Collections Permanentes

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En application des mesures gouvernementales contre la propagation de la COVID-19, le pass sanitaire est obligatoire, accompagné d'un document d'identité pour accéder au musée. Gratuit pour les moins de 7 ans et les personnes handicapées. Les billets gratuits sont à prendre sur place exclusivement. Ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h Nocturnes le jeudi jusqu'à 21h, dernière admission à 20h. Fermeture le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Le billet permet l'accès à l'ensemble des espaces du musée : salles des collections permanentes (Monet, Morisot, Impressionnistes, Empire Marmottan), et exposition temporaire. ATTENTION : Les collections permanentes sont ouvertes toute l'année. L'exposition temporaire est ouverte pendant une période d'exploitation limitée. Prochaine exposition: Julie Manet La Mémoire impressionniste Du 19 octobre 2021 au 20 mars 2022 1er fonds mondial des œuvres de Claude Monet Le musée Marmottan Monet situé dans les jardins du Ranelagh constitue l'une des fondations de l'Académie des beaux-arts. Le parcours de cet hôtel particulier légué par Paul Marmottan et ouvert au public depuis 1934 permet de découvrir les collections d'œuvres et objets d'art de ce dernier, ainsi que des salles plus modernes spécifiquement agencées pour exposer l'exceptionnelle collection impressionniste de cet établissement détenant désormais les premiers fonds au monde d'œuvres de Claude Monet et de Berthe Morisot. Outre les œuvres que Claude Monet conservait de ses amis - Eugène Boudin, Gustave Caillebotte, Pierre Auguste Renoir - le musée Marmottan Monet expose l'iconique Impression soleil levant et un ensemble de toiles monumentales ayant pour thème les nymphéas. Avec la peintre impressionniste Berthe Morisot, des symphonies de vert, de bleu, de jaune et de rose confèrent aux chefs d'œuvre exposés une étonnante poésie. A découvrir ou re-découvrir absolument. Julie Manet La Mémoire impressionniste Du 19 octobre 2021 au 20 mars 2022 Le musée Marmottan Monet organise la première exposition jamais consacrée à Julie Manet, fille unique de Berthe Morisot et nièce d'Edouard Manet. Intitulée « Julie Manet, la mémoire impressionniste » elle aura lieu du 19 octobre 2021 au 20 mars 2022. Légataire de Julie Manet par l'intermédiaire de ses enfants, dépositaire du premier fonds mondial de l'œuvre de Berthe Morisot mais aussi des collections de la famille, le musée Marmottan Monet souhaite apporter un éclairage sur le rôle de Julie Manet dans la vie des arts. ATTENTION ! Aucun retrait des billets coupe-file n'est possible au musée. Le retrait s'effectue dans les magasins du réseau.

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Le Goethe-Institut de Paris vous invite à découvrir sa nouvelle exposition gratuite, intitulée The Next Renaissance – Le Goût de l'Invisible, du 13 mai au 27 août 2024. Explorez comment l'art, la technologie et la science se rencontrent pour transformer notre perception du monde. Une exposition qui promet une immersion dans les œuvres avant-gardistes, redéfinissant les frontières entre les disciplines artistiques et scientifiques. Vernissage le 13 mai à 19h. Quand l'art et les nouvelles technologies se rencontrent... Le Goethe-Institut de Paris se transforme en un espace de réflexion et d'innovation artistique avec l'exposition gratuite The Next Renaissance – Le Goût de l'Invisible, à découvrir du 13 mai au 27 août 2024. Une manifestation qui invite les curieux et les passionnés d'art à plonger dans une ère nouvelle où art, technologie et science fusionnent pour révéler ce qui demeure habituellement invisible. Conçue par le ZKM Karlsruhe en Allemagne, cette exposition est non seulement un hommage à Peter Weibel et à son projet "Renaissance 3.0", mais elle pose également les jalons d'un futur artistique révolutionnaire. L'exposition puise dans les œuvres d'art initialement présentées à Karlsruhe et y ajoute une sélection spécialement adaptée au contexte parisien. Les visiteurs peuvent découvrir des pièces telles que les "Architectures Imaginaires" d’Otto Beckman, qui interrogent l'évolution de l'art à travers le prisme des technologies avancées. Des œuvres comme "93% Human" de Helen Pynor offrent une méditation profonde sur le vivant, tandis que "METABOLICA Camp" de Thomas Feuerstein entrelace directement la science et l'histoire de l'art avec des éléments de science-fiction. Ces œuvres illustrent parfaitement l'idée de transcender les conventions artistiques pour explorer de nouvelles forces créatives et sensibilités. Au-delà de son aspect artistique, The Next Renaissance est un carrefour d'innovation culturelle et scientifique. Cette exposition illustre comment la collaboration entre l'art et la science peut engendrer des changements profonds, poussant notre société à repenser son avenir. En incarnant une "renaissance 3.0", elle s'inspire des bouleversements de la Renaissance italienne pour stimuler une révolution dans notre compréhension et interaction avec le monde. Le Goethe-Institut, en collaboration avec l’EIT Culture & Creativity et le MSC, offre ainsi une plateforme unique pour les acteurs du changement qui aspirent à redéfinir les frontières entre les disciplines culturelles et scientifiques. Avec la participation d'artistes internationaux tels que Rafael Lozano-Hemmer, Manfred P. Kage et Joel Ong, The Next Renaissance – Le Goût de l'Invisible est une expérience incontournable pour quiconque s'intéresse à la manière dont l'art peut remodeler notre réalité. L'occasion également de voir comment l'art médiatique scientifique peut ouvrir de nouvelles perspectives et influencer notre société de façon durable. Cette page peut contenir des éléments assistés par IA, plus d’information ici.
Accès à l'exposition dans les 30 minutes suivant l'horaire choisi. ATTENTION ! Aucun retrait des billets coupe-file n’est possible au musée. Le retrait s’effectue dans les magasins du réseau. Gratuit pour les moins de 7 ans, les personnes handicapées et les adhérents Maison des Artistes. Le billet permet l'accès à l'ensemble des espaces du musée : salles des collections permanentes (Monet, Morisot, Impressionnistes, Empire Marmottan), et aux expositions temporaires. Ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h Nocturnes le jeudi jusqu’à 21h, dernière admission à 20h. Fermeture le 1er mai EN JEU ! LES ARTISTES ET LE SPORT (1870-1930) Du 4 avril au 1er septembre 2024 À l’occasion des Jeux Olympiques et Paralympiques de Paris 2024, les premiers organisés depuis cent ans, dans la capitale, le musée Marmottan Monet présentera du 4 avril au 1er septembre 2024, l’exposition intitulée « En jeu ! Les artistes et le sport (1870-1930) ». À cette occasion, le musée retracera l’histoire visuelle du sport entre 1870 à 1930 à travers plus d’une centaine œuvres significatives provenant de collections publiques et privées d’Europe, des États-Unis et du Japon (musée national du Sport de Nice, musée d’Orsay, Centre Pompidou, musée Fabre de Montpellier, National Gallery of Art de Washington, Yale University Art Gallery de New Haven, la collection Peggy Guggenheim de Venise,…). De l’impressionnisme au cubisme, cet événement montrera comment le sport, les sports et les sportifs furent érigés en sujets de la modernité puis des avant-gardes. A la flexion des XIXe et XXe siècles, alors que Pierre de Courbertin inventait une version contemporaine des olympiades antiques, le sport connaissait une série de mutations dont les artistes prenaient la pleine mesure. D’origine aristocratique et anglaise au XIXe siècle, le sport s’accultura progressivement sur le continent européen et jusqu’aux Etats-Unis, en se démocratisant, entre spectacle et pratique, pour devenir au début du siècle suivant un loisir de masse. L’exposition s’attachera à comprendre les enjeux éthiques et les modalités esthétiques du regard porté sur les sports, non seulement par Monet, Degas, Caillebotte, Toulouse-Lautrec et Eakins, ou Richer, Maillol et Rodin, mais aussi par Bellows, Lhote, Delaunay, Metzinger ou Gromaire, à la convergence de pratiques élitaires (équitation, voile, escrime) et archaïques (lutte, boxe, jeux de balle), en s’interrogeant sur les significations métaphoriques de la figure héroïque de l’artiste en sportif, que caractérisent la détermination, l’endurance et une forme de résistance.
Visite libre Fondation Louis Vuitton avec accès au Jardin d’Acclimatation. Billet unique donnant accès aux expositions « Ellsworth Kelly, Formes et Couleurs, 1949-2015 » et « Matisse, L’Atelier rouge » Les lundis, mercredis et jeudis de 11h à 20h - - Dernier créneau : 18h30 Les vendredis de 11h à 21h - - Dernier créneau : 19h30 Les samedis et dimanches de 10h à 20h - - Dernier créneau : 18h30 Conditions tarifaires :Tarif plein : 17,20 €Tarif moins de 26 ans, étudiant, enseignant français : 11,70 €Tarif enfants de 3 à 18 ans, artistes professionnels, demandeurs d’emplois et bénéficiaires des minimas sociaux : 6,70 €Tarif famille valable pour 6 personnes (à partir de 1 adulte et jusqu'à 4 enfants de moins de 18 ans) : 33,70 €Gratuités : -3 ans, personnes en situation de handicap accompagnées d’un invité (sur présentation d’un justificatif). Uniquement le jeudi : étudiants (sur présentation d’une carte d’étudiant en cours de validité). Pour toutes les conditions de réduction et de gratuité, la présentation d'un justificatif en cours de validité est obligatoire à l’entrée de la Fondation. L’entrée est gratuite et prioritaire pour les personnes en situation de handicap et un de leur accompagnateur. La priorité d’accès à la billetterie est également assurée aux visiteurs ne pouvant supporter une station debout prolongée. La Fondation et ses abords sont accessibles à tout visiteur dont la motricité est réduite. A l’extérieur, le long des parapets du bâtiment, des appuis ischiatiques permettent de soulager la position debout. La Fondation propose des dispositifs adaptés à tous pour offrir les meilleures conditions de visite aux publics non ou mal-voyants. Prévenez-nous de votre arrivée et de vos besoins particuliers, nous sommes à votre disposition pour faciliter au mieux votre visite : contacter notre service des relations aux visiteurs Service informations visiteurs et réservation ouvert de 10h à 18h, du lundi au vendredi : + 33 (0)1 40 69 96 00 Adresse 8, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne - 75116 Paris Métro Ligne 1 : Station Les Sablons (950m) Bus Ligne 73 : station Les Sablons (950m) Navette Le service de navette électrique de la Fondation peut être emprunté depuis l’avenue de Friedland jusqu’à la Fondation. Sur présentation de leur billet d'entrée, les visiteurs devront s’acquitter de 1€ par carte bancaire et par trajet directement auprès de la navette. Départ environ toutes les 20 minutes depuis le 44 avenue de Friedland (75008 – Paris). Exposition « Ellsworth Kelly. Formes et Couleurs, 1949-2015 » Célébration du centenaire de la naissance de l’artiste, « Ellsworth Kelly. Formes et Couleurs, 1949-2015 » est la première exposition en France à aborder de manière aussi large l’œuvre de ce créateur essentiel de la seconde moitié du XXe siècle, tant par sa chronologie que par les techniques qu’elle réunit. Organisée avec le Glenstone Museum (Potomac, Maryland) et en collaboration avec le Ellsworth Kelly Studio, l’exposition regroupe plus d’une centaine de pièces, peintures, sculptures mais aussi dessins, photographies et collages. L’exposition bénéficie de prêts d’institutions internationales (Art Institute of Chicago, Kröller-Müller Museum, Museum of Modern Art (MoMA), New York, San Francisco Museum of Modern Art, Tate, Whitney Museum) et de collections privées. Ellsworth Kelly est considéré comme l’un des plus importants peintres et sculpteurs abstraits américains. S’étendant sur sept décennies, sa carrière est marquée par l’indépendance de son art par rapport à toute école ou mouvement artistique et par sa contribution novatrice à la peinture et à la sculpture du XXe siècle. Exposition « Matisse, L’Atelier rouge » La Fondation, en collaboration avec le Museum of Modern Art (MoMA), New York, et le SMK - Statens Museum for Kunst, Copenhague (Musée national d’art du Danemark), accueille l’exposition « Matisse, L’Atelier rouge », consacrée à la genèse et à l’histoire de ce célèbre chef-d’œuvre de 1911, l’une des œuvres emblématiques du MoMA depuis son acquisition en 1949. L’artiste y représente son atelier et les peintures, sculptures et objets décoratifs qu’il contient. L’exposition réunit pour la première fois les œuvres présentes dans L’Atelier rouge depuis qu’elles ont quitté l’atelier de Matisse à Issy-les-Moulineaux. Elle s’enrichit de documents d’archive inédits et d’œuvres éclairant le contexte de création et l’aventure de cette peinture.
UN POISSON ROUGE EN PLASTIQUE À L’AQUARIUM DE PARIS POUR DÉNONCER LA POLLUTION Cristobal est au cœur d’une exposition ludique, poétique et artistique à l’Aquarium de Paris du 2 mars au 3 mai 2024, où il aura pour mission de sensibiliser et dénoncer l’omniprésence du plastique dans les océans, la surproduction de déchets et la pollution. L’Aquarium de Paris et ses bassins dédiés pour l’occasion à l’histoire du poisson rouge dans nos sociétés et dans nos cultures deviennent le cadre idéal pour exposer le petit poisson rouge en plastique de Maurice Renoma, cette mascotte artistique joyeuse et décalée conçue pour sensibiliser le public à ces causes qui nous concernent tous et dont l’impact est susceptible de changer notre avenir. À travers cette exposition-promenade immersive et pédagogique, cette collaboration inédite entre l’Aquarium de Paris et l’artiste – mais aussi le premier styliste à avoir une carte blanche dans ce lieu emblématique – permet de valoriser les principes fondateurs de l’Aquarium à savoir éduquer et apprendre, notamment à l’égard du jeune public qui constituera la société de demain et sera acteur des choix sur le futur de la planète. MAURICE RENOMA Maurice Renoma est un visionnaire inclassable qui a su créer, de la mode à l’image, une esthétique pulsionnelle donnant vie à un univers transgressif et foisonnant. En 1963, la boutique White House Renoma ouvre ses portes : considérant la mode comme une forme d’art à part entière, Maurice Renoma commence à exprimer à travers le vêtement une vision originale et libérée de tout préjugé esthétique. Renoma bouscule les codes et marque un réel tournant dans l’histoire de la mode : toute une génération porte d’ailleurs son nom, la « Génération Renoma ». Au début des années 1990, Maurice Renoma développe une passion pour un nouveau moyen d’expression : l’image. C’est la vie même qui devient le sujet principal de ses créations. Son parcours se présente comme une suite continue d’expériences et de productions visuelles sur des supports différents : il passe de l’argentique au numérique, du noir et blanc à la couleur, du nu au paysage et à la nature morte. Dans l’art comme dans la mode, il est autodidacte. Il expérimente le patchwork, la réutilisation et la réappropriation en liberté et sans tabou : les images et les matières deviennent des formes à modeler pour créer des associations audacieuses, inédites. Cette force créatrice irrépressible a amené Maurice Renoma à investir sans cesse toute la réalité qui l’entourait, jusqu’à créer un univers ludique et ironique à son image. Depuis 2017, il fait voyager Cristobal le poisson rouge à travers le monde pour dénoncer les ravages de la pollution liée à la surconsommation. Protagoniste des dernières expérimentations artistiques, cet alter ego en plastique est le symbole de la réflexion écologique et humaniste de Maurice Renoma, présentée sous forme de fables, de mythologies. CRISTOBAL « Je pense que depuis un certain temps, j’avais cette idée du plastique dans la tête. Un an avant l’histoire du poisson rouge, j’ai survolé la Malaisie et j’ai pris conscience - comme une claque – que l’homme était en train de saccager la nature, qu’il ravageait l’écosystème en rasant les forêts pour planter des palmiers. Cristobal explique qu’on est en train d’assassiner la Terre, mais avec humour. Il parle de la pollution, de la prolifération du plastique, mais du recyclage aussi. » Maurice Renoma À l’heure où la mode est l’un des secteurs les plus polluants au monde, c’est à travers la renommée de sa marque Renoma, emblème du prêt à porter chic parisien, que le photographe et styliste Maurice Renoma entame un discours artistique et écologique novateur mais toujours ludique. Avec sa série photographique Mythologies du Poisson Rouge, il fait prendre conscience du poids chaotique et dévastateur que peuvent avoir notre mode de vie et notre consommation outrancière et débridée sur la planète. Dans l’exposition éponyme où il tient le rôle central, Cristobal le poisson rouge apparaît sous toutes ses formes, mais surtout comme le compagnon d’une histoire : celle de notre planète et de ce que nous en avons fait. Si le Pop Art se montre volontiers provocateur, voire politique, et tend à désacraliser l’œuvre d’art en la rendant accessible à tous, Maurice Renoma crée aussi sa propre icone Pop : Cristobal, le poisson rouge en plastique qui utilise le pouvoir de l’image pour incarner la critique du matérialisme et du consumérisme des sociétés modernes. Cristobal se fait porteur d’un message que l’artiste veut rendre accessible, universel : le poisson rouge est partout dans son œuvre, comme le plastique est partout dans le quotidien. Cristobal devient ainsi la signature de Maurice Renoma, le concept autour duquel il développe sa recherche esthétique et qui traverse toutes les séries artistiques de ces dernières années. Cristobal, le poisson rouge en plastique est ainsi au cœur de cette exposition ludique et poétique qui a pour mission de sensibiliser et dénoncer l’omniprésence du plastique dans les océans, la surproduction de déchets et la pollution. Cette petite mascotte attachante et colorée qui nage à travers des mises en scènes spectaculaires, pointe de la nageoire les problématiques écologiques mais aussi sociétales chères à l’artiste. Reflet de notre image, il interroge sur nos habitudes et pousse la réflexion sur nos relations, notre consommation et nos dépendances, à travers le prisme de l’humour. Cristobal est aussi une prémonition, un petit poisson né de polymères et nourri des 15 millions de tonnes de plastique déversés chaque année dans les océans. Le plastique a tellement révolutionné le monde que son usage est devenu indispensable, mais Cristobal est là pour nous rappeler qu’il est toxique, que ses résidus ont contaminé la planète et qu’il est nécessaire de le recycler. Ainsi Cristobal devient l’étendard de la mobilisation qui renversera la tendance : Maurice Renoma en a fait un ambassadeur de l’écologie pour sensibiliser les gens à la protection des mers, des océans et de la vie sous-marine. UNE EXPOSITION AU PROFIT DES ENFANTS DE LA TERRE Préoccupé par l’état de la planète qui sera laissée aux enfants, Maurice Renoma a créé des cartes postales à l’effigie de Cristobal le poisson rouge, dont les ventes seront intégralement reversés à l’association Enfants de la Terre. En 1988, Marie-Claire et Yannick NOAH créent l’association Enfants de la Terre, qui évolue dans le respect des différents donateurs, dans la gestion des sommes confiées en donnant la priorité au terrain. Depuis sa création il y a 35 ans, l’association, désormais présidée par Nathalie Noah, tente de répondre aux situations d’urgence auxquelles se trouvent confrontés certains enfants que ce soit dans ses missions de prévention de la délinquance et à l’aide éducative qu’à son accompagnement dans les épreuves difficiles que peuvent être la maladie ou les opérations lourdes. De plus, l’association assure un soutien continu aux enfants malades et hospitalisés grâce à son travail avec les services sociaux des hôpitaux pédiatriques français, proposant ainsi une assistance financière aux familles démunies et un accompagnement bénévole pour briser leur solitude à l’hôpital.
SPOT 24 – L’Exposition olympique, sport et cultures urbaines L’exposition SPOT24, inédite en son genre, met en lumière les six nouvelles disciplines olympiques à travers des espaces thématiques. Un parcours immersif révèle au visiteur toutes les facettes de ces cultures urbaines, sur le devant de la scène pour les Jeux Olympiques 2024 ! Du skateboard au surf en passant par le Breaking et le BMX, SPOT24 propose un véritable dialogue entre l’art, le sport et la street culture. Une exposition pour tous les âges, pour passionnés ou simplement curieux ! Profitez en plus du café-restaurant SPOT24 et d’une boutique de souvenirs parisiens et olympiques. Informations pratiques : 7 j/ 7 Jusqu'au 31 décembre 2024 Tarif réduit accordé aux demandeurs d'emploi/ RSA, agents de la ville de Paris, étudiants de - 26 ans, enfant de moins de 18 ans, adhérents Paris je t'aime, famille olympique. Gratuité : Jusqu’à l’âge de 10 ans inclus, personnes à mobilité réduite et leur accompagnant Du dimanche au mercredi : 9h30-17h30 Jeudi, vendredi, samedi : 9h30-19h30 Dernier accès 1h avant la fermeture
Accès valable pendant 1/4 d'heure, la durée de la visite est libre. Fermé le lundi et les jours fériés.Gratuit pour les moins de 18 ans, les chômeurs et les personnes bénéficiaires des minimas sociaux.Important: les tarifs réduits sont accessibles uniquement aux caisses du musée. La Mode en mouvement #2Alors que Paris accueille les Jeux Olympiques et Paralympiques à l’été 2024, La Mode en mouvement #2 permet d’appréhender la place du vêtement dans la pratique d’activités physiques et sportives jusqu’aux conséquences sociales de son évolution.Le vêtement conçu pour le sport (équitation, tennis, golf, bicyclette...) est mis en regard du vestiaire de ville. Cette deuxième présentation permet au public de mesurer la spécialisation progressive du vêtement sportif comme l’introduction du sportswear dans le vestiaire quotidien.La section balnéaire s'intéresse aux bains de mer et à la natation, symboles de la démocratisation de la pratique sportive dès la fin du XIXe siècle. L'occasion de découvrir l'importante collection de costumes de bain, maillots de bain, tenues et accessoires de plage, conservés au Palais Galliera. Cette section met en exergue l’évolution du rapport au corps à travers son dévoilement dans la sphère publique ainsi que la notion de pudeur et de décence. Elle révèle également la transformation des canons de beauté, notamment à travers la question du bronzage.La Mode en mouvement #2 bénéficie de prêts exceptionnels du Musée national du Sport (Nice), de la Fondation Azzedine Alaïa, de la Bibliothèque Forney (Paris), de la Bibliothèque historique de la Ville de Paris, du Musée Carnavalet - Histoire de Paris, du Patrimoine de CHANEL, de la collection Émile Hermès ou encore de la maison Yohji Yamamoto. Ces oeuvres permettent de mettre en perspective les pièces du Palais Galliera, témoins d’une pratique physique et sportive, de loisir ou de compétition, au fil des époques.
Attention, ce billet seul ne donne pas accès à l'exposition "Mexica. Des Dons et des Dieux au Templo Mayor" du 3 avril au 8 septembre 2024.Si vous souhaitez visiter l'exposition avec ce billet , il vous faut réserver obligatoirement un créneau de visite à 0€ auprès du Musée du quai Branly. Pour ce faire, il vous suffira de sélectionner, sur le site de la billetterie du musée du quai Branly, «Billet musée + accès Mexica», cliquer sur «Réserver» puis «Billet musée Autres gratuités - Accès Mexica» et d’indiquer le nombre de billets correspondants à votre commande Fnac.La réservation et le billet préacheté seront à présenter au contrôle d'accès.Horaires:du mardi au dimanche, de 10h30 à 19h, le jeudi de 10h30 à 22h (fermeture des guichets à 18h ; le jeudi à 21h. Fermeture progressive des salles à partir de 18h45 ; le jeudi à 21h45)Fermeture hebdomadaire le lundi.Fermeture le 1er mai et le 25 décembre.L’accès aux collections permanentes et expositions temporaires est gratuit pour tous le premier dimanche de chaque mois.Gratuit : moins de 26 ans résidants de l'UE, personnes handicapées et leur accompagnateur, mutilés de guerre, bénéficiaires des minimas sociaux, demandeurs d'emploi. Audioguide des collections permanentes disponible en prévente.Le billet permet l'accès au Plateau des collections, aux expositions temporaires et à la galerie multimédia.Expositions temporaires :Visions chamaniques Arts de l'Ayahuasca en Amazonie péruvienneJusqu'au 26 mai 2024L’exposition explore les enjeux contemporains liés aux relations entre images hallucinatoires et productions iconographiques, à partir du cas de l’ayahuasca.Déborder l'Anthropologie Zora Neale Hurston, Eslanda Goode Robeson, Katherine DunhamDu 6 février au 12 mai 2024En puisant dans une histoire peu connue en France, l’exposition met à l’honneur trois femmes qui se sont chacune réapproprié les codes de l’anthropologie pour s’en émanciper et devenir des figures militantes et artistiques incontournables du 20e siècle. À travers les portraits de la romancière Zora Neale Hurston (1891-1960), de la journaliste Eslanda Goode Robeson (1895- 1965) et de la danseuse Katherine Dunham (1909-2006), l'exposition explore une autre approche de l'anthropologie. Par leurs démarches audacieuses et innovantes, ces trois personnalités africaines-américaines ont su adopter une posture différente de celles des anthropologues blancs, et ainsi écrire une autre histoire de la discipline.Myriam Myhindou Ilimb, l'essence des pleursDu 6 février au 10 novembre 2024Invitation à l’artiste contemporaine Myriam Mihindou, pour une œuvre immersive et sonore construite en résonance avec la collection d’instruments de musique conservée au musée. Invitée à réinvestir la galerie Marc Ladreit de Lacharrière, l’artiste franco-gabonaise Myriam Mihindou propose une installation inédite qui célèbre la culture punu par le biais des collections d’instruments de musique et des archives sonores conservées au musée. Par le travail de la céramique, l’assemblage d’objets, de sculptures, de formes, de matières, de sons et les interactions suscitées avec les visiteurs, elle propose une œuvre qui donne à voir, entendre et ressentir la relation qu’elle entretient avec sa culture.
Début de la conférence 15 minutes après l'horaire réservé. Visite-Atelier Enfants Entre 6 ans et 12 ans Durée : 2h (visite 45mn, atelier 1h15) Les lundi 8 et jeudi 11 avril à 14h15, les vendredi 10 et lundi 20 mai à 14h15, le dimanche 2 juin à 14h15. L'horaire inscrit sur le billet est l'heure de rendez-vous, l'atelier débute à 14h30. MATCH Design & sport, une histoire tournée vers le futur. Du 13 mars au 11 août 2024 À l’occasion des Jeux Olympiques de Paris 2024, le Musée du Luxembourg propose une exposition dédiée à l’avenir du design et du sport. Inscrite dans le cadre des Olympiades Culturelles Match retrace le rôle du design dans les progrès du sport, les liens qui se sont dessinés entre ces deux domaines ainsi que les perspectives d’évolution. L’exposition permet également d’explorer comment le monde du sport ne cesse d’inspirer les grands designers - et réciproquement - dans des secteurs tels que l’automobile ou le prêt-à-porter.
Accès valable pendant 1/4 d'heure. La durée de la visite est libre. Fermé le lundi et les jours fériés.Gratuit pour les moins de 18 ans, les chômeurs et les personnes bénéficiaires des minimas sociaux.Important: les tarifs réduits sont accessibles uniquement aux caisses du musée. Paolo Roversi 16 mars 2024 - 14 juillet 2024L’exposition Paolo Roversi au Palais Galliera dévoile 50 ans de photographies, et révèle comment l’artiste s’est emparé de la mode pour créer une œuvre unique. Il s’agit de la première monographie consacrée au photographe à Paris.D’origine italienne, Paolo Roversi s’installe à Paris en 1973. Depuis, il travaille pour des magazines prestigieux (Vogue italien et français, Egoïste, Luncheon…). Sa carrière est marquée par sa collaboration avec les plus grands créateurs de mode, notamment Yohji Yamamoto, Romeo Gigli, Rei Kawakubo pour Comme des Garçons.Dès ses années d’apprentissage, le choix du studio, de la chambre grand format et du Polaroid, définissent la manière de travailler et l’esthétique du photographe qui s’adapte au numérique avec succès. Sa signature est reconnaissable entre toutes : tonalités douces et sépia des noir et blanc à la lumière du jour, densité et profondeur des couleurs à la lumière de la lampe torche. Au fil des années, Paolo Roversi cherche, invente son propre langage photographique, accueillant les hasards et les accidents comme des opportunités de se renouveler.Les plus grands mannequins sont passés devant son objectif. Elles posent toujours avec simplicité; leur présence est intense. Chacune de ses photographies de mode est un portrait. Paolo Roversi se tient à la fois au coeur du système et à distance, loin des courants éphémères de la mode. À la recherche de la beauté, il construit une oeuvre singulière sur laquelle le temps n’a pas prise.Cette exposition qui réunit 140 oeuvres dont des images inédites, des tirages Polaroid, des archives (magazines, catalogues…) dévoile le parcours professionnel et artistique d’un photographe de mode exceptionnel. Entraînant le visiteur de l’ombre vers la lumière, la scénographie fait du Palais Galliera le studio de l’artiste, un espace imaginaire, le théâtre de tous les possibles.
Découvrez "Identité Artificielle", le solo show de l'artiste SKIO à la galerie Goldshteyn-Saatort, qui explore la fascinante intersection entre l'art et l'intelligence artificielle du 16 mai au 16 juillet 2024. Plongez dans un monde où tradition artistique et innovation technologique se rencontrent pour redéfinir la création contemporaine. Vernissage le 16 mai dès 18h, inscription au vernissage obligatoire. Quand l'intelligence artificielle rencontre l'art... La galerie Goldshteyn-Saatort vous propose de découvrir sa nouvelle exposition, autour des œuvres de SKIO, intitulée Identité Artificielle, du 16 mai au 16 juillet 2024. À travers cette exposition, SKIO questionne et explore les effets de l'IA sur l'expression artistique, en offrant une perspective innovante sur le dialogue entre nouvelles technologies et méthodes traditionnelles. Notez que le vernissage se tient le 16 mai, de 18h à 22h, en présence de l'artiste. Inscription au vernissage obligatoire (mail dans les infos pratiques). SKIO, dont les racines artistiques plongent dans le néoclassicisme et le Bauhaus, utilise ses influences pour créer un pont entre le passé artistique et l'avenir numérique. Dans Identité Artificielle, ses œuvres manifestent un équilibre impressionnant entre les lignes claires et fonctionnelles du Bauhaus et la grandeur esthétique du néoclassicisme, tout en intégrant des éléments d'intelligence artificielle. Cette combinaison donne naissance à des toiles qui ne sont pas seulement des œuvres d'art, mais aussi des réflexions sur notre relation avec la technologie dans le contexte de la création artistique. L'approche de SKIO est résolument artisanale : chaque toile exposée à la galerie Goldshteyn-Saatort est peinte à la main, ce qui accentue l'unicité et l'authenticité de chaque pièce. Cette méthodologie artisanale enrichit ses créations d'une dimension personnelle et introspective, invitant le spectateur à une réflexion profonde sur l'évolution de l'art à l'ère numérique. Une exposition qui se veut également être une plateforme pour débattre et méditer sur les implications futures de l'intégration de l'intelligence artificielle dans les disciplines créatives. L'occasion de découvrir comment l'intelligence artificielle peut coexister avec la créativité humaine pour former un nouveau domaine artistique. On passe y faire un tour ? Cette page peut contenir des éléments assistés par IA, plus d’information ici.