Au-delà de leurs apparentes différences, il y a forcément une cohérence entre les peintures d’objets que sont les Vies silencieuses et les arbres, peints ou dessinés, puisque les trois séries sont issues de la main d’Alexandre Hollan. Les arbres dessinés proposent une modulation libre des gris, ceux qui sont peints une vibration éclatante des couleurs, alors que dans les vies silencieuses celles-ci sont juxtaposées, par teintes et par couches, pour aboutir à une forme de sérénité et de calme apparents vibrant de l’intérieur, au lieu que les arbres les exposent davantage, couleurs, matières et gestes. À supposer que les Vies silencieuses soient plus introspectives – ce qui est une interprétation – les arbres portent aussi un langage en attente. Les uns et les autres parlent, différemment, et tous, en nous regardant les regarder, nous parlent. Peints ou dessinés, la succession des arbres, par exemple, révèle à la fois la différence, la spécificité de chacun, mais aussi l’approche que chaque rencontre suscite chez l’artiste, qu’il s’agisse d’esquisses, de contours, de vides ou de remplis : dans sa forme et son espace, chacun de ces arbres se distingue et non se répète. Puisque aucune représentation ne peut englober un tout ni être définitive, chacune figure une tentative, un inachèvement, qui ouvre sur un autre. On pourrait faire le pari que c’est autant de visages d’Alexandre Hollan qu’ils dessinent – et je fais aussi celui que dans ce qui n’est pas un jeu de variations mais une tentative d’équilibre sans cesse recommencée, chacun d’entre nous, à la manière d’un labyrinthe, peut y trouver son chemin, et, d’une certaine manière, s’y retrouver voire s’y reconnaître. Que vous préfériez l’une ou l’autre de ces œuvres, ou plusieurs, arbre vif de couleur ou de fusain, vie silencieuse, je vous invite donc à vous demander en quoi elle vous ressemble et ce que vous y découvrez de vous. Ludovic Degroote

équilibres

Het Volk der Introverten is een geboetseerde menigte bestaande uit hoofdjes van klei met ogen dicht, gemaakt door vele handen. Onder leiding van kunstenaar Mirthe Dokter (Pollif Projects) wordt je meegenomen in een zoektocht van je handen naar jezelf, met de klei als vriendelijke bondgenoot. Door een moment gezamenlijk introvert te zijn poogt Mirthe deze kant van de mens meer ruimte te geven in het dagelijkse leven. Ook biedt het kunstwerk een podium aan de mensen die zich ongezien voelen. Je kan bijdragen aan het Volk der Introverten van Sint-Gillis door mee te kleien tijdens een boetseersessie. Jouw hoofdje wordt onderdeel van het kunstwerk, dat zo groeit en groeit. Dat kan tijdens gezamenlijke sessies, maar je kan doorlopend ook zelf komen kleien in de exporuimte, te midden van alle gezichtjes. De hoofdjes worden niet afgebakken, maar zullen uiteindelijk buiten geplaatst worden waar ze weer zullen verdwijnen. Terug naar waar de klei vandaan komt, opnieuw onzichtbaar.

De Pianofabriek

Expo Het Volk der Introverten

Het Volk Der Introverten: Vrije boetseersessie

« Voir le voir », penser le penser, vider la matière, rapprocher le lointain, donner de l’espace au temps ou encore contempler le mouvement. À travers ses oeuvres, l’artiste devient en quelque sorte une passeuse d’actualités reliées aux passés, aux présents et aux futurs. Si le visiteur ose mettre en pause sa propre machine à penser, peut-être percevra-t-il une brise de réflexions nouvelles, tantôt légères, tantôt profondes, insufflées par la puissante résonnance des créations d’Aurélie avec des sujets anthropologiques aussi simples que complexes. Pour cette exposition, Aurélie présente une installation réalisée en 2020, durant le chantier en cours de son nouvel atelier. Son défi alors : continuer de créer, tandis que le temps et l’espace manquent. Cette condition n’est pas qu’une essence symbolique pour la création, elle est concrètement et malheureusement plus que fréquente chez de nombreux artistes, et ce constat est ce qui meut la Renew Art Gallery. Aurélie Belair « commémore ».

La Patinoire Royale

Aurélie Belair : exposition personnelle

L'artiste abstraite Isa Dor convie les amateurs d'art à une expérience immersive avec son exposition, "Odyssée Chromatique – Contes de Résilience", qui promet de transporter le public au Centre d'Art Fantastique de Bruxelles. Prévue pour s'ouvrir le mercredi 22 mai de 18h à 21h, et à découvrir du 23 au 26 mai, "Odyssée Chromatique – Contes de Résilience" offre une véritable explosion sensorielle. Cette exposition explore les aspects complexes de l'expérience humaine, naviguant des ténèbres du chaos à la lumière de la résilience et de la joie. À travers plus de 25 œuvres sélectionnées avec soin, Isa Dor transcende les frontières de l'art traditionnel pour offrir des récits captivants de guérison et de renouveau. Chacune des peintures exposées témoigne des défis surmontés et de la résilience intrinsèque à la condition humaine. Le style expressif et dynamique d'Isa Dor capture l'essence de son parcours, mêlant des couleurs vibrantes à des paysages oniriques pour créer un univers où l'espoir émerge des ténèbres. Isa Dor, reconnue pour son style expressionniste audacieux, a obtenu une reconnaissance tant au niveau local qu'international. Avec des expositions en Belgique et en France, notamment une récompense au concours artistique du Festival International du Film Fantastique de Bruxelles en 2023, son travail résonne auprès des publics en quête d'expériences artistiques authentiques et profondes. "Je crois fermement au pouvoir de l'art pour guérir et connecter les âmes", déclare Isa Dor. "À travers 'Odyssée Chromatique – Contes de Résilience', je souhaite créer un espace où les visiteurs peuvent plonger dans des couleurs vibrantes et des émotions brutes, trouvant ainsi réconfort et inspiration à chaque toile." Le Centre d'Art Fantastique, situé au 18 rue de la Glacière à Bruxelles, offre un cadre idéal pour les vastes toiles d'Isa Dor. Niché au cœur des historiques Glacières de Saint Gilles, cet espace unique offre aux visiteurs l'opportunité rare de découvrir les œuvres les plus imposantes d'Isa Dor, habituellement réservées à son atelier.

Centre d'Art Fantastique

"Odyssée Chromatique - Contes de Résilience"

Des images qui, altérées, oscillent entre le lisible et l’illisible. Pourtant, des traces de présence humaine et des fragments de paysage, des textures et des sensations se révèlent à nous. Des indices semés par Solal Israel pour nous laisser entrevoir ce qui est, ce qui n’est pas, ce qui aurait pu être… ouvrant ainsi la voie à une lecture personnelle de l’image. * * * Né à Bruxelles en 1993, Solal Israel grandit dans un milieu artistique et se lance dans la photographie à 17 ans, discipline qu’il étudie à l’ÉSA Le 75 de 2011 à 2014. Parmi ses réalisations, il y a le livre [Never] Let me go, un recueil dans lequel il présente son travail entre 2012 et 2016, ou encore l’exposition Regarde mon histoire/Kijk naar mijn verhaal au Hangar en 2021. Son parcours l’amène à faire un tour du monde de début 2017 à mi-2018. Solal Israel est également cofondateur de la La Nombreuse asbl, collectif de photographes et espace de création à Saint-Gilles. * * * Vendredi 31 mai, 18h - vernissage ouvert à toustes. Samedi 8 juin, 16h - visite guidée avec l'artiste. Mercredi 12 juin, 19h15 - soirée EXPO+DOC, visite guidée suivie d'une projection. En collaboration avec le Centre du Film sur l'Art.

Soon this space will be too small  |  Solal Israel | Photographie

********** English ********** 
This installation participates at the open doors weekends of Parcours d’Artistes Saint-Gilles 2024 Declarations is an ongoing artistic research project that looks into the poetic materiality of the CSS web-language. The project is initiated by graphic designer Doriane Timmermans, a member of the collective Open Source Publishing. CSS tells a browser, screen, phone, smartwatch - and devices from the past or yet to be imagined - how text flows, spaces are divided, hyperlinks are clicked, menus unfolded, and notification bubbled. It takes care of colors, mouvement, scrolling, animations and responsiveness. Every lines of the CSS language is called a ’declaration’. Doriane invited a group of artists, writers, amateurs, designers and hackers to came together for a week to inspect a shift in design practices emerging from the nature of the web: as it is made of text, designing become writing. Makers of the web are becoming both authors and architects, and websites become a work of articulations. Questions are asked such as who decide of the words we use to shape the web, and what does they induce on our uses of technology, in terms of power and accessibility. The group researched how the malleability of language is used to dialogue with a multitude of unknown canvases; how, similarly to the choice of words we decide to use to tell a story, designing with declarations, speak about our intentions, and encodes narrations into the things we make. The results of this worksession, the first of this research, are presented as an installation in Constant’s window.
 ********** Français ********** 
Cette installation participe aux week-ends portes ouvertes du Parcours d’Artistes Saint-Gilles 2024 Declarations est un projet de recherche artistique en cours de développement sur la matérialité poétique du langage web CSS. Le projet a initié par la graphiste Doriane Timmermans, membre du collectif Open Source Publishing. Le langage web indique au navigateur, à l’écran, au téléphone, à la smartwatch - et aux appareils du passé ou ceux à imaginer - comment le texte s’écoule, comment les espaces sont divisés, les liens hypertextes sont cliqués, les menus se déplient et les notifications affichées dans des bulles. Ce langage s’occupe des couleurs, du mouvement, du défilement, des réactions, des animations et de la réactivité. Chaque ligne du langage CSS s’appelle une ’déclaration’. Doriane a invité un groupe un groupe d’artistes, d’écrivain.e.s, d’amateur.e.s, de designers et de hackers, pour examiner ensemble un changement dans les pratiques de conception émergeant de la nature du web : comme il est fait de texte, le design devient écriture. Les créateur.trice.s du web deviennent à la fois des auteur.trice.s et des architectes, et les sites web deviennent des œuvres d’articulation. Cela pose la question de savoir qui décide de ces mots et ce qu’ils induisent sur nos usages de la technologie, cela questionne le pouvoir et l’accessibilité. Le groupe a étudié comment la malléabilité du langage est utilisée pour dialoguer avec une multitude de toiles inconnues ; comment, à l’instar du choix des mots que nous décidons d’utiliser pour raconter une histoire, la conception avec des déclarations parle de nos intentions et encode des narrations dans les objets que nous fabriquons. Les premiers résultats de cette recherche sont présentés dans cette installation dans la vitrine de Constant.
 ********** Nederlands ********** 
Deze installatie neemt deel aan de opendeur weekends van Parcours d’Artistes Sint-Gillis 2024 Declarations is een doorlopend artistiek onderzoeksproject die kijkt naar de poëtische materialiteit van de CSS webtaal. Het project is geïnitieerd door grafisch ontwerpster Doriane Timmermans, lid van het collectief Open Source Publishing. CSS vertelt een browser, scherm, telefoon, smartwatch - en apparaten uit het verleden of die nog bedacht moeten worden - hoe tekst stroomt, ruimtes worden verdeeld, hyperlinks worden aangeklikt, menu’s worden uitgevouwen en meldingen opborrelen. Het zorgt voor kleuren, beweging, scrollen, animaties en flexibiliteit. Elke regel in de CSS taal wordt een ’declaratie’ genoemd. Doriane nodigde een groep van kunstenaars en kunstenaressen, schrijvers en schrijfsters, amateurs, ontwerpers en ontwerpsters en hackers om samen te onderzoeken een verschuiving in ontwerppraktijken die voortkomen uit de aard van het web: omdat het uit tekst bestaat, wordt het schrijven ook het vormgeven. Makers van het web worden zowel auteurs als architecten, en websites worden een werk van articulaties. Vervolgens worden vragen gesteld zoals wie beslist over de woorden die we gebruiken om het web vorm te geven, en wat doen ze met ons gebruik van technologie? De groep onderzocht hoe de kneedbaarheid van taal wordt gebruikt om een dialoog aan te gaan met een veelheid aan onbekende doeken; hoe, vergelijkbaar met de keuze van woorden die we besluiten te gebruiken om een verhaal te vertellen, het ontwerpen met verklaringen iets zegt over onze bedoelingen en verhalen codeert in de dingen die we maken. De eerste resultaten van dit onderzoek worden getoond in een installatie in de vitrine van Constant.

Constant_V: Declarations

Dans le sillage de ses « chambres sensorielles » souvent monumentales, les nouvelles sculptures de Jean-Bernard Métais se font ici à la fois plus rondes et plus intimes : des sculptures plus petites, souvent modulables, aux lignes courbes, dansantes, à travers lesquelles s’active toujours le mouvement cinétique des mailles de fer, activé par le spectateur intrigué lorsqu’il se déplace dans l’espace de l’exposition. Plus familières par leur taille, plus douces par leur forme, elles sont aussi plus lumineuses, Métais explorant ici les couleurs vives, du rouge éclatant au bleu azur et au blanc, en dialogue avec le noir historique qui marquait les créations précédentes. Le mouvement est également au cœur des sabliers, que le spectateur est invité à activer à leur tour. Toute une série de nouveaux sabliers « Être mots », dont la forme et le résultat sont à la fois un paysage géométrique et l’empreinte de mots qui constituent la litanie de l’artiste : AMOUR, IVRESSE, ICI, EPERDUMENT… Tracés par l’écoulement du sable, ils sont une invitation à vivre intensément l’émotion du temps présent, toujours mouvant, toujours éphémère, mais toujours à recommencer, comme ces sabliers que le visiteur pourra retourner à l’envie.

Galerie La Forest Divonne

Jean-Bernard Metais - 'Résonance'

********** English ********** 
Jan De Winter (1936-2020) Painter, draughtsman, graphic artist, cartoonist, set and costume designer Jan De Winter, who always loved to draw, begins an apprenticeship with a woodcarver in 1949, at the age of 13. A year later, he enrolls at the academy in Mechelen. His training is interrupted by his army service and is not resumed until 1963, after his marriage. He then continues his training at the Higher Institute of Fine Arts in Antwerp. In 1968 he is awarded the Young Flemish Painter Prize, in 1972 the important Koopal Prize and in 1973 the Provincial Prize for Plastic Arts of the Province of Antwerp. For several years he works as a teacher of drawing, colour and composition in Molenbeek. As an artist, he stands for freedom and social criticism. He is the figurehead of the provo movement in Mechelen and, inspired by what was happening in Amsterdam, using his brush to fight against the petty bourgeoisie, authority and power. His works, often large formats in which initially the umbilical cord appears frequently and prominently, are characterised by the presence of numerous often chubby personnages. Sex and eroticism also play an important role. In his later works, there is only room for one or two figures. The formats are smaller. Jan De Winter is also a successful cartoonist who has won prizes at the Knokke, Kruishoutem and Tongeren festivals,...
 ********** Français ********** 
Jan De Winter (1936-2020) Peintre, dessinateur, graphiste, caricaturiste, concepteur de décors et de costumes Jan De Winter, qui a toujours aimé dessiner, entre en apprentissage chez un sculpteur sur bois en 1949, à l'âge de 13 ans. Un an plus tard, il s'inscrit à l'académie de Malines. La formation est interrompue par le service militaire et ne reprend qu'en 1963, après son mariage. Il poursuit ensuite sa formation à l'Institut supérieur des beaux-arts d'Anvers. En 1968, il reçoit le prix du Jeune peintre flamand, en 1972 l'important prix Koopal et en 1973 le prix provincial des arts plastiques de la province d'Anvers. Il travaille pendant plusieurs années comme professeur de dessin et de couleur et composition à Molenbeek. En tant qu'artiste, il défend la liberté et la critique sociale. Il est la figure de proue du mouvement provo à Malines et, inspiré par ce qui se passe à Amsterdam, il se bat avec le pinceau contre la petite bourgeoisie, l'autorité et le pouvoir. Ses œuvres, souvent de grands formats dans lesquels le cordon ombilical apparaît fréquemment, se caractérisent par la présence de nombreux personnages souvent plutôt rondes. Le sexe et l'érotisme jouent également un rôle important. Dans ses œuvres ultérieures, il n'y a plus de place que pour un ou deux personnages. Les formats sont moins grands. Jan De Winter est également un cartooniste/caricaturiste qui a remporté des prix lors des festivals de Knokke, Kruishoutem et Tongres,…
 ********** Nederlands ********** 
Jan De Winter (1936-2020) Schilder, tekenaar, graficus, cartoonist, decor- en kostuumontwerper Jan De Winter, die altijd al graag en veel tekende, gaat in 1949, als dertienjarige, op leercontract bij een houtsnijder. Een jaar later schrijft hij zich in aan de academie van Mechelen. De opleiding wordt onderbroken door zijn legerdienst en pas in 1963, na zijn huwelijk, hervat. Hij zet zijn opleiding vervolgens voort aan het Hoger Instituut voor Schone Kunsten in Antwerpen. In 1968 ontvangt hij de Prijs van De jonge Vlaamse schilder, in 1972 de belangrijke Koopalprijs en in 1973 de Provinciale Prijs van de Plastische Kunsten van de Provincie Antwerpen. Hij werkt een aantal jaren als leraar waarnemingstekenen, kleur en vormgeving in Molenbeek. Als kunstenaar staat hij voor vrijheid en maatschappijkritiek. Hij is het boegbeeld van de provobeweging in Mechelen en trekt, geïnspireerd door wat er in Amsterdam gebeurt, kunstzinnig ten strijde tegen kleinburgerlijkheid, autoriteit en gezag. Zijn werken, vaak grote formaten waarin aanvankelijk de navelstreng veelvuldig en prominent voorkomt, worden gekenmerkt door de aanwezigheid van talrijke vaak mollige personnages. Ook seks en erotiek spelen een belangrijke rol. In zijn later werk is er nog slechts plaats voor één of twee personnages. De formaten zijn minder groot. Jan De Winter is tevens een succesrijk cartoonist en won prijzen op festivals in o.a. Knokke, Kruishoutem en Tongeren.

Exhibition: The 70'S

********** English ********** 
In 1893, Victor Horta drew up the plans for the Tassel Hotel. For art historians, this date corresponds to the birth of Art Nouveau, a style that would spread throughout the Western world until 1914. Yet behind this term lies a multitude of architects and designers with a singular, personal and sometimes antithetical expression. Behind this title, the exhibition seeks to question Victor Horta's approach without any considerations of style or belonging to a movement.
 ********** Français ********** 
1893, Victor Horta dessine les plans de l’hôtel Tassel. Pour les historiens de l’art, cette date correspond à la naissance de l’Art nouveau, un style qui se diffusera dans le monde occidental jusqu’en 1914. Pourtant derrière ce terme, se cache une multitude d’architectes et de créateurs à l’expression singulière, personnelle et, parfois, antithétique. Derrière ce titre, l’exposition cherche à interroger la manière de Victor Horta en dehors de toutes considérations de style ou d’appartenance à un mouvement.
 ********** Nederlands ********** 
In 1893 tekende Victor Horta de plannen voor het Tassel Hotel. Voor kunsthistorici komt deze datum overeen met de geboorte van de art nouveau, een stijl die zich tot 1914 over de westerse wereld zou verspreiden. Achter deze term gaat echter een veelheid van architecten en ontwerpers schuil met een eigen, persoonlijke en soms tegengestelde expressie. Achter deze titel tracht de tentoonstelling de stijl van Victor Horta in vraag te stellen zonder overwegingen van stijl of het behoren tot een stroming.

Victor Horta versus Art nouveau. Horta's vocabulary

********** Français ********** 
En 1900, alors que la révolution industrielle bat son plein, Bruxelles est le terrain d’expérimentations d’un style subversif : l’Art Nouveau. Un style ? Non, un état d’esprit et une foi insatiable en la modernité ! Alors que Victor Horta s’adresse à une clientèle aisée, Paul Hankar, Henry van de Velde et Gustave Serrurier-Bovy œuvrent de concert à l’invention d’un mode de vie moderne, plus simple et dépouillé, voué à une large diffusion. Par cette démarche engagée, ils se veulent acteur du changement et installent durablement les bases de la première modernité.
 ********** Nederlands ********** 
In 1900, toen de industriële revolutie in volle gang was, werd in Brussel geëxperimenteerd met een subversieve stijl: de art nouveau. Een stijl? Nee, een gemoedstoestand en een onverzadigbaar geloof in de moderniteit! Terwijl Victor Horta zich richtte op een rijk clientèle, werkten Paul Hankar, Henry van de Velde en Gustave Serrurier-Bovy samen om een moderne manier van leven uit te vinden, eenvoudiger en overzichtelijker, bestemd voor een wijde verspreiding. Door deze geëngageerde aanpak wilden zij pioniers van verandering zijn en op lange termijn de basis leggen voor de eerste moderniteit.
 ********** English ********** 
In 1900, while the industrial revolution was in full swing, Brussels was the site of experiments in a subversive style: Art Nouveau. A style? No, a state of mind and an insatiable faith in modernity! While Victor Horta addressed himself to a wealthy clientele, Paul Hankar, Henry van de Velde and Gustave Serrurier-Bovy worked to invent a modern way of life, simpler and more uncluttered, destined for wide distribution. Through this committed approach, they wanted to be actors of change and to establish the foundations of the first modernity.

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