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From 6 September to 18 October, Gilbard welcomes Pauline Vanden Neste and Tom
Lyon to the SAS for ‘Zones’. Working on the canal zone since 2020, the Belgian
photographic duo have created a portrait that questions its reappropriation and
the issues involved in sharing public space. To mark the occasion, they are
putting on an exhibition that takes the SAS as its central point, with the route
taking in the adjacent streets.
The exhibition is open free of charge and without booking on Fridays from 1.30pm
to 6pm, during Gilbard's opening hours.
It is also open by appointment during the rest of the week. Would you like to
organize a guided tour for a group? Contact us at prog@gilbard.be
Opening on Friday 06/09/2024, from 3pm to 7pm, in the presence of the artists.
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Du 6 septembre au 18 octobre, Gilbard accueille Pauline Vanden Neste et Tom Lyon
dans le SAS pour “Zones”. Travaillant sur la zone du canal depuis 2020, le duo
de photographes belges en tire un portrait qui questionne sa réappropriation et
les enjeux liés au partage de l’espace public. Pour l’occasion, iels proposent
une exposition qui prend le SAS comme point central et dont le parcours se
déroule dans les rues adjacentes.
L’exposition est accessible gratuitement et sans réservation les vendredis de
13h30 à 18h, pendant les horaires de permanence de Gilbard.
Également accessible sur rendez-vous le reste de la semaine. Vous voulez
organiser une visite guidée avec un groupe ? Écrivez-nous sur prog@gilbard.be
Vernissage le vendredi 06/09/2024, de 15h00 à 19h, en présence des artistes.
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Van 6 september tot 18 oktober verwelkomt Gilbard Pauline Vanden Neste en Tom
Lyon in het SAS voor “Zones”. Het Belgische fotografenduo, dat sinds 2020 aan de
kanaalzone werkt, heeft een portret gecreëerd dat de herbestemming en de
problematiek van het delen van de openbare ruimte in vraag stelt. Voor de
gelegenheid organiseren ze een tentoonstelling die het SAS als centraal punt
heeft en waarvan de route zich ontvouwt in de aangrenzende straten.
De tentoonstelling is gratis en zonder reservering te bezoeken op vrijdag van
13.30 tot 18.00 uur, tijdens de kantooruren van Gilbard.
De rest van de week is de tentoonstelling op afspraak geopend. Wil je een
rondleiding organiseren voor een groep? Neem dan contact met ons op via
prog@gilbard.be
![Événement](https://api.culturius.com/media/cache/resolve/photo_original_filter/66d0a0295d8ec932810027.png)
SAGA DAYS I Exhibition, Book launch, Talk, Workshops & Book stock sale
19september
-22september
Fondation A Stichting
Fondation A Stichting, Avenue Van Volxemlaan 304, Forest, Région de Bruxelles-Capitale 1190, Belgique
Gratuit
Description
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Find the full program on our website: https://fondationastichting.com/en/exhibition/saga-days/
********** Français **********
Retrouvez le programme complet sur notre site : https://fondationastichting.com/exhibition/saga-days/
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Vind het volledige programma terug op onze website: https://fondationastichting.com/nl/exhibition/saga-days/
Photographie
Art
Musée
Information sur la date
13:00:00 - 18:00:00
Billets
Gratuit
Info & Réservation
Lieu culturel
Organisateur
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Événements suggérés
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Capsule exhibit
The Museum holds prints highlighting the various aspects of the city. For
several years now, our team has been engaged in a massive project to inventory
them. Our collections currently comprise 1500 prints, the oldest one dating back
to the 16th century, and the most recent one barely a few years old.
A print is an image printed using a matrix with the image in relief.
Prints offer a valuable window onto their era. They are generally documentary in
nature, but may also be artistic, allegorical, religious or satirical. Thanks to
their precision and attention to detail, these works offer valuable historical
information while also attesting to the technical and artistic skill of their
creators.
The Museum invites you to discover a selection of this varied and fascinating
graphical heritage.
Practical information
Access to the Parenthesis Space is included with the entry ticket
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Le Musée conserve des estampes illustrant la ville sous ses différents aspects.
Depuis plusieurs années, notre équipe mène une vaste campagne d’inventaire. A ce
jour, nos collections comptent 1.500 estampes.
La plus ancienne date du 16e et la plus récente de quelques années à peine. Une
estampe est une image imprimée au moyen d'une matrice traitée en relief. Elles
représentent une fenêtre précieuse sur leur époque. Principalement
documentaires, elles peuvent également être artistiques, allégoriques,
religieuses ou satiriques. Par leur précision et leur souci du détail, ces
œuvres fournissent de précieuses informations historiques tout en témoignant du
savoir-faire technique et artistique de leurs créateurs.
Le Musée vous invite à découvrir une sélection de ce patrimoine graphique varié
et fascinant.
Informations pratiques
•L’accès à l’Espace Parenthèse est compris dans le ticket d’entrée
•Mardi 01 et jeudi 03.10 à 12h30 : visites Midis bruxellois
•Jeudi 03.10.24 à 18h30 : Jeudi de l’Histoire : Disparu et oublié ? L'estampe
s'en souvient !
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Capsule-tentoonstelling
Het Museum heeft prenten die de stad belichten in al haar verschillende
aspecten. Ons team is die al een aantal jaar aan het inventariseren. Zo telt de
collectie momenteel 1.500 prenten. De oudste dateert van de 16e eeuw, terwijl de
meest recente maar een paar jaar oud is.
Prenten zijn afbeeldingen die worden afgedrukt met behulp van een matrix met de
afbeelding in reliëf. Ze bieden een waardevolle kijk op hun tijdperk.
Al leren ze ons niet alleen iets bij, maar kunnen ze ook artistiek, allegorisch,
religieus of satirisch zijn. Door hun precisie en oog voor detail bieden deze
werken waardevolle historische informatie en getuigen ze van de technische en
artistieke vaardigheden van hun makers.
Het Museum nodigt u uit om een selectie van dit gevarieerde en fascinerende
grafische erfgoed te ontdekken.
Toegang tot Tussen haakjes is inbegrepen in het museumticket.
Dinsdag 01.10 en donderdag 03.10 om 12.30 uur: Broodje Brussel
Donderdag 03.10.24 om 18.30 uur: Geschiedenis op donderdag: Verdwenen en
vergeten? De prent onthoudt!
Chaque premier dimanche du mois, le Musée Mode & Dentelle ouvre ses portes
gratuitement.A 14h, notre guide vous emmène à la découverte de l’exposition :
Jules François Crahay. Back in the spotlight.Les places étant limitées, les
réservations pour la visite guidée sont obligatoires via notre plateforme de
réservation.
Annexée à la programmation du MACS (Grand-Hornu) en tant que projet extra-muros,
l’installation d’Alec De Busschère, "Memory Cache Collection 99", se présente
comme un dédale d’images imprimées sur de fins grands voiles librement suspendus
dans l’espace d’exposition. Cette architecture translucide dans laquelle le
public est invité à déambuler et à se perdre est d’autant plus déroutante que le
moindre courant d’air peut en modifier l’orientation des cloisons grâce à un
ingénieux mécanisme de suspension. Le spectacle de ces images fantomatiques
prend alors une dimension légèrement cinétique, voire cinématographique,
résultant de l’instabilité des voiles, de la circulation des spectateurs comme
des effets de surimpressions et de fondus enchaînés. Labyrinthique et
kaléidoscopique, le dispositif a l’apparence d’un « théâtre de la mémoire », cet
outil mnémotechnique qui localise sur un plan de distribution architectural les
images parcellaires d’une histoire à reconstituer. Cette connotation
archéologique prend aussi son sens quand on sait que ce matériau visuel fut
extrait, en 1999, de la mémoire de plusieurs ordinateurs personnels : des «
fichiers caches »
récupérés par l’artiste pour réaliser, à l’époque, sa vidéo "Keep the cache in
memory". Des images pauvres en informations et qualité, orphelines de leurs
auteurs et de leurs sites internet d’origine s’y enchaînaient les unes aux
autres à un rythme quasi stroboscopique, témoin de la frénésie qui s’était
emparée de toute une génération de navigateurs insomniaques. Vingt-cinq ans plus
tard, Alec De Busschère revient sur cet océan d’archives pour en livrer une
vision diamétralement opposée : des images dont il a diminué le nombre, agrandi
la taille et ralenti la vitesse, comme une manière aussi de leur donner, malgré
leur superficialité, l’épaisseur existentielle d’un geste humain et de sa trace,
même technologique.
Adresse :
Rue du Ruisseau, 37 – 1080 Bruxelles
Vernissage :
30.08.24 | 18h
Exposition :
31.08 > 22.09.24
Horaires :
Mercredi - dimanche | 14h - 19h
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ATELIER by Stephan Vanfleteren (BE) is an ode to the ability to observe,
represent, elevate, and ultimately, connect. His artist’s heart and technical
expertise make us both witnesses and accomplices to the incidental light, which
reflects as much on the object as in its spirit. His studio, a kind of intimate
no man’s land draped in grey seems to absorb time.
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ATELIER de Stephan Vanfleteren est une ode à la capacité d’observer, de
représenter, de sublimer et, finalement, de connecter. Son coeur d’artiste et
son savoir-faire technique font de nous les témoins et les complices de la
lumière incidente, qui se reflète aussi bien sur l’objet que dans son esprit.
Son atelier, sorte de no man’s land intime tendu de gris semble absorber le
temps.
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ATELIER van Stephan Vanfleteren (BE) is een ode aan het ver- mogen om te
observeren, te representeren, te verheffen en uiteindelijk te verbinden. Zijn
kunstenaarsziel en technische vakmanschap maken ons zowel getuigen als
medeplichtigen aan het invallende licht, dat zowel op het object als in zijn
geest reflecteert.
********** Français **********
Du village issu du Moyen-Âge à la ville d’aujourd’hui, le MoMuse propose un
voyage haut en couleurs à travers Molenbeek-Saint-Jean. Découvrez comment ont
évolué le territoire et la population, les conditions de logement et l’économie,
l’enseignement et les différentes façons de vivre ensemble. En bref, nous vous
faisons vivre les petites histoires de la commune qui s’imbriquent dans la
Grande Histoire !
Ce qu’on y découvre ? Tout un tas de choses !
Vous saviez que le père d’Angèle venait de Molenbeek ? Que les trams étaient
tirés par des chevaux ? Que des vestiges archéologiques ont été retrouvés dans
la commune.
Cet automne, faites le plein d’aventures au MoMuse, avec :
- Les 22 septembre et 21 octobre : une balade littéraire au cœur de Molenbeek
- Du 27 septembre au 7 novembre : une exposition textile au musée : la Maille
des Femmes
- Les 2 ou 3 novembre : suivez une visite insolite au Cimetière Communal
Le MoMuse ouvre ses portes à toute personne souhaitant nous rendre visite, mais
aussi des groupes (scolaire, ASBL, primo-arrivants, PMR,..), avec la possibilité
d’adapter la visite en fonction d’une thématique ou de son public.
Vous souhaitez réserver une visite guidée du musée ? Rien de plus simple !
Contactez et retrouvez-nous par téléphone (02 412 08 12) ou par mail
(momuse@molenbeek.irisnet.be).
Accès facile par :
En métro/tram :
- Comte de Fandre
- Ribaucourt
- Étangs Noirs
En voiture :
- Parking Brunfaut – rue Fernand Brunfaut (gratuit)
Nous sommes ouverts mardi, mercredi et jeudi, de 12h00 à 17h00 et dimanche, de
13h00 à 18h00.
Pour plus d’informations, n’hésitez pas à vous rendre sur notre site :
www.momuse.be. Suivez toutes nos incroyables aventures sur Instagram et sur
Facebook (MoMuse1080) !
À très bientôt, au MoMuse !
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Van het dorp uit de middeleeuwen tot de stad van vandaag biedt MoMuse een
kleurrijke reis door Sint-Jans-Molenbeek. Ontdek hoe het grondgebied en zijn
bevolking, de woonomstandigheden en de economie, het onderwijs en de
verschillende manieren van samenleven evolueerden. Via kleine verhalen nemen we
je mee in de Grotere Geschiedenis van de gemeente waarmee ze zijn verweven!
Wat ontdek je? Een heleboel dingen!
Wist je dat de vader van Angèle uit Molenbeek kwam? Dat trams door paarden
werden getrokken? Dat er archeologische resten zijn gevonden in de gemeente.
Deze herfst kun je avonturen beleven in MoMuse, met :
- 22 september en 21 oktober: een literaire wandeling door het hart van
Molenbeek
- Van 27 september tot 7 november: een textieltentoonstelling in het museum:
Vrouwenbreiwerk
- 2 of 3 november: een ongewone rondleiding op de Gemeentelijke Begraafplaats
MoMuse opent zijn deuren voor iedereen die ons wil bezoeken, maar ook voor
groepen (scholen, vzw's, nieuwkomers, personen met beperkte mobiliteit...), met
de mogelijkheid om het bezoek aan te passen aan een bepaald thema of publiek.
Wil je een rondleiding door het museum boeken? Makkelijker kan het niet!
Contacteer ons per telefoon (02 412 08 12) of per e-mail
(momuse@molenbeek.irisnet.be).
Gemakkelijk bereikbaar:
Met de metro/tram :
- Graaf van Vlaanderen
- Ribaucourt
- Zwarte Vijvers
Met de wagen:
- Parking Brunfaut –Fernand Brunfautstraat (gratis)
We zijn open op dinsdag, woensdag en donderdag van 12u00 tot 17u00 en op zondag
van 13u00 tot 18u00.
Ga voor meer informatie naar onze website: www.momuse.be. Volg al onze
ongelofelijke avonturen op Instagram en Facebook (MoMuse1080)!
Tot zeer binnenkort bij MoMuse!
********** English **********
Thu-Van Tran draws on literature, history, and nature to explore the question of
exile and the mutation of beings and languages in the wake of colonial
narratives. 'Write as the Beasts Cry at Night' unfolds in La Loge like an open
book, a palimpsest where Marguerite Duras' aura intersects with legendary,
intimate writings. Through tracing, imprinting, and fragmenting, the artist
focuses on what her chosen materials represent, searching for recollections she
can extract. Thu-Van Tran scrutinises contaminated memories, the processes of
disappearance and reappearance, and buried violence to sketch out a new
imaginar—a possible liberation.
********** Français **********
Thu-Van Tran puise dansla littérature, l’histoire et la nature afin d’explorer
la question de l’exil, les mutations des êtres et des langues au gré des récits
coloniaux. 'Write as the Beasts Cry at Night' se déploie dans La Loge comme un
livre ouvert, un palimpseste où l’aura de Marguerite Duras croise des écrits
légendaires et intimes. Par son usage de la trace, de l’empreinte et du
fragment, l’artiste se concentre sur la charge des matières qu’elle choisit, en
quête des réminiscences qu’elle pourra dégager. Thu-Van Tran scrute la mémoire
contaminée, les processus de disparition et de réapparition, les violences
enfouies pour esquisser un nouvel imaginaire, une possible délivrance.
********** Nederlands **********
Thu-Van Tran vindt inspiratie in de literatuur, geschiedenis en natuur om
thema’s zoals ballingschap en de mutatie van levende wezens en talen te
verkennen aan dehand van koloniale verhalen. Write as the Beasts Cry at Night
ontvouwt zich in La Loge als een open boek, een palimpsest waar de aura van
Marguerite Duras legendarische en intieme geschriften kruist. Door haar gebruik
van sporen, afdrukken en fragmenten focust de kunstenares op de lading van de
materialen die ze kiest, op zoek naar herinneringen die ze kan losmaken. Thu-Van
Tran doorgrondt het aangetaste geheugen, de processen van verdwijnen en opnieuw
verschijnen en het verborgen geweld om zo een nieuwe verbeelding en een
mogelijke bevrijding te schetsen.
********** English **********
While some of her drawings involve pencil and paper, many of them are unbound
from the confines of the page and exist as embroideries, sewn leather, bleached
fabric, and even objects. For Jotta, to draw is to draw out—in the sense of
demonstrating, discovering, or fleshing out the potential connections that lie
dormant between disparate images and references. In her hands, to draw is also
to draw from—to take, to appropriate, and to extract from the world. And yet
even the simple act of drawing a line, in its most basic sense, is about
creating links and forging associations and serves as an apt metaphor for her
process more generally. The artist expands the language of drawing by inventing
a field where sketches, stitches, scribbles, silhouettes, scratches, and
scissors contribute to an ecosystem of overlapping gestures. They mirror her
approach as an artist and embody her disregard for the categories and boundaries
that traditionally separate aesthetic registers—including the line between art
and life.
ABOUT THE ARTIST
Ana Jotta (b.1946, Lisbon) has built a body of work that challenges notions of
authorship and that obscures the line between art and life. From the late 1970s
until the late 1980s, she worked in theatre both as an actress and costume and
stage designer. On the side, she started her practice as an artist working
across all media. She has had monographic exhibitions at Kunsthalle Zurich
(2024), Wattis Institute, San Francisco (2023), Casa São Roque - Centro de Arte,
Porto (2019), Temporary Gallery, Cologne (2018), Établissement d'en face,
Brussels (2016), Le Crédac, Ivry-sur-Seine (2016), and Culturgest, Porto (2016).
A first retrospective of her work was presented at the Serralves Museum in Porto
in 2005 and a second one at Culturgest, in Lisbon, in 2014. She lives and works
in Lisbon.
********** Français **********
Si certains de ses dessins sont au crayon, sur papier, de nombreux autres,
affranchis des confins de la page, existent en tant que broderies, cuir cousu,
tissu décoloré, objets variés. Pour Jotta, dessiner, c’est révéler – démontrer,
découvrir ou étoffer les potentielles connexions en dormance entre diverses
images et références. Pour elle, dessiner c’est aussi puiser – saisir,
s’approprier, extraire du monde. Mais le simple acte consistant à tracer un
trait, de la façon la plus élémentaire qui soit, est une manière de créer des
liens, de mettre en rapport, et représente une métaphore appropriée de
l’ensemble de sa pratique. Jotta enrichit le langage du dessin en inventant un
champ où esquisses, points de couture, gribouillis, silhouettes, griffures et
ciseaux contribuent à un écosystème de gestes qui se recoupent. Ils reflètent
son approche artistique et incarnent son indifférence à l’égard des catégories
et des frontières qui délimitent traditionnellement les registres esthétiques –
notamment la distinction entre l’art et la vie.
À PROPOS DE L’ARTISTE
Ana Jotta (née en 1946 à Lisbonne) a créé un corpus d’œuvres qui défie la notion
d’autorialité et brouille la frontière entre l’art et la vie. De la fin des
années 1970 à la fin des années 1980, elle travaille dans le théâtre, à la fois
comme comédienne, costumière et scénographe. Elle développe parallèlement sa
pratique artistique pluridisciplinaire. Elle a fait l’objet d’expositions
monographiques au Kunsthalle, Zurich (2024) ; au Wattis Institute, San Francisco
(2023) ; à la Casa São Roque – Centro de Arte, Porto (2019) ; à la Temporary
Gallery, Cologne (2018) ; à Établissement d’en face, Bruxelles (2016), au
Cédrac, Ivry-sur-Seine (2016) et à Culturgest, Porto (2016). Une première
rétrospective de son œuvre a été présentée au Serralves Musem, Porto, en 2005 ;
une deuxième au Culturgest, Lisbonne (2014). Elle vit et travaille à Lisbonne.
********** Nederlands **********
Sommige tekeningen zijn gemaakt met potlood en papier, maar andere - zoals
borduurwerk, genaaid leer, gebleekte stof en zelfs voorwerpen – gehoorzamen niet
aan de beperkingen van het blad. Voor Jotta is tekenen altijd buiten de lijntjes
kleuren, een kwestie van potentiële verbanden tussen ogenschijnlijk losstaande
beelden en verwijzingen blootleggen, verkennen of gestalte geven. Al tekenend
eigent ze zich ook toe – ze pakt van, put uit en ontleent aan de wereld. En toch
gaat zelfs het tekenen van een simpele lijn over verbanden leggen en associaties
creëren, en dient het als treffende metafoor voor haar werkwijze. De kunstenares
verrijkt de taal van het tekenen door een veld uit te vinden waarin schetsen,
steken, krabbels, krassen, silhouetten en scharen een ecosysteem van
overlappende gebaren vormen. Ze weerspiegelen haar benadering als kunstenares en
belichamen haar onverschilligheid voor de traditionele categorieën en grenzen
die esthetische registers onderscheiden – inclusief de grens tussen kunst en
leven.
OVER DE KUNSTENARES
Ana Jotta (1946, Lissabon) creëerde een oeuvre waarin ideeën rond auteurschap
bevraagd worden en het onderscheid tussen kunst en leven vervaagt. Van eind
jaren 70 tot eind jaren 80 werkte ze in het theater als actrice en als kostuum-
en podiumontwerpster. Daarnaast ging ze als kunstenares aan de slag binnen alle
denkbare media. Er waren monografische tentoonstellingen van haar werk te zien
in Kunsthalle Zurich (2024), Wattis Institute in San Francisco (2023), Casa São
Roque - Centro de Arte in Porto (2019), Temporary Gallery in Keulen (2018),
Établissement d'en face in Brussel (2016), Le Crédac in Ivry-sur-Seine (2016) en
Culturgest in Porto (2016). Haar eerste overzichtstentoonstelling opende in 2005
in het museum van Serralves (Porto), een tweede in 2014 in Culturgest
(Lissabon). Ze woont en werkt in Lissabon.
********** English **********
At WIELS Kulendran Thomas presents a series of small paintings and one very
large one, together with a 24-screen video work, all of it newly commissioned.
Referencing the work of early Sri Lankan modernists like Justin Pieris
Deraniyagala and George Keyt, who are credited with bringing cubism to the
island, Kulendran Thomas’ paintings are composed using a neural network trained
on the colonial art history that was first brought to Sri Lanka by European
settlers. They are then hand-painted and depict scenes from the beaches of
Mullivaikkal, Sri Lanka – perhaps from a debauched party, perhaps from a brutal
massacre.
Figures painted using a photo-reflective emulsion emerge from the darkness with
a ghostly presence, illuminated by the warm glow of a spherical video work
titled Peace Core (2024). Made together with long-time collaborator Annika
Kuhlmann, Peace Core features television footage that was broadcast in the
United States during a period of several minutes one particular morning many
years ago. The work draws from the editing style of ‘corecore’ videos on TikTok,
in which arbitrary footage and music is combined for emotional affect,
projecting meaning into meaninglessness. But the television footage featured
in Peace Core is anything but meaningless – and it’s continually algorithmically
auto-edited into a hypnotic meditation, synchronised with an ever-evolving
soundtrack composed using AI tools that keep remixing forever the sounds and
music that were broadcast that morning.
********** Français **********
À WIELS, Kulendran Thomas présente exclusivement des créations récentes dont une
série de tableaux de petite taille et une très grande toile, ainsi qu’une œuvre
vidéo sur 24 écrans. Évoquant le travail des premiers modernistes sri-lankais
comme Justin Pieris Deraniyagala et George Keyt, dont on estime qu’ils ont
apporté le cubisme sur l’île, les tableaux de Kulendran Thomas sont composés au
moyen d’un réseau de neurones artificiels formés sur l’histoire de l’art
colonial, introduit au Sri Lanka par les colons européens. Elles sont ensuite
peintes à la main et représentent des scènes sur les plages de Mullivaikkal –
peut-être une fête qui aurait un peu dégénéré, peut-être un violent massacre.
Des silhouettes peintes avec une émulsion photoréfléchissante surgissent de
l’obscurité, dotées d’une présence spectrale, éclairées par la lueur chaude
d’une œuvre vidéo sphérique intitulée Peace Core (2024). Réalisée avec Annika
Kuhlmann, collaboratrice de longue date, Peace Core contient des images
diffusées à la télévision aux États-Unis pendant plusieurs minutes, un matin
particulier, il y a des années. Cette œuvre s’inspire du montage des vidéos «
corecore » sur TikTok, dans lesquelles images et musique sont associées
arbitrairement dans le but de produire un impact émotionnel, donnant du sens à
ce qui n’en a pas. Mais les images qui apparaissent dans Peace Core ont bel et
bien un sens, sont continuellement éditées, de façon algorithmique, en une
méditation hypnotique, et synchronisées avec une bande son en constante
évolution, composée au moyen d’outils IA afin qui remixent à l’infini les sons
et la musique diffusés ce matin-là.
********** Nederlands **********
In WIELS presenteert Kulendran Thomas uitsluitend nieuw werk, waaronder een
reeks schilderijen en een 24-kanaals videowerk. De schilderijen van Kulendran
Thomas bevatten verwijzingen naar het werk van vroegere Sri Lankaanse
modernisten als Justin Pieris Deraniyagala en George Keyt, die het kubisme op
het eiland geïntroduceerd zouden hebben, en werden gecreëerd met behulp van een
neuraal netwerk getraind in de koloniale kunstgeschiedenis die de Europese
kolonisten naar Sri Lanka brachten. Ze worden vervolgens handgeschilderd en
laten taferelen zien op de stranden van het Sri Lankaanse dorp Mullivaikkal.
Verbeelden ze een ontaard strandfeest of een gruwelijk bloedbad?
Spookachtige gestalten komen tevoorschijn uit het duister, geschilderd met een
foto-reflecterende emulsie en verlicht door de warme gloed van een bolvormig
videowerk met de titel Peace Core (2024). In Peace Core, een van de vruchten van
een lange samenwerking met Annika Kuhlmann, wordt een schijnbaar onuitputtelijke
reeks televisieopnames bij elkaar gemonteerd, die enkele minuten lang op een
ochtend in de Verenigde Staten zijn uitgezonden. Er wordt gebruikgemaakt van de
montagestijl van ‘corecore’-video's op TikTok, waarin de combinatie van
willekeurige beelden met muziek een emotionele lading opwekt en er betekenis
wordt geprojecteerd op het betekenisloze. Maar de televisiebeelden in Peace Core
zijn allesbehalve betekenisloos. Ze vormen een hypnotiserende bespiegeling,
voortdurend bewerkt door algoritmen en gesynchroniseerd met een immer
veranderende soundtrack, gecomponeerd door kunstmatige intelligenties die de
geluiden en muziek die die ochtend werden uitgezonden, eindeloos remixen.
"Le monde sauvage est fascinant, attachant, à la fois dur et fragile
et il convient plus que jamais de le préserver. À travers mes
photographies, je veux sensibiliser le plus grand nombre à la
beauté mais aussi à la fragilité des écosystèmes. L’aube sera le fil
conducteur pour vous émerveiller avec des photos prises dans la
taïga finlandaise, mais parfois bien plus proche de chez nous.
Mes photos sont des instantanés d’une vie éphémère qui je
l’espère se renouvellera encore éternellement." Benoît Segaert