********** Français ********** 
Dans "SEQUENCE 033", la galerie d'art contemporain Le Neuf Gallery présente des extraordinaires oeuvres de 3 artistes. Guillaume Thunis (encre sur papier) BEDDRU (mixed media sur plexiglas) Ine Lammers (huile sur toile) Le Neuf Gallery, située au cœur du quartier artistique de Bruxelles, est facilement accessible en transports en commun, en vélo ou en voiture (parking sous le bâtiment). 
 ********** Nederlands ********** 
In "SEQUENCE 033" presenteert de hedendaagse kunstgalerie Le Neuf Gallery buitengewone werken van 3 kunstenaars. Guillaume Thunis (inkt op papier) BEDDRU (mixed media op plexiglas) Ine Lammers (olie op doek) Le Neuf Gallery ligt in het hart van de Brusselse kunstwijk en is gemakkelijk bereikbaar met het openbaar vervoer, de fiets of met de auto (parkeergarage onder het gebouw).
 ********** English ********** 
In “SEQUENCE 033”, contemporary art gallery Le Neuf Gallery presents extraordinary works by 3 artists. Guillaume Thunis (ink on paper) BEDDRU (mixed media on plexiglass) Ine Lammers (oil on canvas) Le Neuf Gallery, located in the heart of the Brussels art district, is easy to access by public transport, by bike, or by car (parking under the building).

SEQUENCE 033 | Guillaume Thunis - BEDDRU - Ine Lammers

<div>ThomC Que ce soit en comparant le monde de la physique aux mystères des sentiments humains, l'approche de ThomC en matière d'écriture de chansons réside davantage dans le domaine des pensées poétiques que dans celui des conversations quotidiennes. En 2024, ThomC entreprend le voyage de présenter "Apogee", un nouvel album de 12 titres dont il présentera un single inédit lors de son concert au Salon ! Un album dédié au silence avant la tempête, aux courtoisies dans les moments difficiles, au fait de vivre une relation amoureuse comme un délit de fuite, à trouver une place et identité dans un monde qui manque de vision. </div>

Le Salon

Concert à la bougie avec ThomC

<div>Distants de 90 kilomètres mais philosophiquement proches, c’est naturellement que La Roseraie et Latitude 50 se rencontrent à travers ce cabaret.&nbsp;Pays de ralliement, il rassemble des artistes qui se croisent régulièrement dans les salles de répétition ; de ces rencontres naît l’envie pour un moment de se rassembler, de se compléter.&nbsp;Ce cabaret organisé par La Roseraie et Latitude 50 est une création unique jouée à Marchin, à la Roseraie et dans quelques grandes villes de notre petit pays.​Après quelques éditions organisées avec succès il y a quelques années, le Cabaret Cirque de la Roseraie et Latitude 50 revient en force avec l’arrivée de lieux de représentations adaptés aux arts du cirque… Un beau grand chapiteau pour la Roseraie et un cirque en dur à Latitude 50. </div>

La Roseraie

Cabaret Cirque

********** Français ********** 
Dans les arts du spectacle, les marionnettes et les masques sont des outils pour les acteurs afin de donner vie aux personnages. Dans l'ancienne utilisation cérémoniale de ces objets, ils étaient destinés à habiter une "âme", à la loger comme un vaisseau et à lui permettre de revivre une fois de plus. Le travail de Matt marche sur la ligne entre ces mondes. Même immobiles en exposition, son objectif est que les masques et les objets donnent l'impression d'être vivants. Le résultat souhaité nécessite un processus sensible de sculpture de leurs expressions subtiles, combiné au choix des matériaux. Il utilise le bois, le papier, des colles organiques et de l'argile car il croit que ces matériaux portent une vibration de vie qui peut être perçue par un public. Hébergée dans l'inspirant espace de la Project(ion) Room, l'œuvre habitera différents lieux pour créer un environnement dans lequel on peut déambuler, explorer et contempler. La plupart des pièces proviennent de la collection personnelle de Matt, telles que des masques en papier et des marionnettes en frêne, bien que plusieurs objets soient empruntés à d'anciens clients. Des grandes impressions photographiques de son travail par Teis Albers sont également exposées. Le dimanche 19 et le lundi 20, les œuvres prendront littéralement vie lors de deux performances spécifiques au site et largement improvisées. Matt collaborera avec ‘performance artist’ Ruben Mardulier et le musicien Jean-Jacques Duerinckx et ensemble, ils permettront aux objets et à l'atmosphère de déterminer les histoires qu'ils souhaitent partager. Une marionnette endormie auparavant peut soudainement se réveiller alors qu'un masque flottant apparaît des coins cachés... Les inspirations pour le travail de performance viennent du théâtre physique, de la danse butoh et du théâtre de masques et de marionnettes japonais. BIO MATT JACKSON est un fabricant professionnel de marionnettes et de masques pour le cinéma, le théâtre et les beaux-arts avec plus de 20 ans d'expérience. Originaire des États-Unis, il est désormais basé aux Pays-Bas où il crée des œuvres sur commande et produit ses propres performances et expositions. Certaines créations sont utilisées par le maître marionnettiste Kanroku à Osaka, Japon ; la compagnie Ulrike Quade à Amsterdam, Pays-Bas ; Créa-Théâtre à Tournai, Belgique, et bien d'autres encore. Ses recherches personnelles portent sur l'utilisation de matériaux et de méthodes organiques/non toxiques. Et une prise de conscience de la durabilité dans les arts l'inspire également à travailler avec des "objets trouvés" qui donnent un élément d'imprévisibilité à son processus de conception. Matt anime régulièrement des cours professionnels de fabrication dans son studio à 's-Hertogenbosch, et a également enseigné au Figurteatret i Nordland (Stamsund, Norvège); à l'École Nationale Supérieure des Arts de la Marionnette (Charleville-Mézières, France); au Centre de la Marionnette (Belgique) et à la Central School of Speech and Drama (Royaume-Uni). 
 ********** Nederlands ********** 
In de podiumkunsten worden poppen en maskers door acteurs gebruikt om personages tot leven te brengen. personages tot leven te brengen. In het oude ceremoniële gebruik van deze voorwerpen waren ze bedoeld om in een 'ziel' te wonen, deze als een vat te huisvesten en opnieuw te laten leven. opnieuw. Matt's werk beweegt zich op de grens tussen deze werelden. Zelfs als ze onbeweeglijk tentoongesteld worden dat de maskers en objecten voelen dat ze leven. Het gewenste resultaat vereist een gevoelig proces van beeldhouwen van hun subtiele uitdrukkingen, in combinatie met de keuze van materialen. Hij gebruikt hout, papier, organische lijm en klei, omdat hij gelooft dat deze materialen een levendige betekenis hebben. Hij gelooft dat deze materialen een levendigheid in zich dragen die kan worden waargenomen door een publiek. Ondergebracht in de inspirerende Project(ion) Room, zal het werk verschillende locaties bewonen om een omgeving te creëren waarin je kunt ronddwalen, onderzoeken en contempleren. om een omgeving te creëren waarin je kunt ronddwalen, onderzoeken en nadenken. De meeste stukken komen uit Matt's persoonlijke collectie, zoals papieren maskers en aspoppen, nou ja papieren maskers en aspoppen, hoewel verschillende objecten zijn geleend van voormalige klanten. Grote fotoafdrukken van zijn werk door Teis Albers worden ook tentoongesteld. Op zondag 19 en maandag 20 komen de werken letterlijk tot leven in twee locatiegebonden, grotendeels geïmproviseerde voorstellingen. site-specific en grotendeels geïmproviseerde performances. Matt werkt samen met performancekunstenaar Ruben Mardulier en muzikant Jean-Jacques Duerinckx, en samen laten ze de objecten en de sfeer de verhalen bepalen die ze willen delen. en sfeer de verhalen laten bepalen die ze willen delen. Een slapende pop kan plotseling wakker worden als een zwevend masker uit verborgen hoeken tevoorschijn komt... Inspiratie voor het performancewerk komt van fysiek theater, butohdans en masker- en poppentheater. Japans masker- en poppentheater. BIO MATT JACKSON is een professionele poppen- en maskermaker voor film, theater en beeldende kunst met en beeldende kunst met meer dan 20 jaar ervaring. Hij komt oorspronkelijk uit de VS en is nu nu gevestigd in Nederland waar hij werk in opdracht maakt en zijn eigen voorstellingen en tentoonstellingen produceert. Sommige van zijn creaties worden gebruikt door meesterpoppenspeler Kanroku in Osaka, Japan; het Ulrike Quade gezelschap in Amsterdam, Nederland; Créa-Théâtre in Tournai, België, en vele anderen. Haar persoonlijke onderzoek richt zich op het gebruik van organische/niet-toxische materialen en methoden. giftige materialen en methoden. En een bewustzijn van duurzaamheid in de kunst inspireert haar ook om te werken met 'gevonden voorwerpen' die een element van onvoorspelbaarheid toevoegen aan zijn ontwerpproces. Matt geeft regelmatig professionele maakcursussen in zijn studio in 's-Hertogenbosch, en heeft ook lesgegeven aan het Figurteatret i Nordland (Stamsund, Noorwegen); aan de École Nationale Supérieure des Arts de la Marionnette (Charleville-Mézières, Frankrijk); het Centre de la Marionnette (België) en aan de Central School of Speech and Drama (VK). 
 ********** English ********** 
In the performing arts, puppets and masks are tools used by actors to bring characters to life. bring characters to life. In the ancient ceremonial use of these objects, they were intended to inhabit a 'soul', to house it like a vessel and allow it to live once more. again. Matt's work walks the line between these worlds. Even immobile in exhibition, his aim is for the masks and objects to feel alive. The desired result requires a sensitive process of sculpting their subtle expressions, combined with the choice of materials. He uses wood, paper, organic glues and clay, because he believes that these materials carry a vibrancy of meaning. believes that these materials carry a vibration of life that can be perceived by an audience. Housed in the inspiring Project(ion) Room, the work will inhabit different locations to create an environment in which to wander, explore and contemplate. create an environment in which to wander, explore and contemplate. Most of the pieces come from Matt's personal collection, such as paper masks and ash puppets, well although several objects are borrowed from former clients. Large photographic prints of his work by Teis Albers are also on display. On Sunday 19 and Monday 20, the works will literally come to life in two site-specific, largely improvised performances. site-specific and largely improvised performances. Matt will be working with performance artist Ruben Mardulier and musician Jean-Jacques Duerinckx, and together they will allow the objects and the atmosphere to determine the stories they tell. and atmosphere to determine the stories they wish to share. A sleeping puppet can suddenly wake up as a floating mask appears from hidden corners... Inspiration for the performance work comes from physical theatre, butoh dance and Japanese mask and puppet theatre. Japanese mask and puppet theatre. BIO MATT JACKSON is a professional puppet and mask maker for film, theatre and fine art with over and fine arts with over 20 years' experience. Originally from the USA, he is now now based in the Netherlands where he creates commissioned work and produces his own performances and exhibitions. Some of his creations are used by master puppeteer Kanroku in Osaka, Japan; the Ulrike Quade company in Amsterdam, Netherlands; Créa-Théâtre in Tournai, Belgium, and many others. Her personal research focuses on the use of organic/non-toxic materials and methods. toxic materials and methods. And an awareness of sustainability in the arts also inspires her to work with 'found objects' which add an element of unpredictability to his design process. Matt regularly runs professional making courses at his studio in 's-Hertogenbosch, and has also taught at the Figurteatret i Nordland (Stamsund, Norway); at the École Nationale Supérieure des Arts de la Marionnette (Charleville-Mézières, France); at the Centre de la Marionnette (Belgium) and at the Central School of Speech and Drama (UK).

The Vessel

Visite en tram (merci de prévoir un titre de transport valable). Entamée à la fin du 18ème siècle, dans le Quartier Royal, la modernisation de l’espace urbain bruxellois va connaître son grand développement un siècle plus tard dans le cadre de l’extension extraordinaire de la ville. Dans ce « tournant du siècle », Bruxelles, alors en pleine explosion démographique, s’étend le long de sa première ceinture, entre autres dans les communes d’Ixelles ou de Saint-Josse. Certains quartiers du centre historique, seront « modernisés », d’autres sortiront de terre, parallèlement au succès du tramway. Cette visite, qui vous fera traverser plusieurs communes, prend comme point de départ le quartier des étangs à Ixelles dont le caractère paysagé et l’architecture soignée s’adaptent parfaitement au cadre naturel de la vallée du Maelbeek. Un voyage en tram emmènera ensuite le visiteur à la découverte d’autres sites tels l’avenue Louise et son urbanisme de prestige, ou le Petit Sablon, chef d’œuvre de l’historicisme au cœur de la ville médiévale. C’est sur le site du Botanique et dans son extraordinaire jardin de sculptures fin-de-siècle que ce voyage à travers le Bruxelles fin-de-siècle se clôturera. Durée : 2h Départ : À l’angle de la rue du Lac et de la rue de la Vallée, 1050 Bruxelles Fin : Botanique (Rue Royale 236, 1210 Bruxelles)

Friterie du Bourdon

Bruxelles Fin-de-siècle

Aux marges d’Uccle coexistent des villas luxueuses ou moins, des cités-jardins et des cités sociales, des lotissements, des immeubles de standing, des alignements de maisons « bel étage », mais aussi des noyaux villageois. Entre ceux-ci, il y a aussi des espaces non bâtis : zones semi-naturelles, réserves naturelles, parcs, plaines de jeux, friches, potagers, bois et même des terres agricoles. Et pour relier tout ça, des chemins, vicinaux ou non, des rues paisibles, des trottoirs bordés de haies, en pavés, en terre ou en dalles. Durée : 2h Lieu de départ : Devant la friterie du Bourdon, chaussée d’Alsemberg 1155, 1180 Uccle

Aux marges d'Uccle

********** Français ********** 
Le dimanche 19 et le lundi 20, les œuvres de l'exposition "The Vessel" prendront littéralement vie lors de deux performances spécifiques au site et largement improvisées. Matt Jackson collaborera avec ‘performance artist’ Ruben Mardulier et le musicien Jean-Jacques Duerinckx et ensemble, ils permettront aux objets et à l'atmosphère de déterminer les histoires qu'ils souhaitent partager. Une marionnette endormie auparavant peut soudainement se réveiller alors qu'un masque flottant apparaît des coins cachés... Les inspirations pour le travail de performance viennent du théâtre physique, de la danse butoh et du théâtre de masques et de marionnettes japonais.
 ********** Nederlands ********** 
Op zondag 19 en maandag 20 komen de werken in de tentoonstelling 'The Vessel' letterlijk tot leven in twee locatiegebonden, grotendeels geïmproviseerde performances. Matt Jackson zal samenwerken met performancekunstenaar Ruben Mardulier en muzikant Jean-Jacques Duerinckx, en samen laten ze de objecten en de sfeer bepalen welke verhalen ze vertellen. en sfeer de verhalen laten bepalen die ze willen delen. Een slapende pop kan plotseling wakker worden als een zwevend masker uit verborgen hoeken tevoorschijn komt... Inspiratie voor het performancewerk komt van fysiek theater, butohdans en masker- en poppentheater. Japans masker- en poppentheater.
 ********** English ********** 
On Sunday 19 and Monday 20, the works in 'The Vessel' exhibition will literally come to life in two site-specific, largely improvised performances. Matt Jackson will be working with performance artist Ruben Mardulier and musician Jean-Jacques Duerinckx, and together they will allow the objects and the atmosphere to determine the stories they tell. and atmosphere to determine the stories they wish to share. A sleeping puppet can suddenly wake up as a floating mask appears from hidden corners... Inspiration for the performance work comes from physical theatre, butoh dance and mask and puppet theatre. Japanese mask and puppet theatre.

Carré de je est un hymne à la complicité, à l‘union fraternelle. Dans un espace simple et brut, se retrouvent deux frères. Seuls ou à l’unisson, ils développent un langage acrobatique en se confrontant l‘un à l‘autre pour mieux témoigner de leur lien. Dans un univers visuel et graphique plein d‘imaginaire, confusion et connexion s‘entrecroisent jusqu‘à semer le trouble et bousculer nos repères. Mélange des corps, acrobaties en boucles, on ne discerne plus celui qui mène la danse et celui qui suit, celui qui porte, celui qui vole dans les airs… Avec eux, équilibres, main à main et jeux icariens font résonner engagement et affrontement autant qu’étreinte et complicité pour mieux explorer, non sans humour, les arcanes de leur dualité. La lumière s’en mêle, le tapis glisse…

Carré de je

On connaît mieux l’histoire de la marquise de Montespan, devenue la grande favorite du Roi Soleil, que celle de son pauvre mari inconsolable. En 1663, Louis-Henri de Pardaillan, marquis de Montespan, fou amoureux de sa femme, la charmante Françoise de Rochechouart, est prêt à tout pour récupérer celle « qu’on n’aime qu’une fois dans une vie ». Il entame une guerre sans relâche contre son royal rival. Pendant 44 ans. De coups de sang en échecs, de faux espoirs en trahisons, le cocu magnifique y perdra la santé. Une adaptation sous forme d’intrigue enlevée, sidérante, tendre – et amère parfois – du best-seller historique de Jean Teulé qui rend hommage à l’homme qui a refusé l’honneur d’accepter avec le sourire que sa femme soit la favorite du roi. Le courage de l’amour ?

Le Montespan

Dit pop- en jazzkoor toont het beste van zichzelf de combinatie van hun verschillende stemmen zorgt voor een harmonisch geheel. Met hun muziek, wil Punch Art, discriminatie de wereld uithelpen en focussen op een wereld waar iedereen welkom is. Tickets via Punch Art Choir.

Punch Art Choir

<div>Après “Le Trophée” (2011), “Pouvoir aux Roux” (2015) et “Chaise de Jardin” (2020), le duo de chanson belgo-cosmique Jules &amp; Jo est de retour avec "Le Futur est Génial", un album absolument cinglé, qu'ils présenteront dans le chapiteau de la Roseraie le 25 mai ! ​Mêlant machines électroniques, claviers, guitares, accordéons, percussions et objets en tous genres, leur univers mordant &amp; déjanté ne laisse pas indifférent. Lauréats de nombreux prix en France, Belgique et Suisse, Jules &amp; Jo continuent à creuser leur sillon : celui du "non-sens qui fait sens" et de la folie douce.</div>

Sortie du nouvel album de Jules&Jo !

On croit tous et toutes connaître sa grand-mère... Puis, un jour, à cause d’une roue voilée, on descend dans la cave et… dans un bric-à-brac de bandes magnétiques, caisses et carnets, on découvre qu’elle fut bien d’autres femmes. Des chutes du Niagara au sommet des Andes, la roue d’une vie hardie s’emballe sous nos yeux pour une série d’épopées-souvenirs rocambolesques et inspirantes. ​Entre spectacle de marionnette et concert multi-instrumental, pop-up géant et praxinoscope, Racagnac présente des fantaisies visuelles, sonores et historiques, surtout les plus farfelues.

Ma grand-mère est une aventurière

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In her second solo exhibition at the Michèle Schoonjans Gallery, Amélie Scotta presents a series of works exploring the notions of habitat and landscape through colour and organic materials, brought to life through both drawing (wood, bark, rock, etc.) and paper (mineral, vegetable, etc.). In the Withdraw series, the artist works in two stages, superimposing two layers of drawing and two types of perspective. The first layer, applied quickly and randomly across the entire surface of the paper in coloured ink, can evoke the atmospheric dimension of a landscape. The bright, unnatural colours and the invisibility of the gesture give the impression of a luminous, radiant surface. Here and there, accidents of material accentuate the effect of a printed image that has been doctored, washed out and deteriorated. The second layer, drawn in graphite, somehow constrains, obstructs or limits these infinite expanses. Created slowly and meticulously in pencil, the motifs of trellis, wire netting and other barriers reflect the artist's preoccupation with the question of confinement. The idea of withdrawal, whether voluntary or not, has already been evoked in earlier works, notably the Reclusoirs, sculptures inspired by the small enclosed buildings in which penitents lived in the Middle Ages. But the contrast between the immateriality of the coloured surface and the repetitive pattern of the drawing also speaks to us of what is said beyond the edge of the paper. ABOUT THE ARTIST Born in Nantes in 1983, Amélie Scotta is a visual artist and teacher based in Brussels. She holds degrees in Design (HEAR Strasbourg, 2008) and Visual Arts (ENSAV La Cambre, Brussels, 2016). Since 2013, her work has been shown in numerous exhibitions in Belgium (Le Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des Beaux-Arts, European Parliament, etc.) and abroad (Villa Méditerranée in Marseille, Arabic Culture House in Berlin, Matadero in Madrid, as well as Magasins Généraux, Palais de Tokyo and Carreau du Temple in Paris). She has also held residencies at the Casa de Velázquez in Madrid, the Cité Internationale des Arts in Paris, the Moonens Foundation and the Boghossian Foundation in Brussels. She is the winner of the Prix international de la Ville de Tournai in 2021, the Prix Cocof and the Prix Carré sur Seine in 2020. From the Jeddah Tower to the disused factories of Roubaix, from the Rio stadium to the Versailles of the people, from medieval recluses to the scaffolding of Brussels, it is in an intuitive way that the artist questions architecture in all its forms. Approached primarily through drawing, but also through sculpture and photography, construction allows her to speak of the human being, the one who both inhabits and builds. In more recent works, Amélie Scotta takes a more sensorial approach to landscape and habitat, working with colour and materials. She addresses the issue of withdrawal, a position in relation to the world that can provide protection, confinement or liberation. Her relationship with urban planning is also leading her increasingly towards projects in the public space. 
 ********** Français ********** 
Dans sa deuxième exposition personnelle à la Michèle Schoonjans Gallery, Amélie Scotta présente une série d’œuvres explorant les notions d’habitat et de paysage au travers de la couleur ou de matières organiques, amenées aussi bien par le dessin (bois, écorce, roche…) que par le support du papier (minéral, végétal…). Dans la série Withdraw, la dessinatrice travaille en deux temps, superposant deux couches de dessin et deux types de perspectives. La première strate, appliquée à l’encre colorée, de manière rapide et aléatoire sur toute la surface du papier, peut évoquer un paysage dans sa dimension atmosphérique. Les couleurs vives, non naturelles et l’invisibilité du geste donnent l’impression d’une surface lumineuse et irradiante. Çà et là, des accidents de matière accentuent l’effet d’image imprimée qui aurait été trafiquée, délavée, détériorée. La seconde strate, dessinée au graphite, vient en quelque sorte contraindre, obstruer ou limiter ces étendues infinies. Réalisés au crayon, de manière lente et minutieuse, les motifs de treillis, de grillages et autres barrières nous renvoient à la préoccupation de l’artiste pour la question de l’enfermement. Le repli, volontaire ou non, est déjà évoqué dans des travaux antérieurs, notamment les Reclusoirs, des sculptures inspirées des petits édifices clos dans lequel vivaient des pénitentes du Moyen-âge. Mais ce contraste entre l’immatérialité de la surface colorée et le motif répétitif du dessin, nous parle aussi de ce qui se raconte au-delà du bord du papier. A PROPOS DE L’ARTISTE Née à Nantes en 1983, Amélie Scotta est une artiste plasticienne et enseignante basée à Bruxelles. Elle est diplômée en Design (HEAR Strasbourg, 2008) et en arts visuels (ENSAV La Cambre, Bruxelles, 2016). Depuis 2013, son travail a été présenté dans de nombreuses expositions en Belgique (Le Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des Beaux-Arts, Parlement européen…) et à l'étranger (Villa Méditerranée à Marseille, Arabic Culture House à Berlin, Matadero à Madrid, mais aussi Magasins Généraux, Palais de Tokyo et Carreau du Temple à Paris). Elle a notamment été résidente à la Casa de Velázquez à Madrid, à la Cité Internationale des Arts à Paris, à la Fondation Moonens et à la Fondation Boghossian à Bruxelles. Elle est lauréate du Prix international de la Ville de Tournai en 2021, du Prix Cocof et du prix Carré sur Seine en 2020. De la Jeddah Tower aux usines désaffectées de Roubaix, en passant par le stade de Rio, le Versailles du peuple, les reclusoirs médiévaux ou les échafaudages bruxellois, c’est de manière intuitive que l’artiste interroge l’architecture sous toutes ses formes. Abordée principalement par le dessin, mais aussi par la sculpture ou la photographie, la construction lui permet de parler de l’humain, celui qui, tout à la fois, habite et édifie. Dans des travaux plus récents, Amélie Scotta approche le paysage et l’habitat de manière plus sensorielle, en passant par un travail de la couleur et de la matière. Elle y aborde la question du repli, une position face au monde qui peut apporter protection, enfermement ou libération. Son rapport à l’urbanisme l’amène également de plus en plus vers des projets dans l’espace public. 
 ********** Nederlands ********** 
In haar tweede solotentoonstelling in de Michèle Schoonjans Gallery presenteert Amélie Scotta een serie tekeningen die, naast de problematiek van de leefomgeving, de landschapsconcepten onderzoekt door middel van kleur of organische materialen, die zowel door het onderwerp van de tekening als door de papieren drager (mineraal, plantaardig, enz.) worden ingebracht. In de serie Withdraw werkt de kunstenares in twee fasen, waarbij ze gebruik maakt van verschillende lagen in de tekening en van twee soorten perspectief. De eerste laag, die snel en willekeurig met gekleurde inkt over het hele papieroppervlak wordt aangebracht, kan de atmosferische dimensie van een landschap oproepen. De heldere, onnatuurlijke kleuren en de afwezigheid van het gebaar geven de indruk van een lichtgevend, stralend oppervlak. Hier en daar accentueren ongelukjes met het materiaal het effect van een afgedrukte afbeelding, die is bewerkt, uitgewassen of beschadigd. De laag grafiet, die in een later stadium wordt aangebracht, beperkt, belemmert of begrenst op de een of andere manier deze oneindige uitgestrektheid. De grafiettekeningen, die langzaam en minutieus met potlood zijn gemaakt, tonen rasterwerk, hekken en andere barrières en weerspiegelen de preoccupatie van de kunstenaar met het vraagstuk van zich opgesloten te voelen. Het idee van zich terugtrekken, vrijwillig of niet, werd al opgeroepen in eerdere werken, met name de Reclusoirs, sculpturen geïnspireerd op de kleine afgesloten gebouwen waarin boetelingen in de Middeleeuwen leefden. Maar dit contrast tussen de niet-materiële aard van het gekleurde oppervlak en het repetitieve patroon van de tekening spreekt ook tot ons over wat er voorbij de rand van het papier gebeurt, in wat bekend staat als het buitenbeeld. Net als het raam, dat zowel verbergt als zichtbaar maakt, laat de muur toch de horizon zien, waardoor we ons een mogelijke ontsnapping kunnen voorstellen. OVER DE KUNSTENARES Amélie Scotta, geboren in Nantes in 1983, is beeldend kunstenaar en docente in Brussel. Ze behaalde een diploma in Design (HEAR Straatsburg, 2008) en in Visuele Kunsten (ENSAV La Cambre, Brussel, 2016). Sinds 2013 is haar werk te zien geweest in talrijke tentoonstellingen in België (Le Botanique, La Médiatine, Vanderborght Building, Musées Royaux des Beaux-Arts, Europees Parlement, enz.) en in het buitenland (Villa Méditerranée in Marseille, Arabic Culture House in Berlijn, Matadero in Madrid, evenals in Magasins Généraux, Palais de Tokyo en Carreau du Temple in Parijs). Ze heeft ook residenties gehad in het Casa de Velázquez in Madrid, de Cité Internationale des Arts in Parijs, de Moonens Stichting en de Boghossian Stichting in Brussel. Ze is de winnaar van de Prix international de la Ville de Tournai in 2021, de Prix Cocof en de Prix Carré sur Seine in 2020. Van de toren van Jeddah tot de verlaten fabrieken van Roubaix, van het stadion van Rio tot het Versailles van het volk, van middeleeuwse kluizenaars tot de steigers van Brussel, de kunstenares stelt intuïtief de architectuur in al haar vormen ter discussie. Ze benadert de architectuur voornamelijk door middel van tekenen, maar ook door middel van beeldhouwen en fotografie.Door de constructie kan ze spreken over de mens, degene die zowel bewoont als bouwt. In haar meer recente werk kiest Amélie Scotta voor een meer zintuiglijke benadering van landschap en leefomgeving, waarbij ze gebruik maakt van zowel kleur als materialen. In haar meer recente werk kiest Amélie Scotta voor een meer zintuiglijke benadering van landschap en leefomgeving, waarbij ze gebruik maakt van zowel kleur als materialen. Ze gaat in op het thema van het zich terugtrekken, een positie ten opzichte van de wereld die bescherming, afzondering of bevrijding kan brengen. In haar meer recente werk kiest Amélie Scotta voor een meer zintuiglijke benadering van landschap en leefomgeving, waarbij ze gebruik maakt van zowel kleur als materialen. Ze gaat in op het thema van het zich terugtrekken, een positie ten opzichte van de wereld die bescherming, afzondering of bevrijding kan brengen. Haar fascinatie voor stedenbouw leidt haar ook steeds meer naar projecten in de openbare ruimte.

End Paper - Amélie Scotta

<div>THOT «DELTA », 4ème opus du collectif, sortira le 10 mai 2024 sur Pelagic Records (Mono, The Ocean, Psychonaut), et fait suite à « FLEUVE », paru en 2017. Mené par Grégoire Fray depuis 2008, THOT a perpétué sa mue au gré de plusieurs albums, de collaborations (Magnus Lindberg de Cult of Luna, Ben Chisholm de Chelsea Wolfe, l’artiste belge Marie-Jo Lafontaine, T. Raumschmiere, Catherine Graindorge), de changements de line-up, et plus récemment, de la pandémie, des mauvais choix, du décès tragique d’un agent alors que s'amorce une collaboration fructueuse, et de la nécessité d’également écrire dans sa langue maternelle, le français. Porté par une soif de création intarissable, tout autant que le refus de se laisser piéger par une société anxiogène, ou pire, le repli sur soi-même. Guidé par le besoin de comprendre sa place dans l’univers, dans l’espace-temps, dans sa propre histoire et dans celles des êtres chers. Et enfin, habité par cette collaboration avec les incomparables chanteuses du chœur polyphonique The Mystery of The Bulgarian Voices, qui place « DELTA » sur une carte sans frontières. Pour les fans de : FFO NIN, The Mars Volta, Killing Joke, The Young Gods, Neurosis. </div>

Thot + Freak Factor

« Plus qu’un concert, un rêve en pleine conscience musical et enchanteur ». Un projet original créé par Mousse Ouriaghli et Gregory Bromey. « Le rêve est un espace infini et inattendu dans lequel on peut tout accomplir, tout vivre, tout ressentir. Un moment réservé à l’expression de notre âme. » Et pourquoi pas en profiter pour vivre un moment musical et poétique ? Entre paroles originales des chansons écrites par Mousse ou chansons plus connues aux sonorités nouvelles, envolées sonores, rythmiques et vocales plus mystiques, Drimm vous invite, dans l’instant présent, à vous nourrir de sensibilité, de sons, de paroles, de silences et de tendresse. Assis(e)s sur une chaise, un coussin de méditation ou même couché(e)s, vous vous laisserez bercer par les mélodies originales mêlant les voix et les douces vibrations des bols tibétains de Greg, et bien d’autres instruments portant naturellement à la rêverie et à la relaxation. Mousse : Chanteur musicien auteur compositeur de chansons françaises, de ballades et d’arabesques avec un détour par le rythm'& blues dans une atmosphère toute multiculturelle aux couleurs méditerranéennes. C'est du soleil entre les cordes, ce sont des roses sans épines, des sirènes aux chants mystiques et envoûtants. Gregory : Amoureux de la vie, passionné de yoga et de musique, des bols tibétains ou en cristal, du Gong, des tambours, aussi des cordes, mais plus graves. Depuis près de 4 ans, il crée et développe des séances de bien-être au sein de séances de yoga accompagnées de chants lyriques, de musique africaine ou indienne, de massages et de sons, au cœur d’une église, d’un salon, voire à l’Opéra ! Une rencontre, un projet. Greg et Mousse étaient nécessairement appelés à se rencontrer pour donner vie à ce projet commun nourri de leurs sensibilités et de leurs univers respectifs dans un cadre nouveau dépassant le « concert de musique », à découvrir et à déguster en pleine conscience, à l’abri de tout parasitage extérieur ou tumulte intérieur afin d’accueillir et vivre pleinement ce qui s’offre à vous, telle une douce méditation entrecoupée de sons, de voix, de respirations et de silences apaisants. Vivre sans tendresse, ou sans musique, nous ne le pouvons pas. Soyez les bienvenus dans cet univers musical coloré et joyeusement agrémenté de voix et de sonorités nouvelles et singulières.

DRIMM « Plus qu’un concert, un rêve en pleine conscience musical et enchanteur »

Préparez-vous au pire et espérez le meilleur ! Bertrand en est convaincu : la fin du monde, c’est pour demain. Entre le réchauffement climatique, les catastrophes naturelles, la menace nucléaire et l’épuisement des ressources, il ne faudra pas attendre 2050 pour que tout s’effondre. Heureusement son entreprise détient LA solution. Sur scène, il présente la B.A.D. (Base autonome durable) du Centre Culturel d’Uccle. La seule alternative pour vous sauver de la catastrophe à venir, du moins, si vous en avez les moyens. Aussi drôle que cynique, “Maison Renard” est un spectacle entièrement réalisé avec de réelles données issues du monde scientifique. Doit-on vraiment craindre un effondrement de notre civilisation ? Comment vivre en autonomie totale ? Quelles seront les véritables victimes en cas d’effondrement ? Après ce spectacle, la survie n’aura plus aucun secret pour vous !

Maison Renard

Op 7 juni brengt Jaqâmaz hun nieuw album uit in Het Huys! Maak je klaar voor een oriëntaalse avond. Een combinatie van jazzharmonieën, Arabische melodieën en hedendaagse en orkestrale muziek. Jaqâmaz heeft de kracht om onze gevoelens te raken en verschillende muzikale genres te doorkruizen. De vijf muzikanten met verschillende origines (Frankrijk, Israël, Irak, ), bieden een rijke culturele ontmoeting van de mediterrane werelden en willen muzikale ontmoetingen stimuleren. BAND Joachim Ségalard - Piano Juliette Lacroix - Cello Hussein Rassim Oed (snaarinstrument) en stem Shaya Feldman - Contrabas Robin Solé - Percussie Doors: 20 : 00 Start Concert : 20 :30 Tickets: 10 Studenten: 5 Kansentarief: 2

Release concert – Jaqâmaz

<div>IT IT ANITA Tornade noise rock belge à la redoutable réputation live, It It Anita amorce une toute nouvelle ère avec Mouche. Le quatuor devient power trio, replace l’efficacité au centre de son art, et livre l’album de la décomplexion. Comme le souligne Michaël Goffard (chant/guitare), “C’est pas qu’on en a rien à foutre, c’est qu’on y va à fond !”. Ce quatrième album donne lieu à emprunter des chemins inexplorés. Ceux des structures couplet/refrain, de la lumière confrontée à la hargne, d’un phrasé à la Beastie Boys, mais aussi du storytelling. Ici, It It Anita chante la culpabilité des lendemains de soirées arrosées, les yes men qui ne reculent devant rien, ces branleurs de crypto-millionnaires ou encore le fait d’être toujours debout et prêt à faire du bruit après 10 ans d’activité. Après John Agnello, Laurent Eyen et Amaury Sauvé, les Liégeois tiennent de nouveau à rendre hommage à un personnage important de leur entourage. Important, mais d’une toute autre manière. Ce nouvel album doit son titre à l’adorable golden retriever en photo sur la pochette. Accueilli par Elliot Stassen (basse) pendant 2 ans, devenu la mascotte du groupe, Mouche est aujourd’hui devenu chien d’assistance. Une véritable icône à poil long, dont l’histoire semble faire écho au surplus de couleurs présent sur ces 9 nouveaux morceaux. Ce qui assouvit la volonté d’It It Anita d’en faire l’album le plus soudé à son public, cassant jusqu’au bout ses propres codes. </div>

It It Anita

Zin om na het werk samen met collega's bij te babbelen? Zin om andere mensen te leren kennen uit Ukkel? Welkom op onze muzikale buurtafterworks! Geniet van de lentezon op onze patio, van een gezellige babbel en van onze heerlijke lente cocktails en mocktails. Zing jij graag luidkeels mee met de laatste hits op de radio? Wil jij je gedurende 1 liedje verplaatsen in Grammy winnares Miley Cyrus met het nummer 'I can buy myself Flowers". Of zing jij graag uit volleborst mee met Sweet Caroline, oh oh oh! Kom dan zeker langs, sfeer en gezelligheid verzekerd!

Buurtafterwork - Karaoke

Si le matin, devant le miroir, vous vous dîtes que la vie ne vous a pas gâtée. Si vous ne pouvez pas vous empêcher de mettre les pieds dans le plat. Si avec des amis comme les vôtres, vous n’avez pas besoin d’ennemis. Si votre vie sentimentale ressemble à un désert. Rassurez vous n’êtes pas seule ! Thaïs boit, sort, a des parents qui ont oublié de grandir, de l’eczéma, de l’asthme tout en fumant un paquet par jour et se tape des réveils « gueule de bois/pilule du lendemain » de professionnel ! La vie de Thaïs est bien pire que la votre et vous allez vite vous sentir tout de suite mieux.

Hymne à la joie - Thaïs

Eglise Saint Marc

Catch-Art est une maison galerie qui organise des expositions d'artistes. 
Nous fournissons aussi un service de recherche d'oeuvres d'art pour les particuliers. 

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