"Le monde sauvage est fascinant, attachant, à la fois dur et fragile
et il convient plus que jamais de le préserver. À travers mes
photographies, je veux sensibiliser le plus grand nombre à la
beauté mais aussi à la fragilité des écosystèmes. L’aube sera le fil
conducteur pour vous émerveiller avec des photos prises dans la
taïga finlandaise, mais parfois bien plus proche de chez nous.
Mes photos sont des instantanés d’une vie éphémère qui je
l’espère se renouvellera encore éternellement." Benoît Segaert
![Événement](/_next/image?url=https%3A%2F%2Fculturius-prod-web-app-photo-cache-s3.s3.eu-west-1.amazonaws.com%2Fphoto_original_filter%2F66a27c01bc1a5475114340.jpeg&w=3840&q=75)
Peter Depelchin - Cosmogonical Treat
08september
-26oktober
Carrefour Market, Place Keym 83, Watermael-Boitsfort, Région de Bruxelles-Capitale 1170, Belgique
Gratuit
Description
********** English **********
Peter Depelchin's new solo show 'Cosmogonical Treat' offers itself as an ouroboros (the ancient symbol of the snake biting its tail); without beginning nor end. However, as the title indicates, the expo is also a treat, specifically a treat of a cosmogony. A cosmogony is a model, a fit that serves as an explanation for the origin and development of the universe. Depelchin approaches his cosmogony from both a mythological perspective and an astrophysical one. In other words, the treat is a newly formulated origin story on the one hand and a suggestive visualization of the latest theories in relation to the origin and structure formation of our universe on the other.
********** Français **********
'Cosmogonical Treat', la nouvelle expo individuelle de Peter Depelchin se développe selon le concept de l’ouroboros (ancien symbole du serpent qui se mord la queue) : sans commencement ni fin. Cependant, comme son titre l'indique, l'exposition est aussi une gâterie, un régal cosmogonique. Une cosmogonie est un modèle, une théorie qui sert à expliquer l'origine et le développement de l'univers. Depelchin aborde sa cosmogonie à la fois d'un point de vue mythologique et d'un point de vue astrophysique. En d'autres termes, il s'agit, d'une part, d'un récit des origines nouvellement formulé et, d'autre part, d'une visualisation évocatrice des dernières théories relatives à l'origine et à la formation de la structure de notre univers.
********** Nederlands **********
Peter Depelchins nieuwe soloshow 'Cosmogonical Treat' biedt zich aan als een ouroboros (het eeuwenoude symbool van de slang die zich in de staart bijt); zonder begin noch einde. Zoals de titel aangeeft, is de expo echter ook een treat, m.n. een traktatie op een kosmogonie. Een kosmogonie is een model, een pasvorm die dient als verklaring voor het ontstaan en de ontwikkeling van het universum. Depelchin benadert zijn kosmogonie zowel vanuit een mythologisch perspectief als vanuit een astrofysisch perspectief. De traktatie is met andere woorden een nieuw geformuleerd oorsprongsverhaal enerzijds en een suggestieve visualisatie van de recentste theorieën in relatie tot het ontstaan en de structuurvorming van ons heelal anderzijds.
Art
Information sur la date
14:00:00 - 18:00:00
Billets
Gratuit
Info & Réservation
1 Photo
Événements suggérés
********** English **********
Thu-Van Tran draws on literature, history, and nature to explore the question of
exile and the mutation of beings and languages in the wake of colonial
narratives. 'Write as the Beasts Cry at Night' unfolds in La Loge like an open
book, a palimpsest where Marguerite Duras' aura intersects with legendary,
intimate writings. Through tracing, imprinting, and fragmenting, the artist
focuses on what her chosen materials represent, searching for recollections she
can extract. Thu-Van Tran scrutinises contaminated memories, the processes of
disappearance and reappearance, and buried violence to sketch out a new
imaginar—a possible liberation.
********** Français **********
Thu-Van Tran puise dansla littérature, l’histoire et la nature afin d’explorer
la question de l’exil, les mutations des êtres et des langues au gré des récits
coloniaux. 'Write as the Beasts Cry at Night' se déploie dans La Loge comme un
livre ouvert, un palimpseste où l’aura de Marguerite Duras croise des écrits
légendaires et intimes. Par son usage de la trace, de l’empreinte et du
fragment, l’artiste se concentre sur la charge des matières qu’elle choisit, en
quête des réminiscences qu’elle pourra dégager. Thu-Van Tran scrute la mémoire
contaminée, les processus de disparition et de réapparition, les violences
enfouies pour esquisser un nouvel imaginaire, une possible délivrance.
********** Nederlands **********
Thu-Van Tran vindt inspiratie in de literatuur, geschiedenis en natuur om
thema’s zoals ballingschap en de mutatie van levende wezens en talen te
verkennen aan dehand van koloniale verhalen. Write as the Beasts Cry at Night
ontvouwt zich in La Loge als een open boek, een palimpsest waar de aura van
Marguerite Duras legendarische en intieme geschriften kruist. Door haar gebruik
van sporen, afdrukken en fragmenten focust de kunstenares op de lading van de
materialen die ze kiest, op zoek naar herinneringen die ze kan losmaken. Thu-Van
Tran doorgrondt het aangetaste geheugen, de processen van verdwijnen en opnieuw
verschijnen en het verborgen geweld om zo een nieuwe verbeelding en een
mogelijke bevrijding te schetsen.
********** English **********
In the exhibition MOON RIVER, Bart Vandevijvere and Steven Antonio Manes explore
common ground. They find it in their shared identities. For instance, the
concept of water is inherent in the surname Vandevijvere, which on one hand,
refers to the artist's residence by the River Lys (Leie), and on the other, to
the importance of rippling/movement in his work. Similarly, "Manes" evokes a
metaphor, reminiscent of moonlight, the reflection of the moon. This glow
creates an interplay that encapsulates both surface and universe.Their specific
artistic journeys are thus connected through this onomastics. The moon and its
reflection on the river visually represent their collaboration. In MOON RIVER,
light, time, and space transcend individual artistry.
********** Français **********
Dans l'exposition MOON RIVER, Bart Vandevijvere (°1961) et Steven Antonio Manes
(°1993) cherchent des points communs dans leurs œuvres. Ces points communs se
trouvent déjà dans leurs identités. Il y a, par exemple, la notion d'eau qui se
trouve dans le nom de famille de Bart: Vandevijvere. L’étang fait en effet
référence, d'une part, au lieu de résidence de l'artiste sur les bords de la Lys
(de Leie) et, de l’autre part, à l'importance de l'ondulation et du mouvement
comme celle de l’eau, dans son œuvre.
Le nom Manes semble également être une métaphore. Il évoque le clair de lune, le
reflet de la lune dans l’eau. Cette lueur crée une interaction dans laquelle la
surface et l'univers sont contenus.
Leurs trajectoires particulières artistiques se rejoignent ainsi dans cette
onomastique. La lune et son reflet sur la rivière sont une représentation
visuelle de leur collaboration. La lumière, le temps et l'espace transcendent
l'art individuel dans notre exposition MOON RIVER.
********** Nederlands **********
In de tentoonstelling MOON RIVER zoeken Bart Vandevijvere (1961) en Steven
Antonio Manes (1993) naar raakvlakken. Die vinden ze al terug in hun beider
identiteit. Zo is er bijvoorbeeld het gegeven van water in de familienaam
Vandevijvere. Die verwijst daarmee enerzijds naar de woonplek van de kunstenaar
aan de Leie en anderzijds naar het belang van rimpeling/beweging in zijn werk.
Ook Manes lijkt een metafoor. Die doet denken aan maanlicht, de reflectie van de
maan. Dat schijnsel zorgt voor een wisselwerking waarin zowel oppervlakte als
universum vervat zijn.
Hun specifieke artistieke parcours verbinden zich op die manier in deze
onomastiek. De maan en haar reflectie op de rivier is een beeldende weergave van
hun samenwerking. Licht, tijd en ruimte overstijgen in MOON RIVER het
individuele kunstenaarschap.
********** English **********
Capsule exhibit
The Museum holds prints highlighting the various aspects of the city. For
several years now, our team has been engaged in a massive project to inventory
them. Our collections currently comprise 1500 prints, the oldest one dating back
to the 16th century, and the most recent one barely a few years old.
A print is an image printed using a matrix with the image in relief.
Prints offer a valuable window onto their era. They are generally documentary in
nature, but may also be artistic, allegorical, religious or satirical. Thanks to
their precision and attention to detail, these works offer valuable historical
information while also attesting to the technical and artistic skill of their
creators.
The Museum invites you to discover a selection of this varied and fascinating
graphical heritage.
Practical information
Access to the Parenthesis Space is included with the entry ticket
********** Français **********
Le Musée conserve des estampes illustrant la ville sous ses différents aspects.
Depuis plusieurs années, notre équipe mène une vaste campagne d’inventaire. A ce
jour, nos collections comptent 1.500 estampes.
La plus ancienne date du 16e et la plus récente de quelques années à peine. Une
estampe est une image imprimée au moyen d'une matrice traitée en relief. Elles
représentent une fenêtre précieuse sur leur époque. Principalement
documentaires, elles peuvent également être artistiques, allégoriques,
religieuses ou satiriques. Par leur précision et leur souci du détail, ces
œuvres fournissent de précieuses informations historiques tout en témoignant du
savoir-faire technique et artistique de leurs créateurs.
Le Musée vous invite à découvrir une sélection de ce patrimoine graphique varié
et fascinant.
Informations pratiques
•L’accès à l’Espace Parenthèse est compris dans le ticket d’entrée
•Mardi 01 et jeudi 03.10 à 12h30 : visites Midis bruxellois
•Jeudi 03.10.24 à 18h30 : Jeudi de l’Histoire : Disparu et oublié ? L'estampe
s'en souvient !
********** Nederlands **********
Capsule-tentoonstelling
Het Museum heeft prenten die de stad belichten in al haar verschillende
aspecten. Ons team is die al een aantal jaar aan het inventariseren. Zo telt de
collectie momenteel 1.500 prenten. De oudste dateert van de 16e eeuw, terwijl de
meest recente maar een paar jaar oud is.
Prenten zijn afbeeldingen die worden afgedrukt met behulp van een matrix met de
afbeelding in reliëf. Ze bieden een waardevolle kijk op hun tijdperk.
Al leren ze ons niet alleen iets bij, maar kunnen ze ook artistiek, allegorisch,
religieus of satirisch zijn. Door hun precisie en oog voor detail bieden deze
werken waardevolle historische informatie en getuigen ze van de technische en
artistieke vaardigheden van hun makers.
Het Museum nodigt u uit om een selectie van dit gevarieerde en fascinerende
grafische erfgoed te ontdekken.
Toegang tot Tussen haakjes is inbegrepen in het museumticket.
Dinsdag 01.10 en donderdag 03.10 om 12.30 uur: Broodje Brussel
Donderdag 03.10.24 om 18.30 uur: Geschiedenis op donderdag: Verdwenen en
vergeten? De prent onthoudt!
Chaque premier dimanche du mois, le Musée Mode & Dentelle ouvre ses portes
gratuitement.A 14h, notre guide vous emmène à la découverte de l’exposition :
Jules François Crahay. Back in the spotlight.Les places étant limitées, les
réservations pour la visite guidée sont obligatoires via notre plateforme de
réservation.
********** English **********
Catherine Dagnelie indulges in graphic, pictorial and acrylic expression on
paper, inspired by her love of wild and spontaneous nature.
Then, on this base, comes the thread; the sensation that thread gives, as if in
a decompartmentalised space letting in other influences.
Embroidering, weaving, tying, knotting, intertwining, getting lost in little
paths that are more or less practicable. Adapting to the spirit of the place, to
the freedom of the shapes created where the threads meet, like a harmonious
blend.
Giving life... weaving, living, repairing, mending...
Catherine Dagnelie, July 2024
********** Français **********
Catherine Dagnelie se laisse aller à une expression graphique, picturale,
acrylique sur papier, inspirée par son amour de la nature sauvage et spontanée .
Puis sur cette base arrive le fil ; la sensation que procure le fil comme dans
un espace décloisonné laissant entrer d’autres influences.
Broder, tisser, lier, nouer entremêler, se perdre dans des petits chemins plus
ou moins praticables. S’adapter à l’esprit des lieux, à la liberté des formes
qui se créent aux endroits de rencontre des fils comme un métissage tout en
harmonie.
Donner la vie … tisser, vivre, réparer, racommoder …
Catherine Dagnelie – juillet 2024
********** Nederlands **********
Catherine Dagnelie leeft zich uit in grafische, picturale en acryl expressie op
papier, geïnspireerd door haar liefde voor de wilde en spontane natuur.
Dan, op deze basis, komt de draad; de sensatie die draad geeft, als in een
gedecompartimenteerde ruimte die andere invloeden binnenlaat.
Borduren, weven, knopen, verstrengelen, verdwalen in kleine paden die min of
meer begaanbaar zijn. Zich aanpassen aan de geest van de plek, aan de vrijheid
van de vormen die ontstaan waar de draden samenkomen, als een harmonieus
mengsel.
Leven geven... weven, leven, repareren, herstellen...
Catherine Dagnelie, juli 2024
Annexée à la programmation du MACS (Grand-Hornu) en tant que projet extra-muros,
l’installation d’Alec De Busschère, "Memory Cache Collection 99", se présente
comme un dédale d’images imprimées sur de fins grands voiles librement suspendus
dans l’espace d’exposition. Cette architecture translucide dans laquelle le
public est invité à déambuler et à se perdre est d’autant plus déroutante que le
moindre courant d’air peut en modifier l’orientation des cloisons grâce à un
ingénieux mécanisme de suspension. Le spectacle de ces images fantomatiques
prend alors une dimension légèrement cinétique, voire cinématographique,
résultant de l’instabilité des voiles, de la circulation des spectateurs comme
des effets de surimpressions et de fondus enchaînés. Labyrinthique et
kaléidoscopique, le dispositif a l’apparence d’un « théâtre de la mémoire », cet
outil mnémotechnique qui localise sur un plan de distribution architectural les
images parcellaires d’une histoire à reconstituer. Cette connotation
archéologique prend aussi son sens quand on sait que ce matériau visuel fut
extrait, en 1999, de la mémoire de plusieurs ordinateurs personnels : des «
fichiers caches »
récupérés par l’artiste pour réaliser, à l’époque, sa vidéo "Keep the cache in
memory". Des images pauvres en informations et qualité, orphelines de leurs
auteurs et de leurs sites internet d’origine s’y enchaînaient les unes aux
autres à un rythme quasi stroboscopique, témoin de la frénésie qui s’était
emparée de toute une génération de navigateurs insomniaques. Vingt-cinq ans plus
tard, Alec De Busschère revient sur cet océan d’archives pour en livrer une
vision diamétralement opposée : des images dont il a diminué le nombre, agrandi
la taille et ralenti la vitesse, comme une manière aussi de leur donner, malgré
leur superficialité, l’épaisseur existentielle d’un geste humain et de sa trace,
même technologique.
Adresse :
Rue du Ruisseau, 37 – 1080 Bruxelles
Vernissage :
30.08.24 | 18h
Exposition :
31.08 > 22.09.24
Horaires :
Mercredi - dimanche | 14h - 19h
Espace Art Gallery a le plaisir de vous présenter son vernissage le 05 septembre
2024.
Chères amies, amis, collectionneurs et habitués de notre galerie,
Les artistes présents pour cet événement sont :
Jean-Michel Pouzet (Fr) photographies, Anne Catherine Favier (Fr) peintures,
Emeline Cella (Fr) peintures, Isabelle Rivière (Fr) peintures, Jennifer Labédie
(Fr) peintures, Martine France Moreau (Fr) sculptures et Samoukan Assaad (Sy)
peintures. Et les artistes de la galerie AmArtgallery Brussel Art : Luca
Pertoldi (It) photographies
Exposition en partenariat avec la galerie d’art et organisatrice d’événements
AmArtgallery Brussel Art – Curator & events.
Ainsi que Nathalie Pannetier (Fr) artisane d’art en maroquinerie à son compte
depuis 2019.
Vernissage le jeudi 05 septembre de 18h 30 à 21h 30.
Finissage le 28 & 29 septembre de 11h 00 à 18h 00.
Lien de l’annonce visuelle de l’exposition du 05 septembre :
https://www.espaceartgallery.eu/espace-art-gallery-vous-presente-son-prochain-vernissage-du-05-09-2024-et-son-agenda-culturel/
Lien de l’annonce de la remise des recueils 2024 :
https://www.espaceartgallery.eu/la-7e-fete-de-remise-des-publications-2022-relatives-au-travail-de-fond-de-la-galerie-aura-lieu-le-samedi-25-mai-2024-de-18h-30-a-22h-00/
Lien du reportage photos sur la remise des recueils 2024 :
https://www.espaceartgallery.eu/la-galerie-a-le-plaisir-de-vous-presenter-son-reportage-photos-lors-de-sa-7e-fete-de-remise-des-recueils-et-diplomes-du-25-mai-2024/
https://www.facebook.com/www.espaceartgallery.eu
https://www.instagram.com/espace.art.gallery/
https://www.linkedin.com/in/jerry-delfosse-espace-art-gallery/
Lien vers le renouveau urbanistique dans le centre de Bruxelles !
https://www.oxybrussels.eu/?fbclid=IwAR1VEUNKNZwMNYHxaun0rOVdabtQ_ZZUQkARzbby64SjD5K0z7z8Eebm1Xo
Bien cordialement,
Jerry Delfosse
Galeriste
*
Fondateur et propriétaire de l’Espace Art Gallery,
Les Éditions d’Art EAG & EAG Studio’s
Co-fondateur et propriétaire du réseau Arts et Lettres 3.0
Administrateur général
Président de jury pour décerner un diplôme d’art
Membre d’un jury international à Corsica Art Fair
*
Rue de Laeken, 83 à B 1000 Bruxelles - Belgium
GSM: 00.32.497. 577.120
eag.gallery@gmail.com
https://www.espaceartgallery.eu/
https://artsrtlettres.ning.com/
https://www.facebook.com/www.espaceartgallery.eu
https://www.instagram.com/espace.art.gallery/
https://www.linkedin.com/in/jerry-delfosse-espace-art-gallery/
Lien pour visionner les 195 vidéos et 81.000 vues sur YouTube
https://www.youtube.com/@espaceartgallery4966
&
Amedeo Arena arena.amedeo@gmail.com
Director www.amartgallerybrussel.be
GSM: 00.32. (0)475.721.272
********** English **********
With what sense of irony does a visual artist announce to the viewer in the
opening of his exhibition that “we see nothing” ?
Of course, challenging ourselves about what an image depicts - in itself a
constant reminder of Magritte’s painting "ceci [still] n’est pas une pipe” -
“has been and remains" the essence of modern painting. Bouchard's work is no
exception to this question, but for him this question is not only the subtext of
his work: it is integrated into the fabric of the work, in the layers of which
it is composed.
Let me explain. His paintings, often begin with a "cloud of points", the graphic
translation of the analysis of a given site generated by the geomatic equipment
known by the acronym LIDAR (Light Detection & Ranging). Despite the nebulous
metaphor that should make us stop and think, LIDAR is an essential tool in
today’s management decision making. The tool is supposed to produce an objective
view of our environment, even if certain features of our environment -
wasteland, watercourses, etc. - end up creating voids, inaccuracies and "data
trails”. This is where the painter steps in and takes over. Without him, in
short, we see nothing, we perceive nothing of the sensitive experience of the
country, that is to say of the landscape. So much so that one is reminded of the
famous quote by the art historian Ernst Gombrich about LIDAR: “the innocent eye
is a myth... “ .
The title of a book “On n’y voit rien” (“we see nothing in it”) can be traced
back to another art historian, Daniel Arasse. This short phrase invites us to
focus on the work of art itself rather than any art commentary if we are finally
to "see something" - hence the subtitle, Descriptions. Describing his work is
far from simple as Bouchard excels in cultivating the indistinct. It’s looks
like a landscape: there are skies, clouds, vegetation, plant elk, mudflows,
heavenly stars. It reminds one of Victor Hugo's romantic landscapes of coffee
ground, or the jagged landscapes of the baroque Hercule Seghers: "Lava, mud,
trees like rags and pebble stones. 1”
But unlike these two glorious ancestors, Bouchard does not compose imaginary
landscapes- quite the contrary. Not only do many of his landscapes derive from
indisputable computer syntheses, but they have their roots in time and space.
Bouchard adds to the stratigraphy of it all by being an uprooted Canadian living
in Belgium. Each of these recordings focuses on an identified space, close to
the places where he has lived. He chooses Belgian linen canvas, which has a
heavy physical characteristic and dates back to a long history of Western
painting. Born in Belgium, Van Eyck, the founding father of Western painting,
taught us how metaphysics can be anchored in the here and now. In a different
moment in history, as if symmetrically, the painter of the Anthropocene faces
another “representation challenge”. As Bouchard says: figuring out the impact of
the industrial activity that defines its era, on human beings and environments.
How can painting make us see this?
While Bouchard's work integrates the long timeframe of geology, it also requires
meticulousness and plenty of time from the viewer because "you can't see
anything" immediately, says the painter. It was once said "art is long", both in
the making and in contemplation. In Bouchard's work, the question of 'doing' is
central to reconciling so many physical and temporal factors. To transcribe the
"data fog", he implements solutions innovative and improbable technical
solutions that go so far as to micro-perforating the canvas. He also knows how
to paint as a meditative process. And so, applying his subtle glazes,
illuminating the back of the canvas with colour, the painter proceeds by
successive ‘mise en abîme’, discards and imperceptible shifts. In the end, the
painting imposes itself with a kind of sovereign and, yes, joyful clarity.
Yves Randaxhe, July 2024
Jérôme Bouchard would like to thank Pierre Hallot, Professor and geomatician at
the University of Liège, Bryan Stepien and Amélie Dor (Relab, Liège) and
Technifutur (Seraing) for their invaluable support.
1 Carl Einstein, (Engravings by Hercule Seghers, in Documents: doctrines,
archaeology, fine arts, ethnography, 1929, (p. 291-297).
Mini Bio
Jérôme Bouchard (1977) was born in Saint-Félicien, Quebec, Canada, and lives and
works in Brussels. His work can be found in public and private collections
including the Montreal Museum of Fine Arts, the Musée national des beaux-arts de
Québec, the Musée d'art contemporain de Montréal, the Musée d'art contemporain
de Joliette, the Hydro-Québec collection and the HBC New York collection. He has
taken part in numerous artists' residencies, including TOKAS in Japan, the
Boghossian Foundation (Villa Empain), RAVI (Liège) and the Cité internationale
des Arts in Paris.
********** Français **********
« on n’y voit rien : tout de suite »
(une exposition de Jérôme Bouchard à la galerie Michèle Schoonjans)
Par quelle antiphrase – ou par quelle ironie ? - un artiste visuel en vient-il à
annoncer au regardeur, en exergue de son exposition, que « l’on n’y voit rien »
?
Certes, s’interroger (et nous avec) sur ce que montre vraiment l’image - quitte
à nous rappeler sans relâche que « ceci n’est [toujours] pas une pipe » - a été
et reste « la grande affaire » de la peinture moderne. Celle de Bouchard n’y
fait pas exception, mais chez lui, cette question-là n’est pas seulement le
sous-texte de sa pratique : elle se trouve intégrée à la matière de l’œuvre,
dans la stratification-même qui la compose.
Expliquons-nous. Au départ de sa peinture, il y a souvent un « nuage de points »
, soit la traduction graphique de l’analyse d’un site donné générée par
l’appareillage géomatique désigné par l’acronyme LIDAR (Light Detection &
Ranging). Malgré la métaphore nébuleuse qui devrait nous mettre la puce à
l’oreille, l’instrument, incontournable aujourd’hui dans la prise de décision en
matière de gestion du territoire, est donc supposé produire une vision objective
de notre environnement. Même si certaines particularités de celui-ci - friches,
cours d’eau, etc. - finissent par induire des trous, des imprécisions, des «
traînées de données ». C’est par là que le peintre s’engouffre, reprend la main
. Car sans lui, en somme, on n’y voit rien, on ne perçoit rien de l’expérience
sensible du pays, c’est-à-dire du paysage. Si bien que l’on pourrait
paraphraser, à propos du LIDAR la citation célèbre de l’historien de l’art Ernst
Gombrich : « the innocent eye is a myth... » .
On n’y voit rien : c’est à un autre historien de l’art, Daniel Arasse, que
remonte cette courte phrase, titre d’un ouvrage qui nous invite ou nous enjoint,
pour enfin « voir quelque chose », à revenir à l’œuvre d’art plutôt qu’à ses
commentaires - d’où le sous-titre de Descriptions. Décrire, ici, n’est pas le
plus simple, tant Bouchard s’entend à cultiver l’indistinct. On dirait un
paysage : il y a des cieux, des nuées, des élans végétaux, des coulures de boue,
des vedute spectrales. On croirait revoir les paysages romantiques au marc de
café de Victor Hugo ou les paysages déchiquetés du baroque Hercule Seghers : «
De la lave, de la boue, des arbres comme des chiffons et des éboulis de galets.
1» Mais à la différence de ces deux glorieux ascendants, Bouchard ne compose pas
de paysage imaginaire – bien au contraire : non seulement beaucoup de ceux-ci
procèdent de synthèses informatiques indiscutables, mais ils manifestent leur
enracinement dans le temps et l’espace – et Bouchard en assure la double
stratigraphie, lui, le Canadien déraciné vivant en Belgique. Chacune de ces
captations porte sur un espace identifié, proche des lieux où il a vécu. Pour
support, il choisit la toile de lin belge, porteuse, jusque dans ses
caractéristiques physiques, de l’histoire longue de la peinture occidentale, née
ici-même. Van Eyck, son père fondateur, nous a appris comment elle permettait
d’ancrer la métaphysique dans l’ici et le maintenant ; à l’autre bout de
l’histoire, comme symétriquement, le peintre de l’anthropocène fait face à un
autre « défi à la représentation », comme le dit Bouchard : figurer l’impact de
l’activité industrielle qui définit son époque, sur les êtres humains et les
environnements. Comment la peinture peut-elle nous faire voir cela ?
Si celle de Bouchard intègre le temps long de la géologie, elle postule aussi
minutie et lenteur. Le regardeur ne gagnera rien sans la même disposition, car «
on n’y voit rien tout de suite », précise le peintre. « L’art est long »,
disait-on autrefois : dans le faire comme dans la contemplation. Chez Bouchard,
la question du « faire » est centrale, dès lors qu’il s’agit de réconcilier,
dans l’œuvre, tant de données physiques et temporelles. Si, pour transcrire le «
brouillard de données », il met en place des solutions techniques innovantes et
improbables qui iront jusqu’à micro-perforer la toile, il sait aussi pratiquer
la peinture comme un processus méditatif. Et ainsi, apposant ses glacis subtils,
éclairant de couleurs jusque l’envers de la toile, le peintre procède par mises
en abîme successives, défaussements, glissements imperceptibles. Pour qu’à la
fin la peinture s’impose avec une sorte d’évidence souveraine et, oui !,
joyeuse.
Yves Randaxhe, juillet 2024
Jérôme Bouchard tient à remercier pour leur très précieuse collaboration M.
Pierre Hallot, professeur et géomaticien à l’Université de Liège, M. Bryan
Stepien et Mme Amélie Dor (Relab, Liège) ainsi que l’asbl Technifutur (Seraing).
1 Carl Einstein, (Gravures d’Hercule Seghers, dans Documents : doctrines,
archéologie, beaux-arts, ethnographie, 1929, (p. 291-297).
Mini Bio
Jérôme Bouchard (1977) est originaire de Saint-Félicien (Québec, Canada), il vit
et travaille à Bruxelles. Son travail fait partie de collections publiques et
privées telles que le Musée des beaux-arts de Montréal, le Musée national des
beaux-arts de Québec, le Musée d’art contemporain de Montréal, le Musée d’art
contemporain de Joliette, la collection Hydro-Québec ainsi que la collection HBC
New York. Il a participé à de nombreuses résidences d’artistes dont le TOKAS au
Japon, la Fondation Boghossian (Villa Empain), le RAVI (Liège), la Cité
internationale des Arts à Paris.
********** Nederlands **********
Met welke antifrase - of welke ironie? - kondigt een beeldend kunstenaar de
toeschouwer bij de opening van zijn of haar tentoonstelling aan dat "je niets
kunt zien"?
Natuurlijk is en blijft het bevragen (en onszelf) van wat het beeld werkelijk
laat zien - zelfs als dat betekent dat we er voortdurend aan herinnerd moeten
worden aan Magritte schilderij “ceci n’est pas une pipe” van de moderne
schilderkunst. Het schilderij van Bouchard vormt daarop geen uitzondering, maar
in zijn geval is deze vraag niet slechts een subtekst van zijn praktijk: hij is
geïntegreerd in het materiaal van het werk, in de gelaagdheid waaruit het is
opgebouwd.
Ik zal het uitleggen. Zijn schilderijen beginnen vaak met een 'puntenwolk', de
grafische vertaling van de analyse van een bepaalde locatie die wordt
gegenereerd door de geomatica-apparatuur die bekend staat onder het acroniem
LIDAR (Light Detection & Ranging). Ondanks de nevelige metafoor die ons zou
moeten waarschuwen, wordt dit instrument, dat tegenwoordig onmisbaar is in de
besluitvorming over landbeheer, verondersteld een objectieve visie van onze
omgeving te produceren. Zelfs als bepaalde kenmerken van onze omgeving -
braakliggende terreinen, waterlopen, enz. - uiteindelijk leiden tot hiaten,
onnauwkeurigheden en “datasporen”.
Dit is waar de schilder tussenbeide komt en het overneemt. Want zonder hem,
kortom, zien we niets, nemen we niets waar van de gevoelige ervaring van het
land, dat wil zeggen van het landschap. Zozeer zelfs dat we de beroemde
uitspraak van kunsthistoricus Ernst Gombrich over LIDAR zouden kunnen
parafraseren: “het onschuldige oog is een mythe...”.
Deze korte zin, de titel van een werk dat ons uitnodigt om terug te keren naar
het kunstwerk in plaats van naar de commentaren, als we eindelijk “iets willen
zien”, is afkomstig van een andere kunsthistoricus, Daniel Arasse - vandaar de
ondertitel Descriptions. Beschrijven is hier niet het gemakkelijkste, gezien
Bouchard voorliefde voor het cultiveren van het onduidelijke. Het ziet eruit als
een landschap: er zijn luchten, wolken, vegetatie, modderstromen, spectrale
sterren. Het is alsof je teruggaat naar Victor Hugo's romantische landschappen,
of naar de grillige landschappen van barokkunstenaar Hercule Seghers: “Lava,
modder, bomen als vodden en kiezelstenen.1”
Maar in tegenstelling tot deze twee glorieuze voorouders componeert Bouchard
geen imaginaire landschappen - integendeel: veel van deze opnames zijn niet
alleen het product van onbetwistbare computersyntheses, maar ze zijn ook
geworteld in tijd en ruimte - en Bouchard, de ontwortelde Canadees die in België
woont, is verantwoordelijk voor hun dubbele stratigrafie. Elk van deze opnames
focust op een geïdentificeerde ruimte, dicht bij de plaatsen waar hij heeft
gewoond. Als drager koos hij Belgisch linnen doek, dat tot in zijn fysieke
kenmerken de lange geschiedenis van de westerse schilderkunst draagt, die hier
is ontstaan. Van Eyck, de grondlegger ervan, leerde ons hoe het metafysica kon
verankeren in het hier en nu; aan de andere kant van de geschiedenis, als
symmetrisch, wordt de schilder van het Antropoceen geconfronteerd met een andere
“uitdaging aan de representatie”, zoals Bouchard het uitdrukt: het in kaart
brengen van de impact van de industriële activiteit die zijn tijdperk bepaalt,
op mens en milieu. Hoe kan de schilderkunst ons dit laten zien?
Hoewel Bouchard werk het lange tijdsbestek van de geologie bevat, is het ook
nauwgezet en langzaam. De kijker zal niets winnen zonder dezelfde houding, want
“je ziet niets meteen”, zegt de schilder. Vroeger werd gezegd dat “kunst veel
tijd kost”, zowel in het doen als in het beschouwen.
In het werk van Bouchard staat de vraag naar “doen” centraal om zoveel fysieke
en tijdelijke elementen met elkaar te verzoenen. Om de “mist van gegevens” te
transcriberen, gebruikt hij innovatieve en onwaarschijnlijke technische
oplossingen die zo ver gaan dat hij het doek microperforeert, maar hij weet ook
hoe hij schilderen als een meditatief proces kan gebruiken. En zo, terwijl hij
zijn subtiele glazuren aanbrengt, de achterkant van het doek verlicht met kleur,
gaat de schilder verder met opeenvolgende mise en abîme, ongedaanmakingen,
onmerkbare verschuivingen. Uiteindelijk dringt het schilderij zich op met een
soort soevereine en, ja, vreugdevolle helderheid.
Yves Randaxhe, Juli 2024
Jérôme Bouchard bedankt Pierre Hallot, Professor en geomatoloog aan de
Universiteit van Luik, Bryan Stepien en Amélie Dor (Relab, Luik) en Technifutur
(Seraing) voor hun onschatbare steun.
1 Carl Einstein, (Engravings by Hercule Seghers, in Documents: doctrines,
archaeology, fine arts, ethnography, 1929, (p. 291-297).
Mini Biografie
Jérôme Bouchard (1977) werd geboren in Saint-Félicien, Quebec, Canada, en woont
en werkt in Brussel. Zijn werk bevindt zich in openbare en privécollecties
waaronder het Montreal Museum of Fine Arts, het Musée National des Beaux-Arts de
Québec, het Musée d’Art Contemporain de Montréal, het Musée d’Art Contemporain
de Joliette, de Hydro-Québec Collectie en de HBC New York Collectie. Hij heeft
deelgenomen aan talrijke kunstenaarsresidenties, waaronder TOKAS in Japan, de
Boghossian Stichting (Villa Empain), RAVI (Luik) en de Cité internationale des
Arts in Parijs.
EXPOSITION
Quelque part entre glitch digital fantomatico-psyché, gravure et dédales de
plans superposés / symboles hallucinés, pour sa première exposition de la saison
le Sterput a le plaisir d’accueillir les artistes Ramon Keimig (Allemagne) et
Nico Fremz (France).
VERNISSAGE & WORKSHOP
► Jeudi 5 septembre 18h-21h :
Vernissage en présence des artistes et sortie du livre de l'exposition.
► Samedi 7 septembre 15h-17h :
Workshop expo « Tarot glitché : Dessin et collage en photocopie »
https://www.facebook.com/share/tnPegP1SmiYDj5Ka/
Inscriptions : info@sterput.org
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RAMON KEIMIG
Ramon Keimig vit et travaille en Allemagne. Son travail, très proche de la
culture DIY, trouve ses racines dans la gravure et le dessin. Il utilise de
l'encre et des crayons sur papier, qu'il combine avec des dessins créés
numériquement. Il modifie les éléments dessinés à la main à l'aide de programmes
d'imagerie numérique et de dessin ou les reproduit à la photocopieuse, à
l'imprimante laser et au scanner. Il prend pour thème la fragilité technique et
incorpore des perturbations aléatoires comme nouveaux éléments dans les
compositions. Inspirés par l'esthétique de la photocopie des années 1970 et
1980, ses motifs rendent hommage à la culture cassette, aux bandes dessinées
underground et aux prospectus de concerts.
ramonkeimig.de
instagram.com/ramon_keimig/
NICO FREMZ
Nicolas Fremion est né en 1983 à Grenoble. Il vit et travaille entre l’Ardèche
et la région parisienne. Privilégiant le petit format, à quelques exceptions
près, il pratique un dessin noir et blanc, extrêmement fouillé, saturé de motifs
et de symboles. Ses compositions, souvent inspirées de l'art traditionnel
asiatique (notamment des traditions chinoise, coréenne, japonaise, et plus
récemment vietnamienne) se sont étoffées au fil des années, devenant un savant
étagement de plans, entrelacs d'évènements hallucinés, agencés dans une
perspective cavalière au cordeau. Dans ce déferlement d'architectures, de
textures, de signes ésotériques, toute empathie avec les personnages représentés
est exclue. Extrêmement codifiées et loufoques, les représentations de la
violence et du chaos qui y figurent, voient leur charge émotionnelle annulée,
par le minutieux dépliage cathartique s’étalant sur le papier.
instagram.com/nicofremz/
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