********** Français **********
Secteur de création en pleine effervescence, le cirque présente une richesse qui
correspond bien à la réalité bruxelloise. Convivial, familial, il fédère,
décloisonne les genres, les générations et les clivages sociaux. Il invite au
dépassement de soi, à l’émerveillement, au respect de l’autre et à la curiosité
********** Nederlands **********
Circus is een bloeiende artistieke sector en biedt een rijkdom die mooi aansluit
op de Brusselse realiteit. Het gezellige gezinsfestival verenigt en overstijgt
stijlen, generaties en sociale verschillen. Circus haalt het beste naar boven in
mensen en stimuleert verwondering, respect voor elkaar en nieuwsgierigheid.
Out of the blue
02februari 2023
-03februari 2023
Rue Royale-Sainte-Marie - Koninklijke Sinte-Mariastraat 22a, 1030 Schaerbeek - Schaarbeek, Brussels-Capital, Belgium
Description
*** Français ***
Frédéri et Sébastien, jusqu’alors acrobates terriens, s’immergent dans un aquarium géant et inventent une nouvelle discipline de cirque inattendue : l’apnée. Se jeter à l’eau n’est plus une métaphore. Se jouer de la gravité, retrouver les sensations de la vie fœtale, tel est le pari de ces hommes poissons. Derrière la performance se niche la pensée d’un monde auquel il convient de ne pas céder car terriblement autodestructeur. L’apnée réclame un état de conscience où l’écoute de soi, de son environnement, des autres, prime. Dans la lenteur des mouvements, s’esquisse alors un retour aux sources."Le spectaculaire d’Out of the blue, son statut de curiosité dans le milieu du nouveau cirque et dans celui de la plongée, n’empêchent donc pas Frédéri Vernier et Sébastien Davis-VanGelder de s’immerger dans des zones plus graves, parfois sombres" -Scèneweb, 23 mars 2022
*** Nederlands ***
Frédéri en Sébastien, tot nu toe grondacrobaten, duiken in een gigantisch aquarium en bedenken een nieuwe en onverwachte circusdiscipline : vrijduiken. In het diepe duiken is geen metafoor meer. Spelen met de zwaartekracht, de sensaties van een foetus herbeleven, dat is de uitdaging van deze meermannen. Achter de voorstelling schuilt de gedachte aan een wereld die niet mag worden opgegeven omdat ze vreselijk zelfdestructief is. Vrijduiken vereist een staat van bewustzijn waarin luisteren naar jezelf, je omgeving en anderen van het grootste belang is. In de traagheid van de bewegingen schetst zich een terugkeer naar de roots af."Le spectaculaire d’Out of the blue, son statut de curiosité dans le milieu du nouveau cirque et dans celui de la plongée, n’empêchent donc pas Frédéri Vernier et Sébastien Davis-VanGelder de s’immerger dans des zones plus graves, parfois sombres" -Scèneweb, 23 mars 2022
*** English ***
Frédéri and Sébastien, hitherto terrestrial acrobats, immerse themselves in a giant aquarium and invent a new, unexpected circus discipline : free-diving. Taking the plunge is no longer a metaphor. Playing with gravity, rediscovering the sensations of foetal life, that is the challenge for these human fish. Behind the performance lies the idea of a world to which it is not advisable to give in because it is terribly self-destructive. Free-diving requires a state of consciousness where listening to yourself, your environment and others is paramount. The slowness of the movements thus sketches out a return to the beginning."Le spectaculaire d’Out of the blue, son statut de curiosité dans le milieu du nouveau cirque et dans celui de la plongée, n’empêchent donc pas Frédéri Vernier et Sébastien Davis-VanGelder de s’immerger dans des zones plus graves, parfois sombres" -Scèneweb, 23 mars 2022
Circus
Date info
20:00:00
Info & Reservation
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Suggested events
Après les formidables Evidences inconnues, présentées en 2021 au CCU, Kurt Demey
revient défier les lois du vraisemblable. Sachez-le d’emblée : en sortant de
Réalités, on pense avoir compris certaines choses, on a des soupçons sur
certains points, mais il y a beaucoup d’éléments qu’il faudra accepter de ne pas
maîtriser. Avec ses fidèles complices, le contrebassiste Joris Vanvinckenroye et
le photographe Fabien Gruau, Kurt Demey amène l’ici là-bas, fait passer le passé
pour du présent et transforme l’absence en précence. Au point que l’on se
demande s’il ne serait pas capable de lire dans le futur. Réalités offre un
bouleversement des sens qui rappelle qu’il ne faut pas forcément croire tout ce
qu’on voit et que ce que l’on voit n’est qu’une petite partie de ce qui est. De
quoi perdre positivement les pédales.
********** English **********
"It may be a play, but it starts out like a film. The heart of the work is in
the cinema," Christiane Jatahy says of the play."It is through cinema that we
arrive on the stage.”
This story is 3000 years old, but it is replayed every day in cinema, but also
in Homer's ‘Odyssey.’ All over the world, people cross borders in search of
asylum or a home.
The film travels through Jenin, Palestine, refugee camps in Lebanon and Greece,
downtown Johannesburg, the Amazon rainforest and ends up in Rio de Janeiro. The
context of the filming may be documentary, but the whole thing is primarily
fiction. The actors in these communities take Homer's verses to speak about
their reality. The actors are manifestations of Odysseus, Penelope and
Telemachus, they draw a straight line from ancient Greek characters to each of
us, present, in the theatre.
For some people in exile or in countries at war, only the present exists, the
past is already too far away or almost destroyed, and the future is unthinkable.
Only the time of waiting remains. A present that overflows.
• Born in Rio de Janeiro, Christiane Jatahy has degrees in theatre and
journalism, and a Masters degree in art and philosophy. In January 2022,
Christiane Jatahy was awarded the Golden Lion at the Venice Biennale for her
entire theatrical work. Created in 2020, ‘Le présent qui déborde’, was filmed
in Palestine, Lebanon, South Africa, Greece and the Amazon. The film is in
dialogue with theatre and mixes fiction with real stories of refugee artists.
This production by Théâtre National Wallonie-Bruxelles has been performed at the
Avignon Festival and has toured in Europe, Asia and the United States.
********** Français **********
“C’est peut-être une pièce, mais ça débute comme un film. Le cœur du travail
se trouve dans le cinéma,” dit Christiane Jatahy de cette pièce. “C’est à
travers le cinéma que nous arrivons sur le plateau”.
A travers le cinéma mais aussi à travers l’‘Odyssée’ d’Homère: cette histoire
est vieille de 3000 ans mais elle se rejoue pourtant tous les jours. Partout
dans le monde, des hommes et des femmes traversent des frontières à la
recherche d’une terre d’asile ou d’un foyer.
Le fim traverse Jénine, en Palestine, des camps de réfugié·es au Liban et en
Grèce, le centre-ville de Johannesburg, la forêt amazonienne et fini à Rio De
Janeiro. Le contexte de ces tournages est peut-être documentaire, mais
l’ensemble est avant tout une fiction. Les acteur·ices de ces communautés
prennent les vers d’Homère pour parler de leur réalité. Les acteur.ices sont
des manifestations d’Ulysse, de Pénélope et de Télémaque, iels tirent une
ligne droite des personnages de la Grèce antique jusqu’à chacun·e de nous,
présent·es dans le théâtre.
Pour certaines personnes en situation d’exil ou dans les pays en guerre, seul le
présent existe, le passé est déjà trop loin d’elles ou presque détruit, et
le futur est inenvisageable. Ne subsiste alors que le temps de l’attente. Un
présent qui déborde.
• Née à Rio de Janeiro, Christiane Jatahy est diplômée en théâtre, en
journalisme, et titulaire d’un Master en art et philosophie. Christiane Jatahy a
reçu en janvier 2022 le Lion d’Or de la Biennale de Venise pour l’ensemble de
son oeuvre théâtrale. Créé en 2020, ‘Le présent qui déborde’, a été filmé
en Palestine, au Liban, en Afrique du Sud, en Grèce et en Amazonie. Ce film
dialogue avec le théâtre et mélange la fiction avec des histoires réelles
d’artistes réfugié·es. Cette production du Théâtreational Wallonie-Bruxelles a
été montrée au festival d’Avignon et a tourné en Europe, en Asie et aux
États-Unis.
********** Nederlands **********
"Het is dan wel een toneelstuk, maar het begint als een film. Het hart van het
werk ligt in de film," vertelt Christiane Jatahy over deze voorstelling. "Het is
via de film dat we op het toneel aankomen.”
Via cinema, maar ook via de Odyssee van Homerus: dit verhaal is 3000 jaar oud,
maar het wordt elke dag opnieuw gespeeld. Overal ter wereld steken mensen
grenzen over op zoek naar asiel of een thuis.
De film reist door Jenin, Palestina, vluchtelingenkampen in Libanon en
Griekenland, de binnenstad van Johannesburg, het regenwoud van de Amazone en
eindigt in Rio de Janeiro. De context van de opnames mag dan documentair zijn,
het geheel is vooral fictie. De acteurs uit deze gemeenschappen gebruiken de
verzen van Homerus om over hun werkelijkheid te praten. De acteurs zijn
manifestaties van Odysseus, Penelope en Telemachus, ze trekken een rechte lijn
van de personages van het oude Griekenland naar ieder van ons aanwezig in het
theater.
Voor sommige mensen in ballingschap of in landen in oorlog bestaat alleen het
heden, het verleden is al te ver weg of bijna vernietigd, en de toekomst is
ondenkbaar. Alleen de tijd van het wachten blijft over. Een heden dat
overloopt.
• Christiane Jatahy, geboren in Rio de Janeiro, is afgestudeerd in theater en
journalistiek, en heeft een master in kunst en filosofie. In januari 2022
ontving Christiane Jatahy de Gouden Leeuw op de Biënnale van Venetië voor haar
volledige artistieke theateroeuvre. The Overflowing Present', gemaakt in 2020,
werd gefilmd in Palestina, Libanon, Zuid-Afrika, Griekenland en het
Amazonegebied. De film is in dialoog met het theater en mengt fictie met echte
verhalen van gevluchte kunstenaars. Deze productie van het Théâtre National
Wallonie-Bruxelles was te zien op het Festival van Avignon en toerde door
Europa, Azië en de Verenigde Staten.
********** English **********
Jeanne Colin began in 2017 as a dancer and performer with Ayelen Parolin, Éric
Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste... exploring the relationship
between movement and the unconscious, blending disciplines and practices such as
dance, hypnosis and drawing. With Abysses, the young choreographer continues
this exploration by focusing on dreams and REM sleep, a state of rest in which
nightmares and fear prevail. Starting from this dichotomy between reality and
fiction, feeling and imagination, her piece begins in the form of a reading
after which she allows the body and senses to drift towards a free, liberated
dance. Playing physically and metaphorically with ropes, knots and lianas,
Abysses connects what is hidden and divided.
********** Français **********
Jeanne Colin a débuté en 2017 comme danseuse et interprète avec Ayelen Parolin,
Éric Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste... en explorant la
relation entre le mouvement et l'inconscient, mêlant des disciplines et des
pratiques telles que la danse, l'hypnose et le dessin. Avec Abysses, la jeune
chorégraphe poursuit cette exploration en s'intéressant aux rêves et au sommeil
paradoxal, un état de repos dans lequel les cauchemars et la peur prédominent.
Partant de cette dichotomie entre réalité et fiction, sentiment et imagination,
sa pièce débute sous la forme d'une lecture après laquelle elle laisse le corps
et les sens dériver vers une danse libre et libérée. Jouant physiquement et
métaphoriquement avec les cordes, les nœuds et les lianes, Abysses relie ce qui
est caché et divisé.
********** Nederlands **********
Jeanne Colin begon in 2017 als danseres en performer bij Ayelen Parolin, Éric
Minh Cuong Castaing, Tumbleweed, Louise Vanneste… met een onderzoek naar de
relatie tussen beweging en het onbewuste, waarbij ze disciplines en werkwijzen
zoals dans, hypnose en tekenen met elkaar vermengde. Met Abysses zet de jonge
choreografe deze verkenning verder door zich te richten op dromen en de
REMslaap, een staat van rust waarin nachtmerries en angst zegevieren. Met als
uitgangspunt deze tweespalt tussen realiteit en fictie, gevoel en verbeelding
vangt haar stuk aan in de vorm van een lezing waarna ze het lichaam en de
zintuigen laat drijven in de richting van een vrije, bevrijde dans. Abysses
speelt fysiek en metaforisch met touwen, knopen en lianen en verbindt wat
verborgen en verdeeld is.
********** Français **********
À l’occasion de la journée de la visibilité les·bi·enne, Go To Gyneco! organise
une soirée pour donner de la visibilité aux communautés lesbiennes, bies, pans &
co. Une soirée cabaret avec du stand-up, des performances drag, burlesque et des
stands de sensibilisation vous y attendent. C’est l’occasion de passer une bonne
soirée tout en ayant l’opportunité d’en apprendre plus sur la santé des
personnes lesbiennes, bies, pans & co. Ouverture des portes à 19h et début du
show à 20h
Cet événement a lieu dans le cadre de la Pride Week @rainbowcorporatepride et
dans le cadre de la Lesbian* Visibility Week.
********** Nederlands **********
Ter gelegenheid van de Dag van de Zichtbaarheid van Lesbiennes en Homo's
organiseert Go To Gyneco! een avond om de lesbische, homo-, pannen- en andere
gemeenschappen meer bekendheid te geven. Er staat je een cabaretavond te wachten
met stand-up, drag en burlesque optredens en bewustmakingsstands. Het is een
kans om een leuke avond uit te hebben en meer te weten te komen over de
gezondheid van lesbiennes, bies, pans & co. De deuren gaan open om 19.00 uur en
de show begint om 20.00 uur
Dit evenement vindt plaats in het kader van Pride Week @rainbowcorporatepride en
Lesbian* Visibility Week.
********** English **********
To mark Lesbian and Gay Visibility Day, Go To Gyneco! is organising an evening
to raise the profile of the lesbian, gay, pans and other communities. A cabaret
evening featuring stand-up, drag and burlesque performances and
awareness-raising stands awaits you. It's a chance to have a good night out and
learn more about the health of lesbians, bies, pans & co. Doors open at 7pm and
the show starts at 8pm
This event takes place as part of Pride Week @rainbowcorporatepride and Lesbian*
Visibility Week.
********** English **********
"My physique is the centrepiece of my career".
On stage, an extraordinary body defies the codes of dance and the laws of
physics. As dancer and choreographer Sofiane Chalal puts it bluntly : "People
meet me twice, as if my body were taking up all the space, even my own. This
almost schizophrenic duality between his life on stage and his life in the city
is the subject of Ma part d'ombre, his first show as a choreographer and his
first solo. It's almost a rite of initiation, dealing with very personal and
therefore universal subjects : the body as ally and enemy, and the paradox,
sometimes stimulating, sometimes painful, between what we perceive of ourselves
and what others see.
Sofiane Chalal tackles these issues with great sensitivity, and a characteristic
body language that combines the power of hip hop with the fragility of mime. As
comfortable in battles as he is in theatres, a winner of numerous competitions
and performer for Farid Berki, Brahim Bouchelaghem and Christophe Piret, and the
author of videos posted on social networks that are as much short choreographic
films, he challenges all preconceived ideas and doesn't fit into any box. Here
he lays himself bare in a proposal that combines dance, text and image,
exploring in his own singular, intuitive way the position of the artist and the
way the stage transforms him.
********** Français **********
« Être gros et danser.
Mon corps est l'outil de mon art.
C'est la première chose que l'on voit.
On me rencontre deux fois, comme si mon corps prenait toute la place, même la
mienne »
Sur scène, un corps hors norme défie les codes de la danse et les lois de la
physique. Danseur et chorégraphe, Sofiane Chalal l'assume sans ambages : « On me
rencontre deux fois, comme si mon corps prenait toute la place, même la mienne.
» Cette dualité presque schizophrène entre sa vie sur scène et sa vie à la ville
est le sujet de Ma part d'ombre, son premier spectacle en tant que chorégraphe
et son premier solo. Presqu'un rite initiatique, où il est question de sujets
très personnels, donc universels : le corps comme allié et ennemi, et le
paradoxe, parfois stimulant, parfois douloureux, entre ce que nous percevons de
nous-mêmes et ce que voient les autres.
Sofiane Chalal les aborde avec beaucoup de sensibilité, et une gestuelle
caractéristique qui charrie à la fois la puissance du hip hop et la fragilité du
mime. Aussi à l'aise dans les battles que dans les théâtres, à la fois lauréat
de nombreux concours et interprète pour Farid Berki, Brahim Bouchelaghem et
Christophe Piret, auteur de vidéos diffusées sur les réseaux sociaux qui sont
autant de courts métrages chorégraphiques, il bouscule toutes les idées reçues
et ne rentre dans aucune case. Il se met ici à nu dans une proposition qui mêle
danse, texte et image, et explore à sa manière singulière et intuitive la
position de l'artiste et la façon dont la scène le transforme. MA PART D'OMBRE -
Cie Chaabane / Sofiane Chalal / Manège Maubeuge from Manège Maubeuge on Vimeo.
BRUZZ : "Enfant, la danse était la seule chose que j'avais l'impression de faire
bien"
TARMAC rtbf "Le parcours des danseurs Hip Hop est souvent atypique puisque
l'envie de chacun est la recherche de la nouveauté mais aussi le surpassement de
soi-même." Avec Conception, texte, chorégraphie et jeu Sofiane Chalal
Régie générale, régie lumières Adrien Hosdez (en altern. avec Guillaume Bonneau)
Régie son Nicolas Tarridec (en altern. avec Rémi Malcou)
Scénographie et vidéo Pierre Nouvel
Animation vidéo Bilel Allem
Création sonore Mathieu Calmelet
Création lumières Adrien Hosdez
Co-autrice du texte Anne Lepla
Costumes NINII Fanny Dheygere
Regard intime Michèle Laroque
Regard extérieur Teresa Acevedo
Collaboration artistique Mickaël Phelippeau
Producteur Compagnie CHAABANE
Producteur délégué Manège Maubeuge Scène nationale
Coproducteurs L'échangeur, CDCN - Château-Thierry, La Rampe Scène conventionnée
danse et musiques - Echirolles, Les Halles de Schaerbeek, Le Phénix Scène
nationale - Valenciennes, Mars Mons arts de la scène, Secteur 7, CCDC Urbaines -
Maubeuge, Le Bateau Feu Scène nationale - Dunkerque
Avec l'aide de DRAC Hauts-de-France, Ville de Maubeuge
Avec le soutien de Centre Chorégraphique National Roubaix Hauts-de- France -
Sylvain Groud dans le cadre des résidences d'artistes, Gare numérique - Jeumont,
232U - Aulnoye-Aymeries, FLOW - Centre Eurorégional des cultures urbaines Lille
********** Nederlands **********
"Mijn lichaamsbouw is het middelpunt van mijn carrière".
Op het podium trotseert een buitengewoon lichaam de codes van de dans en de
wetten van de fysica. Zoals danser en choreograaf Sofiane Chalal het onomwonden
zegt : "Mensen ontmoeten me twee keer, alsof mijn lichaam alle ruimte inneemt,
zelfs die van mezelf. Deze bijna schizofrene dualiteit tussen zijn leven op het
podium en zijn leven in de stad is het onderwerp van Ma part d'ombre, zijn
eerste show als choreograaf en zijn eerste solo. Het is bijna een
inwijdingsritueel, waarin zeer persoonlijke en daarom universele onderwerpen aan
bod komen : het lichaam als bondgenoot en vijand, en de paradox, soms
stimulerend, soms pijnlijk, tussen wat we van onszelf zien en wat anderen zien.
Sofiane Chalal pakt deze onderwerpen aan met grote gevoeligheid en een
karakteristieke lichaamstaal die de kracht van hiphop combineert met de
kwetsbaarheid van mime. Hij voelt zich net zo op zijn gemak in battles als in
theaters, is winnaar van talloze wedstrijden en performer voor Farid Berki,
Brahim Bouchelaghem en Christophe Piret, en auteur van video's op sociale
netwerken die net zo goed korte choreografische films zijn, hij daagt alle
vooropgezette ideeën uit en past in geen enkel hokje. Hier legt hij zichzelf
bloot in een voorstel dat dans, tekst en beeld combineert, waarbij hij op zijn
eigen, intuïtieve manier de positie van de artiest onderzoekt en de manier
waarop het podium hem transformeert.
Curator Rosslyn Wythes, zelf actief als hedendaags danseres, stelde een
programma vol hedendaagse dans samen. Kom het ontdekken tijdens Dag Van De Dans!
FR - La conservatrice Rosslyn Wythes, elle-même danseuse contemporaine, a
élaboré un programme riche en danse contemporaine. Venez le découvrir à
l'occasion de la Journée de la danse !
EN - Curator Rosslyn Wythes, who's a contemporary dancer herself, put together a
programme full of contemporary dance. Come and discover it during Day Of Dance!
PROGRAMMA:
15:00 - 15:25 | MaRoNes
15:25 - 15:45 | Briana Ashley Stuart
15:45 - 16:15 |Sara Tan
16:30 - 16:50 | ROSAS Dancing kids
Dag van de Dans is een dag om dans te vieren en de manier waarop beweging ons
als gemeenschap verbindt. Jong, oud en iedereen met twee linkervoeten is
uitgenodigd om dit jaar mee te doen
Je kan bijvoorbeeld meedoen met 'sylvan' van Sara Tan & Eric Bribosia. Als je
kleinere kinderen hebt of de kriebels voelt om je stoffige dansschoenen uit de
kast te trekken, kom dan naar Sara's workshops en je krijgt de kans om samen met
ons op te treden.
De tieners van het Dancing Kids Dans en Performance programma van Rosas brengen
'Mini Wave', een danswerk waarin ze moeten onderhandelen, compromissen sluiten
en samenwerken terwijl ze improviseren en door rigide structuren navigeren.
Briana Ashley Stuart creëert muziek met haar lichaam door middel van
traditionele afro-amerikaanse stepping in 'Becoming Together'. Haar energie is
aanstekelijk, je kan je niet inhouden om met je voeten te tikken of mee te
klappen.
Een triowerk van MaRoNes leidt je door een mediatieve reis. Met 'Listening the
Trees with you Eyes wide Open' ontdekken we hoe aanraking je zorg kan bieden.
********** English **********
DREAM is a five-hour score moving between music, dance and theater. The artists
bring to the stage a durational performance, an action without beginning or end,
long enough to make one forget the very concept of time. The viewer will be able
to move, doze off or dream to his or her heart’s content. Spectators are invited
to visit the space for as long as they wish, as if they were inside a museum.
The dramaturgical and aesthetic framework, that generates and alters the
performers’ state, is formed by music performed live by the pianist, soundscapes
composed by Aurora Bauza and Pere Jou, and lighting by Valeria Foti.
Alessandro Sciarroni is an Italian performance artist who involves professionals
from different disciplines and uses techniques from dance, as well as circus or
sports. In 2019 he received the Golden Lion for Lifetime Achievement in Dance by
the Venice Biennial.
In collaboration with the Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles.
The public is free to move around the space, to leave and re-enter. You can
arrive at any time and watch the performance for as long as you wish. Depending
on the number of visitors, you may have to wait before you can enter. Last
admission is at 10.30 pm
********** Français **********
DREAM est une partition de cinq heures qui oscille entre la musique, la danse et
le théâtre. Les interprètes mettent en scène une performance de longue durée,
une action sans début ni fin, suffisamment longue pour faire oublier la notion
même de temps. Le spectateur pourra bouger, s'assoupir ou rêver à sa guise. Le
public est invité à visiter l'espace aussi longtemps qu'il le souhaite, comme
s'il était à l'intérieur d'un musée. Le cadre dramaturgique et esthétique, qui
génère et modifie l'état des interprètes, est formé par la musique interprétée
en direct par le pianiste, les paysages sonores composés par Aurora Bauza et
Pere Jou, et les éclairages de Valeria Foti.
Alessandro Sciarroni est un artiste de performance italien qui fait appel à des
professionnels de différentes disciplines et utilise des techniques issues de la
danse, mais aussi du cirque ou du sport. En 2019, il a reçu le Lion d'or de la
Biennale de Venise pour l'ensemble de sa carrière dans le domaine de la danse.
En collaboration avec l'Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles.
Le public est libre de se déplacer dans l'espace, de le quitter et d'y revenir.
Vous pouvez arriver à tout moment et assister à la performance aussi longtemps
que vous le souhaitez. En fonction de l'affluence, il se peut que vous deviez
attendre avant de pouvoir entrer. La dernière admission se fera à 22h30.
********** Nederlands **********
DREAM is een vijf uur durende voorstelling die zweeft tussen muziek, dans en
theater. De artiesten brengen een duurvoorstelling, een actie zonder begin of
einde, lang genoeg om het concept van tijd te vergeten. De toeschouwer kan naar
hartenlust bewegen, wegdommelen of dromen. Het publiek is vrij om de ruimte te
bezoeken zo lang als ze willen, alsof ze zich in een museum bevinden. Het
dramaturgische en esthetische kader, dat de toestand van de performers genereert
en verandert, wordt gevormd door livemuziek, uitgevoerd door de pianist,
soundscapes gecomponeerd door Aurora Bauza en Pere Jou, en belichting door
Valeria Foti.
Alessandro Sciarroni is een Italiaanse performancekunstenaar die professionals
uit verschillende disciplines betrekt en technieken uit dans, maar ook uit het
circus of sport gebruikt. In 2019 ontving hij de Gouden Leeuw voor Lifetime
Achievement in Dance van de Biënnale van Venetië.
In samenwerking met Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles.
Het publiek is vrij om zich door de ruimte te bewegen, om te vertrekken en
opnieuw binnen te komen. Je kunt op elk moment arriveren en de voorstelling
volgen zolang je wilt. Afhankelijk van het aantal bezoekers kan het zijn dat je
even moet wachten voordat je naar binnen kunt. De laatste toegang is om 22.30
uur.
Guest artists will present a spontaneous performance on Thursdays at 19:00.
Tictac Art Centre holds weekly workshops directed by talented world-renowned
dance artists, who have come to Brussels to share their work. On Thursdays these
dance artists are invited to share a glimpse of their approach to performing for
the workshop participants and general public. Tictac opens this space so the
transmission of dance through teaching and performing can go hand in hand.
Please, always check our social media in case of a possible Thursday performance
cancellation.
When there are two workshops happening in the same week, the artists are mostly
presented in a shared evening, which also offers the opportunity to do something
together or not. Especially in the intensive workshops, participants are also
invited to perform and show whatever they’ve been doing during the classes but
in a performance setting.
Time:
Performance starts at 19:00 (be on time!). Tictac doors, cantine, and courtyard
are open from 18:00.
Duration:
20 to 60 min (approx).
The entry fee is on a donation-base (suggestion of minimum 5 €) and free for the
participants of the workshops of that week.
********** Nederlands **********
Beginpunt: Parc Royal (Parc de Bruxelles): bij de grote fontijn (dichtbij
Théâtre Royal du Parc). Ga binnen via de Wetstraat en volg de borden 'rue
libre'.
Gratis evenement in de openbare ruimte met meerdere voorstellingen.
********** Français **********
Point de départ : Parc Royal (Parc de Bruxelles) : à la grande fontaine (près du
Théâtre Royal du Parc). Entrer par la rue de la Loi et suivre les panneaux "rue
libre".
Événement gratuit dans l'espace public avec de multiples représentations.
********** English **********
Starting point: Parc Royal (Parc de Bruxelles): at the big fountain (close to
the Théâtre Royal du Parc). Enter via Rue de la Loi and follow the signs 'rue
libre'.
Free event in public space with multiple performances.