Sensing the Buddha

Description


********** English **********

The iconic Buddha figure is well-known in Western society. Often seen as a decorative element in homes and gardens, as a symbol of ‘zen’ or of an idealized vision of Asia, Buddha holds multitude meanings. But are they truly understood? What are the true meanings and stories behind the images associated with the Buddha? What spirituality resides in the artworks and how do Buddhists view them? To answer these questions, the exhibition features a participatory scenography; providing a visitor experience where art meets sensibility.

"Sensing the Buddha" at Mariemont showcases nearly a hundred artefacts from the museum’s collections. This exceptional selection spans across Asia, including India, China, Japan, Myanmar, Thailand, and the Himalayas. It is a unique opportunity to explore the diversity of Buddhist iconography and gain a fresh perspective on Buddha.

The works on display are made of bronze, ivory, wood, or lapis lazuli, and they emit a strong sense of presence and fascination. Raoul Warocqué -founder of the Royal Museum of Mariemont- played a significant role in establishing the Buddhist art collection as one of the cornerstones of his collection. With this exhibition, Mariemont uncovers pieces that have not been publicly seen for nearly 65 years. As the collection was put in storage after the 1960 fire at the Chateau de Mariemont, previously unknown treasures are now unveiled, with some items specially restored for the event. Additionally, rarely seen thangkas (Buddhist paintings) from the Léon Verbert collection, on loan from the Royal Museums of Art and History, are also presented.

The Museum encourages a deeper exploration of Buddha, inviting to come closer, pause, and observe. Offer a gift in the form of origami. Feel a connection within the visual atmosphere of a sanctuary. Reflect on and explore the practices, meditation and gestures of Buddhism.

"Sensing the Buddha" is more than an exhibition. It is a singular encounter with Buddhist art, an original experience combining history, art and sensibility.


********** Français **********

L’iconique Bouddha n’est pas étranger à la société occidentale. Simple élément de décoration dans les foyers ou jardins, symbole de « zenitude » ou d’une Asie idéalisée, nombreuses sont les significations qui lui sont attribuées. Mais que savons-nous réellement des images liées à cette figure fascinante ? Quelles histoires racontent-elles ? Quelle part de spiritualité réside dans ces œuvres ? Comment les bouddhistes les conçoivent-ils ? Pour tenter de répondre à ces questions, l’exposition propose un dispositif scénographique participatif ; une expérience de visite dans laquelle l’art rencontre le sensible.

Avec « Bouddha. L’expérience du Sensible », Mariemont expose près d’une centaine de pièces issues de ses propres collections. Une sélection exceptionnelle provenant de toute l’Asie : d’Inde, de Chine, du Japon, de Myanmar, de Thaïlande ou encore de l’Himalaya. Une occasion unique d’explorer l’iconographie bouddhiste dans toute sa diversité et de brosser un portrait renouvelé de Bouddha.

Qu’elles soient faites de bronze, d’ivoire, de bois ou en lapis lazuli, les œuvres exposées hébergent une présence et fascinent. Le fondateur des collections du Musée royal de Mariemont, Raoul Warocqué, y a largement contribué, faisant de la collection d’art bouddhique l’une des pierres angulaires de sa collection. Par le biais de cette exposition, Mariemont présente des pièces qui n’ont plus été vues depuis près de 65 ans. Mise en réserve après l'incendie du Château de Mariemont en 1960, cette collection dévoile aujourd’hui ses trésors méconnus, dont certains ont été spécialement restaurés pour l’occasion. L’exposition offre également une rare opportunité d’admirer des thangkas (peintures bouddhiques) de la collection Léon Verbert, prêtés par les Musées royaux d’Art et d’Histoire.

Au détour des nombreuses œuvres présentées, il s’agit de poser un regard. De se rapprocher, de s’arrêter et d’observer. De partir à la rencontre d’un Bouddha, exposé à quelques centimètres de soi. De lui faire un don sous la forme d’un origami. D’entrer en résonnance dans une ambiance visuelle de sanctuaire. D’interroger les pratiques, la méditation, les gestes du bouddhisme.


Plus qu’une exposition, « Bouddha. L’expérience du Sensible » se veut une découverte mais aussi une immersion, un moment de vie. Une rencontre unique avec l’art bouddhique qui offre au public une opportunité originale et singulière d’allier histoire, art et sensible.


********** Nederlands **********

De iconische Boeddha is geen onbekende in de westerse samenleving. Een eenvoudig decoratief element in huizen en tuinen, een symbool van 'zenitude' of van een geïdealiseerd Azië, Boeddha heeft vele betekenissen. Maar wat weten we eigenlijk over de beelden die geassocieerd worden met deze fascinerende figuur? Welke verhalen vertellen ze? Hoeveel spiritualiteit schuilt er in deze werken? Hoe kijken boeddhisten ernaar? Om deze vragen te beantwoorden, biedt de tentoonstelling een participerende scenografie, een ervaring waarin kunst en zintuigen elkaar ontmoeten.

Met "Boeddha. Zin en Zintuiglijkheid" toont Mariemont bijna honderd stukken uit eigen collecties. Een bijzondere selectie uit heel Azië, waaronder India, China, Japan, Myanmar, Thailand en de Himalaya. Het is een unieke kans om de boeddhistische iconografie in al haar diversiteit te verkennen en een nieuw portret van Boeddha te schilderen.

Of ze nu gemaakt zijn van brons, ivoor, hout of lapis lazuli, de tentoongestelde werken stralen aanwezigheid en fascinatie uit. Raoul Warocqué, de stichter van de collecties van het Koninklijk Museum van Mariemont, heeft hier een belangrijke bijdrage aan geleverd door de boeddhistische kunstcollectie tot een van de hoekstenen van zijn collectie te maken. Met deze tentoonstelling presenteert Mariemont stukken die al bijna 65 jaar niet meer getoond zijn geweest. De collectie werd opgeslagen nadat het kasteel van Mariemont in 1960 afbrandde en onthult nu zijn weinig bekende schatten, waarvan sommige speciaal voor de gelegenheid zijn gerestaureerd. De tentoonstelling biedt ook een zeldzame kans om thangka's (boeddhistische schilderijen) uit de collectie Léon Verbert te bewonderen, uitgeleend door de Koninklijke Musea voor Kunst en Geschiedenis.

Het publiek wordt uitgenodigd om een blik te werpen op de tentoongestelde werken. Om dichterbij te komen, stil te staan en te observeren. Om een Boeddha te ontmoeten, die slechts een paar centimeter verwijderd is. Om hem een geschenk geven in de vorm van origami. Om te resoneren met de visuele sfeer van een heiligdom. Om de praktijken, meditatie en gebaren van het boeddhisme in vraag stellen.


"Boeddha. Zin en Zintuiglijkheid" is meer dan een 'gewone' tentoonstelling, het is een unieke ontmoeting met boeddhistische kunst, die het publiek een originele en unieke kans biedt om geschiedenis, kunst en emotie te combineren.

Information sur la date

10:00:00 - 17:00:00

Billets

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********** English ********** Capsule exhibit  The Museum holds prints highlighting the various aspects of the city. For several years now, our team has been engaged in a massive project to inventory them. Our collections currently comprise 1500 prints, the oldest one dating back to the 16th century, and the most recent one barely a few years old. A print is an image printed using a matrix with the image in relief. Prints offer a valuable window onto their era. They are generally documentary in nature, but may also be artistic, allegorical, religious or satirical. Thanks to their precision and attention to detail, these works offer valuable historical information while also attesting to the technical and artistic skill of their creators. The Museum invites you to discover a selection of this varied and fascinating graphical heritage. Practical information Access to the Parenthesis Space is included with the entry ticket ********** Français ********** Le Musée conserve des estampes illustrant la ville sous ses différents aspects. Depuis plusieurs années, notre équipe mène une vaste campagne d’inventaire. A ce jour, nos collections comptent 1.500 estampes. La plus ancienne date du 16e et la plus récente de quelques années à peine. Une estampe est une image imprimée au moyen d'une matrice traitée en relief. Elles représentent une fenêtre précieuse sur leur époque. Principalement documentaires, elles peuvent également être artistiques, allégoriques, religieuses ou satiriques. Par leur précision et leur souci du détail, ces œuvres fournissent de précieuses informations historiques tout en témoignant du savoir-faire technique et artistique de leurs créateurs. Le Musée vous invite à découvrir une sélection de ce patrimoine graphique varié et fascinant. Informations pratiques •L’accès à l’Espace Parenthèse est compris dans le ticket d’entrée •Mardi 01 et jeudi 03.10 à 12h30 : visites Midis bruxellois •Jeudi 03.10.24 à 18h30 : Jeudi de l’Histoire : Disparu et oublié ? L'estampe s'en souvient ! ********** Nederlands ********** Capsule-tentoonstelling Het Museum heeft prenten die de stad belichten in al haar verschillende aspecten. Ons team is die al een aantal jaar aan het inventariseren. Zo telt de collectie momenteel 1.500 prenten. De oudste dateert van de 16e eeuw, terwijl de meest recente maar een paar jaar oud is. Prenten zijn afbeeldingen die worden afgedrukt met behulp van een matrix met de afbeelding in reliëf. Ze bieden een waardevolle kijk op hun tijdperk. Al leren ze ons niet alleen iets bij, maar kunnen ze ook artistiek, allegorisch, religieus of satirisch zijn. Door hun precisie en oog voor detail bieden deze werken waardevolle historische informatie en getuigen ze van de technische en artistieke vaardigheden van hun makers. Het Museum nodigt u uit om een selectie van dit gevarieerde en fascinerende grafische erfgoed te ontdekken. Toegang tot Tussen haakjes is inbegrepen in het museumticket. Dinsdag 01.10 en donderdag 03.10 om 12.30 uur: Broodje Brussel  Donderdag 03.10.24 om 18.30 uur: Geschiedenis op donderdag: Verdwenen en vergeten? De prent onthoudt!
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********** English ********** Thu-Van Tran draws on literature, history, and nature to explore the question of exile and the mutation of beings and languages in the wake of colonial narratives. 'Write as the Beasts Cry at Night' unfolds in La Loge like an open book, a palimpsest where Marguerite Duras' aura intersects with legendary, intimate writings. Through tracing, imprinting, and fragmenting, the artist focuses on what her chosen materials represent, searching for recollections she can extract. Thu-Van Tran scrutinises contaminated memories, the processes of disappearance and reappearance, and buried violence to sketch out a new imaginar—a possible liberation. ********** Français ********** Thu-Van Tran puise dansla littérature, l’histoire et la nature afin d’explorer la question de l’exil, les mutations des êtres et des langues au gré des récits coloniaux. 'Write as the Beasts Cry at Night' se déploie dans La Loge comme un livre ouvert, un palimpseste où l’aura de Marguerite Duras croise des écrits légendaires et intimes. Par son usage de la trace, de l’empreinte et du fragment, l’artiste se concentre sur la charge des matières qu’elle choisit, en quête des réminiscences qu’elle pourra dégager. Thu-Van Tran scrute la mémoire contaminée, les processus de disparition et de réapparition, les violences enfouies pour esquisser un nouvel imaginaire, une possible délivrance. ********** Nederlands ********** Thu-Van Tran vindt inspiratie in de literatuur, geschiedenis en natuur om thema’s zoals ballingschap en de mutatie van levende wezens en talen te verkennen aan dehand van koloniale verhalen. Write as the Beasts Cry at Night ontvouwt zich in La Loge als een open boek, een palimpsest waar de aura van Marguerite Duras legendarische en intieme geschriften kruist. Door haar gebruik van sporen, afdrukken en fragmenten focust de kunstenares op de lading van de materialen die ze kiest, op zoek naar herinneringen die ze kan losmaken. Thu-Van Tran doorgrondt het aangetaste geheugen, de processen van verdwijnen en opnieuw verschijnen en het verborgen geweld om zo een nieuwe verbeelding en een mogelijke bevrijding te schetsen.
********** English ********** While some of her drawings involve pencil and paper, many of them are unbound from the confines of the page and exist as embroideries, sewn leather, bleached fabric, and even objects. For Jotta, to draw is to draw out—in the sense of demonstrating, discovering, or fleshing out the potential connections that lie dormant between disparate images and references. In her hands, to draw is also to draw from—to take, to appropriate, and to extract from the world. And yet even the simple act of drawing a line, in its most basic sense, is about creating links and forging associations and serves as an apt metaphor for her process more generally. The artist expands the language of drawing by inventing a field where sketches, stitches, scribbles, silhouettes, scratches, and scissors contribute to an ecosystem of overlapping gestures. They mirror her approach as an artist and embody her disregard for the categories and boundaries that traditionally separate aesthetic registers—including the line between art and life. ABOUT THE ARTIST Ana Jotta (b.1946, Lisbon) has built a body of work that challenges notions of authorship and that obscures the line between art and life. From the late 1970s until the late 1980s, she worked in theatre both as an actress and costume and stage designer. On the side, she started her practice as an artist working across all media. She has had monographic exhibitions at Kunsthalle Zurich (2024), Wattis Institute, San Francisco (2023), Casa São Roque - Centro de Arte, Porto (2019), Temporary Gallery, Cologne (2018), Établissement d'en face, Brussels (2016), Le Crédac, Ivry-sur-Seine (2016), and Culturgest, Porto (2016). A first retrospective of her work was presented at the Serralves Museum in Porto in 2005 and a second one at Culturgest, in Lisbon, in 2014. She lives and works in Lisbon. ********** Français ********** Si certains de ses dessins sont au crayon, sur papier, de nombreux autres, affranchis des confins de la page, existent en tant que broderies, cuir cousu, tissu décoloré, objets variés. Pour Jotta, dessiner, c’est révéler – démontrer, découvrir ou étoffer les potentielles connexions en dormance entre diverses images et références. Pour elle, dessiner c’est aussi puiser – saisir, s’approprier, extraire du monde. Mais le simple acte consistant à tracer un trait, de la façon la plus élémentaire qui soit, est une manière de créer des liens, de mettre en rapport, et représente une métaphore appropriée de l’ensemble de sa pratique. Jotta enrichit le langage du dessin en inventant un champ où esquisses, points de couture, gribouillis, silhouettes, griffures et ciseaux contribuent à un écosystème de gestes qui se recoupent. Ils reflètent son approche artistique et incarnent son indifférence à l’égard des catégories et des frontières qui délimitent traditionnellement les registres esthétiques – notamment la distinction entre l’art et la vie. À PROPOS DE L’ARTISTE Ana Jotta (née en 1946 à Lisbonne) a créé un corpus d’œuvres qui défie la notion d’autorialité et brouille la frontière entre l’art et la vie. De la fin des années 1970 à la fin des années 1980, elle travaille dans le théâtre, à la fois comme comédienne, costumière et scénographe. Elle développe parallèlement sa pratique artistique pluridisciplinaire. Elle a fait l’objet d’expositions monographiques au Kunsthalle, Zurich (2024) ; au Wattis Institute, San Francisco (2023) ; à la Casa São Roque – Centro de Arte, Porto (2019) ; à la Temporary Gallery, Cologne (2018) ; à Établissement d’en face, Bruxelles (2016), au Cédrac, Ivry-sur-Seine (2016) et à Culturgest, Porto (2016). Une première rétrospective de son œuvre a été présentée au Serralves Musem, Porto, en 2005 ; une deuxième au Culturgest, Lisbonne (2014). Elle vit et travaille à Lisbonne. ********** Nederlands ********** Sommige tekeningen zijn gemaakt met potlood en papier, maar andere - zoals borduurwerk, genaaid leer, gebleekte stof en zelfs voorwerpen – gehoorzamen niet aan de beperkingen van het blad. Voor Jotta is tekenen altijd buiten de lijntjes kleuren, een kwestie van potentiële verbanden tussen ogenschijnlijk losstaande beelden en verwijzingen blootleggen, verkennen of gestalte geven. Al tekenend eigent ze zich ook toe – ze pakt van, put uit en ontleent aan de wereld. En toch gaat zelfs het tekenen van een simpele lijn over verbanden leggen en associaties creëren, en dient het als treffende metafoor voor haar werkwijze. De kunstenares verrijkt de taal van het tekenen door een veld uit te vinden waarin schetsen, steken, krabbels, krassen, silhouetten en scharen een ecosysteem van overlappende gebaren vormen. Ze weerspiegelen haar benadering als kunstenares en belichamen haar onverschilligheid voor de traditionele categorieën en grenzen die esthetische registers onderscheiden – inclusief de grens tussen kunst en leven. OVER DE KUNSTENARES Ana Jotta (1946, Lissabon) creëerde een oeuvre waarin ideeën rond auteurschap bevraagd worden en het onderscheid tussen kunst en leven vervaagt. Van eind jaren 70 tot eind jaren 80 werkte ze in het theater als actrice en als kostuum- en podiumontwerpster. Daarnaast ging ze als kunstenares aan de slag binnen alle denkbare media. Er waren monografische tentoonstellingen van haar werk te zien in Kunsthalle Zurich (2024), Wattis Institute in San Francisco (2023), Casa São Roque - Centro de Arte in Porto (2019), Temporary Gallery in Keulen (2018), Établissement d'en face in Brussel (2016), Le Crédac in Ivry-sur-Seine (2016) en Culturgest in Porto (2016). Haar eerste overzichtstentoonstelling opende in 2005 in het museum van Serralves (Porto), een tweede in 2014 in Culturgest (Lissabon). Ze woont en werkt in Lissabon.