No area of Belgium has undergone such a radical process of transformation as the
North Sea coast. This transformation is a story of demolition, construction,
reconstruction in an effort to withstand the elements and respond to the
challenges of the economy, transport, fishing, and above all tourism.
Ecological, economic and industrial challenges meet here with the amazement or
admiration of visitors, the carefreeness of tourists, and the nostalgia of old
settlers. In the rhythm of the tides, everything is connected by an endless
tide, on a unique background where the border between the sea and the sky blurs.
Vernissage (s')empouvoirer | Photographie
Description
📷 C'est le vendredi vendredi 19 janvier à partir de 18h que se tiendra le vernissage de l'exposition collective (s')empouvoirer, organisée dans le cadre du PhotoBrussels Festival : 250 artistes, 50 lieux, du 25 janvier au 25 février 2024. Nocturne le 25 janvier. 📷📍 Les artistes rassemblées tournent l'objectif vers elles pour interroger leur rapport au corps, à la famille ou au domestique, pour affirmer leur identité, pour prendre leur place. Des sujets à la frontière de l’intime et du politique, du privé et du public. Ancrée dans les histoires de l’art et du féminisme, cette exposition explore l’action libératrice et émancipatrice de se représenter et, par des expériences partagées, de représenter celles qui sont invisibilisées. S’empouvoirer et empouvoirer.Avec Helene Amouzou, Anne De Gelas, France Dubois, Hanane El Farissi et Clyde Lepage.👉 Exposition du 19 janvier au 24 mars 2024👉 Entrée libre
Photographie
Information sur la date
Vendredi: de 18:00 à 23:00. Le 19 janvier
Lieu
Organisateur
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Événements suggérés
NL / De Elsense geologe Marie Anne Maniet toont een reeks foto’s over de
Maalbeekvallei. Met haar foto's wil ze de aanwezigheid van dit verdwenen water
en de vallei opnieuw laten voelen.
FR / La géologue ixelloise Marie Anne Maniet présente une série de photos sur la
vallée de Maelbeek. Avec ses photos, elle souhaite faire sentir à nouveau la
présence de cette eau évaporée et de la vallée.
Vernissage 27.04 18:00 Gratis/Gratuit
Expo: 27.04 > 31.05 Visits on weekdays 09:00-20:00
Exposition collective témoignant de la volonté des artistes à se
réapproprier le medium photographique lors de leur processus de
création.Nicolas Andry (BE), Pepe Atocha (PE), Sylvie Bonnot (FR), Aliki
Christoforou (BE), Dana Cojbuc(RO), Antoine De Winter (BE), Gundi Falk (AT),
Marina Font (AR), Lior Gal (IL), Audrey Guttman(BE), Romane Iskaria (FR),
Morvarid K (IR), Kíra Krász (HU), Douglas Mandry (CH), Alice Pallot(FR),
Raphaëlle Peria (FR), Luc Praet (BE), Anys Reimann (DE), St
********** English **********
Why…Not! is a quarterly photographic magazine, digital and printed, initiated by
the ASBL Cultures & Publics.
The magazine engages in co-creation on the subjects of Utopia, the urban
landscape, the night, the body... And more generally on the impact of the
photographic and literary medium in the construction of aesthetic and social
relationships.
With the release of No. 1, la Maison Commune presents an exquisite corpse of
works around the theme “Siphoning minds”.
Come discover the work of our contributors from Monday April 18 at 6 p.m. !
The exhibition, visible until May 7, will end with an evening of artistic and
literary performances on from 6 p.m. to 10 p.m.
********** Français **********
Why…Not! est une revue photographique trimestrielle, numérique et imprimée,
initiée par l’ASBL Cultures & Publics.
Projet protéiforme, la revue s’engage dans une co-création sur les sujets de
l’Utopie, le paysage urbain, la nuit, le corps… Et plus globalement sur l’impact
du médium photographique et littéraire dans la construction du lien esthétique
et social.
À l’occasion de la sortie du n°1, la Maison Commune, lieu d’occupation de
Cultures & Publics, présente un cadavre exquis d’oeuvres autour du thème
« Siphonner les esprits ».
Venez découvrir le travail de nos contributeurs à partir du lundi 18 avril à 18h
!
L’exposition, visible jusqu’au 7 mai, se terminera sur une soirée de
performances artistiques et littéraires de 18h à 22h.
NL/ Op 25 april 1974 maakte een vreedzame staatsgreep die uitgroeide tot een
volksrevolutie een einde aan de dictatuur in Portugal en de koloniale oorlogen
in Afrika. Kom de geschiedenis van de Portugese democratische transitie en het
einde van de kolonisatie ontdekken via de tentoonstelling De Anjerrevolutie
gezien vanuit België.
FR/ Le 25 avril 1974 un coup d’état pacifique devenu révolution populaire, a mis
fin à la dictature au Portugal et aux guerres coloniales en Afrique. Nous vous
invitons à découvrir l’histoire de la transition démocratique du Portugal et de
la fin de la colonisation à travers de l’exposition 'La Révolution des illets
vue de Belgique'.
EXPO 16.04>31.05 (visits weekdays 9:00-20:00)
VERNISSAGE do/je 18.04 (19:00-23:00) - gratis/gratuit
+ 20:30 concert Ensemble 'A alma e o vento' (liederen die de strijd en het
verzet van de Portugezen tegen de dictatuur illustreren / des chansons qui
illustrent la lutte et la résistance des portugais à la dictature)
Org. Federação Associações Portuguesas Bélgica
L’humanité, dans toute sa splendeur et sa complexité, est un chef-d’œuvre
d’imperfections qui se tissent harmonieusement pour former une perfection
singulière. C’est dans la nature même de l’Homme d’être imparfait, de porter en
lui des fissures et des failles qui, loin d’être des défauts, sont les fils
invisibles tissant la trame de sa grandeur.
L’ambition de cette exposition est dans un premier temps de rendre hommage à des
blessures qui ont tracées la vie de ces différents portraits, tout en faisant un
parallèle avec le Kintsugi. Cet art japonais ancestral qui invite à réparer un
objet cassé en soulignant ses cicatrices de poudre d’or, au lieu de les cacher.
Réparé, consolidé, embelli, il porte fièrement ses blessures, et il devient.
Paradoxalement d’autant plus précieux qu’il a été brisé…
En fin de compte, c’est la fragilité de l’humanité qui la rend riche et
éternellement fascinante. Les imperfections ne sont pas des obstacles à la
perfection, mais plutôt les éléments qui la définissent. C’est dans la danse
délicate entre lumière et ombre que l’Homme trouve sa véritable splendeur,
créant un chef-d’œuvre toujours en évolution, toujours inachevé, mais infiniment
inestimable.
D’origine marocaine et kabyle, Hinde Kebbache est née et a grandi à Bruxelles.
Petite, elle collectionnait de nombreux souvenirs : tickets de concerts, de
métros, objets trouvés… qui lui rappelaient un moment précis. Cet attrait
nostalgique de sa personnalité se traduit aujourd’hui à travers sa photographie
; cet art qui capture de manière immuable des instants uniques dans le temps.
Les photographies publiées dans l’ouvrage éponyme, présentées dans cette
exposition, ont été réalisées par Charles Paulicevich dans le cadre d’une
mission commanditée par la Centrale générale de la Fédération Générale du
Travail de Belgique.
Entre septembre 2021 et octobre 2022, il est parti à la rencontre de
travailleuses et travailleurs belges au sein d’une trentaine d’entreprises, avec
l’ambition de proposer une représentation actualisée du monde ouvrier. Ces
photographies, complétées par de nombreux témoignages de délégué.e.s
syndicaux.ales issu.e.s de différents secteurs d’activités, des métallos aux
titres-services, dresse un portrait collectif du monde du travail dans les
usines et sur les chantiers, tel qu’on ne le voit et le montre jamais.
Ces clichés racontent l’histoire de corps en action montrés ici avec le respect
et la dignité qu’ils méritent et les conditions de travail de celles et ceux qui
concurrent, parfois de façon invisible, à notre confort et à notre sécurité. Ces
corps sont fiers de ce qu’ils apportent à la collectivité avec toutes leurs
compétences et leur détermination.
—
✅Visite libre de l'exposition de 9h à 16h30, du 23 avril au 02 mai
The first joint exhibition of Hungarian artist, Árpád Forgó and Brussels-based
ceramic artist Abel Jallais takes place at the Front Gallery of Liszt Institute,
Brussels as an official off program of Art Brussels international contemporary
art fair.
At the exhibition, through unusual constellations, Forgó’s delicate shaped
canvas compositions get in dialogue with the monochrome ceramic objects of Abel
Jallais. Despite of working with different medium, their approach and processes
share several similarities. They create non-representational objects, which do
not intend to generate direct associations; the content of the work is its
colour, shape, texture, size and scale.
Both artists developed his own basic forms, from which they build the artworks:
Jallais is using additions, cut-outs and repetition in his “Bonbonne” series;
Forgó is applying different reflection methods, as well as shifting. They create
simple and visually controllable pieces that need to be observed and discovered.
Árpád Forgó works with basic geometric forms and through isometric
transformations; he builds shaped canvas compositions, visualising structures,
shapes, measurements and rhythm, as well as planar and spatial relationships. He
developed shaped canvas modules in order to build block-like or hollow,
symmetrical or asymmetrical compositions. In the recent years, he experiments
intensively with different compound painting processes in order to challenge the
viewer’s perception not only by the structure but also by the material.
Abel Jallais has an attraction to facing unknown objects; therefore, he peals
off the functional territories of the archaic objects and transforms them into a
free form of interpretation. They become a fictional territory again to explore,
offering the opportunity to the passive user to open a new dialogue with the
form. Sighing with the eyes, turning around, manipulating to return to a
primitive form of primitive apprehension. His practice moves in this interstice.
The fictional sense becomes the functional sense.
Both artists work with traditional materials, aiming for industrial perfection,
still keeping the craftsmanship of the process.
Árpád Forgó is a Budapest-based artist. After graduating, he soon started to
focus on geometric abstraction and made paintings with tactile feature. He has
always been interested in the periphery of painting and sculpture. Since 2015,
he creates shaped canvas works and modular compositions. He has exhibited
widely, including solos shows at Anya Tish Gallery in Houston; Schlieder
Contemporary in Frankfurt; Viltin Gallery, Budapest and Rómer Flóris Museum of
Art and History in Győr, Hungary. He has participated in group shows at Ludwig
Museum and Vasarely Museum in Budapest and the Museum Ritter in Waldenbuch,
Germany. Artist residency programs play an important role in the artist’s
career, he was invited to Norway, Australia, Spain, and several times to the
United States. For 2019-2020, he was awarded The Pollock-Krasner Foundation
grant.
Abel Jallais is a French-born ceramic artist living and working in Brussels.
After his studies at the College of Fine Arts in Angers, where he concentrated
on sculpture and drawing, he spent a year in Colombia, where he did an
internship at Campo de Gutierrez artist residency centre, where ceramics played
a major role. He had already been working with clay since his teenage years, and
this experience strengthened his desire to explore this material further. On his
return to Europe, he joined the master’s programme in ceramics at La Cambre
National College of Visual Arts in Brussels, graduating in 2018. Since then, he
has divided his time between his art practice at Espace Triphasé art studio and
his work as a teacher at the Brussels Art Academy and as a teaching assistant at
the ceramics department at La Cambre. His works have been exhibited at numerous
galleries and art spaces in Brussels, including Galerie Cohérent, Musée du
Cinquantenaire, Puls Ceramics Gallery and Espace La Vallée, as well as at
international ceramics platforms in Belgium, The Netherlands and France.
///
Curator: Gábor Pintér
********** English **********
CIVA is pleased to present the first monographic exhibition honoring the life,
work, and legacy of the Chinese-born Belgian architect Simone Guillissen-Hoa
(1916–96). A proponent of modernist architecture, Guillissen-Hoa was one of the
first women to establish her own architecture firm in Belgium. Her career and
personal life constantly defied the barriers and conventions of gender, race,
and religion.
Her life spanned the major events of the twentieth century, from the early onset
of the Chinese Revolution to the resistance in occupied Belgium and through
postwar reconstruction. In the 1950s, she was a member of the Soroptimist
Association, a women’s-rights advocacy organization, and in the 1970s, she
became involved in the creation of the International Union of Women Architects.
The exhibition both records her architectural projects and, through a wide array
of archival materials, presents her reflections on architecture, her battles and
more broadly, her professional and private life. By delving into
Guillissen-Hoa’s artistic circle, comprised of figures such as Léon Spilliaert,
Alfred Roth, Max Bill, Enrico Castellani, Tapta, Henry and Nele van de Velde,
the exhibition explores the influences and collaborations that shaped her
artistic and intellectual journey.
A newly commissioned film by artists Eva Giolo and Aglaia Konrad is central to
the exhibition, showcasing several of Guillissen-Hoa’s buildings and the
utilization, adaptation, and translation of modernist forms and concepts.
With works by: Max Bill, Enrico Castellani, Pierre Cordier, Jacques Dupuis, Eva
Giolo and Aglaia Konrad, Mayou Iserentant, Alfred Roth, Josine Souweine, Léon
Spilliaert, and Tapta.
An extensive public program on feminism and architecture is being developed in
collaboration with Apolline Vranken (researcher in residence at CIVA, 2023–24).
With talks by Véronique Boone, Beatriz Colomina, Bianca Felicori, Florencia
Fernández Cardoso, Jane Hall, Sol Pérez Martínez, Lucía C. Pérez Moreno,
Léa-Catherine Szacka and many more.
The exhibition marks the occasion of the donation of the Fonds Simone
Guillissen-Hoa to CIVA Collections, Brussels. Curators: Silvia Franceschini and
Yaron Pesztat
********** Français **********
Le CIVA a le plaisir de présenter la première exposition monographique consacrée
à la vie, à l'œuvre et à l'héritage de l'architecte belge d'origine chinoise
Simone Guillissen-Hoa (1916-1996). Promotrice de l'architecture moderniste, elle
a été l'une des premières femmes à créer son propre bureau d'architecture en
Belgique. Sa carrière et sa vie personnelle ont constamment défié les limites et
les conventions liées au genre, aux origines et à la religion.
Sa vie a traversé les événements majeurs du XXe siècle, des prémices de la
Révolution chinoise à la Reconstruction d'après-guerre, en passant par la
Résistance en Belgique occupée. Dans les années 1950, elle a été membre de
l'association Soroptimist, une organisation de défense des droits des femmes, et
dans les années 1970, elle a participé à la création de l'Union Internationale
des Femmes Architectes.
L'exposition présente tout à la fois ses projets architecturaux, ses réflexions
sur l'architecture, ses combats, ainsi que sa vie professionnelle et privée, et
ce, à travers un large éventail de documents d'archives. En pénétrant dans le
cercle artistique de Guillissen-Hoa, composé de personnalités telles que Léon
Spilliaert, Alfred Roth, Max Bill, Enrico Castellani, Tapta, Henry et Nele van
de Velde, l'exposition explore les influences et les collaborations qui ont
façonné son parcours artistique et intellectuel.
Au centre de l'exposition, un film réalisé spécialement par les artistes Eva
Giolo et Aglaia Konrad, présente plusieurs bâtiments de Simone Guillissen-Hoa et
met en évidence la manière dont l'architecte utilise, adapte et traduit les
éléments du langage moderniste.
Avec des œuvres de : Max Bill, Enrico Castellani, Pierre Cordier, Jacques
Dupuis, Eva Giolo et Aglaia Konrad, Mayou Iserentant, Alfred Roth, Josine
Souweine, Léon Spilliaert et Tapta.
Un vaste programme public sur le féminisme et l'architecture est développé en
collaboration avec Apolline Vranken (chercheuse en résidence au CIVA, 2023-24).
Avec des conférences par Véronique Boone, Beatriz Colomina, Bianca Felicori,
Florencia Fernández Cardoso, Jane Hall, Sol Pérez Martínez, Lucía C. Pérez
Moreno, Léa-Catherine Szacka et bien plus.
L'exposition marque la donation du Fonds Simone Guillissen-Hoa aux Collections
du CIVA, Bruxelles. Curateurs : Silvia Franceschini et Yaron Pesztat
********** Nederlands **********
CIVA is verheugd de eerste solotentoonstelling te presenteren die hulde brengt
aan het leven, het werk en de nalatenschap van de in China geboren Belgische
architecte Simone Guillissen-Hoa (1916-96). Deze voorvechtster van de
modernistische architectuur was een van de eerste vrouwen die in België een
eigen architectenbureau oprichtte. In haar carrière en persoonlijke leven daagde
ze onophoudelijk de barrières en conventies van gender, ras en religie uit.
Haar leven overspande de sleutelgebeurtenissen van de twintigste eeuw, van de
eerste aanzetten tot de Chinese Revolutie tot het verzet in bezet België en de
naoorlogse wederopbouw. In de jaren 1950 was ze lid van de Soroptimist
Association, een organisatie die opkomt voor vrouwenrechten en in de jaren 1970
was ze betrokken bij de oprichting van de International Union of Women
Architects.
De tentoonstelling belicht haar architecturale projecten en, aan de hand van een
brede waaier aan archiefmateriaal, ook haar bespiegelingen over architectuur, de
debatten en strijd die ze voerde, en meer in het algemeen haar professionele en
private leven. Via een onderdompeling in Guillissen-Hoa’s artistieke kring,
waarin we figuren als Léon Spilliaert, Alfred Roth, Max Bill, Enrico Castellani,
Tapta, Henry en Nele van de Velde aantreffen, verkent de tentoonstelling de
invloeden en samenwerkingen die haar artistieke en intellectuele parcours vorm
hebben gegeven.
Centraal in de tentoonstelling staat een nieuwe film die de kunstenaressen Eva
Giolo en Aglaia Konrad in opdracht maakten; hij toont verschillende realisaties
van Guillissen-Hoa en hoe die de modernistische vormen en concepten hanteren,
aanpassen en vertalen.
Met werk van Max Bill, Enrico Castellani, Pierre Cordier, Jacques Dupuis, Eva
Giolo & Aglaia Konrad, Mayou Iserentant, Alfred Roth, Josine Souweine, Léon
Spilliaert en Tapta.
In samenwerking met Apolline Vranken, onderzoekster in residentie bij CIVA voor
2023-2024, wordt een uitgebreid publieksprogramma over feminisme en architectuur
uitgewerkt. Met lezingen door Véronique Boone, Beatriz Colomina, Bianca
Felicori, Florencia Fernández Cardoso, Jane Hall, Sol Pérez Martínez, Lucía C.
Pérez Moreno, Léa-Catherine Szacka en meer.
De schenking van het Fonds Simone Guillissen-Hoa aan de CIVA-collecties in
Brussel vormt de aanleiding tot deze tentoonstelling. Ze werd gecureerd door
Silvia Franceschini en Yaron Pesztat.
Modesti Perdriolle Gallery présente un solo show de Samantha McEwen, artiste
anglo-américaine née à Londres en 1960, avec un ensemble d'œuvres des années
1980 à nos jours. A cette occasion sera lancée la première monographie dédiée à
la vie et à l'œuvre de Samantha McEwen publiée par 5 Continents Éditions.
Samantha McEwen arrive à New York à l’âge de 18 ans. Elle s’inscrit à la School
of Visual Arts où elle sympathise avec l’un des étudiants, Keith Haring, puis
Kenny Scharf. New York est alors un village où tous les artistes se côtoient.
Samantha participe à la vie intense de l’East Village. Elle collabore à de
nombreuses expositions aussi bien dans des Clubs qu’à la galerie Tony Schafrazi
en 1985 et 1987.
La fin des années 1980 est marquée par le Sida. New York devient une ville où
l’on ose plus demander des nouvelles de ses proches. Samantha se réinstalle à
Londres. Ce ne sont pas des années faciles pour les artistes femmes. Il faudra
attendre les années 2010 pour voir à nouveau des peintures de Samantha McEwen
dans des lieux renommés, en 2015 à la Pace Gallery de Londres dans une
exposition de groupe en hommage au grand marchand anglais Robert Fraser et en
2017 au MoMA dans l’exposition témoignage 'Club 57, Film, Performance, and Art
in the East Village, New York, 1978-1983'.
Samantha McEwen arrive à New York à l’âge de 18 ans. Elle s’inscrit à la School
of Visual Arts où elle sympathise avec l’un des étudiants, Keith Haring, puis
Kenny Scharf. New York est alors un village où tous les artistes se côtoient.
Samantha participe à la vie intense de l’East Village. Elle collabore à de
nombreuses expositions aussi bien dans des Clubs qu’à la galerie Tony Schafrazi
en 1985 et 1987.
La fin des années 1980 est marquée par le Sida. New York devient une ville où
l’on ose plus demander des nouvelles de ses proches. Samantha se réinstalle à
Londres. Ce ne sont pas des années faciles pour les artistes femmes. Il faudra
attendre les années 2010 pour voir à nouveau des peintures de Samantha McEwen
dans des lieux renommés, en 2015 à la Pace Gallery de Londres dans une
exposition de groupe en hommage au grand marchand anglais Robert Fraser et en
2017 au MoMA dans l’exposition témoignage 'Club 57, Film, Performance, and Art
in the East Village, New York, 1978-1983'.