********** English **********
Under 30? Then make sure to attend our operas on the Young Opera Nights: one
date in the run when you and hundreds of other young opera lovers enjoy a free
reception and an exclusive event.
The Turn of the Screw (10.5)
Catch your breath after this thriller during a free reception, followed by an
aftertalk (in French) with principal cello Sébastien Walnier.
Tickets
Turandot (27.6)
After the performance, we invite you to a free reception in the Grand foyer and
an exclusive event: our collaborators will guide you through the monumental set
of Turandot and offer you the opportunity to immortalise your visit on stage
during a photo shoot.
Tickets
In the new 2024-25 season, we treat you to a personal welcome, a free drink, a
free programme book and an after-event for the following productions:
Siegfried (28.9.2024)
The Time of Our Singing (25.10.2024)
Fanny and Alexander (13.12.2024)
Götterdämmerung (15.2.2025)
I Grotteschi - Part I: Miro (17.4.2025)
I Grotteschi - Part I: Godo (2.5.2025)
Carmen (14.6.2025)
GET YOUR FREE 'YOUNG OPERA' MEMBERSHIP HERE
********** Nederlands **********
Jonger dan 30? Woon onze opera’s dan zeker bij op de Young Opera Nights: één
datum in de speelreeks waarop we je samen met honderden andere jonge
operaliefhebbers persoonlijk onthalen op een gratis receptie en exclusief event.
The Turn of the Screw (10.5)
Kom even op adem na deze thriller tijdens een gratis receptie, gevolgd door een
aftertalk (in het Frans) met onze eerste cellist Sébastien Walnier.
Tickets
Turandot (27.6)
Na de voorstelling nodigen we je uit voor een gratis receptie in de grote foyer
en een exclusief event: onze medewerkers gidsen je door het monumentale decor
van Turandot en bieden je achteraf de gelegenheid om je bezoek op scène te
vereeuwigen tijdens een fotoshoot.
Tickets
In het nieuwe seizoen 2025-25 geniet je van een gratis drankje en programmaboek,
een persoonlijk onthaal en een after-event bij de volgende voorstellingen:
Siegfried (28.9.2024)
The Time of Our Singing (25.10.2024)
Fanny and Alexander (13.12.2024)
Götterdämmerung (15.2.2025)
I Grotteschi - Part I: Miro (17.4.2025)
I Grotteschi - Part I: Godo (2.5.2025)
Carmen (14.6.2025)
WORD GRATIS LID VAN ‘YOUNG OPERA’
********** Français **********
Vous avez moins de 30 ans ? Alors, ne manquez pas nos soirées « Young Opera » :
une soirée pour chaque production d’opéra, où nous vous accueillons vous et
d’autres jeunes amateurs, et où vous profitez d’une réception gratuite et d’un
événement exclusif.
The Turn of the Screw (10.5)
Détendez vous après ce thriller haletant avec une réception gratuite suivie d'un
aftertalk en compagnie de notre violoncelliste Sébastien Walnier (en français)
Tickets
Turandot (27.6)
Après la représentation, nous vous invitons à une réception gratuite dans notre
Grand Foyer et à un événement exclusif : nos équipes de production vous
guideront dans le décor monumental de Turandot et vous offrira ensuite la
possibilité d'immortaliser votre visite sur scène au cours d'une séance photo.
Tickets
Dans la nouvelle saison 2024-25, vous profitez d’un accueil personnalisé, d’une
boisson gratuite, d’un programme offert et d’une rencontre après les
représentations suivantes :
Siegfried (28.9.2024)
The Time of Our Singing (25.10.2024)
Fanny and Alexander (13.12.2024)
Götterdämmerung (15.2.2025)
I Grotteschi - Part I: Miro (17.4.2025)
I Grotteschi - Part I: Godo (2.5.2025)
Carmen (14.6.2025)
ADHÉREZ GRATUITEMENT À « Young Opera »
Description
********** English **********
It is in the third century BC that the Carthaginian general Hannibal Barca embarked on a mind-boggling journey: marching with 70,000 soldiers and 40 elephants, he entered Italy via Spain, France and the Alps, in an attempt to shake the Roman empire to its foundations. Hannibal ad portas!
This new creation by Michael De Cock and Junior Mthombeni tells the story of the Punic Wars and the birth of Europe from the perspective of the Carthaginian uber-general. It is a performance about great clashes. The Punic Wars as a metaphor for all the conflicts being fought on the edges of the continent today. The figure of Hannibal as a lens through which we can explore the different visions of contemporary Europe. For, absurd as it may seem, the idea that there are once again ‘barbarians’ at the Southern borders of Europe, ready to wipe out its history, seems to be resurfacing. Through the unique synergy of opera and slam, contemporary dance and acting, Hannibal opens a window onto the past, present and future of the West. For the makers, Henry Purcell’s opera Dido and Aeneas – about the betrayal of the Carthaginian queen, the mythical origin for the conflict between Europe and North Africa – is the starting point of a performance in which the fusion of arts and cultures is ultimately not something to be feared, but celebrated.
This production is part of Troika Dance
********** Français **********
IIIe siècle av. J.-C. À la tête d’une armée composée de 70 000 soldats et de 40 éléphants, le général carthaginois Hannibal Barca entreprend un périple vertigineux qui doit le mener en Italie, via l’Espagne, la France et les Alpes. Son but ? Ébranler l’Empire romain jusque dans ses fondations. Hannibal ad portas!
Dans leur nouvelle création, Michael De Cock et Junior Mthombeni racontent cette histoire à travers les yeux du généralissime carthaginois. Un spectacle sur les affrontements majeurs, où les guerres puniques tiennent lieu de métaphore des conflits qui font actuellement rage aux frontières du Vieux Continent, et la figure d’Hannibal, de prisme donnant à voir les différentes visions de l’Europe contemporaine. Car, malgré son absurdité, l’idée selon laquelle des « barbares » seraient à nouveau à nos portes, prêts à éradiquer notre histoire, semble refaire surface. Par le biais d’une synergie unique entre opéra et slam, danse contemporaine et théâtre, Hannibal ouvre une fenêtre sur le passé, le présent et l’avenir de l’Occident. Pour les créateurs, l’opéra Dido and Aeneas de Henry Purcell – relatant la trahison de la reine de Carthage, origine mythologique du conflit entre l’Europe et l’Afrique du Nord – sert de point de départ à un spectacle célébrant la fusion des arts et des cultures plutôt que l’appréhendant.
CETTE PRODUCTION FAIT PARTIE DE TROIKA DANCE
********** Nederlands **********
In de derde eeuw v.C. ving de Carthaagse legeraanvoerder Hannibal Barkas zijn duizelingwekkende tocht aan: met 70 000 soldaten en 40 olifanten trok hij via Spanje, Frankrijk en de Alpen Italië binnen, in een queeste het Romeinse rijk op zijn grondvesten te doen daveren. Hannibal ad portas!
Deze nieuwe creatie van Michael De Cock en Junior Mthombeni brengt het verhaal van de Punische oorlogen en het ontstaan van Europa vanuit het perspectief van de Carthaagse supergeneraal. Het is een voorstelling over grote confrontaties. De Punische oorlogen als metafoor voor alle conflicten die vandaag worden uitgevochten aan de randen van het continent. De figuur van Hannibal als een lens waardoor we de verschillende visies op het hedendaagse Europa kunnen verkennen. Want het idee dat er opnieuw ‘barbaren’ aan de Europese zuidgrenzen staan, klaar om de geschiedenis van het continent uit te wissen, lijkt, hoe absurd ook, te herleven. Via de unieke synergie tussen opera en slam, hedendaagse dans en acteerwerk, opent Hannibal daarom een raam op het verleden, het heden en de toekomst van het Avondland. Henry Purcells opera Dido and Aeneas – over het verraad aan de Carthaagse koningin, de mythische oorsprong voor het conflict tussen Europa en Noord-Afrika – is voor de makers het vertrekpunt van een voorstelling waarin de versmelting van kunsten en culturen uiteindelijk niet wordt gevreesd, maar gevierd.
Deze voorstelling maakt deel uit van Troika Dance
Information sur la date
2024-09-11: 20:00:00
2024-09-12: 20:00:00
2024-09-13: 20:00:00
2024-09-14: 20:00:00
2025-05-19: 14:00:00
2025-05-20: 19:00:00
2025-05-20: 19:00:00
Info & Réservation
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Événements suggérés
********** English **********
'Into Thin Air', contemporary dance (55 mins) | May 14, 2024 | 1 PM, 5 PM @
Korean Cultural Center
〈Into Thin Air〉 is a trash art based, real life inspired visual theater piece.
It is about emptiness. It deals with the disappearance of value and cause, the
loss of the present in the rush for a better future. Into Thin Air is set in a
world of commercial values and soap opera morals. The piece's dramatic aspects,
filled with dark humor, are derived from the true stories if there are 9
participants. As the piece unfolds, the dancers stretch their physical
boundaries, as the characters in the piece are stretching their realistic
boundaries to fit comics-like prototypes. Through rhythmical movement sections
and beautifully crude visual imagery, short stories emerge, exposing a vast
emotional field in which the 9 characters' virtuosity move around.
'Dance Speaks', contemporary dance (83 mins) | May 16, 2024 | 1 PM, 5 PM @
Korean Cultural Center
is a lecture performance featuring dancers from various fields, including
traditional Korean dance, contemporary dance, ballet, and street dance, who
reflect on contemporary dance through dance and narrative, focusing on the
specific body of the dancer. Dancers' bodies embody the illusion of beauty on
stage, but in reality, they are often injured or deformed as professionals who
use their bodies. In the performance, the dancers tell autobiographical stories
about their bodies and use their own experiences with health and injury to
critique the illusions that surround dance, and also show their dedication to
dance on stage.
'Dallae Story', non-verbal puppet show (70 mins) | June 6, 2024 | 1 PM, 5 PM @
Korean Cultural Center
is a story of three families who cherish the simple things in their lives
together. It is a story of childhood memories that everyone has, and how the
small pleasures of a happy and warm day can help us through the inevitable hard
times. The unique form of actors and puppets performing together uses a variety
of media, including objects, theater, mime, Korean dance, shadow play, and 3D
video. It is a non-verbal puppet theater that uses lyrical dance and implied
gestures to convey the content, making it easy for anyone to understand and
relate to.
********** Français **********
'Into Thin Air', danse contemporaine (55 minutes) | 14 mai, 2024 | 13h, 17h @
Centre Culturel Coréen
〈Into Thin Air〉 est une pièce de théâtre visuel inspirée de la vie réelle, basée
sur l'art de la récupération. Elle traite de la vacuité. Elle aborde la
disparition de la valeur et de la cause, la perte du présent dans la course vers
un avenir meilleur. Into Thin Air est située dans un monde de valeurs
commerciales et de morales de feuilleton. Les aspects dramatiques de la pièce,
empreints d'humour noir, sont tirés des véritables histoires de ses 9
participants. Au fur et à mesure que la pièce se déroule, les danseurs
repoussent leurs limites physiques, tout comme les personnages de la pièce
repoussent leurs limites réalistes pour correspondre à des prototypes de bande
dessinée. À travers des sections de mouvements rythmiques et des images
visuelles magnifiquement crues, des histoires courtes émergent, exposant un
vaste champ émotionnel dans lequel les 9 personnages virtuoses évoluent.
'Dance Speaks', danse contemporaine (83 minutes) | 16 mai, 2024 | 13h, 17h @
Centre Culturel Coréen
est une performance de conférence mettant en vedette des danseurs de divers
domaines, y compris la danse traditionnelle coréenne, la danse contemporaine, le
ballet et la danse de rue, qui réfléchissent à la danse contemporaine à travers
la danse et le récit, en mettant l'accent sur le corps spécifique du danseur.
Les corps des danseurs incarnent l'illusion de la beauté sur scène, mais en
réalité, ils sont souvent blessés ou déformés en tant que professionnels
utilisant leurs corps. Dans la performance, les danseurs racontent des histoires
autobiographiques sur leurs corps et utilisent leurs propres expériences en
matière de santé et de blessures pour critiquer les illusions qui entourent la
danse, et montrent également leur dévouement à la danse sur scène.
'Dallae Story', spectacle de marionnettes non verbal (70 minutes) | 6 juin, 2024
| 13h, 17h @ Centre Culturel Coréen
est l'histoire de trois familles qui chérissent les choses simples de leur vie
ensemble. C'est une histoire de souvenirs d'enfance que tout le monde a, et
comment les petits plaisirs d'une journée heureuse et chaleureuse peuvent nous
aider à traverser les moments difficiles inévitables. La forme unique d'acteurs
et de marionnettes travaillant ensemble utilise une variété de médias, y compris
des objets, du théâtre, du mime, de la danse coréenne, du théâtre d'ombres et de
la vidéo 3D. C'est un théâtre de marionnettes non verbal qui utilise la danse
lyrique et des gestes implicites pour transmettre le contenu, le rendant facile
à comprendre et à se rapporter pour tout le monde.
********** Nederlands **********
'Into Thin Air', hedendaagse dans (55 minuten) | 14 mei, 2024 | 13.00 uur, 17.00
uur @ Koreaans Cultureel Centrum
〈Into Thin Air〉 is een visueel theaterstuk geïnspireerd op het echte leven,
gebaseerd op de kunst van het recyclen. Het gaat over de leegte. Het besproken
het verdwijnen van waarde en oorzaak, het verlies van het heden in de haast naar
een betere toekomst. Into Thin Air speelt zich af in een wereld van commerciële
waarden en soapachtige moraal. De dramatische aspecten van het stuk, doorspekt
met zwarte humor, zijn gebaseerd op de ware verhalen van de 9 deelnemers.
Beweeglijke het stuk zich ontvouwt, verleggen de dansers hun fysieke grenzen,
net zoals de personages in het stuk hun realistische grenzen verleggen om bij
stripachtige prototypen te passen. Door ritmische bewegingssecties en prachtige
regel van visuele beelden komen korte verhalen naar voren, waarin een
uitgestrekt overdekt veld wordt blootgelegd waarin de 9 personages zich virtuoos
bewegen.
'Dance Speaks', hedendaagse dans (83 minuten) | 16 mei, 2024 | 13.00 uur, 17.00
uur @ Koreaans Cultureel Centrum
is een lezing-performance met dansers uit verschillende disciplines, waaronder
traditionele Koreaanse dans, hedendaagse dans, ballet en straatdans, die
reflecteren op hedendaagse dans door middel van dans en verhaal, met de nadruk
op het specifieke lichaam van de danser. Hoewel de lichamen van de dansers op
het podium de illusie van schoonheid belichamen, maar in werkelijkheid zijn ze
vaak voorkomend of misvormd als professionals hun lichaam gebruiken. In de
voorstelling vertellen de dansers autobiografische verhalen over hun lichamen en
gebruiken ze hun eigen ervaringen met gezondheid en blessures om de illusies
rondom dans te bekritiseren, en tonen ze ook hun toewijding aan dans op het
podium.
'Dallae Story', woordeloze poppenshow (70 minuten) | 6 juni, 2024 | 13.00 uur,
17.00 uur @ Koreaans Cultureel Centrum
is het verhaal van drie families die de eenvoudige dingen in hun leven
koesteren. Het is een verhaal van jeugdherinneringen die iedereen heeft, en hoe
de kleine geneugten van een gelukkige en warme dag ons kunnen helpen door de
lastige tijden heen te komen. De unieke vorm van acteurs en poppen die samen
optreden maakt gebruik van een verscheidenheid aan media, waaronder objecten,
theater, mime, Koreaanse dans, schimmenspel en 3D-video. Het is een woordeloos
poppentheater dat gebruik maakt van lyrische dans en impliciete gebaren om de
inhoud over te brengen, waardoor het voor iedereen gemakkelijk te begrijpen en
te relateren is.
********** English **********
Nacera Belaza is known for her meticulous, minimalist and mesmerising
choreography. Born in Algeria and now living in France, she translates diverse
influences and dance traditions into addictive kinetic scores which cannot leave
you unmoved. This is dance in its purest form, which needs to be experienced
rather than understood. Two core research principles in Belaza’s body of work
are ‘the circle’ and ‘rhythm’. In previous creations presented at the festival,
Le Cercle (2019) and L’Onde (2021), she uncovered these research principles
separately with determination and depth. Now they come together for the first
time: on the one hand, the power of the circle in space, tracing its orbit
around an unchanging centre, as if organising the disorder of disparate lives;
on the other, the rhythm digging into time, lifting up bodies to grant them a
dazzling freedom. Combined, the confrontation becomes a ritual practice opening
up to a perpetual motion, a loophole to infinity. In this unique experience, the
audience surrounds the dancers to contain their incredible energy. Not to be
missed!
********** Français **********
Nacera Belaza est connue pour ses chorégraphies méticuleuses, minimalistes et
envoûtantes. Née en Algérie et résidant actuellement en France, elle a développé
une pratique chorégraphique qui traduit des influences et des traditions de
danse diverses en des partitions cinétiques captivantes qui ne peuvent laisser
indifférent·e. C'est de la danse dans sa forme la plus pure, qui s’expérimente
plus qu’elle ne se comprend. Dans Le Cercle (2019) et L'Onde (2021),
précédemment présentées au festival, elle travaillait successivement deux des
principes de recherche fondamentaux de son œuvre, le cercle et le rythme. Avec
La Nuée, Belaza réunit pour la première fois ces deux principes : d’une part, la
puissance du cercle dans l’espace qui trace sa propre orbite autour d’un centre
immuable, comme si on y organisait le désordre de vies disparates ; d’autre
part, le rythme qui creuse le temps et soulève les corps pour leur accorder une
liberté fulgurante. Une confrontation qui se transforme en une pratique rituelle
et s’ouvre sur un mouvement perpétuel, voire une faille vers l’infini. Une
expérience unique à ne pas manquer, avec une énergie incroyable contenue par le
public assis en cercle autour des danseur·euses.
********** Nederlands **********
Nacera Belaza – geboren in Algerije en nu gevestigd in Frankrijk – staat bekend
om haar precieze, minimalistische en betoverende choreografieën. Ze vertaalt
diverse invloeden en danstradities in verslavende kinetische composities die
niet onberoerd laten. Het is dans in zijn puurste vorm, die eerder ervaren dan
begrepen wil worden. Twee kernprincipes in het werk van Belaza zijn ‘de cirkel’
en ‘ritme’. In Le Cercle (2019) en L’Onde (2021), eerder te zien op het
festival, legde ze deze onderzoeksprincipes ieder afzonderlijk. Nu komen ze voor
het eerst samen: enerzijds de kracht van de cirkel in de ruimte, die zijn baan
trekt rond een onveranderlijk middelpunt, alsof het de wanorde van uiteenlopende
levens organiseert; anderzijds het ritme dat in de tijd graaft en lichamen
optilt om ze een duizelingwekkende vrijheid te schenken. Door de confrontatie
tussen beide ontstaat een rituele praktijk die zich ontvouwt tot een
eeuwigdurende beweging, een achterpoortje naar de oneindigheid. Een unieke
ervaring waarbij het publiek in een cirkel rond de onbedwingbare energie van de
dansers zit. Niet te missen!
********** English **********
Nacera Belaza is known for her meticulous, minimalist and mesmerising
choreography. Born in Algeria and now living in France, she translates diverse
influences and dance traditions into addictive kinetic scores which cannot leave
you unmoved. This is dance in its purest form, which needs to be experienced
rather than understood. Two core research principles in Belaza’s body of work
are ‘the circle’ and ‘rhythm’. In previous creations presented at the festival,
Le Cercle (2019) and L’Onde (2021), she uncovered these research principles
separately with determination and depth. Now they come together for the first
time: on the one hand, the power of the circle in space, tracing its orbit
around an unchanging centre, as if organising the disorder of disparate lives;
on the other, the rhythm digging into time, lifting up bodies to grant them a
dazzling freedom. Combined, the confrontation becomes a ritual practice opening
up to a perpetual motion, a loophole to infinity. In this unique experience, the
audience surrounds the dancers to contain their incredible energy. Not to be
missed!
********** Français **********
Nacera Belaza est connue pour ses chorégraphies méticuleuses, minimalistes et
envoûtantes. Née en Algérie et résidant actuellement en France, elle a développé
une pratique chorégraphique qui traduit des influences et des traditions de
danse diverses en des partitions cinétiques captivantes qui ne peuvent laisser
indifférent·e. C'est de la danse dans sa forme la plus pure, qui s’expérimente
plus qu’elle ne se comprend. Dans Le Cercle (2019) et L'Onde (2021),
précédemment présentées au festival, elle travaillait successivement deux des
principes de recherche fondamentaux de son œuvre, le cercle et le rythme. Avec
La Nuée, Belaza réunit pour la première fois ces deux principes : d’une part, la
puissance du cercle dans l’espace qui trace sa propre orbite autour d’un centre
immuable, comme si on y organisait le désordre de vies disparates ; d’autre
part, le rythme qui creuse le temps et soulève les corps pour leur accorder une
liberté fulgurante. Une confrontation qui se transforme en une pratique rituelle
et s’ouvre sur un mouvement perpétuel, voire une faille vers l’infini. Une
expérience unique à ne pas manquer, avec une énergie incroyable contenue par le
public assis en cercle autour des danseur·euses.
********** Nederlands **********
Nacera Belaza – geboren in Algerije en nu gevestigd in Frankrijk – staat bekend
om haar precieze, minimalistische en betoverende choreografieën. Ze vertaalt
diverse invloeden en danstradities in verslavende kinetische composities die
niet onberoerd laten. Het is dans in zijn puurste vorm, die eerder ervaren dan
begrepen wil worden. Twee kernprincipes in het werk van Belaza zijn ‘de cirkel’
en ‘ritme’. In Le Cercle (2019) en L’Onde (2021), eerder te zien op het
festival, legde ze deze onderzoeksprincipes ieder afzonderlijk. Nu komen ze voor
het eerst samen: enerzijds de kracht van de cirkel in de ruimte, die zijn baan
trekt rond een onveranderlijk middelpunt, alsof het de wanorde van uiteenlopende
levens organiseert; anderzijds het ritme dat in de tijd graaft en lichamen
optilt om ze een duizelingwekkende vrijheid te schenken. Door de confrontatie
tussen beide ontstaat een rituele praktijk die zich ontvouwt tot een
eeuwigdurende beweging, een achterpoortje naar de oneindigheid. Een unieke
ervaring waarbij het publiek in een cirkel rond de onbedwingbare energie van de
dansers zit. Niet te missen!
********** English **********
Ten dancers timidly balance en pointe with their backs to the audience while
Camille Saint-Saëns’ The Swan plays. So opens HATCHED ENSEMBLE. While hiding
their faces, they display small, handcrafted ironwork sculptures. The
captivating choreography is the brainchild of South African artist Mamela
Nyamza, who unapologetically demystifies and deconstructs the history of dance
while trampling the norms and standards of the classics. Using simple household
materials – clothes pegs, a clothes line, plastic ponchos and red aprons – the
dancers evoke images of domestic labour that evolve in precise and touching
fashion. Referencing Western classical music, dance and South African vocal
scores, they juxtapose the movement vocabularies of diverse cultures. The
dancers convey deeply personal stories that challenge race and gender norms,
their movements peppered with moments of miniaturised ballet performed with
frantic, joyful release. Minor gestures and major sensitivity combine to open up
an entire universe unknown to dance history, overflowing with urgency and subtle
virtuosity.
********** Français **********
Dix danseur·euses se tiennent en équilibre sur les pointes, dos au public, alors
que Le Cygne de Camille Saint-Saëns résonne. Ainsi s’ouvre HATCHED ENSEMBLE.
Tout en cachant leurs visages, les danseur·euses dévoilent de petites sculptures
en fer fabriquées à la main. Cette chorégraphie captivante est une création de
l’artiste sud-africaine Mamela Nyamza qui démystifie et déconstruit résolument
l’histoire de la danse en bousculant les normes et les standards classiques.
Avec de simples articles ménagers – pinces et cordes à linge, ponchos en
plastique et tabliers rouges – et d’une manière à la fois précise et touchante,
les danseur·seuses construisent des images évoquant des tâches domestiques. Iels
juxtaposent des vocabulaires gestuels issus de cultures diverses, des références
à la musique classique occidentale et des compositions vocales et de danses
sud-africaines, tout en nous partageant des récits intimes qui défient les
normes de race et de genre. Une chorégraphie exceptionnelle, présentée pour la
première fois en Europe, émaillée de références subtiles au ballet et exécutée
avec une liberté frénétique et une joie délivrante. Gestes mineurs et
sensibilité majeure s’imbriquent et débordent d’un sentiment d’urgence et de
virtuosité pour faire éclore un univers jusqu’alors inconnu de l’histoire de la
danse.
********** Nederlands **********
Camille Saint-Saëns’ De Zwaan weerklinkt, tien dansers balanceren verlegen op
hun pointes met de rug naar het publiek. Dit is de openingsscène van HATCHED
ENSEMBLE. Terwijl ze hun gezichten verbergen, tonen ze kleine handgemaakte
beeldjes van ijzerdraad. De betoverende choreografie is een creatie van de
Zuid-Afrikaanse choreografe Mamela Nyamza. Ze is gekend om de manier waarop ze
de dansgeschiedenis genadeloos ontleedt en demystificeert, en daarbij de
klassieke normen en standaarden bevraagt. Met precieze en aandoenlijke gebaren,
en eenvoudige materialen – wasknijpers, een waslijn, plastic poncho’s en rode
schorten – roepen de dansers beelden van huishoudelijke arbeid op. Ze plaatsen
de bewegingstaal van verschillende culturen, Zuid-Afrikaanse zangpartijen, en
westerse klassieke muziek en dans naast elkaar. De performers delen persoonlijke
verhalen die ras- en gendernormen uitdagen, terwijl hun bewegingen evolueren van
schuchter ballet naar uitzinnige, vreugdevolle ontlading. Kleine gebaren en
grote gevoeligheden – overlopend van urgentie en virtuositeit – brengen een tot
nog toe onbekend universum in de geschiedenis van de dans tot leven.
********** English **********
Nothing is what it seems at the old English country house Bly. When a new
governess takes up her position, she is told never to leave the children alone!
The shocking confrontation with the ghosts of her predecessor and a certain
Peter Quint soon makes it clear to her why. As protecting the children becomes
increasingly difficult, disturbing questions arise: What horrible acts took
place before her arrival? How innocent are the children? And are you really
seeing what’s before your eyes?
Drawing on Henry James’s intriguing ghost story, Benjamin Britten composed a
psychological thriller in chamber opera format with The Turn of the Screw.
Director Andrea Breth keeps the mystery intact, turning House Bly into a
labyrinth in which the characters are not the only ones to lose themselves.
Together with conductor Antonio Méndez, she will turn the screw on your
imagination as far as it goes…
Are you under 30? Then attend this opera on the Young Opera Night (10.5.2024)
and enjoy a free reception and exclusive after-event.
********** Français **********
Rien n’est ce qu’il paraît, dans le vieux manoir anglais de Bly. La nouvelle
gouvernante y reçoit une consigne importante : ne jamais laisser les enfants
seuls ! Elle comprend bien vite pourquoi, après avoir fait l’effrayante
rencontre des fantômes de la précédente gouvernante et d’un certain Peter Quint.
Tandis que protéger les enfants devient de plus en plus difficile, des questions
inquiétantes s'accumulent : quels actes horreurs ont été commis avant son
arrivée ? Les enfants sont-ils innocents ? Et voyez-vous vraiment ce qui se
passe sous vos yeux ?
Sur la base d’une intrigante ghost story de Henry James, Benjamin Britten a
composé, avec The Turn of the Screw, un thriller psychologique sous forme
d’opéra de chambre. La metteure en scène Andrea Breth préserve le mystère et
fait de House Bly un labyrinthe où les personnages ne sont pas les seuls à
s’égarer. Avec l’aide du chef d’orchestre Antonio Méndez, elle fait tourner
jusqu’au bout la vis de votre imagination...
Vous avez moins de 30 ans ? Assistez à cet opéra lors de la soirée « Young
Opera » (10.5.2024) et profitez d’une réception gratuite ainsi que d’un
événement exclusif.
********** Nederlands **********
Niets is wat het lijkt in het oude Engelse landhuis Bly. Wanneer een nieuwe
gouvernante er haar intrede doet, krijgt ze een belangrijke voorwaarde: laat de
kinderen nooit alleen! De ontmoeting met de geesten van haar voorgangster en de
voormalige bediende Peter Quint maken haar al snel duidelijk waarom. Terwijl de
kinderen beschermen almaar penibeler wordt, dringen verontrustende vragen zich
op: welke horror vond er plaats in dit huis? Hoe onschuldig zijn de kinderen
eigenlijk? En ziet u wel wat u ziet?
Gebaseerd op de intrigerende ghost story van Henry James, componeerde Benjamin
Britten met The Turn of the Screw een psychologische thriller in
kameroperaformaat. Regisseuse Andrea Breth houdt het mysterie intact en maakt
van House Bly een labyrint waarin niet alleen de personages zich verliezen.
Samen met dirigent Antonio Méndez draait ze de schroef van uw verbeelding
helemaal los...
Jonger dan 30? Woon deze opera dan bij op de Young Opera Night (10.5.2024) en
geniet van een gratis receptie en exclusief after-event.
A one-off collaboration between
American singer, poet and guitarist Mike Doughty (founder and frontman of Soul
Coughing, one half of Ghost of Vroom),
American cellist and bassist Andrew ‘Scrap’ Livingston (the other half of Ghost
of Vroom) and
Belgian producers Husk Husk (KVS, Victoria & Albert Museum (UK), ARKO Arts
Theater (KR), Ex Elettrofonica (IT)),
and
London-based, Korean choreographer Sung Im Her (P.A.R.T.S, Needcompany, The
Place (UK)), and
Greek dancer, performer and choreographer Martha Pasakopoulou (Marina Abramovic,
Tino Sehgal).
Artwork: Daniel Sterckx (Créahmbxl)
********** English **********
‘Die Kunst der Fuge occupies an almost mythical place in the oeuvre of Johann
Sebastian Bach. Not only on account of its vast scope and impenetrability, but
also because Bach worked on it until his death, which gives the listener the
impression that this is his musical testament.’
— Bernard Foccroulle
Anne Teresa De Keersmaeker continues her exploration of Johann Sebastian Bach’s
oeuvre with the work that, in a sense, is the pinnacle of his life’s work: Die
Kunst der Fuge. The remarkable thing about this cycle of eighteen canons and
fugues, performed live by Bernard Foccroulle on the organ of the Cathedral of St
Michael and St Gudula, is the exceptional power of imagination that emanates
from what is ultimately a minimum of musical material: the first theme consists
of only twelve notes, spread over four measures.
The choreography, developed with Radouan Mriziga, starts out from the same
principle by working on four lines and in the intermediate space. In addition,
the choreography is also inspired by the circumstances in which Bach composed
Die Kunst der Fuge. He worked on this cycle until the end of his life, and the
final fugue, composed with the musical notes reflecting the letters of his
surname, was never finished. This incompleteness resonates forcefully with our
current sense of powerlessness as we face a global catastrophe, despite being at
the height of our powers.
THIS Production is part of TROIKA DANCE
********** Français **********
« Die Kunst der Fuge occupe une place mythique dans l’œuvre de J.S. Bach, tant
en raison de son ampleur et de sa densité que parce qu’elle nous parvient
inachevée. Bach travaillait à son édition au moment de sa mort, ce qui lui
confère une dimension testamentaire. »
– Bernard Foccroulle
Anne Teresa De Keersmaeker poursuit son exploration de l’œuvre de Johann
Sebastian Bach avec la pièce qui en constitue d’une certaine manière le
couronnement : Die Kunst der Fuge. Ce qui frappe dans ce cycle de dix-huit
canons et fugues, interprété en direct par Bernard Foccroulle sur l’orgue de la
cathédrale Saints-Michel-et-Gudule, c’est l’extraordinaire imagination qui se
déploie à partir d’un matériau musical en fin de compte minimal : le thème
initial compte douze notes seulement, réparties sur quatre mesures.
La chorégraphie, créée en collaboration avec Radouan Mriziga, suit le même
principe et est construite selon quatre lignes et l’espace qui les sépare. Elle
s’inspire également des circonstances dans lesquelles Bach a composé son Die
Kunst der Fuge. Il a travaillé à ce cycle jusqu’à la fin de sa vie, et la
dernière fugue, composée sur les notes correspondant aux lettres de son
patronyme dans la notation musicale allemande, est restée inachevée. Cette
incomplétude entre en forte résonance avec notre sentiment actuel d’impuissance
au seuil d’une catastrophe planétaire, et ce, alors que nous avons atteint des
sommets de savoir-faire.
********** Nederlands **********
“Die Kunst der Fuge neemt een bijna mythische plaats in binnen het oeuvre van
Johann Sebastian Bach. Niet alleen door zijn enorme reikwijdte en
ondoordringbaarheid, maar ook omdat Bach er tot zijn dood aan heeft gewerkt, wat
de luisteraar de indruk geeft dat het hier om zijn muzikale testament gaat.” —
Bernard Foccroulle
Anne Teresa De Keersmaeker zet haar verkenning van het œuvre van Johann
Sebastian Bach verder met het werk dat er in zekere zin de bekroning van vormt:
Die Kunst der Fuge. Opmerkelijk aan deze cyclus van achttien canons en fuga’s,
door Bernard Foccroulle live uitgevoerd op het orgel van de Sint-Michiels- en
Sint-Goedelekathedraal, is de buitengewone verbeeldingskracht die voortvloeit
uit wat uiteindelijk een minimum aan muzikaal materiaal is: het eerste thema
bestaat uit slechts twaalf noten, verspreid over vier maten.
De choreografie, die samen ontwikkeld wordt met Radouan Mriziga, vertrekt vanuit
hetzelfde principe door te werken op vier lijnen, en in de ruimte daartussen.
Daarnaast is ze ook geïnspireerd door de omstandigheden waarin Bach Die Kunst
der Fuge componeerde. Hij werkte tot het einde van zijn leven aan deze cyclus,
en de laatste fuga, gecomponeerd met de muzieknoten die de letters van zijn
achternaam weerspiegelen, werd nooit afgewerkt. Het is een onvolledigheid die
sterk resoneert met ons huidige gevoel van machteloosheid, nu we oog in oog
staan met een globale catastrofe, terwijl we ons op het hoogtepunt van ons
kunnen bevinden.
DEZE VOORSTELLING MAAKT DEEL UIT VAN TROIKA DANCE
********** Français **********
Les Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi comptent parmi les pièces musicales les
plus emblématiques, les plus connues et les plus jouées au monde. Anne Teresa De
Keersmaeker et Radouan Mriziga se proposent d’explorer cette remarquable ode à
la nature dans une nouvelle création, dont le point de départ est le superbe
enregistrement réalisé par la violoniste Amandine Beyer et son ensemble Gli
Incogniti.
Les deux chorégraphes partagent un intérêt marqué pour l’observation de la
nature, la géométrie et l’abstraction incarnée. Ils partagent aussi leur
inquiétude face à l’évolution néfaste de notre lien avec la nature, mais aussi
sur la place et la responsabilité qui incombent à l’art et aux artistes en cette
période critique. Quel sens donner à cette création autour des quatre saisons à
une époque où celles-ci subissent les conséquences du changement climatique au
point que la réalité même de quatre saisons distinctes menace de disparaître ?
Cela fait précisément trois siècles que Vivaldi composa cette musique, en
Méditerranée, à la croisée de différents continents. Les Quatre Saisons invitent
à une réflexion sur la dynamique géopolitique de cette région et sur les
échanges des connaissances, des pouvoirs et de l’histoire qu’elle cristallise.
Creation 2024 fait donc s’entrelacer de multiples strates sous-jacentes pour
faire émerger un langage chorégraphique unique. Ce spectacle revient à
l’essentiel, à la structure de la célèbre pièce de Vivaldi, avec tout le spectre
d’associations et d’émotions qu’elle évoque, tout en créant un contrepoint
chorégraphique à cet univers musical.
Cette production fait partie de Troika Dance
********** Nederlands **********
De vier jaargetijden van Antonio Vivaldi is een van de bekendste, meest
iconische en vaakst gereproduceerde muziekstukken; een echte ‘hit’ uit het
klassieke repertoire. Voor de nieuwste Rosas-creatie laten Anne Teresa De
Keersmaeker en Radouan Mriziga zich inspireren door deze welluidende ode aan de
natuur, en specifiek door de opname van violiste Amandine Beyer en haar ensemble
Gli Incogniti.
De twee choreografen delen naast een grote interesse in de observatie van de
natuur, geometrie en belichaamde abstractie ook een bezorgdheid om onze
veranderende en steeds meer verontrustende relatie met onze natuurlijke
omgeving. Stilstaan bij de vier jaargetijden maakt de urgentie van de
klimaatcrisis pijnlijk duidelijk. Kunnen we vandaag überhaupt nog spreken over
vier seizoenen? Vivaldi’s partituur ontstond exact driehonderd jaar geleden in
het Middellandse Zeegebied, waar verschillende continenten elkaar ontmoeten. In
die zin nodigt het werk ook uit tot reflectie over de geopolitieke dynamiek in
de regio en de manier waarop kennis, macht en geschiedenis zich verspreiden.
Deze voorstelling gaat in op deze uitnodiging en grijpt tegelijk terug naar de
kern, de structuur van Vivaldi’s De vier jaargetijden en de vele associaties en
emoties die dit muziekstuk oproept.
Deze voorstelling maakt deel uit van Troika Dance
********** English **********
Antonio Vivaldi’s The Four Seasons is one of the most well-known, iconic and
reproduced pieces of music; a veritable ‘hit’ of the classical repertoire. In
this new Rosas creation, Anne Teresa De Keersmaeker and Radouan Mriziga set out
to explore this striking ode to nature and take the exquisite recording by
violinist Amandine Beyer and her ensemble Gli Incogniti as a starting point.
Both choreographers share a keen interest in the observation of nature,
geometry, and embodied abstraction. They also share a concern with our changing
and increasingly troubling relationship to our natural environment.
Contemplating the four seasons today brings to the surface the urgency of the
impending climate crisis. Can we even still speak of four seasons? In addition,
Vivaldi wrote this music three hundred years ago in the Mediterranean, a region
at the intersection of different continents. His score thus also invites
reflection on the circulations of knowledge, power, and histories this region
represents.
In this performance, multiple strands come together to create a unique
choreographic language. The piece aims to return to the core, the structure of
Vivaldi’s famous composition and the many associations and emotions it evokes,
while offering a choreographic counterpoint to it.
This production is part of Troika Dance
********** English **********
In Il Cimento dell’Armonia e dell’Inventione, Anne Teresa De Keersmaeker and
Radouan Mriziga set out to explore Antonio Vivaldi’s The Four Seasons. The
starting point for this new choreographic work is the exquisite recording of
Vivaldi’s composition by virtuosic violinist and long-time Rosas collaborator
Amandine Beyer and her ensemble Gli Incogniti.The Four Seasons is one of the
most well-known, iconic and reproduced pieces of music; a veritable ‘hit’ of the
classical repertoire. It is also a striking ode to nature. De Keersmaeker and
Mriziga, who previously collaborated on 3ird5 @ W9rk(2020), share a keen
interest in the observation of nature, geometry, and embodied abstraction. They
also share a concern with our changing and increasingly troubling relationship
to our natural environment. Contemplating the four seasons in nature by
contemplating the nature of this musical composition not only inspires further
explorations of patterns present in the natural world and celestial
configurations as possible starting points for choreography, it also vividly
brings to the surface the urgency of the impending climate crisis. Do we still
have four seasons? In addition, Vivaldi wrote this music three hundred years ago
in the Mediterranean, a region at the intersection of different continents. The
Four Seasons thus also invites reflection on the circulations of knowledge,
power, and histories this region represents.In Il Cimento dell’Armonia e
dell’Inventione, multiple strands come together to create a unique choreographic
language. The piece aims to return to the core, the structure of Vivaldi’s
famous composition and the many associations and emotions it evokes, while
offering a choreographic counterpoint to it. At the same time the dance
underscores that there may be something contemplative to be found in The Four
Seasons, in its familiarity, and in the familiarity of nature. • Rosas is the
company of dancer and choreographer Anne Teresa De Keersmaeker, founded in 1983.
Since her debut, she has been committed to a meticulous exploration of the
simplest to most complex forms of movement, in relation to music. From Bach to
Mozart, from Miles Davis to Joan Baez. Besides creating new work - often also in
other contexts such as museums or in public spaces - a large number of pieces
are still performed all over the world. Kaaitheater is a permanent partner in
Brussels. • Radouan Mriziga is a choreographer from Marrakech who lives in
Brussels. He studied at P.A.R.T.S., the training led by Anne Teresa De
Keersmaeker. His work explores the relationship between space, architecture, the
body and their connections to the mind and intellect. He was artist-in-residence
at Kaaitheater from 2017 to 2022.
********** Français **********
Dans Il Cimento dell’Armonia e dell’Inventione, Anne Teresa De Keersmaeker et
Radouan Mriziga se proposent d’explorer Les Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi. Ce
nouveau spectacle chorégraphique a pour point de départ la superbe version de
l’œuvre de Vivaldi enregistrée par la violoniste virtuose Amandine Beyer,
collaboratrice de longue date de Rosas, et son ensemble Gli Incogniti.Les Quatre
Saisons comptent parmi les pièces musicales les plus emblématiques, les plus
connues et les plus jouées au monde. Si l’on prend en compte son statut de
véritable « tube » du répertoire classique, ce choix n’est sans doute pas le
plus évident. L’œuvre de Vivaldi est aussi une remarquable ode à la nature. De
Keersmaeker et Mriziga, qui ont déjà collaboré sur 3ird5 @ W9rk (2020),
partagent un intérêt marqué pour l’observation de la nature, la géométrie et
l’abstraction incarnée. Les Quatre Saisons leur ont inspiré de nouvelles
réflexions sur des modèles, structures et éléments présents dans la nature et
des configurations célestes comme angles de départ possibles pour la
chorégraphie. Les deux artistes partagent aussi leur inquiétude face à
l’évolution néfaste de notre lien avec la nature, et face à la place et la
responsabilité de l’art et des artistes en cette période critique. La
contemplation des quatre saisons à travers la contemplation de la nature telle
qu’exprimée par cette musique fait clairement jaillir à la surface toute
l’urgence de cette crise. Quel sens donner à cette création autour des quatre
saisons à une époque où celles-ci subissent les conséquences du changement
climatique au point que la réalité même de quatre saisons distinctes menace de
disparaître ? Cela fait précisément trois siècles que Vivaldi composa cette
musique, en Méditerranée, une région à la croisée de differents continents. Les
Quatre Saisons invitent à une réflexion sur la dynamique géopolitique de la
région et sur les échanges de connaissances, de pouvoir et d’histoires qu’elle
symbolise.Il Cimento dell’Armonia e dell’Inventione fait s’entrelacer de
multiples strates sous-jacentes pour faire émerger un langage chorégraphique
unique. Ce spectacle revient à l’essentiel, à la structure de la célèbre pièce
de Vivaldi avec tout le spectre d’associations et d’émotions qu’elle évoque,
tout en créant un contrepoint chorégraphique à cet univers musical. La danse se
repositionne en permanence face à cette musique, laquelle en vient à
s’apparenter à la musique pop tant elle fait partie intégrante de notre mémoire
collective occidentale. Dans le même temps, elle met en lumière le caractère
contemplatif des Quatre Saisons, tant dans ce que cette pièce a de familier que
dans ce que la nature a de familier. • Rosas est la compagnie de la danseuse et
chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker, qui fut fondée en 1983. Elle s'est
engagée depuis ses débuts dans une exploration méticuleuse des formes les plus
simples aux plus complexes du mouvement, en relation avec la musique. De Bach à
Mozart, de Miles Davis à Joan Baez. Outre la création de nouvelles œuvres -
souvent intégrées dans d'autres contextes tels que des musées ou espaces publics
- un grand nombre de ses pièces sont toujours jouées dans le monde entier. Le
Kaaitheater est son partenaire permanent à Bruxelles.
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Voor Il Cimento dell’Armonia e dell’Inventione laten Anne Teresa De Keersmaeker
en Radouan Mriziga zich inspireren door De vier jaargetijden van Antonio
Vivaldi, met name de prachtige opname van Vivaldi’s stuk door violiste Amandine
Beyer en haar ensemble Gli Incogniti. De vier jaargetijden is een van de
bekendste, meest iconische en vaakst gereproduceerde muziekstukken; een echte
‘hit’ uit het klassieke repertoire. Het is ook een prachtige ode aan de natuur.
De Keersmaeker en Mriziga, die eerder al samenwerkten aan 3ird5 @ W9rk (2020),
delen naast een grote interesse in de observatie van de natuur, geometrie en
belichaamde abstractie ook een bezorgdheid om onze veranderende en steeds meer
verontrustende relatie met onze natuurlijke omgeving. De vier jaargetijden
inspireert de choreografen tot een verdere verkenning van patronen, structuren
en elementen uit de natuur en van astronomische configuraties als mogelijke
uitgangspunten voor een choreografie. Stilstaan bij de vier jaargetijden maakt
ook de urgentie van de klimaatcrisis pijnlijk duidelijk. Kunnen we vandaag nog
spreken over vier seizoenen? Vivaldi componeerde De vier jaargetijden exact
driehonderd jaar geleden in het Middellandse Zeegebied, waar verschillende
continenten elkaar ontmoeten. In die zin nodigt Vivaldi’s compositie ook uit tot
reflectie over de geopolitieke dynamiek in de regio en de manier waarop kennis,
macht en geschiedenis zich verspreiden.In Il Cimento dell’Armonia e
dell’Inventione worden verschillende lijnen met elkaar vervlochten om tot een
unieke choreografische schriftuur te komen. Het stuk grijpt terug naar de kern,
de structuur van Vivaldi’s De vier jaargetijden en de vele associaties en
emoties die dit muziekstuk oproept, terwijl het gestalte geeft aan een
choreografisch contrapunt. De voorstelling onderzoekt ook het contemplatieve
aspect van De vier jaargetijden, dat schuilt in de vertrouwdheid van het
muziekstuk en de vertrouwdheid van de natuur. • Rosas is het gezelschap van
danseres en choreografe Anne Teresa De Keersmaeker, opgericht in 1983. Sinds
haar debuut zet ze in op een nauwgezet onderzoek van de eenvoudigste tot meest
complexe vormen van beweging, in relatie tot muziek. Van Bach tot Mozart, van
Miles Davis tot Joan Baez. Naast het creëren van nieuw werk – vaak ook in andere
contexten zoals musea of in de publieke ruimte - worden een groot aantal stukken
nog steeds over de hele wereld opgevoerd. Kaaitheater is vaste partner in
Brussel. • Radouan Mriziga is een choreograaf uit Marrakech die in Brussel
woont. Hij studeerde aan P.A.R.T.S., de opleiding geleid door Anne Teresa De
Keersmaeker. In zijn werk onderzoekt hij de relatie tussen ruimte, architectuur,
het lichaam en hun verbindingen met de geest en het intellect. Hij was
artist-in-residence in Kaaitheater van 2017 tot 2022.