Studio 52 Dance Academy

Lieu culturel

Événements à venir

Initier la convergence d’univers et inventer des synergies nouvelles, voilà le projet de l’auteure d’Hippocampe. A la suite de cette première création, Lylybeth Merle nous embarque pour un nouveau moment d’éblouissement, toujours à l’intersection des mondes. Pour son cabaret poème, elle convie différent·es artistes, appartenant tant au slam et à la performance, qu’au burlesque et au drag, à créer un espace d’exploration lyrique où leurs pratiques se rencontrent. La scène devient un espace organique et multiforme, à la fois festif et politique. On y mêle les mondes, les genres et les appartenances multiples ; on y célèbre les marges. Pour chaque cabaret, la comédienne queer invite une constellation d’artistes autour d’un thème spécifique. En plus de nous plonger dans l’exploration des limites perméables, le cabaret poème nous invite à nous réapproprier et habiter la poésie autrement. A qui appartient-elle, à qui est-elle destinée ? Suspendue aux lèvres, ou nichée dans le mouvement d’un corps, elle se révèle dans les mots, les gestes et le silence. Espace de poésie, espace de liberté, espace de guérison, la représentation de 3h avec entracte se veut aussi être un espace safe(r) et sobre : une carte originale de boissons non alcoolisées concoctées pour l’occasion sera proposée au public tout au long de la soirée. On y trouvera même une librairie. A chaque édition, sa thématique. Après les fiertés à la Maison Poème, l’amour à La Bellone et la guérison au théâtre Le Rideau, le cabaret posera ses bagages au Varia pour what future edition. Comment mieux lancer la saison prochaine qu’avec une fête poétique qui interroge les possibles ?
« BODIES UNBOUND » traite des différentes réalités auxquelles les femmes sont confrontées quotidiennement, en abordant des sujets sensibles tels que le viol, les fausses couches, le harcèlement, les abus, le cancer du sein, les grossesses prolongées, l'accouchement et les défis de la maternité monoparentale. Malgré ces immenses épreuves, le projet présente les femmes avec respect, comme l'incarnation de la force, en soulignant leur résilience et leur courage inébranlable. Au fond, « BODIES UNBOUND » met l'accent sur le pouvoir du travail d'équipe, en montrant la force collective qui émerge lorsque les individus s'unissent pour s'attaquer à ces questions urgentes. Cette pièce constitue un puissant témoignage de l'esprit indomptable des femmes.
Un duo poétique Marie Darah / Cloé du Trèfle où musique et slam s’entremêlent pour percuter les entrailles et remuer les consciences.Quand des textures électroniques et des mélodies triturées rencontrent la parole tranchante, ça incise le réel, ça creuse la matière, ça débusque la lumière pour raviver l’espoir.Aussi décapantes que tendres, les poésies intimes chantent les combats politiques, là où la plume acide se trempe dans un flux rythmique.
Danse Macabre
08oktober
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19oktober
Des films catastrophes aux faits divers tragiques, des tueries de masse au tourisme morbide : qu'est-ce que l'attrait pour la mort et la destruction révèle de nous ? Nous, spectateur·ices, observateur·ices tapi·es dans l’ombre, sommes démasqué·es par l’aveu singulier et téméraire du comédien. Après nous avoir enchanté·es avec son spectacle Norman, c’est comme normal, à une lettre près et de remarquables prestations en tant qu’acteur dans Stanley et George de Molière, Clément Thirion convie Godzilla, les zombies et les morts à se réveiller au plateau, sur des rythmes électro.  Par le mouvement et la danse, Clément Thirion traduit avec une ironie grinçante ce rapport inexplicable que nous entretenons avec les forces destructrices à l'œuvre autour et en nous. Son travail chorégraphique précis porte la parole, l’auteur se démultiplie : son corps est pris dans la polyphonie des voix et des échos qui dialoguent avec lui. Le texte se mêle au documentaire catastrophe et aux pages Wikipédia. Le paradoxe saisissant entre une chambre d’enfant et le déferlement du chaos répond au mariage étrange du sublime et de l’obscène. Sur le plateau, vidéos et marquages au sol composent la scène bien organisée d’un crime, au son de Björk ou sur la symphonie de Camille Saint-Saëns. Ça hurle, ça gicle, ça spasme. Le décor fait maison et sommaire est pensé pour s’effacer dans le récit. Comme une carte évolutive de lieux imaginaires et réels, il nous immerge dans des univers chaque fois différents. Les volumes changent d'échelle, les couleurs explosent, métamorphosant l'espace tantôt en lieu de massacre, tantôt en ville fantôme. Danse Macabre : Les matières sombres est une danse théâtrale, une sorte de messe teintée d’humour noir qui touche l’espace indéfini où le Beau et l’Horreur se mêlent, comme aux tréfonds d’une âme humaine insondable. C’est un espace de libération comme dans une salle de cris. Clément Thirion, artiste partenaire du Varia, incarne le mal avec grâce et une certaine dérision.
Sauvez Bâtard
05november
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09november
Au cœur d’une ville où le ciel a disparu, un cadavre a été retrouvé dans un terrain vague. Assez vite, un suspect est désigné : il s’agit de Bâtard, le poète un peu paumé du quartier. Son procès est rapidement monté, tentant de tenir dans la légalité. Pour se défendre, au cours de ce procès bancal, Bâtard exerce son super-pouvoir : celui de contrôler le temps. Dans ces failles temporelles, nous assistons à son histoire amoureuse avec Ekart. Thymios Fountas s’amuse dans ce récit science-fictionnel, il joue avec les opposés et ignore les injonctions des normes de genre. Sauvez Bâtard est un récit à la croisée des mondes où le temps est une donnée flexible : le passé et le présent se chevauchent dans des flashbacks. La pièce est une œuvre bitumée, ponctuée de poésie et de partitions chantées. La langue y aspire les aspérités du monde étrange autour, elle oscille entre beauté et platitude. Dans cet univers qui n’existe pas, peut-être futur, en tout cas, incertain ; l’amour brûle et déchire. Thymios Fountas farfouille dans les marges, dans le ventre d’un monde brut, brutal et violent et fait émerger une histoire unique, lacérée d’ombres et de lumière, de tristesse et de comique. Sauvez Bâtard évoque une planète abîmée qui nous rappelle un peu la nôtre mais s’aventure à imaginer des possibles. Cette création fait la part belle aux imaginaires, à l’amour, au rejet, à l’espoir et la détresse dans un monde qui s’effondre et donne la parole aux laissé·es pour compte. Parce que la pièce nous a touché·es et a rencontré un énorme succès auprès de vous l’an dernier, nous avons décidé de la reprogrammer.
Feu les animaux
26november
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30november
Marie a trouvé un animal mort sur le bord de la route. Elle n’a aucune idée de ce qui lui est arrivé mais il est hors de question de le laisser pourrir là. Avec ses amis musiciens elle décide de lui offrir une cérémonie d’adieu et une sépulture digne de ce nom. Marie fait face à la mort ; l’amour des proches, la musique et les rites lui permettront de traverser ce deuil plus en douceur. La mort est un grand mystère qui parfois nous bouleverse dès l’enfance. Pour Marie Lecomte, cela se fait à travers celle d’animaux divers, trouvés dans le jardin de ses parents. Alors, depuis toute petite – à l’instar du héros de Tous les petits animaux de Walker Hamilton – elle les enterre et imagine de véritables moments pour honorer leur disparition. Comment alléger la mort et la séparation qu’elle induit ? A travers le deuil d’animaux sauvages ou domestiques, petits ou grands, la joyeuse bande de Marie Lecomte tente de trouver quelques moyens de le faire : la musique joue un rôle essentiel dans leur démarche. Glanées au bout du monde ou dans le répertoire assez riche des requiem, invoquant les percussions mexicaines, les musiques corses ou encore Chopin et Berlioz, les partitions permettent d’insuffler de la beauté dans l’adieu. Les instruments-claviers, guitares et percussions - nous portent ; le deuil peut être une fête, un au revoir en fanfare. Feu les animaux est touchant d’empathie et d’ingénuité. Quels sont nos rituels collectifs, notre manière d’appréhender la mort et le deuil en tant que société ? En abordant la question du rite, Marie Lecomte connecte le théâtre au présent et au vécu. Faisant partie de la programmation En Familles, cette pièce parlera à tout le monde.
Ancora Tu
11december
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14december
Pendant qu’ils préparaient leur spectacle, Salvatore et Nuno ont vécu une fulgurante histoire d’amour. Maintenant, Salvatore est parti. Le spectacle n’aura pas lieu. Nuno se retrouve seul parmi le désordre des souvenirs. Dans un dernier élan exalté, il demande au public de l’aider à faire le tri. Que choisir parmi les moments partagés, les rires, les mots doux et les mots crus ? Tous ces détails (in)signifiants qui font la beauté d’une histoire ? En reconvoquant cet amour sur scène, Nuno cherche-t-il à en guérir ? Ou veut-il revivre une dernière fois ce qu’il ne parvient pas à oublier ? Et si le théâtre était l’occasion de faire exister cet amour ?Nuno nous entraîne dans une confidence, où se mêlent le quotidien et l’extraordinaire, le trivial et le sublime, où – sous le joug amoureux – des évènements mineurs revêtent la plus grande importance. Avec un dispositif théâtral ludique, le metteur en scène Salvatore Calcagno démultiplie les ambiances et les univers, flirtant avec le cinéma. Sur un air lancinant de pop italienne, nous plongeons au cœur de la relation entre les deux hommes – petits mensonges et actes manqués compris – au risque de s’y reconnaître. Les particularités d’une histoire d’amour ne sont-elles pas précisément ce qui la rendent universelle ?  La genèse du spectacleLes auteurs Salvatore Calcagno et Dany Boudreault se sont rencontrés en 2014. Ils ont vécu alors un véritable coup de foudre humain et artistique. C’est cette rencontre qui a inspiré une forme de 25 minutes intitulée Sara perché ti amo. Ils se sont mis, à travers un jeu de dévoilement, à livrer certains pans de leurs vies, de leurs amours déçus, de leurs secrets, de leurs faiblesses.Sara perché ti amo a voyagé dans quelques appartements, studios, garages, tantôt à Bruxelles, Paris, Montréal, Limoges, ou encore Thionville, pour une dizaine de spectateur.trice.s chaque fois. Le rendez-vous avec le public leur a révélé que cette forme pouvait être approfondie et vivre de manière autonome. Ils ont eu le désir de livrer cette intimité dans une salle de théâtre.Ancora tu, « encore toi », témoigne des retrouvailles entre deux êtres, du temps qui passe, de cette impression que leur rencontre date encore d’hier. C’est une ode à l’amour dans sa dimension la plus universelle, à une époque où l’extrême-droite monte en flèche et veut nous faire croire qu’un pareil type d’amour est contre-nature. Au-delà même de l’amour passionnel, il est question ici d’amour élémentaire, de contact, d’amitié à l’état pur.Aujourd’hui, Salvatore Calcagno et Dany Boudreault poursuivent leur démarche en invitant un nouvel acteur à se prêter au jeu autofictionnel de leur histoire d’amour, l’acteur portugais Nuno Nolasco.
La cerisaie d'après nous
25januari 2025
-
26januari 2025
La Cerisaie d’après nous est un projet au long cours, mené par des résident·es de la Maison de Soins Psychiatriques Sanatia et d’artistes. Ensemble, i·els proposent leur version – sous forme d’exploration – de la Cerisaie, de Tchekhov. Dans cette pièce phare de l’auteur russe, une galerie de personnages évolue à l’intérieur d’une propriété laissée à l’abandon dont la vente aux enchères approche. Incapables de survivre au passé, inaptes à envisager le futur, iels font grand théâtre du présent. Et pour oublier que le monde s'effondre, iels jouent, boivent, dansent, philosophent et comme des enfants, fanfaronnent. Au Studio Varia, les acteur·ices enfilent une perruque flamboyante ou un veston décati ; l’un s’installe au piano, tandis que les autres entonnent une chanson populaire. I·Els nous entraînent dans une grande fête, corroborant gaiement le « d’après nous » du titre. Entre les amateur·ices rencontré·es lors d’ateliers de théâtre et les personnages tchekhoviens, il y a comme une évidence. Dans une longue hésitation ou l’inflexion d’une voix, les mots de la Cerisaie trouvent une résonnance toute particulière. Ils se mêlent aux mots de Paul, Huguette, Patrick et tous·tes les autres. Est-ce la fiction qui révèle le réel ou le réel qui révèle la fiction ? Dans cette réinvention libre et joyeuse, on fait fi des conventions. Si le texte fait penser à une chanson de Piaf, alors on la chante. Si on rêve d’une scène en version Bollywood, alors on la danse. L’informel importe. Les détails les plus infimes font l’existence. Les envies de chacun·e sont écoutées. Les habitudes artistiques sont déplacées. Et si on trouvait – dans l’apparente lenteur d’un geste, dans la prégnante douceur d’un regard – de possibles ailleurs ?     Symbiose entre le travail des soignant·es, des amateur·ices, des artistes et du Varia, ce projet est indissociable des valeurs de transversalité, de bienveillance et de soin qui le constituent. Comédienne et animatrice socio-culturelle, Coraline Clément utilise le théâtre comme précieux outil pour rencontrer d’autres mondes et d’autres sensibilités. Nous nous réjouissons de participer à cette belle aventure, ouvrant une voie pour faire joyeusement communauté.
Parfois, il y a un avant et un après. Entre les deux : cette infime seconde, où tout bascule. Un jour, Léontine, onze ans, joue au basket avec des ami·es. Le ballon s’échappe sur la route. En allant le ramasser, elle est heurtée par une voiture. A la suite de cet accident, elle ne pourra plus marcher. Même avec du temps, de la rééducation et la meilleure volonté du monde, son corps restera irréparable. Que faire de cette nouvelle réalité – alors que sa relation aux autres, au monde et à elle-même est complètement bouleversée ? Où trouver les ressources pour construire une nouvelle histoire, entre celle qu’elle s’était imaginée et celle qui est – plus que jamais – à inventer ? Comment gérer l’irruption du handicap dans un quotidien ? Comment négocier avec ce qui, jusqu’à lors, semblait inconcevable ? Comment accepter un corps nouveau, et les regards qui ont changé ? Avec son univers onirique et délicat, Tous les phoques sont des sirènes sert d’écrin à une vision sensible de la non-validité, s’épanouissant en-dehors des sentiers battus. Dans ce spectacle tendre, drôle et solaire, la fragilité devient une source infinie de richesses, rivalisant avec l’hégémonie de la performance. A travers le récit de Léontine, nous sommes invité·es à écouter nos propres vulnérabilités, comme intarissables échos de notre humanité.  Tous les phoques sont des sirènes est un spectacle destiné à toutes les générations, coécrit par Melissa Leon Martin, Damien De Dobbeleer et Thibaut Nève. A l’origine de celui-ci, il y a l’histoire d’une amie de Melissa, dont la vie a basculé après un accident. Pour s’approcher de la réalité des enfants porteur·euses de handicap moteur, la compagnie D3 Drama Company a mené des ateliers auprès des plus jeunes – valides et autrement valides. Dans cette création débordant de poésie, le plus important réside sans doute dans notre pouvoir d’imagination ; celui-là même qui permet de se raconter autrement, et suggère d'autres futurs possibles.
Trois comédien·nes se retrouvent presque trente ans après avoir incarné Roméo et Juliette. A 40 ans, i·els se questionnent sur leur rapport à l’amour qui a changé et évolué tout au long de ces années, sur ce qui reste dans l’esprit et sur le corps, de l’imaginaire incandescent des amours adolescentes. Plus profondément encore, i·els fouillent le sens de l’amour-passion et ce dont il est reflet dans nos sociétés occidentales où les repères vacillent. Avec Juliette et Roméo sont morts, Céline Champinot revisite la relation des célèbres amant·es, sous le prisme du suicide adolescent. Sa pièce explore les intersections entre la passion amoureuse, la passion morbide et la passion théâtrale.  Malgré sa répétition, la mise en scène de cette mort adolescente conserve tout un mystère : au fond qu’est-ce qui est rejoué dans cette scène depuis quatre siècles ? Revisitant leurs souvenirs, les comédien·nes interrogent ce que sont devenus leurs propres passions et désirs de jeunesse.  Céline Champinot propose une lecture très élargie de la relation et aborde le désir comme moteur. Juliette et Roméo sont morts prolonge la série d'œuvres qui traitent de notre lien à l’amour, y compris comme confrontation à l’impuissance et à une forme de fatalité. I·Els s’intéressent à ce qui nous pousse à nous heurter. La metteuse en scène observe les connexions insoupçonnées que notre société entretiendrait morbidement avec l’intensité. Cette pièce est pensée pour l’itinérance, elle s’inscrit dans la vieille tradition d’un théâtre qui voyage et qui part à la rencontre de gens et de lieux. Elle interroge notre état collectif au monde sous le prisme de l’amour à mort et du désir.

Événements passés

Brèches
18april
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27april
Comment recomposer la mémoire de nos corps et réparer les fissures qu’ils renferment? Face à un choc émotionnel trop intense, il arrive à notre cerveau de disjoncter. C’est ce qu’on appelle la dissociation. Partant de cette expérience, Medea Anselin co-signe avec Alice Valinducq un premier spectacle, dans lequel quatre personnes AFAB (assigné·es au genre féminin à la naissance) disjonctent et se retrouvent dans une brèche spatio-temporelle. Pour recréer du lien avec le monde réel, les personnages questionnent la perception de leur propre corps et réalité. Entre l’imaginaire collectif dans lequel i·els baignent et les traumatismes vécus qui affectent leurs sensations, que faire de leur corps ? Comment colmater les brèches qu’i·els portent en ell·eux, pour leur réinsuffler une capacité d’agir ? Porté par une écriture collective, Brèches agence des fragments de vie que les interprètes, en français et en catalan, déposent au creux d’un récit collectif, une fiction qui les relie l’un·e à l’autre. Tantôt frondeuses, tantôt réparatrices, et souvent les deux à la fois, ces voix intimes nous surprennent par l’humour ravageur qu’elles déploient, afin que l’insurrection puisse se produire. Comme le disait déjà Monique Wittig, « Le cheval n’est pas l’arme toute entière mais il permet d’ouvrir des brèches pour que d'autres débarquent et commencent à travailler les consciences. » Brèches est une expérience sensorielle, qui ouvre au fond de nos imaginaires de nouveaux sentiers de révolte et d’émancipation.
Jardin
13maart
-
15maart
C’est l’histoire d’Izrar, une femme active et citadine qui suite à la mort de sa plante, va reconsidérer ses valeurs fondamentales.  Tout commence par un accident. Izrar a reçu une plante verte en cadeau. Mais pour cette femme, qui n’a jamais habité ailleurs qu’en ville et ne connaît rien à la vie végétale, la jolie plante, réputée increvable, ne devient rien d’autre qu’un objet de déco dans son appartement. Aux prises avec son quotidien, Izrar l’oublie dans un coin de son salon, négligeant de l’arroser et la laissant mourir à petit feu.  4 ans après les faits, Izrar mène l’enquête. Comment en est-elle arrivée à négliger cette plante devant laquelle elle passait pourtant tous les jours ? Accompagnée de son voisin Travik, un brin envahissant, Izrar décortique la situation. Elle nous raconte son histoire mais ne cesse de se faire interrompre par les passages réguliers de son propriétaire, Hermano, qui a pris l’habitude de rentrer sans prévenir.  Jardin rend un hommage plein de tendresse aux codes narratifs des dramédies contemporaines, que la scène convoque pour mieux les détourner. Entre passages chantés, matériaux sonores et dialogues percutants, remplis d’humour et d’originalité, l’écriture ciselée d’Amel Benaïssa et Mathurin Meslay façonne une création hybride, rythmée, portée par un groupe d’interprètes magnifiquement complices. Très proches du public, iels y incarnent le quotidien, les doutes et les rêves de trois personnages résolument d’aujourd’hui dans une succession de scènes loufoques qui, peu à peu, glissent vers des situations plus intimes, touchantes et universelles.  Partant de sa propre existence de pure citadine issue de la banlieue et coupée de la nature, Amel Benaïssa imagine une aventure ancrée dans notre présent, qui interroge nos rapports intimes et ambivalents au monde végétal. À travers le funeste destin d’une plante verte, sa mise en scène invite nos regards à s’ouvrir sur cette part oubliée du vivant, cachée sous le béton des villes. Comment redéfinir notre place, notre impact et notre manière d’être en relation en tant qu'être humain·es au sein de l’écosystème? Quel soin pouvons-nous nous apporter mutuellement? Du déni à la prise de conscience, Jardin questionne le soin et l’attention que les humain·es peuvent s’apporter entre elleux, dans un environnement citadin.  Une fiction aussi drôle que poétique, plus que jamais d’actualité.
Sur la scène entièrement vide, une femme s’avance vers nous, carabine à la main : « I am the actress. I guess you are… the audience? », nous lance-t-elle, en mâchant son chewing-gum de façon flegmatique. Elle poursuit, toujours en anglais : « N’ayez pas peur de mon fusil. Je le garde tout le temps avec moi. C’est à cause des loups ». Il n’est pas toujours possible de raconter sa vie dans sa langue maternelle. Surtout quand dans cette vie, à peu près tout, un jour, s’est effondré. Pour essayer de nommer ce qu’elle a sur le cœur, cette actrice qui nous parle a donc décidé de faire un pas de côté, pour laisser place à l’un de ses doubles. Une désopilante version américaine d’elle-même, qui va chercher de nouveaux mots pour faire le récit de son hasardeuse reconstruction intime, tout en s’amusant à brouiller les pistes de sa propre tragédie …       Après le succès de Faire quelque chose. (C'est le faire, non ?), et en attendant sa nouvelle création la saison prochaine, nous avons invité Venedig Meer, compagnie partenaire du Varia, à revenir quelques années en arrière. Douze ans après sa création, l’autrice, actrice et metteuse en scène Florence Minder réinterprète son tout premier spectacle, dans lequel on retrouve la matrice de sa recherche théâtrale, qui questionne notre rapport intime et collectif à la fiction. Ni musique, ni micro, ni vidéo, ni jeux de lumières : dans ce seule-en-scène aussi bouleversant que jubilatoire, elle nous avertit même d’emblée qu’elle évoluera dans un registre physique pour le moins … limité. Un stand-up low-cost désarmant de sincérité, intégralement en anglais sur-titré, au fil duquel son alter ego linguistique retrace ses errements et son désarroi, tentant par tous les moyens de transcender sa propre solitude pour avancer sur les chemins sinueux de la perte.  Sans jamais se départir d’un sens aigu du rythme et de la formule, son personnage nous interpelle sans détour et se joue de nos attentes, face à cette forme d’entertainment qui dérive lentement vers des contrées lointaines. Tout en opérant une forme de distanciation, sa métamorphose langagière lui permet d’explorer une terre inconnue à l’intérieur d’elle-même. Peu à peu, elle réinvestit son corps et ses émotions, pour affronter un deuil dont l’origine restera floue, mais qui ouvre sous ses pas un sentier escarpé dont elle détaille chacune des étapes. Choc, déni, colère, marchandage, dépression, expérimentation, acceptation : naviguant de thérapies infructueuses en obscurs modes d’emploi de développement personnel, elle retrace avec une ironie mordante les différents stades de son périple, au bout duquel elle finira par prendre le large, pour se réinventer. Une énergie d’actrice explosive, au service de ce savoureux mélange des genres entre humour et tragédie, dans lequel Florence Minder confirme une fois de plus son talent pour défendre la fiction comme un terrain de jeu inépuisable, tout autant qu’un espace de survie.
L’imaginaire n’est-il pas le plus beau des refuges, pour venir à bout des démons qui nous hantent ? En 1864, le petit village d’Illfurth, dans le sud de l’Alsace, fut secoué par de mystérieux phénomènes qui défrayèrent la chronique. Dans la modeste famille Burner, deux jeunes frères, Joseph, 7 ans, et Theobald, 9 ans, se sont soudainement mis à tourner sur eux-mêmes, comme de vraies toupies. Ils s’en prenaient violemment aux meubles, se contorsionnant, convulsant, avant de basculer, des heures durant, dans un tel état de prostration qu’on les croyait morts. Ce mal étrange dura plusieurs années. Impuissante, la médecine ne parvint pas à les soigner et, rapidement, les autorités catholiques déclarèrent les deux enfants possédés par le démon, avant de procéder à leur exorcisme… Un siècle et demi plus tard, mêlant son histoire personnelle à la sombre légende du village où il a passé son enfance, le comédien et metteur en scène Lionel Lingelser part sur les traces de ses propres démons. À travers le personnage d’Hélios, son alter ego de fiction, il remonte le courant de la mémoire pour affronter, sans faux-semblant, les épisodes de possession qui ont jalonné son parcours. Dans une succession de tableaux, d’allers-retours dans le temps et de fragments de vie entremêlés, il nous livre un récit d’une grâce folle : la métamorphose d’un apprenti comédien, découvrant la puissance salvatrice du théâtre. La scène comme un nouveau royaume, une forteresse inébranlable face aux assauts du réel, où ce jeune homme solaire, pleinement possédé par ses personnages, va peu à peu exorciser ses blessures intimes et se dévêtir d’un passé douloureux, pour cheminer vers la renaissance et la réconciliation. Avec ce magnifique seul-en-scène, acclamé en France depuis sa création et que nous nous réjouissons d’accueillir pour la première fois en Belgique, Lionel Lingelser nous invite à le suivre dans un voyage initiatique, un récit lumineux de résilience et d’émancipation. Entouré de ses fidèles complices du Munstrum Théâtre, il a confié son histoire intime à l'auteur Yann Verburgh, dont il interprète les mots à la façon d'une expérience cathartique, sidérante de justesse et d'intensité. Traçant une ligne de fuite entre ses traumas, le comédien navigue d’un personnage à l’autre pour transformer le plateau en un territoire de liberté et de reconstruction intime, qu’il arpente corps et âme. Il se met à nu, saute, tombe, se relève, danse, tirant les fils invisibles d’une histoire où les époques se croisent, où le réel et le merveilleux s’entremêlent, et où l’imaginaire devient le plus beau des refuges. Un hommage vibrant à la part d’enfance et d’innocence qui sommeille en nous.
La grand-mère de Lou vit depuis plusieurs années dans une maison de retraite. Malgré ses visites ponctuelles, Lou ne la connait pas si bien que ça. Tout ce dont elle est sûre, c’est que sa grand-mère a quelques problèmes de mémoire… Malgré tout, Lou est très attachée à sa mamie. Alors quand celle-ci se met à évoquer un départ de la maison de retraite, Lou décide de la prendre au mot, et la fait évader! Un voyage surréaliste suspendu dans le temps, une enquête à la recherche d’un papy disparu, une rencontre entre une grand-mère déboussolée et sa petite-fille déterminée, une traversée folle de la mer à l’Ardenne en passant par Bruxelles, des comédien·nes, du cirque, des marionnettes, de quoi se régaler avec le cœur et les yeux…
Post Mortem
05december 2023
-
16december 2023
Inviter nos mort·es sur scène, n’est-ce pas une manière, au fond, de réapprendre à vivre avec elleux ? « Ma mère a eu le cancer. Elle est morte et je dois apprendre à vivre avec. On a dispersé ses cendres dans un champ, et elles se sont envolées. Du coup, il n’y a pas de lieu. Je ne sais pas bien si je dois regarder le champ ou le ciel. En moi non plus, d'ailleurs, je ne la trouve plus, ma mère. Je ne comprends pas où elle est passée. Il faudrait peut-être que je lui parle, comme certaines personnes le font avec leurs mort·es. Mais moi, je ne sais pas comment on fait… » Comment apprendre à vivre avec nos mort·es ? Comment leur redonner, quelque part, une place parmi nous ? Où trouver ce terrain d’entente et de jeu, nécessaire pour maintenir avec el·leux un dialogue, par-delà les frontières de l’existence ? Face à toutes ces questions, l’actrice et metteuse en scène Jasmina Douieb s’est sentie démunie, à la mort de sa mère. Pour chercher à comprendre, elle est partie à la rencontre d’inconnu·es qui, chacun·e à leur manière ont réussi à façonner des moyens singuliers, des manœuvres intimes, parfois secrètes et obscures, pour demeurer en lien avec leurs disparu·es. Elle a recueilli les paroles de ces vivant·es en quête de sens, de signes fugaces et éparpillés, de présences illisibles et confuses. De ces entretiens, elle retire une cartographie sensible, où se croisent mille et une histoires de résilience, mille et une façons de défricher ces petits sentiers du deuil, perdus dans les broussailles. Dans sa nouvelle création intime et réparatrice, créée au Varia en partenariat avec le Théâtre Les Tanneurs, Jasmina Douieb, seule face à nous, peuple la scène de voix étrangement familières, et de fantômes inconnus dont on sent la présence. Puisant dans les interviews audio qu’elle a récoltées, elle réinterprète ces paroles glanées au fil de son enquête, ou parfois, simplement, nous les donne à entendre dans leur vérité première. Transcendant les limites du spectacle documentaire, Post Mortem tisse peu à peu une toile sensible d’où la fiction affleure, pour libérer une foule d’histoires qui se croisent, s’entrechoquent, et finissent par nous toucher au cœur. Les mort·es y retrouvent les vivant·es, pour reprendre, là où i·els l’avaient laissée, leur conversation interrompue.  
La Fracture
07november 2023
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11november 2023
Comment tracer de nouveaux chemins de résilience, pour réparer une mémoire intime abîmée par l’Histoire ? « Papa, tu sais quels sont les points communs entre la guerre d’Algérie et l’alcool ? J’en ai trouvé trois : le silence, le tabou, et la honte. » Lorsqu’elle était enfant, celle qui prononce ces mots voyait son père comme un héros. Le genre de héros à qui elle voulait ressembler plus tard. Et puis, le temps a fait son œuvre. La fille a grandi, et le héros a vieilli, basculant peu à peu dans les anfractuosités de sa propre mémoire, dans les sillons tortueux de la vie, comme pour chercher quelque chose, pour rattraper un manque, ou bien pour s’oublier. Jusqu’au jour où la jeune femme a décidé de couper les ponts. De ne plus voir son père. Petit à petit, elle l’a gommé de ses souvenirs, comme un vieux dessin qui s’efface… Dans ce seule-en-scène à vif, Yasmine Yahiatène part sur les traces d’Ahmed, ce père dont elle a dû se résoudre à faire le deuil de son vivant. Utilisant la vidéo comme matière première et partenaire de jeu, elle sonde les failles de cette relation douloureuse et interrompue, pour retrouver son chemin parmi les fragments d’héritage qu’elle porte en elle et qui lui semblent si lointains. D’archives personnelles en documents historiques, les images s’entremêlent, et la mémoire d’Ahmed se recompose, par bribes : ses origines kabyles, son exil vers la France, en pleine révolution. La perte de sa langue maternelle, qu’il délaisse en assimilant peu à peu la culture de la puissance coloniale. Mais aussi la liesse, la finale de la Coupe du Monde 98, les deux buts de Zidane, version glorieuse d’une mémoire franco-algérienne peuplée de cicatrices. Et, entre ces deux rives, l’alcool, comme un mauvais remède face à ce passé décomposé. Vidéaste de formation, mais également comédienne et performeuse, Yasmine Yahiatène co-signe La Fracture, un premier spectacle aussi pudique que troublant, réalisé avec son équipe de créateur·ices. Par un jeu subtil d’évocations orales et de superpositions visuelles, elle se glisse dans les brèches de son histoire familiale, et transforme la scène en un terrain d’enquête et de réparation. Saisissant à bras-le-corps cette succession de traumatismes vécus, de blessures transmises de génération en génération, elle utilise la puissance des mots, des images et de la fiction pour reconstruire sa propre histoire, et défricher de nouveaux sentiers de résilience intime et collective.
Sauvez Bâtard
14oktober 2023
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21oktober 2023
Comment s’aimer quand l’horizon s’effondre ? Quelque part dans le futur, une sorte de terrain vague aux airs de fin du monde. Dans un coin, surgissant de la scène, une forme intrigante, brillante, accidentée. Comme un bloc de montagne, une épave d’iceberg aux éclats irisés. À moins qu’il ne s’agisse d’un morceau de ce ciel qu’on croyait disparu ? Bienvenue dans le monde de Bâtard ! Petit prince des crapules, rebut des métropoles en ruines, qui use de ses super-pouvoirs poétiques pour cracher son désir et sa blessure aux oreilles de qui veut bien l’entendre. Traqué par un cortège de créatures bizarres qui lui collent aux semelles, Bâtard doit être jugé par un tribunal de rue pour un meurtre dont lui-même peine à se souvenir s’il l’a vraiment commis. C’est alors qu’apparaît l’idole du quartier, Ekart, qui ne va pas tarder à tomber amoureux de lui. Un amour puissant, authentique, qui va peu à peu balayer ses repères, bouleverser son destin et réveiller, dans l’épaisseur de son désir, un continent jusqu'alors endormi...  Avec cette fable tragi-comique aux accents cyberpunk, Thymios Fountas signe une première création inclassable qui bouscule les repères théâtraux et transcende les frontières du langage. Entre lyrisme et trivialité, son écriture explore des rivages inconnus, revendiquant un style inédit où les mots et les sons fusent comme des météores. À mi-chemin entre le terrain de jeu et le champ de bataille, cette poésie résolument contemporaine, traversée par un flot d’images paradoxales et d’hallucinations, réinvente un argot ultra-rythmé, audacieux mais tout à fait limpide. Une parole tourmentée mais profondément drôle, mouvante, sensuelle, comme un nouvel écrin dans lequel se dépose une histoire immuable : un long chant d’amour pur, déchiré par la perte. Proche de la science-fiction, Sauvez Bâtard dessine les contours d’un avenir abîmé. Un monde brutal, curieusement proche du nôtre, dans lequel Thymios Fountas inscrit une fiction composite, lumineuse, portée par une langue du futur qui convoque en nous des sensations brutes. Un plaisir fulgurant à redécouvrir, nichée dans les recoins du réel, la parole souveraine des laissé·es-pour-compte. Plongeant dans un imaginaire queer, le spectacle célèbre la beauté des désirs dissidents. À l’image du personnage central, décrit au masculin mais incarné par une comédienne, toutes les figures de cette histoire naviguent dans cet entre-deux-mondes qui perfore l’horizon du théâtre. Des identités ambiguës, des corps indisciplinés et un univers sensoriel qui réveillent en nous une capacité poétique insoupçonnée, afin de nous tailler, dans la frondeuse liberté du langage, un nouveau territoire des possibles.