Scène Slam

Description

Venez (re)découvrir cette poésie orale née à Chicago dans les années 1980, qui fait le bonheur des autodidactes et des amateur·ices d’écriture. Ouvertes à toutes et tous, les soirées slam sont connues pour la variété et la richesse des textes, l’ambiance conviviale, l’écoute et le respect audelà des différences, sur scène comme dans le public.

Avec le collectif enV.I.E.S.

Programme de la soirée
> 18h > 19h : Ateliers gratuits
Pour celles et ceux qui veulent se frotter à l’écriture ou peaufiner leur texte avant la scène, des ateliers gratuits vous attendent
dès 18h… – Réservation souhaitée pour les individuel·les et obligatoire pour les groupes au +32 (0)65 39 59 39 ou à public@surmars.be

> 19h30 : Inscriptions des slameur·ses

> 20h : Ouverture de la Scène Slam

Les autres Scènes Slam de la saison…
Autres rendez-vous de la saison, en partenariat avec la Maison Culturelle de Quaregnon et le Centre Culturel de Frameries :

22 septembre 2022 : Maison Folie
20 octobre 2022 : Centre culturel de Frameries
17 novembre 2022 : Maison Folie
12 janvier 2023 : Maison culturelle de Quaregnon
16 février 2023 : Centre culturel de Frameries
23 mars 2023 : Maison Folie
27 avril 2023 : Centre culturel de Frameries
25 mai 2023 : Maison Folie
29 juin 2023 : Maison culturelle de Quaregnon

Date info

18:00:00

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Suggested events

Drama
11apr.
-19:00
Le show où vous découvrirez l’envers du décor Si vous aimez le théâtre, la danse et la musique, ne manquez pas Drama, la nouvelle création de Constanza Macras. Dans un décor de revue, dix performeur·ses et deux musicien·nes internationaux enchaînent les chorégraphies délirantes, avec une énergie qui semble illimitée. Que découvrirez-vous sous le glamour et les paillettes ? Et si le drame était partout, pas seulement sur scène ? Avec humour et lucidité, la compagnie DorkyPark offre un portrait acéré de notre époque.   Constanza Macras DorkyPark   En allemand et anglais avec surtitres en français Bus cocktail au départ de la Place Nervienne à 19h Sur réservation à public@surmars.be
Luc Apers est comédien et magicien depuis plus de 30 ans et expert dans le domaine de la tromperie. L'Enfumeur, c'est lui ! Pourtant, cette fois-ci, il a décidé de vous dire la vérité, en dévoilant en détail le pourquoi et le comment de ses techniques. Mais le fait de savoir vous empêchera-t-il de vous faire encore avoir à Qui prend le pari à Teinté de l'humour pince-sans-rire de Luc Apers, L'Enfumeur est un spectacle de magie réjouissant dont certains tours nous laissent pantois et admiratifs. Un spectacle qui, au-delà des effets magiques et de l'humour, incite à une réflexion sur les préjugés et les certitudes.
Comment entrer en relation quand nos vies avancent en parallèle à From IN puise son inspiration dans le caractère à de la calligraphie chinoise, qui signifie " Humain ". Deux traits venant de directions opposées et qui pourtant se rejoignent. Avec son langage tout en épure, Xie Xin livre ici une chorégraphie de la solitude et de la recherche de l'autre. En solo, duos ou en groupe, les corps des huit danseuses et danseurs se séparent et se retrouvent avec une fluidité impressionnante. Figures fantasmatiques et mystérieuses, semblables et tous différents, ils forment une entité mouvante et organique, dans une performance d'une rare élégance.
C'est bien de s'ennuyer, ça fait travailler l'imagination ! Enfant, on a tous entendu cette phrase, qu'on répète sans doute aux nôtres. Les six artistes de la compagnie Lamento nous entraînent à travers ces moments où le temps s'étire, ces instants vides qu'ils remplissent de leurs imaginaires. Tiens, une bâche ! Tiens, une table ! Tiens, un corps ! Mais que pourrait-on bien en faire ? Alors, sur scène comme dans une chambre d'enfant, elles et ils s'inventent des histoires, expérimentent, détournent les objets, emboîtent les corps. Voyage au bout de l'ennui est un spectacle facétieux, coloré et tonique, hommage à ces dimanches après-midis qu'il faut chérir, car c'est là que naissent les artistes.
Drama
11apr.
-20:00
Que peut encore le théâtre (et en l'occurrence la danse) quand la vie est devenue un spectacle permanent ? Quand un buzz chasse l'autre sur les réseaux sociaux et que les fake news fascinent, comment retenir l'attention du public, aussi courte que précieuse ? C'est entendu, il va falloir en faire des caisses. Dix danseuses et danseurs intrépides ressuscitent alors les mythes du théâtre d'hier et d'avant-hier, de la tragédie grecque au music-hall des années 1920, pour voir ce qu'on pourrait encore en tirer. Avec une explosion de couleurs sur le plateau et de drames en coulisses, et non sans un regard lucide sur l'industrie du spectacle, Drama de Constanza Macras est une comédie musicale intrépide au chaos joyeux, qui agit comme un anti-dépresseur.
La compagnie Toutito Teatro revisite tout en douceur, dans un spectacle gestuel et visuel, le conte du Petit Chaperon Rouge. Installés confortablement sur la scène comme dans une clairière, les enfants sont d'abord invités à se familiariser avec l'univers sensoriel de la forêt. Elles et ils y découvrent des arbres rouges, des pépiements d'oiseaux, une petite fille, vêtue de rouge elle aussi. Puis des paysages, des chemins, des personnages sortis des costumes des comédiens. À petit pas, elles et ils s'en vont à la découverte du monde... et du loup. Entre théâtre d'objets, danse et marionnette, À petits pas dans les bois est un spectacle intimiste, plein de poésie et de facétie, un récit initiatique pour donner le goût de l'inconnu aux tout-petits !
Grâce à son humour toujours aiguisé, son autodérision il vous donne son ressenti de la vie dans cette " société de beaux gosses ". Après le succès ses rôles au cinéma dans "Neuilly sa mère" et "Beur sur la ville" et après le carton de sa pièce de théâtre "La grande évasion", Booder revient à ses premiers amours : le one man show, pour votre plus grand plaisir. Son expérience dans le domaine artistique, ses rencontres, son fils, son pays d'origine, tout y passe.
La danse est partout, y compris et surtout entre deux corps en train de tomber amoureux. Entremêlant son répertoire à celui de Pina Bausch avec Club Amour, Boris Charmatz ajoute de nouveaux gestes au langage de la passion et convie les spectateurs à une soirée agitée, composée de trois pièces dont l'amour, les amours, le désir, les désirs, forment le coeur. La passion ne s'annonce pas : elle surgit, imprévisible et brutale. Dans le mythique et sublime Café Müller (1978) de Pina Bausch, les êtres se cherchent désespérément, tentent de s'étreindre, mais toujours vainement, emprisonnés dans leurs solitudes. Aatt enen tionon, toute première pièce signée par Boris Charmatz en 1996, est une superposition vertigineuse de corps dansants, séparés, et pourtant ensemble. D'une autre intensité encore est la chorégraphie en duo de herses (1997), où les peaux ne se quittent jamais, en complète nudité.
Après le succès retentissant de son premier spectacle, Sylvie VDS revient avec encore plus de mordant et d'irrévérence. Dans "La Spiritualité Mon Cul", elle explore avec une franchise désarmante les aspects souvent mystérieux et ésotériques de la vie quotidienne. À travers une série de sketches hilarants, de monologues percutants et d'anecdotes incisives, elle démonte les clichés entourant la spiritualité pour révéler ce qu'elle appelle le vrai "moi intérieur" - celui qui peut être à la fois profondément spirituel et tout à fait terre-à-terre. Dans ce spectacle, Sylvie VDS se lance à bras ouverts dans des sujets aussi variés que l'égo et ses ruses, la puissance inouïe de l'imagination humaine, les mystères de l'inconscient qui influencent nos choix, ainsi que le rôle parfois hilarant et maladroit du sexe dans nos vies. Elle combine avec brio ses observations aiguisées sur la nature humaine avec des anecdotes personnelles, créant ainsi un spectacle qui fait rire autant qu'il fait réfléchir. "La Spiritualité Mon Cul" ne craint pas d'aller là où d'autres n'osent pas s'aventurer. Tout en conservant la signature comique, authentique et surréaliste qui a captivé son public, Sylvie pousse les limites pour démystifier la spiritualité d'une manière tout à fait unique et inattendue. Ce spectacle vous fera rire tout en vous invitant à remettre en question vos croyances et à explorer les coins sombres et lumineux de votre propre être. Si vous avez aimé "Authentique et puis c'est tout", préparez-vous à une nouvelle dose de franche rigolade et de réflexion profonde avec "La Spiritualité Mon Cul". Achetez vos billets dès maintenant et rejoignez Sylvie VDS pour une soirée où l'humour décalé et la pensée profonde se rencontrent de manière inoubliable. L'équipe de La Ruche Théâtre Royal se donne sans compter pour vous garantir une soirée chaleureuse, familiale, professionnelle ou vous reviendrez pour son authenticité.
Efeu
29mrt.
-20:00
Après deux pièces marquées par l’état tourmenté du monde, Thomas Hauert plonge dans le rapport physique entre la vie et la terre. Efeu, lierre en allemand : plante de lien et de soin. Six interprètes se relaient pour composer ce quatuor mouvant, fait d’antagonismes, de résistance, de cohésion. À l’encontre de l’entropie, cette tendance au chaos propre à tout système physique, les êtres vivants constituent une sorte d’anomalie avec leur propension à s’unir mais aussi leur aspiration au mouvement — dût-il, tel le lierre, défier la gravité. Sur ce terreau, le chorégraphe et ses complices de toujours composent un quartet à géométrie variable (pour six danseur·euse·s), une pièce jamais figée, recréée à l'infini par l'improvisation inhérente à sa distribution changeante. S'y réaffirme la quintessence collective de la danse selon Thomas Hauert. Après le profus How to proceed (2018) et l’austère If Only (2020), qui observaient les corps marqués par l’état du monde, Efeu (2022) place le monde face aux états du corps. Avec ses transitions quasiment symphoniques, sa bande-son entre variété italienne et musique contemporaine, son langage organique et abstrait à la fois, Efeu fait méthode et matière des structures sociales qu’il articule, avec toujours cette si généreuse "écoute active" à l’œuvre entre les interprètes et contaminant le public. In tegenstelling tot entropie, de neiging tot chaos die inherent is aan alle fysieke systemen, zijn levende wezens een soort anomalie, met hun neiging tot eenheid maar ook hun verlangen naar beweging - zelfs als ze, net als klimop, de zwaartekracht tarten. Tegen deze achtergrond componeren de choreograaf en zijn vaste kompanen een kwartet met variabele geometrie (voor een cast van zes dansers en danseressen), een stuk dat nooit stilstaat, eindeloos herschapen door de improvisatie die inherent is aan de wisselende bezetting. Het bevestigt de essentie van het collectieve karakter van dans volgens Thomas Hauert. Na het overdadige How to proceed (2018) en het sobere If Only (2020), waarin lichamen werden geobserveerd die getekend waren door de toestand van de wereld, confronteert Efeu (2022) de wereld met de toestanden van het lichaam. Met zijn bijna symfonische overgangen, zijn soundtrack die Italiaanse variété en hedendaagse muziek combineert, zijn taal die zowel organisch als abstract is, is Efeu zowel de methode als het materiaal van de sociale structuren die het naar voren brengt, steeds met dat zo genereuze 'actieve luisteren' tussen de performers dat overslaat op het publiek. In contrast to entropy, the tendancy for chaos inherent in any physical system, living things are an anomaly because of their propensity to come together and their desire for movement – even if, like ivy, it defies gravity. In this fertile breeding ground, the choreographer and his long-term collaborators form a quartet of variable geometry (for a cast of six dancers) a formation that is never fixed, recreating itself ad infinitum through the improvisation inherent in its changing line-up. It reaffirms the collective quintessence of dance according to Thomas Hauert. After the lavish How to proceed (2018) and the austere If Only (2020), both of which observed bodies affected by the state of the world, Efeu (2022) brings the world face to face with states of the body. Using almost symphonic transitions, a soundtrack featuring Italian light music and contemporary pieces, and a language that is simultaneously organic and abstract, Efeu turns the social structures it is articulating into both its method and material, with as ever extremely generous “active listening” between the performers and contaminating the audience.