Naakte lichamen. Tientallen zwammen. Desolate landschappen. Weelderige
draperieën. Het vormen de hoofdingrediënten van Hardcore / Softspore, de
tweede solotentoonstelling van Ilke Cop bij Tatjana Pieters. De expo
bevraagt het klassieke mens- en wereldbeeld en de rol van hedendaagse
(vrouwelijke) kunstenaars.
Hardcore / Softspore neemt ons mee
naar een eigenzinnig, postapocalyptisch universum. De huidige wereld,
opgeschud door geweld, oorlog, klimaatcrisis en polarisatie, is voorbij.
Wat rest zijn landschappen: rijzige bergen, smeulende vulkanen,
uitgestrekte waterpartijen en frisgroene vegetatie. Op het merendeel van
de schilderijen treedt een vrouw op het voorplan. Ze kijkt ons recht in
de ogen. Met een doortastende blik, krachtig en zelfzeker. Ze lijkt
onoverwinnelijk en tegelijkertijd kwetsbaar. Het gaat - zoals bij eerder
werk - om een beeltenis van de kunstenaar. Ze werpt een ander licht op
de historische dynamiek tussen artiest en muze. Voor het eerst
verschijnt er op de tableaus ook een mannelijk lichaam. Zijn
lichaamshouding, niet zelden S-vormig gebogen, etaleert elegantie en
sereniteit. Het herinnert aan oude Griekse en Romeinse sculpturen of
representaties van de vroegchristelijke heilige en martelaar
Sint-Sebastiaan. In een schilderij zien we hoe de vrouwelijke figuur een
mannelijk lichaam uit zand sculpteert. Het roept associaties op met
klassieke Westerse verhalen zoals het Bijbelse scheppingsverhaal of de
mythe van Pygmalion, waarbij vrouwelijkheid steeds dankzij mannelijke
scheppingskracht tot leven komt. Het werk van Cop draait deze dynamiek
om: wat gebeurt er als de vrouw de rol inneemt van schepper? Wat
betekent dit voor het mannelijke dat daaruit voortvloeit? Hoe verhouden
verschillende genders zich tot elkaar? De werken in deze expo creëren
ruimte om overgeërfde denkkaders los te laten en verhoudingen te
herzien.
Het proces van nieuw leven toont zich ook in de
begroeiing van de landschappen met weelderige plantensoorten en
paddenstoelen. De mushrooms zijn veelkleurig, dikwijls larger than life.
Ambiguïteit manifesteert er zich op vele fronten: van fris en
verleidelijk nieuw leven tot potentieel gevaar en verderf, verscholen
achter fluorescerende, ietwat artificiële kleuren. Het zijn dragers van
een mysterie dat ondergronds, in een fijn, gigantisch netwerk van
schimmeldraden een sleutelrol bij een gezond ecosysteem speelt; alsook
referenties naar psychedelica waarmee we alles intenser waarnemen en ons
kunnen bevrijden van vastgeroeste patronen. In een schilderij zien we
hoe een paddenstoel zich een weg kronkelt naar de hand van de steeds
terugkerende vrouwenfiguur. Door de ranke, stijl omhoogklimmende steel
en de feestelijk ogende hoed lijkt de mushroom wel op een hoogsteigen
scepter, waarbij een druk op de knop volstaat om een nieuw wereldbeeld
tevoorschijn te toveren.
De zoektocht naar andere horizonten en
de fascinatie voor het scheppen treffen we ook aan in de manier waarop
de kunstenaar andere verftechnieken verkent. Waar haar vorig werk nog
doordrongen was van een hoge mate aan controle, laat ze in haar nieuwe
schilderijen meer ruimte voor experiment toe. Vage partijen bestaande
uit verdunde verf en impressionistische, directere toetsen krijgen vrij
spel. Het zorgt voor contrast en voegt leven en luchtigheid toe aan de
doeken. Hardcore / Softspore toont eerlijke, expressieve exploraties van
narratieven met een diepe, transformerende impact. Het is een moedig
tegengewicht voor traditionele sociale normen, waarden en verwachtingen.
Het is een hoopvol en bevrijd alternatief dat de patriarchale,
archaïsche cultuur op losse schroeven plaatst, auteurschap bevraagt en
andere, liefdevolle verhoudingen invoelbaar maakt.
-Sofie Crabbé
![Événement](/_next/image?url=https%3A%2F%2Fculturius-prod-web-app-photo-cache-s3.s3.eu-west-1.amazonaws.com%2Fphoto_original_filter%2F66605ef6d9fcf645765501.jpeg&w=3840&q=75)
So Glad to Have Found It / Mae Dessauvage
08juni
-28augustus
Flandre-Orientale, Belgique
Description
'So Glad to Have Found It' is de tweede solotentoonstelling van Mae
Dessauvage bij Tatjana Pieters. De werken in de tentoonstelling tonen
intieme scènes gebaseerd op historische iconografie en de
transgenderervaringen van de kunstenares. In deze tentoonstelling is een
nieuwe serie schilderijen met gevormde panelen te zien, werken op
papier en een nieuw beeldhouwwerk uit haar lopende 'Reliquary' serie.
Verwijzend naar vroege renaissanceschilders als Giotto en Piero Della Francesca
herinterpreteert Dessauvages praktijk de narratieve relatie tussen
figuren en symbolische objecten. De androgyne figuren in haar
schilderijen bestaan in een staat van ambiguïteit samen met
geabstraheerde artefacten zoals pyxen, mantels, spiegels, schedels en
dolken. In het verleden dienden dergelijke symbolische objecten als
tekens van heiligen. Met schuchtere uitdrukkingen en aarzelende gebaren
zijn de figuren in haar schilderijen in plaats daarvan onzeker over deze
objecten, wat onze onzekere relatie tot de geschiedenis weerspiegelt.
persoonlijke, dubbele lezingen. Haar werk 'Revelation' toont een figuur
die een schedel onderzoekt in vier scènes. Iconografisch gezien is de
schedel een 'memento mori' - een herinnering aan de dood. Voor de
kunstenaar is het ook een verwijzing naar het geslacht van het skelet en
naar de praktijk van gezichtschirurgie bij transvrouwen.
Op dezelfde manier citeert de compositie in 'Cloak' Giotto's Scrovegni
Kapel kruisiging waar twee omstanders ruziën over de mantel van
Christus. Hier onderzoeken echter twee naakte hermafrodiete figuren het
kledingstuk. In deze context spreekt de scène over kleding als een
middel om de andersheid van het lichaam te verhullen. Door een
collectieve afstand tot de geschiedenis weer te geven en deze een
intiemere, dagboekachtige kwaliteit te geven, bewandelen de werken in
deze tentoonstelling de grens tussen het universele en het persoonlijke.
Mae Dessauvage is een interdisciplinair kunstenaar die woont en
werkt in Gent, België en Brooklyn, NY. Dessauvage behaalde haar B.A.
aan Columbia University in 2017 en haar Master in Architectuur aan
Harvard University in 2021.
Peinture
Information sur la date
Du 08/06/2024 au 28/08/202414:00-18:00
Billets
Info:
Gratuit
1 Photo
Événements suggérés
********** English **********
The exhibition will run from July 27 to August 20, 2024: an exciting opportunity
for art lovers
and collectors to discover the work of this talented artist.
********** Français **********
L'exposition se déroulera du 27 juillet au 20 août 2024 : une occasion
passionnante pour les
amateurs d'art et les collectionneurs de découvrir le travail de cette artiste
talentueuse.
********** Nederlands **********
De tentoonstelling loopt van 27 juli tot 20 augustus 2024: een spannende kans
voor
kunstliefhebbers en verzamelaars om het werk van deze getalenteerde kunstenaar
te ontdekken.
Les Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique inaugurent IMAGINE! 100 Years of
International Surrealism, une exposition internationale exceptionnelle conçue en
collaboration avec le Centre Pompidou (Paris).
A l’occasion des 100 ans du surréalisme, découvrez les chefs d’œuvres de
Salvador Dalí, Max Ernst, Dorothea Tanning, Joan Miró, Man Ray et Jane Graverol
ainsi qu’une foule d’activités !
IMAGINE!, une exposition-évènement à voir à Bruxelles jusqu’au 21 juillet aux
Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique.
Vince Briffa Marginalia.
Professor Vince Briffa was born in Malta but pursued his academic career in the
United Kingdom. In 2000, he completed his Master's in Fine Arts with honours at
Leeds University. In 2009, he obtained his doctorate from the University of
Preston in the United Kingdom.
Briffa heads the Department of Digital Arts at the University of Malta and is
also an associate professor there.
Briffa's works have been showcased twice at the Venice Biennale.
The artist received significant awards, including the "Omaggio all'Arte ed
all'Innovazione a Venezia 2019" distinction awarded by the Union of Honorary
Consuls of Italy (UCOI) and the National Association of Young Innovators (ANGI)
during the Venice Biennale and the Arts Council Malta award.
CONCEPT NOTE V1 BY VINCE BRIFFA:
“I often think of my work as an ongoing book, where each work, like a mark, a
note or a thought made in its margins, adds a new layer of reflection and
meaning to the organic and entwining flow of the narrative of the main text.
Although hardly considered marginal, this distinctive activity in the margins is
mainly defined by its relation to the main text since the margins are perceived
as the excess at the periphery and surrounding it. Margins also define the
physical limits of the book, and yet, too frequently, the habitability of the
margins through writing and other marks is perceived as simple observations or
notes, being less valuable and with little to no influence on the main book.
Therefore, the works in the exhibition are marginalia extracted from a current
chapter, in themselves in a state of becoming, that dialogically contribute and
become one with my current narrative concerning the interdependence of form,
paint, colour, materials and gesture, and anything else in between.”
Vince Briffa
REDEFINING PRACTICE BY VINCE BRIFFA
"Following years of eventful practice and exhibitions that have taken my
painting and multi-mediatic art installations to numerous international
galleries and museums, including, amongst others, twice representing Malta at
the Venice Biennale (1999 & 2019), the Covid-19 pandemic lockdown in 2020
brought with it a well-needed hiatus in the flow and direction of production,
giving me time to reflect on my original vocation as a painter. More precisely,
the last four years have been spent reflecting on the activities of drawing and
painting – the processes I intentionally fuse into a single act – and redefining
this act’s significance and position within my practice. PHILOSOPHICAL
UNDERPINNING My original training in drawing and painting in the 1970s and 1980s
has fostered in me a lifelong commitment to the refinement of a particular act
of seeing, shaping a personalised method of encountering and experiencing the
world, one that primarily rests on colour (and its translation in paint) as the
main instigator of an emotional state. Based on an early interest in how the
Impressionists interpreted light and form and honed by my academic involvement
in the fusion of the art and science of vision mediated through the artist’s
body, my most recent output explores the act of painting as a perpetual state of
becoming articulated through a tight kneading the function of seeing, the
materiality of paint, and the performance of hand and body gesture. As a result
of this, through studio practice, I try to understand how the matter that I use
(paint and related materials), through my intervention on the work’s surface,
becomes the central premise of the work, in a sense, placing the work done on
the work as the work of art itself (Bird, 2011), thus challenging the more
conventional notions and historical application of matter in the practice of
painting. Like active magma, the work produced by this agency is constantly
transitional and intermedial, perpetually redefining itself through its becoming
and not signifying anything external to itself. My work, therefore, acts at the
junction of matter and form, with matter passing through contexts rather than
being disclosed by them (Massumi, 2002), acknowledging the activity of working,
erasing and further reworking of materials to be understood not as an imposition
of theme, form or meaning, but as movement through matter (Bird, 2011). Such an
organic process feeds equally from my subconscious visual and cultural
affinities as it does from a highly personal sensibility towards abstraction.
This undulating and largely lemniscatic method (as it always starts from and
ends with the medium as its focus, revisiting it repeatedly on a variety of
levels throughout the work’s timeline), while giving value to the specificities
of the materials being used, is open to and also interrupted by the same
materials’ intrusive chance occurrences. Moreover, I choose to obfuscate the
raison d'être of the work further through a playful metalinguistic exercise of
titling, which I impose on the work posthumously. The given title, at times,
teases the viewer to acknowledge a specific element that has contributed to the
process, such as a forced visual reference, an allusion to history or a comment
on a scientific phenomenon. Such a burden is intended to tease the viewer into
colouring her interpretation of the work, making it harder to experience the
work for what it really is and, therefore, skewing any further attempts at
interpretation."
References: Bird, T., (2011), Figuring Materiality, Angelaki, 16:1, p. 5-15.
Massumi, B., (2002), Parables for the Virtual: Movement, Affect, Sensation,
Durham, NC: Duke University Press, p. 228.
Vince Briffa works in painting, sculpture, video, and installation. He is a
Professor of Art at the University of Malta, a Fellow of Civitella Ranieri
Foundation, New York, and an International Associate at CUT Contemporary Fine
Arts Lab, Cyprus University of Technology, Cyprus; Fine Arts Department, Bilkent
University, Ankara, Turkey and the Scuola di Cinema, Accademia di Belle Arti,
Catania, Sicily. He was awarded the prize ‘Omaggio all’Arte ed all’Innovazione a
Venezia 2019’ at the 2019 Venice Art Biennale. Briffa’s work has been exhibited
in numerous prestigious venues, including the Malta Pavilion, Venice Art
Biennale, 1999 and 2019; Pierides Museum, Cyprus; Palais des Nations,
Switzerland; Museum of Modern Art, Liechtenstein; Casoria Museum, Naples; Villa
Manin Contemporary Art, Italy; MAC, Argentina; Palais Liechtenstein, Austria;
Museum of Fine Arts, Romania and Museum of Modern Art, Israel. He was
commissioned to design the monument to commemorate the Valletta Summit on
Migration in Valletta in 2015. His work forms part of many local and
international private and public collections. Briffa has also curated
exhibitions internationally, including the NRW-Forum, Düsseldorf; the Münchner
Künstlerhaus, Munich; Les Rencontres Arles; De Harmonie, Leeuwarden; and the
Museum of Fine Arts, Valletta amongst many others.
Yhu Kira n'a pas eu un chemin facile, en tant qu'artiste peintre il se bat pour
vivre de son art. Pour mieux comprendre cet événement rentrons dans la tête du
jeune créateur à travers sa lettre "J'accuse".
"J’accuse" est une lettre inspirante où l'artiste se dévoile à coeur ouvert, sur
son expérience difficile dans le milieu.
"J'accuse:
L’art coûteux est un mythe généré et savouré dans notre société. Il est une idée
utopique inventée par quelques personnes salonnardes dont les seules ambitions
sont l’acquisition et le semblant.
Aujourd’hui, l’argent détermine la valeur d’une œuvre, ce qui permet de
démontrer à quel point tout le côté humain et spirituel de notre ressenti s’est
effacé, pour laisser place à des actifs dont le sentiment qui y est rattaché
ressemble presque à un amour forcé.
Les galeries, salons d’exposition, et tout autre “arts dealer” ont créé un
énorme marché à travers lequel seuls les tout puissants jouissent des bénéfices.
Combien d’artistes arrivent à vivre de leur art ?
En Europe, les galeristes procèdent aux tris des artistes dans l’objectif de
vendre « ce qui plaira aux gens », ou « ce qui est considéré comme de l’art ».
Ils sont en quête d’un art tolérable.
Je vous demande alors, où est donc passé le sens du mot partage ? Liberté ? Ou
encore création ? J’accuse !
Vouloir faire profiter le monde de son talent requiert parfois de la part des
jeunes artistes à la poursuite d’une émancipation, des ressources financières
importantes.
A quand la liberté ?
J’accuse !
Le marché du métier d’artiste n’est pas honnête. Les galeries nous demandent
encore de profiter de plus de la moitié de nos gains en contrepartie de leurs
opportunités d’exposition.
Quand est ce que s’enrichir au détriment d’autrui prendra fin ?
J’accuse !
Aujourd’hui, j'ai choisi de m’exprimer à ce sujet dans le but de dénoncer les
conditions d’un système tyrannique, qui promeut la perte de l’humanité en
associant l’art et l’argent, et en contribuant à l’esclavagisme des artistes.
J’accuse !
En tant qu’artiste peintre, je refuse de vendre une ou deux toiles par an sur un
coup de chance.
Je souhaiterais que mes œuvres soient disponibles à tous, et par la même
occasion j’aimerais aussi être indépendant de ce système au sein duquel vivre de
son art est aléatoire.
Ma finalité est d’arriver à vivre de mon art, sans pour autant que sa valeur ne
soit déterminée par son coût.
Mon travail est composé d’assortiments de couleurs qui prennent la forme de
personnages imaginaires, d’histoires inventées qui permettent au monde de
voyager, de rêver, et de se projeter dans l’inconscient.
Il est difficile de changer les mentalités et les perspectives, mais autorisons
nous a accorder à autrui d’écrire et de vivre l’histoire qu’il mérite.
Pour finir, j’aimerais que tous le monde est la possibilité d’avoir accès à de
véritables toiles à des prix dignes, afin de remplir vos espaces de vie, et
surtout afin de vous faire voyager à travers divers univers artistiques.
Yhu Kira"
Réservation sur calendly-- https://calendly.com/peintrehokage/15min ou par
téléphone au 0483234928
On vous attend avec impatience.
Team Yhu Kira
We are very excited to announce upcoming group exhibition with SeeSunCollective
from Rotterdam (NL):
Join in friday 12 july for the opening of TOYSTOYSTOYS!
- Lots of fresh prints, a free welcome drink and DJ!
- Meet and greet with Rotterdam artists of See&Sun
- Live electronic music by one of the members of the collective!
Exhibition : 13.07.2024 - 12.09.2024
Vernissage : 12.07.2024 > 17:00-21:00 + live music by K9K
See and Sun Collective are 6 illustrator friends and collective based in
Rotterdam (NL). They share their love for illustration, risography and murals.
They also have a strong connection with South-Korea and its visual culture.
As a collective, one of things that brought them together is their love for
toys. Even after childhood, they have all continued collecting toys and
appreciating their design, using them as a significant source of inspiration in
their work.
“What if we brought back our inner child-like playfulness?” For this exhibition,
the members of See collective each explore this question, creating prints and
paintings, as well as 3D objects, as a result.
Illustrators
Sona Lee 쏘냐리
Levi Jacobs 레비야콥스
Draw Soso 드로우소소
K9k 카네흔카
Kidkura 키드쿠라
Lize Prins 리제프린스
Supported by
Dutch Embassy in Belgium
Grafik.brussels
Avenue Louis Bertrandlaan 30
1030 Brussels
www.grafik.brussels
hello@grafik.brussels
Suite aux expositions de 1992 et 2018, une nouvelle exposition consacrée aux
travaux d'Alfredo Longo se tiendra du 13/7 au 24/10/2024 à la salle
saint-Georges. Elle s'accompagnera d'une exposition de trois œuvres sur la
grand-place durant la même période, soit deux visages et une planète, faites de
cannettes récupérées et assemblées autour d'une structure métallique réalisée
avec l'école de promotion sociale de Jemappes.
********** Français **********
Exposition des 100 schtroumpfs uniques de la collection privée Smurf's Society
DAO
Vente privée des schtroumpfs authentiques sur le marché secondaire phygital
Un concours de selfie schtroumpf ouvert à tous du 10.07 au 08.09.24 et à la clé
: des cadeaux offerts par nos sponsors : BD, Figurines, Food Market
Une chasse au trésor de POAPS, trouvez les et gagnez la carte du collectionneur
ART-NFT.Gallery !
Des ateliers pédagogiques pour comprendre et entrer dans le monde du WEB 3,
organisés par Artecom.ioArtecom.io
Enfin des visites guidées d'une heure pour découvrir ce nouveau monde pour des
groupes d'amis, de collègues ou de famille avec une photo de groupe !
********** Nederlands **********
Tentoonstelling van 100 unieke Smurfen uit de privécollectie van de Smurf's
Society DAO Privéverkoop
van authentieke Smurfen op een virtuele secundaire markt
Een Smurfige Selfie Wedstrijd open voor iedereen van 10.07 tot 08.09.24 met
prijzen geschonken door onze sponsors: Strips, Beeldjes, Voedingsmarkt
Een POAP schattenjacht, vind ze en probeer de ART-NFT.Gallery verzamelkaart te
winnen!
Educatieve workshops om je te helpen de wereld van WEB3 te begrijpen en te
betreden, georganiseerd door Artecom.io
Tot slot, rondleidingen van een uur om deze nieuwe wereld te ontdekken voor
groepen vrienden, collega's of familie, inclusief een groepsfoto!
********** English **********
Exhibition of 100 Unique Smurfs from the private collection of the Smurf's
Society DAO Private sale
of authentic Smurfs on a phygital secondary market
A Smurfy Selfie Contest
open to all from 10.07 to 08.09.24 with prizes donated by our sponsors: Comics,
Figurines,Food Market
A POAP treasure hunt, find them and try to win the ART-NFT.Gallery collector's
card!
Educational workshops to help you understand and enter the world of WEB3,
organized by Artecom.io
At last, one-hour guided tours to discover this new world for groups of friends,
colleagues or family including a group photo !
********** English **********
Voormalig WIELS-residente Laivi Suurväli toont nieuw werk in AFFILIATE, de
ruimte in het centrum van de stad waar alumni van het Residentieprogramma van
WIELS hun werk presenteren.
********** Français **********
Laivi Suurväli, ancienne résidente de WIELS, présente son travail à AFFILIATE,
espace situé dans le centre ville dédié aux ancien·ne·s participant·e·s du
programme de résidence de WIELS et à leurs projets.
********** Français **********
Au fil de projets ludiques et sensibles, Juliette Vandermosten donne sa réponse
à la question « C’est quoi, le design social ? » Par des méthodes collaboratives
et participatives, elle crée des espaces de parole où l’empathie, la
vulnérabilité et le jeu sont les maîtres mots. Le design est pour elle un outil
pour travailler ensemble à une société plus tolérante.
********** Nederlands **********
Door middel van ludieke en gevoelige projecten geeft Juliette Vandermosten haar
antwoord op de vraag “Wat is social design? Aan de hand van collaboratieve en
participatieve methodes creëert ze ruimtes waar empathie, kwetsbaarheid en spel
de sleutelwoorden zijn. Voor haar is design een middel om samen te werken aan
een meer tolerante samenleving.