La Grande Bouffe

Description

À l’image d’un buffet de différentes techniques et de plusieurs styles confondus (dessins, peintures, illustrations, céramiques, sculptures, textiles, etc.), les petits plats sont mis dans les grands. De l’aliment brut à sa transformation esthétique finale, chacune apporte sa vision fraîche d’un festin contemporain. Cette exposition donne le goût de cette collaboration avec une sélection d’œuvres alléchante.

Date info

2022-07-07: 17:00:00 - 20:00:00

2022-07-08: 14:00:00 - 18:00:00

2022-07-09: 14:00:00 - 18:00:00

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2022-08-21: 14:00:00 - 18:00:00

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Suggested events

********** English ********** 60 original works by Belgian collage artist Émelyne Duval will be put into perspective with objects from the museum’s collection. “Va te faire Maître” invites us on a whimsical journey in the world of contemporary art, at the heart of a didactic museum. Trough the realm of collage art, Émelyne Duval masterfully reinterprets and recontextualises pre-existing images, breathing new life and meaning into them. Delve into this unique and captivating artistic exploration that seamlessly blends the past with the present. Each piece is meticulously crafted from a mosaic of ancient pictures and timeworn papers, each laden with its own captivating story. ********** Français ********** 60 oeuvres originales de l’artiste collagiste belge Émelyne Duval seront mises en perspective avec des objets de la collection du Musée. « Va te faire Maître » propose une immersion parfois fantasque dans le monde de l’art contemporain au sein d’un musée didactique. Les collages, en tant qu’expression artistique, permettent à Émelyne Duval de réinterpréter et recontextualiser des images préexistantes pour en offrir de nouvelles lectures. Nous vous invitons chaleureusement à découvrir cette exploration artistique aussi captivante qu’unique. Le travail d’Émelyne Duval s’appuie sur des images glanées çà et là d’anciens documents récupérés et de vieux papiers chargés d’Histoires. ********** Nederlands ********** 60 originele werken van de Belgische collagiste Emelyne Duval gaan een dialoog aan met voorwerpen uit de prestigieuze collectie van het museum. Als een harmonieus evenwicht tussen traditie en vernieuwing, is “Meester(s)werken” een onderdompeling in de dikwijls fantastische wereld van de hedendaagse kunst en dit in een didactisch museum. De collages, als artistieke expressievorm laten Emelyne Duval toe om bestaande beelden te herinterpreteren en in een nieuwe context te plaatsen. Zo brengt ze een nieuwe, andere lezing van het getoonde tot leven. We nodigen jullie van harte uit voor deze artistieke verkenningstocht, die even boeiend als uniek is. Het werk van Emelyne Duval berust op her en der gesprokkelde beelden, oude documenten of papieren doordrenkt van geschiedenis.
"The Day the Sky Hung Low", Ella Littwitz’s second solo exhibition at Harlan Levey Projects, revisits the deserted geography around the Dead Sea, which has inspired her practice for nearly a decade. It is in this inhospitable setting that she finds extreme geography, geologic forces, and characteristics in the shifting landscape that inform her work as they lead her to reflections on the political, social, historical and cultural realities in the region. The centerpiece of the exhibition, a new video titled "Ontology of the Void", ponders the way millennia-long terrestrial processes are echoed in politics, addressing a geological timescale as a means to think about the intractable conflicts of the present. This metaphor is narrated as the viewer watches accumulating piles of potash, a material that has been extracted from the waters of the Dead Sea, while an ROV deposits an ingot of magnesium in the sea-bed. This metal ingot, made of minerals extracted from that same location, in being returned to the original source will soon dissolve again. Underlying this extractive frenzy, the Dead Sea itself is rapidly disappearing. The name of this terminal lake, which was once a metaphor for the impossibility of life to exist in such salinity, is rapidly becoming prophetic. The image of the artist rappelling down an 80-meter deep chimney-like cave in Mount Sodom was filmed with a 360-degree video camera, which gives the impression that she is floating in a time-and-space warp. As she descends, the narrator tells the tale (and possible geological future) of the biblical mountain of Sodom, “a symbol of society that sinned and was destined for destruction.” We learn that as the mountain grows throughout the ages, the future erosion will release Lot’s wife (an existing, almost abstract rock formation on the banks of the Dead Sea) from her eternal punishment. Apocryphally called Edith, Lot’s wife was turned into a pillar of salt as punishment for looking back to the destruction of Sodom and Gomorrah (Genesis 19). The two mirrored images that comprise the work "Edith" are made out of 3D scans of the actual salt pillar facing itself. One of the images is looking “backwards” The other, by looking the opposite way, must be looking “forwards”. One looks to a past of destruction, the other then looks at an uncertain future, but it remains to the viewers to decide which way each is looking – and what exactly would be the difference between the past and the future, between what one "Edith" and the other are contemplating. All other works in the exhibition present geological features that are also a metaphor to subjective sentiments and experiences. "Longing" is the bronze cast of a crack in the ground. The exact origin of the crack is irrelevant, as the title clearly reflects an emotional and social state of “cracking” rather than a geological one. Likewise, the work "Tears" presents three sculptural crystals that were taken from the bed of the Dead Sea. These are columns of salt that grow invisibly until they reach the water surface and the sun. When they are uprooted, and displaced, the salt that forms them starts slowly crying. These “tears”, when dripped onto the bronze base, will trigger another eternal process of oxidation, with the salt column itself ultimately disappearing. The most personal works in the exhibition are perhaps a series of photographs titled "The Day the Sky Hung Low". Through a complex process, Littwitz used a photographic camera sensitive only to light outside of the visible spectrum. In this way, the photographs of the sky record the unseen radiation. These images were produced in relation to a disease the artist contracted from exposure to radiation while undergoing radiation treatments that helped her body heal. The title recalls the sense of the sky falling on one’s head when confronted by life-threatening circumstances. The sky, of course, never actually falls at all. There is a dissonance between physical and emotional realities, disappointment when one doesn’t change with the other. Under each unique print is a time stamp. A bit like a doomsday clock, the numbers show the hours and minutes counting down to midnight, the end of the day the image was taken. All the works presented relate to movement and dynamism: elements that grow up from the sea bed, cracks that emerge, descending into darkness, staring up to the sky. With varying degrees of futility, all search for the invisible and ungraspable processes that take place inside the tiny microcosms of cells in our bodies, as well as in millennial geological processes. When unchecked and unseen, all of these long processes will end in a catastrophic collapse.
L’humanité, dans toute sa splendeur et sa complexité, est un chef-d’œuvre d’imperfections qui se tissent harmonieusement pour former une perfection singulière. C’est dans la nature même de l’Homme d’être imparfait, de porter en lui des fissures et des failles qui, loin d’être des défauts, sont les fils invisibles tissant la trame de sa grandeur. L’ambition de cette exposition est dans un premier temps de rendre hommage à des blessures qui ont tracées la vie de ces différents portraits, tout en faisant un parallèle avec le Kintsugi. Cet art japonais ancestral qui invite à réparer un objet cassé en soulignant ses cicatrices de poudre d’or, au lieu de les cacher. Réparé, consolidé, embelli, il porte fièrement ses blessures, et il devient. Paradoxalement d’autant plus précieux qu’il a été brisé… En fin de compte, c’est la fragilité de l’humanité qui la rend riche et éternellement fascinante. Les imperfections ne sont pas des obstacles à la perfection, mais plutôt les éléments qui la définissent. C’est dans la danse délicate entre lumière et ombre que l’Homme trouve sa véritable splendeur, créant un chef-d’œuvre toujours en évolution, toujours inachevé, mais infiniment inestimable. D’origine marocaine et kabyle, Hinde Kebbache est née et a grandi à Bruxelles. Petite, elle collectionnait de nombreux souvenirs : tickets de concerts, de métros, objets trouvés… qui lui rappelaient un moment précis. Cet attrait nostalgique de sa personnalité se traduit aujourd’hui à travers sa photographie ; cet art qui capture de manière immuable des instants uniques dans le temps.
********** English ********** Former WIELS resident, Michaela Schweighofer presents a new body of work in AFFILIATE, a new space in the city centre to present works by alumni of the WIELS Residency Programme. ********** Français ********** Pour son exposition personnelle à Affiliate, Michaela Schweighofer a créé une nouvelle série de sculptures. Artiste autrichienne basée à Bruxelles et à Vienne, Michaela Schweighofer travaille la sculpture tout en intégrant régulièrement l'installation, le texte et les conférences dans sa pratique artistique. Intéressée par les questions relatives à la société, à la politique et au féminisme, Michaela fait appel à divers matériaux et des techniques pour étudier ces questions. En 2020, Forum Stadtpark a publié son livre FROM THE PROP TO THE INSIDE, une anthologie théorique et subjective dans laquelle elle interroge sa propre pratique en écrivant et rassemblant des textes sur le concept de sculpture en tant qu'accessoire et de la scène en tant qu'installation. ********** Nederlands ********** Voormalig WIELS-residente, Michaela Schweighofer, presenteert een nieuwe reeks sculpturen in AFFILIATE, een nieuwe ruimte in het centrum van de stad om werk te presenteren van alumni van het WIELS Residentieprogramma.
********** English ********** Preview: Wednesday 17 April 2024 from 2 pm to 10 pm (by invitation only) Vernissage: Thursday 18 April 2024 from 2 pm to 10 pm Exhibition: Friday 19 to Sunday 21 April 2024 from 11 am to 7 pm ********** Français ********** Preview: mercredi 17 avril 2024 de 14h00 à 22h00 (sur invitation UNIQUEMENT) Vernissage: jeudi 18 avril 2024 de 14h00 à 22h00 Salon: du vendredi 19 au dimanche 21 avril 2024 de 11h00 à 19h00 ********** Nederlands ********** Preview: woensdag 17 april 2024 van 14:00 tot 22:00 uur (uitsluitend voor genodigden) Vernissage: donderdag 18 april 2024 van 14:00 tot 22:00 uur Beurs: vrijdag 19 tot en met zondag 21 april 2024 van 11:00 tot 19:00 uur
********** English ********** This installation participates at the open doors weekends of Parcours d’Artistes Saint-Gilles 2024 Declarations is an ongoing artistic research project that looks into the poetic materiality of the CSS web-language. The project is initiated by graphic designer Doriane Timmermans, a member of the collective Open Source Publishing. CSS tells a browser, screen, phone, smartwatch - and devices from the past or yet to be imagined - how text flows, spaces are divided, hyperlinks are clicked, menus unfolded, and notification bubbled. It takes care of colors, mouvement, scrolling, animations and responsiveness. Every lines of the CSS language is called a ’declaration’. Doriane invited a group of artists, writers, amateurs, designers and hackers to came together for a week to inspect a shift in design practices emerging from the nature of the web: as it is made of text, designing become writing. Makers of the web are becoming both authors and architects, and websites become a work of articulations. Questions are asked such as who decide of the words we use to shape the web, and what does they induce on our uses of technology, in terms of power and accessibility. The group researched how the malleability of language is used to dialogue with a multitude of unknown canvases; how, similarly to the choice of words we decide to use to tell a story, designing with declarations, speak about our intentions, and encodes narrations into the things we make. The results of this worksession, the first of this research, are presented as an installation in Constant’s window. ********** Français ********** Cette installation participe aux week-ends portes ouvertes du Parcours d’Artistes Saint-Gilles 2024 Declarations est un projet de recherche artistique en cours de développement sur la matérialité poétique du langage web CSS. Le projet a initié par la graphiste Doriane Timmermans, membre du collectif Open Source Publishing. Le langage web indique au navigateur, à l’écran, au téléphone, à la smartwatch - et aux appareils du passé ou ceux à imaginer - comment le texte s’écoule, comment les espaces sont divisés, les liens hypertextes sont cliqués, les menus se déplient et les notifications affichées dans des bulles. Ce langage s’occupe des couleurs, du mouvement, du défilement, des réactions, des animations et de la réactivité. Chaque ligne du langage CSS s’appelle une ’déclaration’. Doriane a invité un groupe un groupe d’artistes, d’écrivain.e.s, d’amateur.e.s, de designers et de hackers, pour examiner ensemble un changement dans les pratiques de conception émergeant de la nature du web : comme il est fait de texte, le design devient écriture. Les créateur.trice.s du web deviennent à la fois des auteur.trice.s et des architectes, et les sites web deviennent des œuvres d’articulation. Cela pose la question de savoir qui décide de ces mots et ce qu’ils induisent sur nos usages de la technologie, cela questionne le pouvoir et l’accessibilité. Le groupe a étudié comment la malléabilité du langage est utilisée pour dialoguer avec une multitude de toiles inconnues ; comment, à l’instar du choix des mots que nous décidons d’utiliser pour raconter une histoire, la conception avec des déclarations parle de nos intentions et encode des narrations dans les objets que nous fabriquons. Les premiers résultats de cette recherche sont présentés dans cette installation dans la vitrine de Constant. ********** Nederlands ********** Deze installatie neemt deel aan de opendeur weekends van Parcours d’Artistes Sint-Gillis 2024 Declarations is een doorlopend artistiek onderzoeksproject die kijkt naar de poëtische materialiteit van de CSS webtaal. Het project is geïnitieerd door grafisch ontwerpster Doriane Timmermans, lid van het collectief Open Source Publishing. CSS vertelt een browser, scherm, telefoon, smartwatch - en apparaten uit het verleden of die nog bedacht moeten worden - hoe tekst stroomt, ruimtes worden verdeeld, hyperlinks worden aangeklikt, menu’s worden uitgevouwen en meldingen opborrelen. Het zorgt voor kleuren, beweging, scrollen, animaties en flexibiliteit. Elke regel in de CSS taal wordt een ’declaratie’ genoemd. Doriane nodigde een groep van kunstenaars en kunstenaressen, schrijvers en schrijfsters, amateurs, ontwerpers en ontwerpsters en hackers om samen te onderzoeken een verschuiving in ontwerppraktijken die voortkomen uit de aard van het web: omdat het uit tekst bestaat, wordt het schrijven ook het vormgeven. Makers van het web worden zowel auteurs als architecten, en websites worden een werk van articulaties. Vervolgens worden vragen gesteld zoals wie beslist over de woorden die we gebruiken om het web vorm te geven, en wat doen ze met ons gebruik van technologie? De groep onderzocht hoe de kneedbaarheid van taal wordt gebruikt om een dialoog aan te gaan met een veelheid aan onbekende doeken; hoe, vergelijkbaar met de keuze van woorden die we besluiten te gebruiken om een verhaal te vertellen, het ontwerpen met verklaringen iets zegt over onze bedoelingen en verhalen codeert in de dingen die we maken. De eerste resultaten van dit onderzoek worden getoond in een installatie in de vitrine van Constant.
********** English ********** Given the tremendous challenge facing us—namely preserving the habitability of the earth for future generations, how do creators, artists and designers, engage in thinking and practices that reinvent our ways of existing in today’s world? Co-curated by Nathalie Guiot and Yann Chateigné Tytelman, the exhibition brings together 37 artists and designers to explore new narratives of transition and new ways of conceiving and producing in the face of depleting planetary resources. In dialogue with works from its collection, the Fondation opens itself to being an experimental and prospective system at the crossroads of art, design and ecology. Each exhibition space of the house–both intimate and conducive to long timelines and events–is organised around a specific theme. It approaches art and design as means of making living matter visible as a field of innovation, and to perpetuate the beauty of knowledge and traditions, the depth of gestures and techniques, in the era of technological hyperconnectivity. Ecoscenography based on natural and bio-sourced materials conceived by Bento Architecture, Bruxelles
 ______ Opening week-end Public opening Friday 12 April 2024, 4pm to 9pm in presence of the artists Saturday 13 April 2024 : « Regenerative Assembly », CIVA + Guided tours of the exhibition at 4pm by the curators, artists and scenographers ********** Français ********** Face au plus grand défi qui nous traverse – celui de préserver l’habitabilité de la terre pour les générations futures – comment les créateur.rice.s engagent-ils et elles une réflexion et des pratiques à même de réinventer nos façons d’être au monde ? Sous le commissariat de Nathalie Guiot et de Yann Chateigné Tytelman, l’exposition réunit 37 artistes et designers autour de nouveaux récits de la transition et des nouvelles façons de concevoir et produire face à l’épuisement des ressources planétaires. En dialogue avec des œuvres de la collection, la Fondation propose un parcours expérimental et prospectif, au croisement de l’art, du design et de l’écologie. Chacun des espaces de la maison à Bruxelles – lieu à la fois intime et propice au temps long et à la rencontre – s’organise autour d’un thème spécifique et aborde l’art et le design comme autant de moyens de rendre visible la matière vivante comme champs d’innovation, et d’explorer la beauté des savoirs-faire qu’insuffle la répétition des gestes et des techniques à l’ère de l’hyperconnectivité technologique. Écoscénographie conçue en matériaux naturels et biosourcés par Bento Architecture, Bruxelles
 _______ Week-end d'ouverture Vernissage public le vendredi 12 avril 2024, 16h-21h en présence des créateur.rices Samedi 13 avril 2024 : « Regenerative Assembly », CIVA + Visites racontées de l’exposition à 16h par les commissaires, les artistes et designers, et les scénographes.
********** English ********** Given the tremendous challenge facing us—namely preserving the habitability of the earth for future generations, how do creators, artists and designers, engage in thinking and practices that reinvent our ways of existing in today’s world? Co-curated by Nathalie Guiot and Yann Chateigné Tytelman, the exhibition brings together 37 artists and designers to explore new narratives of transition and new ways of conceiving and producing in the face of depleting planetary resources. In dialogue with works from its collection, the Fondation opens itself to being an experimental and prospective system at the crossroads of art, design and ecology. Each exhibition space of the house–both intimate and conducive to long timelines and events–is organised around a specific theme. It approaches art and design as means of making living matter visible as a field of innovation, and to perpetuate the beauty of knowledge and traditions, the depth of gestures and techniques, in the era of technological hyperconnectivity. Ecoscenography based on natural and bio-sourced materials conceived by Bento Architecture, Bruxelles
 ______ Opening week-end Public opening Friday 12 April 2024, 4pm to 9pm in presence of the artists Saturday 13 April 2024 : « Regenerative Assembly », CIVA + Guided tours of the exhibition at 4pm by the curators, artists and scenographers ********** Français ********** Face au plus grand défi qui nous traverse – celui de préserver l’habitabilité de la terre pour les générations futures – comment les créateur.rice.s engagent-ils et elles une réflexion et des pratiques à même de réinventer nos façons d’être au monde ? Sous le commissariat de Nathalie Guiot et de Yann Chateigné Tytelman, l’exposition réunit 37 artistes et designers autour de nouveaux récits de la transition et des nouvelles façons de concevoir et produire face à l’épuisement des ressources planétaires. En dialogue avec des œuvres de la collection, la Fondation propose un parcours expérimental et prospectif, au croisement de l’art, du design et de l’écologie. Chacun des espaces de la maison à Bruxelles – lieu à la fois intime et propice au temps long et à la rencontre – s’organise autour d’un thème spécifique et aborde l’art et le design comme autant de moyens de rendre visible la matière vivante comme champs d’innovation, et d’explorer la beauté des savoirs-faire qu’insuffle la répétition des gestes et des techniques à l’ère de l’hyperconnectivité technologique. Écoscénographie conçue en matériaux naturels et biosourcés par Bento Architecture, Bruxelles
 _______ Week-end d'ouverture Vernissage public le vendredi 12 avril 2024, 16h-21h en présence des créateur.rices Samedi 13 avril 2024 : « Regenerative Assembly », CIVA + Visites racontées de l’exposition à 16h par les commissaires, les artistes et designers, et les scénographes.
********** English ********** Vishal Kumar Gupta, Sosa Joseph, Siji Krishnan, Sneh Mehra, Deena Pindoria, Osheen Siva, Raja Babu Sharma, Shine Shivan, Tantra Paintings, Rateesh T., Aji VN, T. Venkanna, Acharya Vyakul… ********** Français ********** Modesti Perdriolle Gallery présente un solo show de Samantha McEwen, artiste anglo-américaine née à Londres en 1960, avec un ensemble d'œuvres des années 1980 à nos jours. A cette occasion sera lancée la première monographie dédiée à la vie et à l'œuvre de Samantha McEwen publiée par 5 Continents Éditions. Samantha McEwen arrive à New York à l’âge de 18 ans. Elle s’inscrit à la School of Visual Arts où elle sympathise avec l’un des étudiants, Keith Haring, puis Kenny Scharf. New York est alors un village où tous les artistes se côtoient. Samantha participe à la vie intense de l’East Village. Elle collabore à de nombreuses expositions aussi bien dans des Clubs qu’à la galerie Tony Schafrazi en 1985 et 1987. La fin des années 1980 est marquée par le Sida. New York devient une ville où l’on ose plus demander des nouvelles de ses proches. Samantha se réinstalle à Londres. Ce ne sont pas des années faciles pour les artistes femmes. Il faudra attendre les années 2010 pour voir à nouveau des peintures de Samantha McEwen dans des lieux renommés, en 2015 à la Pace Gallery de Londres dans une exposition de groupe en hommage au grand marchand anglais Robert Fraser et en 2017 au MoMA dans l’exposition témoignage 'Club 57, Film, Performance, and Art in the East Village, New York, 1978-1983'.
À l'occasion de son premier anniversaire, Talk C.E.C, nouvel espace de Création d’Expériences Culturelles, célèbre une année de découvertes et d'engagements artistiques ! Niché au sein de l’ancienne manufacture de porcelaine Demeuldre, nous vous donnons rendez-vous du 12 avril au 7 juillet à venir (re)découvrir l’exposition évolutive et immersive Mers & Océans. De nouveaux artistes prennent part à cette aventure, avec une volonté de mettre en valeur le patrimoine architectural de notre lieu afin de créer une symbiose parfaite entre l'exposition et son environnement. En explorant chaque niveau, chaque couloir et chaque salle, vous êtes plongé dans un dialogue constant entre l'art, la science, et l’histoire du lieu, créant ainsi une expérience inédite se déroulant dans 3.500 mètres carrés. Il fallait bien un endroit aussi emblématique que l’ancienne manufacture de porcelaine Maison Demeuldre et ses 3500 m2 pour se mesurer à un thème d’une telle envergure ! L’exposition biennale Mers & Océans a été pensée pour refléter l'évolution constante de notre compréhension de l’environnement et de ses enjeux. Imaginée comme un laboratoire d’idées, au total ce sont 60 artistes et des scientifiques du monde entier qui ont contribué à la réussite de ce projet ambitieux. Chaque pièce offre une expérience unique et immersive. Au programme : fresques murales, expériences visuelles et sonores, installations, événements scéniques et conférences avec le public rythmeront ce véritable voyage dans les profondeurs marines. Sans plus attendre, achète tes billets maintenant pour Mers & Océans à Ixelles !