tokyo and Carreau du Temple in Paris). She has also held residencies
at the Casa de Velázquez in Madrid, the Cité Internationale des Arts in Paris,
the Moonens Foundation and the Boghossian Foundation in Brussels. She is the
winner of the Prix international de la Ville de Tournai in 2021, the Prix Cocof
and the Prix Carré sur Seine in 2020.
From the Jeddah Tower to the disused factories of Roubaix, from the Rio stadium
to the Versailles of the people, from medieval recluses to the scaffolding of
Brussels, it is in an intuitive way that the artist questions architecture in
all its forms. Approached primarily through drawing, but also through sculpture
and photography, construction allows her to speak of the human being, the one
who both inhabits and builds.
In more recent works, Amélie Scotta takes a more sensorial approach to landscape
and habitat, working with colour and materials. She addresses the issue of
withdrawal, a position in relation to the world that can provide protection,
confinement or liberation. Her relationship with urban planning is also leading
her increasingly towards projects in the public space.
********** Français **********
Dans sa deuxième exposition personnelle à la Michèle Schoonjans Gallery, Amélie
Scotta présente une série d’œuvres explorant les notions d’habitat et de paysage
au travers de la couleur ou de matières organiques, amenées aussi bien par le
dessin (bois, écorce, roche…) que par le support du papier (minéral, végétal…).
Dans la série Withdraw, la dessinatrice travaille en deux temps, superposant
deux couches de dessin et deux types de perspectives. La première strate,
appliquée à l’encre colorée, de manière rapide et aléatoire sur toute la surface
du papier, peut évoquer un paysage dans sa dimension atmosphérique. Les couleurs
vives, non naturelles et l’invisibilité du geste donnent l’impression d’une
surface lumineuse et irradiante. Çà et là, des accidents de matière accentuent
l’effet d’image imprimée qui aurait été trafiquée, délavée, détériorée. La
seconde strate, dessinée au graphite, vient en quelque sorte contraindre,
obstruer ou limiter ces étendues infinies.
Réalisés au crayon, de manière lente et minutieuse, les motifs de treillis, de
grillages et autres barrières nous renvoient à la préoccupation de l’artiste
pour la question de l’enfermement. Le repli, volontaire ou non, est déjà évoqué
dans des travaux antérieurs, notamment les Reclusoirs, des sculptures inspirées
des petits édifices clos dans lequel vivaient des pénitentes du Moyen-âge. Mais
ce contraste entre l’immatérialité de la surface colorée et le motif répétitif
du dessin, nous parle aussi de ce qui se raconte au-delà du bord du papier.
A PROPOS DE L’ARTISTE
Née à Nantes en 1983, Amélie Scotta est une artiste plasticienne et enseignante
basée à Bruxelles. Elle est diplômée en Design (HEAR Strasbourg, 2008) et en
arts visuels (ENSAV La Cambre, Bruxelles, 2016).
Depuis 2013, son travail a été présenté dans de nombreuses expositions en
Belgique (Le Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des
Beaux-Arts, Parlement européen…) et à l'étranger (Villa Méditerranée à
Marseille, Arabic Culture House à Berlin, Matadero à Madrid, mais aussi Magasins
Généraux, Palais de Tokyo et Carreau du Temple à Paris). Elle a notamment été
résidente à la Casa de Velázquez à Madrid, à la Cité Internationale des Arts à
Paris, à la Fondation Moonens et à la Fondation Boghossian à Bruxelles. Elle est
lauréate du Prix international de la Ville de Tournai en 2021, du Prix Cocof et
du prix Carré sur Seine en 2020.
De la Jeddah Tower aux usines désaffectées de Roubaix, en passant par le stade
de Rio, le Versailles du peuple, les reclusoirs médiévaux ou les échafaudages
bruxellois, c’est de manière intuitive que l’artiste interroge l’architecture
sous toutes ses formes. Abordée principalement par le dessin, mais aussi par la
sculpture ou la photographie, la construction lui permet de parler de l’humain,
celui qui, tout à la fois, habite et édifie.
Dans des travaux plus récents, Amélie Scotta approche le paysage et l’habitat de
manière plus sensorielle, en passant par un travail de la couleur et de la
matière. Elle y aborde la question du repli, une position face au monde qui peut
apporter protection, enfermement ou libération. Son rapport à l’urbanisme
l’amène également de plus en plus vers
des projets dans l’espace public.
********** Nederlands **********
In haar tweede solotentoonstelling in de Michèle Schoonjans Gallery presenteert
Amélie Scotta een serie tekeningen die, naast de problematiek van de
leefomgeving, de landschapsconcepten onderzoekt door middel van kleur of
organische materialen, die zowel door het onderwerp van de tekening als door de
papieren drager (mineraal, plantaardig, enz.) worden ingebracht.
In de serie Withdraw werkt de kunstenares in twee fasen, waarbij ze gebruik
maakt van verschillende lagen in de tekening en van twee soorten perspectief. De
eerste laag, die snel en willekeurig met gekleurde inkt over het hele
papieroppervlak wordt aangebracht, kan de atmosferische dimensie van een
landschap oproepen. De heldere, onnatuurlijke kleuren en de afwezigheid van het
gebaar geven de indruk van een lichtgevend, stralend oppervlak. Hier en daar
accentueren ongelukjes met het materiaal het effect van een afgedrukte
afbeelding, die is bewerkt, uitgewassen of beschadigd. De laag grafiet, die in
een later stadium wordt aangebracht, beperkt, belemmert of begrenst op de een of
andere manier deze oneindige uitgestrektheid.
De grafiettekeningen, die langzaam en minutieus met potlood zijn gemaakt, tonen
rasterwerk, hekken en andere barrières en weerspiegelen de preoccupatie van de
kunstenaar met het vraagstuk van zich opgesloten te voelen. Het idee van zich
terugtrekken, vrijwillig of niet, werd al opgeroepen in eerdere werken, met name
de Reclusoirs, sculpturen geïnspireerd op de kleine afgesloten gebouwen waarin
boetelingen in de Middeleeuwen leefden. Maar dit contrast tussen de
niet-materiële aard van het gekleurde oppervlak en het repetitieve patroon van
de tekening spreekt ook tot ons over wat er voorbij de rand van het papier
gebeurt, in wat bekend staat als het buitenbeeld. Net als het raam, dat zowel
verbergt als zichtbaar maakt, laat de muur toch de horizon zien, waardoor we ons
een mogelijke ontsnapping kunnen voorstellen.
OVER DE KUNSTENARES
Amélie Scotta, geboren in Nantes in 1983, is beeldend kunstenaar en docente in
Brussel. Ze behaalde een diploma in Design (HEAR Straatsburg, 2008) en in
Visuele Kunsten (ENSAV La Cambre, Brussel, 2016).
Sinds 2013 is haar werk te zien geweest in talrijke tentoonstellingen in België
(Le Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des
Beaux-Arts, Europees Parlement, enz.) en in het buitenland (Villa Méditerranée
in Marseille, Arabic Culture House in Berlijn, Matadero in Madrid, evenals in
Magasins Généraux, Palais de Tokyo en Carreau du Temple in Parijs). Ze heeft ook
residenties gehad in het Casa de Velázquez in Madrid, de Cité Internationale des
Arts in Parijs, de Moonens Stichting en de Boghossian Stichting in Brussel. Ze
is de winnaar van de Prix international de la Ville de Tournai in 2021, de Prix
Cocof en de Prix Carré sur Seine in 2020.
Van de toren van Jeddah tot de verlaten fabrieken van Roubaix, van het stadion
van Rio tot het Versailles van het volk, van middeleeuwse kluizenaars tot de
steigers van Brussel, de kunstenares stelt intuïtief de architectuur in al haar
vormen ter discussie. Ze benadert de architectuur voornamelijk door middel van
tekenen, maar ook door middel van beeldhouwen en fotografie.Door de constructie
kan ze spreken over de mens, degene die zowel bewoont als bouwt.
In haar meer recente werk kiest Amélie Scotta voor een meer zintuiglijke
benadering van landschap en leefomgeving, waarbij ze gebruik maakt van zowel
kleur als materialen. In haar meer recente werk kiest Amélie Scotta voor een
meer zintuiglijke benadering van landschap en leefomgeving, waarbij ze gebruik
maakt van zowel kleur als materialen. Ze gaat in op het thema van het zich
terugtrekken, een positie ten opzichte van de wereld die bescherming,
afzondering of bevrijding kan brengen. In haar meer recente werk kiest Amélie
Scotta voor een meer zintuiglijke benadering van landschap en leefomgeving,
waarbij ze gebruik maakt van zowel kleur als materialen. Ze gaat in op het thema
van het zich terugtrekken, een positie ten opzichte van de wereld die
bescherming, afzondering of bevrijding kan brengen. Haar fascinatie voor
stedenbouw leidt haar ook steeds meer naar projecten in de openbare ruimte.
********** English **********
“The recent works (2023-2024) presented here explore the many potentialities of
painting, while opening up to other techniques such as drawing, embroidery and
ceramics. Her work is ever-changing and multi-faceted. The artist plays with the
material components of her works, such as the canvas, the frame and the support
for her paintings, which she twists, turns and metamorphoses endlessly. A
gradual conquest towards other dimensions, other potential spaces beyond the
imposed framework.” – Catherine Henkinet
********** Français **********
“Les œuvres récentes (2023-2024) ici présentées déclinent les nombreuses
potentialités qu’offre la peinture tout en s’ouvrant à d’autres techniques : le
dessin, la broderie, la céramique. Son travail est sans cesse changeant,
protéiforme car l’artiste joue avec les composantes matérielles de ses œuvres
comme la toile, le châssis ou le support de ses peintures qu’elle détourne,
retourne et métamorphose à l’envi. Une conquête progressive vers d’autres plans,
d’autres espaces possibles hors du cadre imposé. ” – Catherine Henkinet
********** Nederlands **********
"De recente werken (2023-2024) die hier worden gepresenteerd verkennen de vele
mogelijkheden van de schilderkunst, terwijl ze zich ook openstellen voor andere
technieken zoals tekenen, borduren en keramiek. Haar werk is steeds veranderend
en veelzijdig. De kunstenaar speelt met de materiële componenten van haar
werken, zoals het doek, het frame en de drager van haar schilderijen, die ze
eindeloos verdraait, draait en metamorfoseert. Een geleidelijke verovering naar
andere dimensies, andere potentiële ruimtes buiten het opgelegde kader." -
Catherine Henkinet