********** English **********
"It may be a play, but it starts out like a film. The heart of the work is in
the cinema," Christiane Jatahy says of the play."It is through cinema that we
arrive on the stage.”
This story is 3000 years old, but it is replayed every day in cinema, but also
in Homer's ‘Odyssey.’ All over the world, people cross borders in search of
asylum or a home.
The film travels through Jenin, Palestine, refugee camps in Lebanon and Greece,
downtown Johannesburg, the Amazon rainforest and ends up in Rio de Janeiro. The
context of the filming may be documentary, but the whole thing is primarily
fiction. The actors in these communities take Homer's verses to speak about
their reality. The actors are manifestations of Odysseus, Penelope and
Telemachus, they draw a straight line from ancient Greek characters to each of
us, present, in the theatre.
For some people in exile or in countries at war, only the present exists, the
past is already too far away or almost destroyed, and the future is unthinkable.
Only the time of waiting remains. A present that overflows.
• Born in Rio de Janeiro, Christiane Jatahy has degrees in theatre and
journalism, and a Masters degree in art and philosophy. In January 2022,
Christiane Jatahy was awarded the Golden Lion at the Venice Biennale for her
entire theatrical work. Created in 2020, ‘Le présent qui déborde’, was filmed
in Palestine, Lebanon, South Africa, Greece and the Amazon. The film is in
dialogue with theatre and mixes fiction with real stories of refugee artists.
This production by Théâtre National Wallonie-Bruxelles has been performed at the
Avignon Festival and has toured in Europe, Asia and the United States.
********** Français **********
“C’est peut-être une pièce, mais ça débute comme un film. Le cœur du travail
se trouve dans le cinéma,” dit Christiane Jatahy de cette pièce. “C’est à
travers le cinéma que nous arrivons sur le plateau”.
A travers le cinéma mais aussi à travers l’‘Odyssée’ d’Homère: cette histoire
est vieille de 3000 ans mais elle se rejoue pourtant tous les jours. Partout
dans le monde, des hommes et des femmes traversent des frontières à la
recherche d’une terre d’asile ou d’un foyer.
Le fim traverse Jénine, en Palestine, des camps de réfugié·es au Liban et en
Grèce, le centre-ville de Johannesburg, la forêt amazonienne et fini à Rio De
Janeiro. Le contexte de ces tournages est peut-être documentaire, mais
l’ensemble est avant tout une fiction. Les acteur·ices de ces communautés
prennent les vers d’Homère pour parler de leur réalité. Les acteur.ices sont
des manifestations d’Ulysse, de Pénélope et de Télémaque, iels tirent une
ligne droite des personnages de la Grèce antique jusqu’à chacun·e de nous,
présent·es dans le théâtre.
Pour certaines personnes en situation d’exil ou dans les pays en guerre, seul le
présent existe, le passé est déjà trop loin d’elles ou presque détruit, et
le futur est inenvisageable. Ne subsiste alors que le temps de l’attente. Un
présent qui déborde.
• Née à Rio de Janeiro, Christiane Jatahy est diplômée en théâtre, en
journalisme, et titulaire d’un Master en art et philosophie. Christiane Jatahy a
reçu en janvier 2022 le Lion d’Or de la Biennale de Venise pour l’ensemble de
son oeuvre théâtrale. Créé en 2020, ‘Le présent qui déborde’, a été filmé
en Palestine, au Liban, en Afrique du Sud, en Grèce et en Amazonie. Ce film
dialogue avec le théâtre et mélange la fiction avec des histoires réelles
d’artistes réfugié·es. Cette production du Théâtreational Wallonie-Bruxelles a
été montrée au festival d’Avignon et a tourné en Europe, en Asie et aux
États-Unis.
********** Nederlands **********
"Het is dan wel een toneelstuk, maar het begint als een film. Het hart van het
werk ligt in de film," vertelt Christiane Jatahy over deze voorstelling. "Het is
via de film dat we op het toneel aankomen.”
Via cinema, maar ook via de Odyssee van Homerus: dit verhaal is 3000 jaar oud,
maar het wordt elke dag opnieuw gespeeld. Overal ter wereld steken mensen
grenzen over op zoek naar asiel of een thuis.
De film reist door Jenin, Palestina, vluchtelingenkampen in Libanon en
Griekenland, de binnenstad van Johannesburg, het regenwoud van de Amazone en
eindigt in Rio de Janeiro. De context van de opnames mag dan documentair zijn,
het geheel is vooral fictie. De acteurs uit deze gemeenschappen gebruiken de
verzen van Homerus om over hun werkelijkheid te praten. De acteurs zijn
manifestaties van Odysseus, Penelope en Telemachus, ze trekken een rechte lijn
van de personages van het oude Griekenland naar ieder van ons aanwezig in het
theater.
Voor sommige mensen in ballingschap of in landen in oorlog bestaat alleen het
heden, het verleden is al te ver weg of bijna vernietigd, en de toekomst is
ondenkbaar. Alleen de tijd van het wachten blijft over. Een heden dat
overloopt.
• Christiane Jatahy, geboren in Rio de Janeiro, is afgestudeerd in theater en
journalistiek, en heeft een master in kunst en filosofie. In januari 2022
ontving Christiane Jatahy de Gouden Leeuw op de Biënnale van Venetië voor haar
volledige artistieke theateroeuvre. The Overflowing Present', gemaakt in 2020,
werd gefilmd in Palestina, Libanon, Zuid-Afrika, Griekenland en het
Amazonegebied. De film is in dialoog met het theater en mengt fictie met echte
verhalen van gevluchte kunstenaars. Deze productie van het Théâtre National
Wallonie-Bruxelles was te zien op het Festival van Avignon en toerde door
Europa, Azië en de Verenigde Staten.
Théâtre National
Lieu
Événements à venir
********** Français **********
Je ne serai plus jamais sage
Lisette et Albertine, rencontre de deux souffles
Une rencontre entre Lisette Lombé, notre poétesse nationale et l'oeuvre
d'Albertine Sarrazin (1937-1967) : une comète de la littérature française qui a
marqué son temps.
"Je vous parle de retomber en amour pour une poétesse.
Lue trop jeune, trop vite, trop avidement.
Lue avant d'être mère, avant d'être militante, avant d'être écrivaine.
Je vous parle d'invitation à l'irrésolution, de fougue et de lyrisme.
Je vous parle de murs, de fugues, de blessures, de multiples prisons.
Je vous parle d’une autre époque et de la nôtre.
Chorale, collage, hasard de rencontres.
Lila Boses (documentariste), Vanessa Desclaux (critique d'art) et Agnès Geoffray
(photographe) en parleront aussi.
Je vous parle de vies de comètes, de transfuges, d’ovnis littéraires, d’écriture
fleuve, de méandres, d’oubli et de retour en grâce après l’oubli.
Je vous parle de mes doutes, de ma rive, de miroirs et de repoussoirs.
Je vous parle en lectrice et en autrice.
Je vous parle de grand choc esthétique.
Je vous parle d'accepter d'autres endroits de révolution que les siens.
Je vous parle d’amours incandescents.
Je vous parle de matrimoine.
Je vous parle de souffle.
Je vous parle d’Albertine Sarrazin."
— Lisette Lombé
Artiste plurielle, passe-frontières, Lisette Lombé s’anime à travers des
pratiques poétiques, scéniques, plastiques, militantes et pédagogiques. Ses
espaces d’écriture et de luttes s’appuient sur sa propre chair métissée, son
parcours de femme, de mère, d’enseignante. En dérivent des collages, des
performances, des livres et des ateliers, passeurs de rage et d’éros.
Co-fondatrice du Collectif L-SLAM, elle a été récompensée, en 2017, en tant que
Citoyenne d'Honneur de la Ville de Liège, pour sa démarche d'artiviste et
d’ambassadrice du slam aux quatre coins de la Francophonie. En 2020, elle a reçu
un Golden Afro Artistic Awards pour son roman Vénus Poética (éd. L'Arbre à
Paroles) et le Prix Grenades/RTBF pour son recueil Brûler brûler brûler (éd.
l'Iconoclaste). Elle est la nouvelle poétesse nationale de Belgique pour 2024 et
2025.
Photo Lisette Lombé : Mustapha Mezmizi
********** Nederlands **********
Les Midis de la Poésie brengt geënsceneerde voordrachten, literaire lezingen,
workshops en poëtische aperitieven, die telkens de kans bieden om thema’s te
verkennen die onze tijd en de poëzie in de brede zin bezighouden. Auteurs,
regisseurs, kunstenaars behandelen een literaire kwestie of een aanverwant
creatief proces, en spreken over bekende en minder bekende auteurs die hun werk
hebben beïnvloed. Ze treden op samen met acteurs en actrices die hun
geselecteerde teksten voordragen.
07.11.2019 : Sept femmes et plus / Lydie Salvayre & Justine Lequette
Zeven vrouwen. Zeven emblematische figuren uit de literatuur met overvolle
levens. Ze schreven uit passie – die voor sommigen in zelfmoord eindigde. Het
zijn unieke, veeleisende vrouwen die in hun oeuvre hun persoonlijke leed
overstijgen. Ze onderhielden een tragische relatie met het leven van alledag,
dat ze middelmatig en oninteressant vonden. Maar wordt die ‘alledaagsheid’ nu
niet juist als een historisch gegeven beleefd? Het dagelijkse leven in het
vooroorlogse Parijs, tijdens de Roaring Twenties, in het stalinistische Rusland…
Hoe doe je een oeuvre herleven via het levensverhaal van zijn auteur? Lydie
Salvayre beoefent die ‘portretkunst’ – die de 20ste-eeuwse filosoof E.M. Cioran
en de 19de-eeuwse literatuurcriticus
Sainte-Beuve vóór haar al met groot succes bedreven – door schrijfsters uit te
kiezen die haar leven hebben beïnvloed en dus haar werk hebben gevoed: Emily
Brönte (1818-1848), Colette (1873-1954), Virginia Woolf (1882-1941), Djuna
Barnes (1892-1982), Marina Tsvetaeva (1892-1941), Ingeborg Bachmann (1926-1973)
en Sylvia Plath (1932-1963).
Ze waren de luis in de pels, zorgden voor schandaal en gaven uiteindelijk door
hun getuigenissen mee gestalte aan de wereld waaronder ze zo hadden geleden. Hun
werken zijn inmiddels literaire monumenten. Lydie Salvayre brengt ze weer tot
leven door hun levens, hun schoonheid, hun excessen, hun rebellie, maar ook hun
duistere kant en hun wanhoop te beschrijven.
23.01.2020 : Nous voulons comprendre « Autre Chose » - Anne Carson
Avec Edouard Louis, traducteur du texte d’Antigonick de Anne Carson & Claire
Stavaux, éditrice à l’Arche éditeur
En compagnie de Sophie Creuz, chroniqueuse littéraire à l’Echo et Musiq3 (RTBF)
et libraire.
“Het gezag had alleen maar vat op mij als een kind / dat oesters wantrouwde, de
flikken scheef aanzag ... / geen haar op mijn hoofd was het wat dan ook
verschuldigd.”
(Ossip Mandelstam)
Omdat je met poëzie je gedachten kan verbergen achter raadselachtige metaforen,
is die kunstvorm effectief tegen dictaturen. Hoe staat het eigenlijk met de
poëzie in democratieën?
Kan ze de krijtlijnen verplaatsen? En als de functie van poëzie nu eens was om
uit te drukken wat de krantenkoppen verzwijgen?
25.04.2020 : Et nous n’aurons pas besoin de foudre pour tisser des soleils /
Felwine Sarr (Midi Minuit)
“Poëzie maakt niet blind. Haar gezellin is de helderheid van geest – de wonde
die de zon het dichtst benadert, aldus René Char. De wereld op poëtische wijze
benaderen, dat is ook vervuld zijn van haar ondoorgrondelijke mysterie, van de
duistere gelaagdheid der dingen, van de flikkerlichtjes die niets liever willen
dan door ons enthousiasme uit te groeien tot licht.”
(Felwine Sarr)
07.05.2020 : Raoul Collectif
Raoul Collectif kiest al tien jaar lang voor collectieve creatie. Hun laatste
voorstelling, Une cérémonie, is ontstaan als een proeftuin waar ze Don Quichot,
Henri Michaux, Antonin Artaud en de surrealistische schrijfexperimenten met
elkaar kruisen. Les Midis de la Poésie nodigt de acteurs uit om een aantal
teksten die hen inspireren voor te lezen en te vertellen waarom ze hen
aangrijpen.
********** English **********
Midis de la Poésie offers reading performances, literary lectures, workshops and
poetic aperitifs which are opportunities to address current topics and poetry in
the widest sense. Authors, directors, and artists lecture on specific literary
questions or questions related to the creative process, as well as discuss well
known and lesser known authors who have influenced their work. Actors are
present to perform readings of the texts being discussed.
07.11.2019 : Sept femmes et plus / Lydie Salvayre & Justine Lequette
Seven women. Seven emblematic women of literature who lived life to the fullest.
Their relation to writing is passionate, and for some of them, was a path to
suicide. Original and demanding they transcended their personal pain in their
works. Their everyday life, which they considered mediocre and without interest,
they lived as tragic. But is not this “everyday rut” what marked history? Pre
war Paris, the Roaring Twenties, Stalinist Russia. How does one create a work
through the life of an author?
Lydie Salvayre takes on this task following in the footsteps of Cioran and
Sainte-Beuve, choosing as subjects those women whose books affected her life and
her work: Emily Brönte (1818-1848), Colette (1873-1954), Virginia Woolf
(1882-1941), Djuna Barnes (1892-1982), Marina Tsvetaeva (1892-1941),
Ingeborg Bachmann (1926-1973) et Sylvia Plath (1932-1963).
Upsetting and scandalous, they bore witness in their way to the world from which
they suffered as much as they changed it. Their works are now literary
monuments. Lydie Salvayre brings them back to life by writing their stories,
their history, their beauty, their outsized actions, their rebellion but also
their dark side and their despair.
25.04.2020 : Et nous n’aurons pas besoin de foudre pour tisser des soleils /
Felwine Sarr (Midi Minuit)
“Poetry does not blind. Lucidity, which René Char called the wound that is
closest to the sun, is its companion. To live the world poetically is also to
live it in its unplumbed mystery, in the sinister heft of things, in the
flickering glints that are waiting only for us to expand them into light with
our eagerness.”
(Felwine Sarr)
23.01.2020 : Nous voulons comprendre « Autre Chose » - Anne Carson
Avec Edouard Louis, traducteur du texte d’Antigonick de Anne Carson & Claire
Stavaux, éditrice à l’Arche éditeur
En compagnie de Sophie Creuz, chroniqueuse littéraire à l’Echo et Musiq3 (RTBF)
et libraire.
“I was a child in the world of the powerful. / I was frightened of oysters and
looked at guardsmen distrustfully. / I am not bound to it by even the tiniest
fragment of my soul.”
(Osip Mandelstam)
Because it allows us to hide what we think in cryptic metaphors, poetry is one
of the arts that can face up to dictatorship. But how does poetry do in a
democracy? Can it effectuate change? Could poetry express that which the
headlines don’t?
07.05.2020 : Raoul Collectif
The Raoul Collectif has been engaged in collective creation for ten years. It
was conceived as a laboratory in which Don Quixote, Henri Michaux, Antonin
Artaud and Surrealist funny business encounter each other. Their latest
production, Une Cérémonie, is an opportunity for Les Midis de la Poésie to
invite actors to talk about what inspires them to get to work.
********** English **********
In a warehouse, three employees approach a possibly pointless but visibly
difficult team-building assignment. As the group struggles to work together,
differences between the participants soon come to a head. Their physical limits,
ability to cooperate and sense of responsibility will all be tested. Civility
slips, bad behaviour escalates and reality distorts. Who’s in and who’s out? Who
will be the scapegoat? Back to Back Theatre is a company of self-identifying
disabled people whose The Shadow Whose Prey the Hunter Becomes was a revelation
during the 2022 festival edition. This year, inspired by team-building and
Australian migration policy, they return with a theatrical metaphor for
inclusion and exclusion. The soundtrack features collected field recordings of
“bad things” and the set design demands physical participation from the actors
to reach its full manifestation. In a world where self-righteous, indignant
voices often drown out the most disenfranchised and vulnerable, this
unconventional performance is not so different from reality. Using powerful
imagination and plenty of humour, Back to Back Theatre holds up a mirror so we
can all take a good long look. Welcome to this workplace at the end of
civilisation!
********** Français **********
Dans un hangar, trois employé·es s’attèlent à un exercice de team building sans
doute inutile et visiblement compliqué. Alors qu’iels tentent péniblement de
coopérer, les tensions entre les participant·es s’exacerbent. Les limites
corporelles, la capacité à coopérer et le sens des responsabilités de chacun·e
sont mis à l’épreuve. Finie la politesse, les écarts de conduite se multiplient.
Qui reste, qui faut-il éliminer ? Qui sera le bouc émissaire ? Back to Back
Theatre, une compagnie dont certain·es membres s’identifient comme personnes
porteur·euses de handicap, fut une des révélations du festival en 2022 avec The
Shadow Whose Prey the Hunter Becomes. S’inspirant cette fois du contexte d’un
team building qui s’entrelace avec des réflexions sur la politique migratoire
australienne, cette nouvelle création nous propose une métaphore sur l’inclusion
et l'exclusion. La bande-son nous accompagne dans toutes sortes de « mauvaises
choses », alors que la scénographie, elle, ne se révèle pleinement qu’avec la
participation des comédien·nes. Dans un monde où des voix cyniques semblent trop
souvent vouloir étouffer celles des plus vulnérables, Back to Back Theatre nous
tend un miroir dans une performance pleine d'humour et une imagination
prolifique. Bienvenue sur ce lieu de travail de la fin de la civilisation !
********** Nederlands **********
In een onbestemd magazijn proberen drie werknemers een onduidelijke maar
zichtbaar moeilijke teambuildingsopdracht tot een goed eind te brengen. Terwijl
ze verwoede pogingen ondernemen om samen te werken, komen de verschillen tussen
de deelnemers al snel op scherp te staan. De grenzen van het eigen lichaam en
van ieders verantwoordelijkheidszin worden zwaar op de proef gesteld. Fatsoen
schiet erbij in en wangedrag escaleert. Who’s in & who’s out? En wie krijgt
finaal de schuld? Back to Back Theatre – een gezelschap van spelers met een
handicap – was tijdens festivaleditie 2022 een revelatie met The Shadow Whose
Prey the Hunter Becomes. Dit jaar verwelkomen we hen opnieuw met deze theatrale
metafoor rond inclusie en exclusie, geïnspireerd door teambuildings en het
Australische migratiebeleid. De soundtrack laat verzamelde field recordings van
allerhande “bad things” horen en het decorontwerp vraagt letterlijk een fysieke
inspanning van de acteurs. In een wereld waarin zelfgenoegzame stemmen de meest
kwetsbaren vaak lijken te verstikken, verschilt deze onconventionele
voorstelling niet zo hard van de werkelijkheid. Met een sterke
verbeeldingskracht en veel humor houdt Back to Back ons een spiegel voor. Welkom
op deze werkplek aan het einde van de beschaving!
********** English **********
The works of Back to Back Theatre, an Australian company, question politics,
ethics and philosophy. Its members are people with various disabilities.
Multiple Bad Things is about a small group of people who find themselves alone
in a vast, unknown void. They are looking for a refuge, a safe haven away from
modern life, from war, from the climate emergency … This sculptural shelter,
both functional and imagined, will be built throughout the performance.
Struggling to live together in difficult conditions, the characters are exposed
to questions of inclusion, identity and intersectionality.
An original, unconventional show that erases our mental and physical boundaries
through a powerful act of the imagination.
Première
Corealisation Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
********** Français **********
Les œuvres de Back to Back Theatre, compagnie théâtrale australienne composée de
personnes porteuses de handicaps divers, questionnent la politique, l’éthique et
la philosophie.
Multiple Bad Things met en scène un petit groupe de gens qui se retrouvent seuls
dans un vide immense et inconnu. I·Els cherchent un refuge, une sécurité hors de
la vie moderne, de la guerre, de l’urgence climatique. Cet abri, sculptural, à
la fois utilitaire et fantasmé, sera construit progressivement tout au long de
la représentation. S’efforçant de vivre ensemble dans des conditions difficiles,
les personnages s’exposent à des questions d’inclusion, d’identité et
d’intersectionnalité.
Un spectacle original, non conventionnel, qui gomme, par un imaginaire puissant,
nos frontières mentales et physiques.
Première
Coréalisation Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
********** Nederlands **********
De werken van het Back to Back Theatre, een Australisch theatergezelschap van
mensen met uiteenlopende handicaps, stellen politiek, ethiek en filosofie ter
discussie.
Multiple Bad Things gaat over een kleine groep mensen die alleen staan in een
grote, onbekende leegte. Ze zijn op zoek naar een schuilplaats, een veilige plek
weg van het moderne leven, de oorlog, de klimatologische noodsituatie. Dit
schuiloord is plastisch, tegelijkertijd utilitair en fantasievol, en wordt in de
loop van de voorstelling gaandeweg opgebouwd. In hun worsteling om samen te
leven in moeilijke omstandigheden, stellen de personages zich bloot aan vragen
over inclusie, identiteit en intersectionaliteit.
Een originele, onconventionele voorstelling die met een sterke
verbeeldingskracht onze mentale en fysieke grenzen uitwist.
Première
Corealisatie Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
********** English **********
Italy, the late 1990s. Olga, a 40-year-old woman with two children, is a devoted
mother and wife. She does her best to lead a life in perfect harmony with what
society imposes on her. One day, her husband leaves her for a young woman, as in
the most pathetic soap opera. Her whole world collapses. In the grip of a
permanent feeling of danger, Olga sinks into a state of rage. She becomes
vulgar, violent, grotesque.
After she has removed her make-up and given up appearances, an unexpected woman
emerges. Scandalous and powerful. Almost mythical, she steps forward in all her
tragedy: a contemporary Medea, who no longer needs to kill to exist.
In this adaptation of Elena Ferrante’s book, actress and director Gaia Saitta
plays this woman, accompanied by her children and her dog. Trading her oppressed
body for a resistant one, she lets herself go, finally liberated.
Everything has to be rebuilt, starting with language. The audience, scattered on
and off the stage, is both part of and witness to this transformation.
Gaia Saitta is an associate artist at the Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Première
Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Corealisation Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
********** Français **********
Dans l’Italie de la fin des années 1990, Olga, 40 ans et deux enfants, est une
mère et une épouse dévouée. Elle tente de mener une vie en parfaite adéquation
avec ce que la société lui impose. Un beau jour, son mari la quitte pour une
jeune fille, comme dans le plus pathétique des feuilletons. Et tout son univers
s’écroule. En proie à un sentiment de danger permanent, Olga sombre alors dans
un état de rage, elle devient vulgaire, violente, grotesque.
Une fois le maquillage retiré et les apparences dissipées, c’est une femme
inattendue qui prend place. Scandaleuse et puissante. Presque mythique, elle
apparaît dans toute sa tragédie : une Médée contemporaine, qui n’a plus besoin
de tuer pour exister.
Dans cette adaptation du livre d’Elena Ferrante, l’actrice et metteuse en scène
Gaia Saitta incarne cette femme, accompagnée de ses enfants et de son chien.
Délaissant un corps opprimé pour un corps résistant, elle s’abandonne, enfin
libérée.
Tout est à reconstruire, à commencer par les mots. Le public, dispersé sur le
plateau et en dehors, est à la fois partie et témoin de cette transformation.
Gaia Saitta est artiste associée au Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Première
Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Coréalisation Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
********** Nederlands **********
In het Italië van het einde van de jaren 1990 is Olga met haar 40 jaar en twee
kinderen een toegewijde moeder en echtgenote. Ze probeert een leven te leiden
dat perfect past bij wat de maatschappij haar oplegt. Op een dag verlaat haar
man haar voor een jong meisje, zoals in de meest pathetische soapseries. En haar
hele wereld stort in. Ze valt ten prooi aan een gevoel van permanente dreiging
en glijdt af naar een staat van woede. Ze wordt vulgair, gewelddadig, grotesk.
Als de make-up is verwijderd en de schijn is opgeheven, neemt een onverwachte
vrouw haar plaats in. Schandalig en machtig, haast mythisch verschijnt ze in al
haar tragiek: een hedendaagse Medea, die niet meer hoeft te doden om te bestaan.
In deze bewerking van het boek van Elena Ferrante speelt actrice en regisseuse
Gaia Saitta deze vrouw, vergezeld door haar kinderen en haar hond. Ze wisselt
haar onderdrukte lichaam in voor een weerbaar lichaam, en laat zich gaan,
eindelijk bevrijd.
Alles moet opnieuw worden opgebouwd, te beginnen met de woorden. Het publiek,
verspreid over en naast de scène, is zowel deel als getuige van deze
transformatie.
Gaia Saitta is een artiest verbonden met het Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Première
Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Corealiasatie Kunstenfestivaldesarts, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Événements passés
********** English **********
François Gremaud has undertaken to revisit three great tragic female figures of
the classical performing arts: Phèdre (theatre), Giselle (ballet) and Carmen
(opera). Carmen, one of the most famous opéras comiques, is about a rebellious
and seductive young bohemian woman who is tragically murdered by her former
lover.
In keeping with his unique way of turning a lesson into an art form, the
author/director offers us a ‘reduction’ of Bizet’s work, tailor-made for a
single performer: Rosemary Standley, the singer of the group Moriarty, among
others. On stage she will share with us not only the story of Carmen, but also
the musical and textual aesthetics of this opera, the historical context of its
creation.
Despite the tragic outcome of the story, there will be joy and wonder. These are
emotions that the performing arts can release, arts which, against all odds,
never cease to celebrate the profound happiness of being in the world.
********** Français **********
François Gremaud s’est attelé à revisiter trois grandes figures féminines
tragiques des arts vivants classiques : Phèdre (théâtre), Giselle (ballet) et
Carmen (opéra). Carmen, l’un des plus fameux opéras comiques, met en scène une
jeune bohémienne rebelle et séductrice, qui finira tragiquement assassinée par
son ancien amant.
Fidèle à sa manière unique d’ériger la pédagogie en art, l’auteur et metteur en
scène nous propose une « réduction » de l’œuvre de Bizet écrite sur mesure pour
une interprète seule : Rosemary Standley, chanteuse, entre autres, du groupe
Moriarty. Celle-ci partage sur scène non seulement l’histoire de Carmen, mais
aussi l’esthétique musicale et textuelle de cet opéra et le contexte historique
de sa création.
Malgré l’issue tragique du récit, il y aura de la joie et de l’émerveillement.
Des émotions que peuvent provoquer ces arts que l’on dit vivants et qui, envers
et contre tout, ne cessent de célébrer le bonheur profond d’être au monde.
********** Nederlands **********
François Gremaud heeft drie grote tragische vrouwenfiguren uit de klassieke
podiumkunsten opnieuw onder de loep genomen: Phèdre (theater), Giselle (ballet)
en Carmen (opera). Carmen, een van de beroemdste komische opera’s, gaat over een
rebelse en verleidelijke jonge zigeunerin die op tragische wijze door haar
ex-minnaar wordt vermoord.
Trouw aan zijn unieke manier om pedagogie tot kunst te verheffen, biedt de
auteur/regisseur ons een “reductie” van Bizets werk die op maat werd geschreven
voor één enkele vertolkster: Rosemary Standley, zangeres van onder andere de
groep Moriarty. Zij deelt op het toneel niet alleen het verhaal van Carmen, maar
ook de muzikale en tekstuele esthetiek van deze opera, de historische context
van zijn creatie.
Ondanks de tragische afloop van het verhaal zal er vreugde en verwondering zijn.
Emoties die kunnen worden opgeroepen door deze “levende” kunsten die, ondanks
alles, nooit ophouden met het diepe geluk te vieren om in deze wereld te mogen
vertoeven.
********** English **********
Author, poet, slammer, Afrofeminist, LGBTQIA+ activist and permanent exile,
Jöelle Sambi is one of the most committed figures on the current scene. Her
latest creation, Maison chaos, uses forms as diverse as slam, lyrical song,
electronic music, video and sound.
Maison chaos is a show woven from committed poetry that tells of the paths we
take to escape violence. The violence that pushes us to dwell on a painful
memory or to seek refuge elsewhere. To take to the road to escape one’s inner
demons. To listen to the wrinkles of our tormented bodies.
Joëlle Sambi is an associate artist at the Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
→ Free for members of Different Class
********** Français **********
Autrice, poétesse, slameuse, afroféministe, activiste LGBTQIA+, exilée
permanente, Joëlle Sambi est l’une des figures les plus engagées de la scène
actuelle. Sa nouvelle création, Maison chaos, fait appel à des formes aussi
diverses que le slam, le chant lyrique, la musique électronique, la vidéo et le
son.
C’est un spectacle tissé de poésie engagée qui raconte les chemins que l’on
emprunte pour échapper à la violence. Celle qui pousse à se recroqueviller sur
une mémoire douloureuse, ou à se réfugier ailleurs. À prendre la route pour fuir
ses démons intérieurs. À écouter les rides de nos corps tourmentés.
Joëlle Sambi est artiste associée au Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
→ Gratuit pour les membres de Different Class
********** Nederlands **********
Schrijfster, dichteres, slammer, afrofeministe, LGBTQIA+ activiste en permanente
ballinge: Joëlle Sambi is een van de meest geëngageerde figuren van de huidige
scene. Haar nieuwe creatie, Maison chaos, maakt gebruik van zo uiteenlopende
vormen als slam, lyrische zang, elektronische muziek, video en geluid.
Ze werd geweven uit geëngageerde poëzie en vertelt over de wegen die we kiezen
om aan het geweld te ontsnappen. Aan het geweld dat ons ineen doet krimpen bij
een pijnlijke herinnering of elders een toevlucht doet zoeken. Aan het geweld
dat ons op weg doet gaan om aan onze innerlijke demonen te ontsnappen, om te
luisteren naar de groeven in onze gekwelde lichamen.
Joëlle Sambi is een artiest verbonden met het Théâtre National
Wallonie-Bruxelles
Coproductie Théâtre National Wallonie-Bruxelles
→ Gratis voor leden van Different Class
********** English **********
The myth of Faust illustrates the individual anxieties and ambitions that
characterize an era. Director Fabrice Murgia and cabaret artist Peggy Lee Cooper
revisited the tale and have imbued it with the world of reality TV and social
networks.
The curtain opens on the finale of a show in which the contestant, Faust, on the
verge of losing, calls on the devil to get her back in the race. The pact she
signs will help her to rise to the top, but at what price?
A blend of various influences, Alma is a sulphurous and daring show that
combines the traditions of glamorous cabaret with musical comedy à l’anglaise.
Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
********** Français **********
Le mythe de Faust illustre les inquiétudes et les ambitions individuelles qui
caractérisent une époque. Le metteur en scène Fabrice Murgia et l’artiste de
cabaret Peggy Lee Cooper s’en emparent et l’imprègnent de l’univers de la
télé-réalité et des réseaux sociaux.
Le rideau s’ouvre sur la finale d’une émission où la candidate Faust, sur le
point de perdre, fait appel au diable pour reprendre pied. Le pacte qu’elle
signe va lui permettre une ascension fulgurante. Mais quel en sera le prix ?
Condensé d’influences multiples, Alma est un spectacle sulfureux et audacieux
qui allie traditions du cabaret glamour et comédie musicale à l’anglaise.
Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
********** Nederlands **********
De mythe van Faust toont de individuele angsten en ambities die een tijdperk
kenmerken. Regisseur Fabrice Murgia en cabaretière Peggy Lee Cooper gaan ermee
aan de slag en dompelen ze onder in de wereld van reality-tv en sociale
netwerken.
Het doek gaat op tijdens de finale van een tv-show waarin deelneemster Faust,
die op het punt staat te verliezen, de duivel aanroept om het tij te doen keren.
Het pact dat ze tekent zal haar in staat stellen een razendsnelle remonte te
maken, maar tegen welke prijs?
Alma is een condensaat van verschillende invloeden, een zwavelachtige en
gedurfde voorstelling die de tradities van glamoureus cabaret en Britse musical
vermengt.
Coproductie Théâtre National Wallonie-Bruxelles
L’existence des personnes trans interroge de façon douloureuse le bien fondé des
différentes assignations, qu’elles soient de genre, de sexe ou de classe. Dans
ce seule en scène au style unique, Laurène Marx raconte son histoire de femme
trans. Elle nous fait part des questionnements que la société impose au parcours
des personnes qui tentent de fuir la binarité. De son rapport au féminisme. Des
micro-agressions. Des macro-agressions. De la difficulté d’aimer et de choisir
ses amours dans un monde à la sexualité hétéronormée.À travers une langue trash,
parfois violente et une adresse directe, la performeuse implique le public et le
force à se demander en permanence si on parle à lui ou de lui.Parce que la
minorité peut remettre en question les certitudes de la majorité.
********** English **********
‘In a world where we think we’re free, where everything seems normal and where
every gesture becomes ephemeral, are we free to think for ourselves?’
Blind denounces the conscious and unconscious blindness of citizens, fed by a
system that generates unattainable desires. Five dancers – from Belgium, Spain,
France and Senegal – face the same story in different places around the world.
Each carrying their own experience, they react in their own way. Steeped in
spirituality, krump acts as an outlet for their emotions, a real means of
expressing their deep identity, of cultivating their heritage.
Hendrickx Ntela is an associate artist at the Théâtre National
Wallonie-Bruxelles
Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Federated diffusion with Charleroi danse
********** Français **********
« Dans un monde où nous pensons être libres, où tout semble normal et où tout
geste devient éphémère, sommes-nous libres de penser par nous-mêmes ? »
Blind dénonce l’aveuglement conscient et inconscient des citoyen·nes, nourri par
un système générateur de désirs inatteignables. Cinq danseur·ses – de Belgique,
Espagne, France et Sénégal – font face à une même histoire dans différents
endroits du monde. Charriant son propre vécu, chacun·e réagit à sa façon.
Empreinte de spiritualité, la danse krump agit comme exutoire de leurs émotions,
véritable moyen d’exprimer leur identité profonde, de cultiver leur patrimoine.
Hendrickx Ntela est artiste associée au Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Diffusion fédérée avec Charleroi danse
********** Nederlands **********
”Zijn wij vrij om zelfstandig te denken in een wereld waarin wij onszelf
ongebonden wanen, waarin alles normaal lijkt en elk gebaar vluchtig wordt?”
Blind is een aanklacht tegen de bewuste en onbewuste blindheid van burgers,
veroorzaakt door een systeem dat onbereikbare verlangens voortbrengt. Vijf
dansers – uit België, Spanje, Frankrijk en Senegal – worden geconfronteerd met
hetzelfde verhaal in verschillende delen van de wereld. Ieder van hen reageert
op zijn of haar eigen manier. Krump-dans is een spirituele uitlaatklep voor hun
emoties, een manier om hun diepste identiteit uit te drukken en hun erfgoed in
stand te houden.
Hendrickx Ntela is een artiest verbonden met het Théâtre National
Wallonie-Bruxelles.
Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Gefederaliseerde verspreiding met Charleroi danse
********** English **********
Rébecca Chaillon continues her investigation into the representation of bodies,
of sexuality, desire, appetite and disgust. Plutôt vomir que faillir grew out of
memories of her painful years in secondary school, that so-called awkward age,
when the private being under construction faces rejection, silence, anger. Four
young performers use this rage to try and exorcise their own adolescence by
telling their stories. An exercise in autofiction aimed at reconciling with the
self in order to better open up to the other.
• Multi-talent Rébecca Chaillon is a writer, director, performer, dancer and
comedienne from Picardy, France, with roots in Martinique. She studied
performing arts at the Paris Conservatoire and in 2006 founded the company Dans
le Ventre. She is currently with the Theatre de la Manufacture - CDN de Nancy.
We previously showed her successful performance Carte Noire Nommée Désir at Les
Halles de Schaerbeek in spring 2023.
********** Français **********
Rébecca Chaillon poursuit sa quête autour de la représentation des corps, de la
sexualité, du sentiment du désir, de l’appétit et du dégoût. Plutôt vomir que
faillir est le fruit du souvenir de ses douloureuses années de collège, cet âge
que l’on dit ingrat, où l’intime en construction se heurte au rejet, au silence,
à la colère. Quatre jeunes performeur·ses s’emparent de cette rage et tentent
d’exorciser leur propre adolescence en se racontant. Un exercice d’autofiction
destiné à se réconcilier avec soi-même pour mieux s’ouvrir à l’autre.
• La multi-talentueuse Rébecca Chaillon est une écrivaine, réalisatrice,
performeuse, danseuse et comédienne originaire de Picardie, en France, avec des
racines en Martinique. Elle a étudié les arts du spectacle au Conservatoire de
Paris et a fondé la compagnie Dans le Ventre en 2006. Actuellement, elle est
avec le Théâtre de la Manufacture - CDN de Nancy. Nous avons déjà présenté son
spectacle à succès Carte Noire Nommée Désir aux Halles de Schaerbeek au
printemps 2023.
********** Nederlands **********
Rébecca Chaillon vervolgt haar zoektocht naar de representatie van lichamen, de
seksualiteit, het gevoel van verlangen, eetlust en walging. Plutôt vomir que
faillir is het resultaat van herinneringen aan haar pijnlijke puberjaren op de
middelbare school, aan die ondankbare leeftijd waarop het intieme dat in volle
opbouw is op afwijzing, stilte en woede stuit. Vier jonge performers nemen deze
woede op en proberen hun eigen adolescentie uit te drijven door elkaar verhalen
te vertellen. Een oefening in zelffictie, bedoeld als verzoening met zichzelf om
zich beter open te stellen voor anderen.
• Multi-talent Rébecca Chaillon is schrijfster, regiseusse, performer, danseres
en comedienne uit Picardië, Frankrijk, met roots in Martinique. Ze studeerde
podiumkunsten aan het Conservatorium van Parijs en richtte in 2006 de compagnie
Dans le Ventre op. Momenteel is ze verbonden aan Théâtre de la Manufacture - CDN
de Nancy. We toonden in het voorjaar van 2023 reeds haar succesvolle
voorstelling Carte Noire Nommée Désir bij Les Halles de Schaerbeek.
********** English **********
Rébecca Chaillon continues her investigation into the representation of bodies,
of sexuality, desire, appetite and disgust. ‘Plutôt vomir que faillir’ grew out
of memories of her painful years in secondary school, that so-called awkward
age, when the private being under construction faces rejection, silence,
anger. Four young performers use this rage to try and exorcise their own
adolescence by telling their stories. An exercise in autofiction aimed at
reconciling with the self in order to better open up to the other.
• Multi-talent Rébecca Chaillon is a writer, director, performer, dancer and
comedienne from Picardy, France, with roots in Martinique. She studied
performing arts at the Paris Conservatoire and in 2006 founded the company 'Dans
le Ventre'. She is currently with the Theatre de la Manufacture - CDN de Nancy.
We previously showed her successful performance 'Carte Noire Nommée Désir' at
Les Halles de Schaerbeek in spring 2023.
********** Français **********
Rébecca Chaillon poursuit sa quête autour de la représentation des corps, de la
sexualité, du sentiment du désir, de l’appétit et du dégoût. Plutôt vomir que
faillir est le fruit du souvenir de ses douloureuses années de collège, cet âge
que l’on dit ingrat, où l’intime en construction se heurte au rejet, au silence,
à la colère. Quatre jeunes performeur·ses s’emparent de cette rage et tentent
d’exorciser leur propre adolescence en se racontant. Un exercice d’autofiction
destiné à se réconcilier avec soi-même pour mieux s’ouvrir à l’autre.
• La multi-talentueuse Rébecca Chaillon est une écrivaine, réalisatrice,
performeuse, danseuse et comédienne originaire de Picardie, en France, avec des
racines en Martinique. Elle a étudié les arts du spectacle au Conservatoire de
Paris et a fondé la compagnie ‘Dans le Ventre’ en 2006. Actuellement, elle est
avec le Théâtre de la Manufacture - CDN de Nancy. Nous avons déjà présenté son
spectacle à succès 'Carte Noire Nommée Désir' aux Halles de Schaerbeek au
printemps 2023.
********** Nederlands **********
Rébecca Chaillon vervolgt haar zoektocht naar de representatie van lichamen, de
seksualiteit, het gevoel van verlangen, eetlust en walging. ‘Plutôt vomir que
faillir’ is het resultaat van herinneringen aan haar pijnlijke puberjaren op de
middelbare school, aan die ondankbare leeftijd waarop het intieme dat in volle
opbouw is op afwijzing, stilte en woede stuit. Vier jonge performers nemen deze
woede op en proberen hun eigen adolescentie uit te drijven door elkaar verhalen
te vertellen. Een oefening in zelffictie, bedoeld als verzoening met zichzelf om
zich beter open te stellen voor anderen.
• Multi-talent Rébecca Chaillon is schrijfster, regiseusse, performer, danseres
en comedienne uit Picardië, Frankrijk, met roots in Martinique. Ze studeerde
podiumkunsten aan het Conservatorium van Parijs en richtte in 2006 de compagnie
‘Dans le Ventre’ op. Momenteel is ze verbonden aan Théâtre de la Manufacture -
CDN de Nancy. We toonden in het voorjaar van 2023 reeds haar succesvolle
voorstelling ‘Carte Noire Nommée Désir’ bij Les Halles de Schaerbeek.
La lucidité est la blessure la plus rapprochée de la lune : Tchicaya U Tam’si et
Alejanadra Pizarnik.
''Plusieurs clichés poétiques pourraient être communs aux biographies et aux
œuvres de Tchicaya U Tam’si (1931-1988) et Alejandra Pizarnik (1936-1972) : la
malédiction, la mort absurde ou encore le sentiment d’être toujours en exil. Il
existe pourtant entre eux un lieu commun capital, de troublantes ressemblances :
dès leurs premiers vers ou presque, l’écriture les a livrés à une tragique et
intranquille prescience de leur destin. Encore le coup du Voyant ? Oui, mais il
faut aussitôt préciser : la seule vision qui soit peut-être essentielle, celle
de leur propre fin. On trouve ainsi plusieurs poèmes ou fragments de journal qui
montrent les deux poètes aux prises avec des prophéties d’une précision
troublante. Quelle relation ont-ils eu avec ces visions ? Quelle relation en
ont-ils fait ? Comment les ont-ils érigées en scènes mythologiques de leur
travail poétique ? Il faut chercher les réponses dans Mauvais sang, dans
Extraction de la pierre de folie, dans Epitomè, dans La dernière innocence, dans
les journaux de l’un et l’autre…
On connaît la fameuse phrase de Char, tirée des Feuillets d’Hypnos: La lucidité
est la blessure la plus rapprochée du soleil, a écrit Char. Elle est peut-être
aussi une blessure très proche de la lune, l’astre des mélancoliques. Tchicaya
et Pizarnik en furent deux, et il faut essayer d'entendre ce qu'ils auraient à
se dire.
J'aimerais organiser une conversation de ces deux lucidités froides, toujours
exilées, toujours honteuses, et qui n’ont jamais reculé devant la vérité
indiquée par la poésie.''
— Mohamed Mbougar Sarr
Cette séance midi poésie s'organisera autour du poète et romancier congolais
Tchicaya U Tam’si et de la poétesse argentine Alejandra Pizarnik.
Mohamed Mbougar Sarr (1990) est un écrivain sénégalais. Il est l’auteur de
quatre romans et vit en France. Son dernier roman, La Plus secrète mémoire des
hommes (éditions Philippe Rey/Jimsaan) a remporté le Prix Goncourt 2021.
********** Français **********
Un espace vide. Dix-sept interprètes qui dansent avec virtuosité, mais sans but
apparent. Les danseurs et les danseuses se meuvent comme des figurines soumises
à des principes et des règles contradictoires, sur les cadences de Amy Winehouse
et Nina Simone, sur des extraits du Lac des Cygnes et les créations sonores de
Rui Antunes…
Dans ce spectacle exubérant, presque carnavalesque, entré au répertoire
du Ballet de l’Opéra de Lyon, Marlene Monteiro Freitas met en contraste la force
et la beauté avec la maladie et la saleté. La chorégraphe poursuit l’élaboration
de son propre langage, inspiré des processions populaires de son enfance au
Cap-Vert, pour dérégler les codes de la beauté et de la laideur, et tendre vers
une nouvelle esthétique faite de rythme, d’intensité et d’énergie.
Cette production fait partie de Troika Dance
********** Nederlands **********
In een lege ruimte maken zeventien dansers virtuoze passen, maar zonder
duidelijk doel. Als poppetjes die gehoorzamen aan tegenstrijdige regels en
principes bewegen ze op songs van Amy Winehouse en Nina Simone, flarden uit Het
Zwanenmeer en klankcreaties van Rui Antunes ...
In deze uitbundige, haast carnavaleske voorstelling voor het Ballet de l'Opéra
de Lyon ontregelt Marlene Monteiro Freitas de codes van het het schone en het
lelijke — of wat daar voor doorgaat. De choreografe, P.A.R.T.S.-alumnus en
laureate van de Zilveren Leeuw voor Dans op de Biënnale van Venetië, put in de
ontwikkeling van haar originele danstaal onder meer inspiratie uit de
folkloristische tradities van haar geboorteland Kaapverdië en streeft naar een
nieuwe esthetiek van openheid, onzuiverheid en intensiteit.
Deze voorstelling maakt deel uit van Troika Dance
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An empty space. Seventeen performers dancing with brilliant virtuosity but with
no apparent purpose. The dancers move like figurines subjected to contradictory
principles and rules. They move to the rhythm of Amy Winehouse and Nina Simone,
to excerpts from Swan Lake and to Rui Antunes’s sound creations …
In this exuberant, almost carnivalesque show, which has entered the repertoire
of the Ballet de l’Opéra de Lyon, Marlene Monteiro Freitas contrasts strength
and beauty with dirt and disease. Inspired, amongst others, by the popular
processions she witnessed during her childhood in Cape Verde, the choreographer
continues to develop her own language. She breaks down the codes of beauty and
ugliness as she progresses towards a new aesthetic made up of rhythm, intensity
and energy.
This production is part of Troika Dance